Hay momentos en los que el silencio se torna necesario, en los que echar el freno se convierte en una necesidad vital y profesional. Porque para volver a conectar con una misma, es necesario adentrarse en ese arduo camino que es el autoconocimiento. Que se lo digan si no a Kuve, quien después de dos años de silencio – en los que la pandemia nos ha dejado tocadas a todas -, ha vuelto con más fuerza que nunca. Tal es así que la artista y compositora murciana inauguró este iniciático 2023 con sus nuevos sencillos de adelanto «Queen M», «Xena», «Cari Cari» y la recién estrenada «Fluye». Unas canciones que no hacen más que mostrar la nueva era de la autora que regresa más empoderada, potente y fuerte que nunca. Unas canciones que estarán incluidas en el que será su próximo, inminente y liberador trabajo discográfico «No Drama».
Un camino que no ha estado exento de dificultades pero que, ante todo, ha sido muy gratificante. Tal es así que con su último lanzamiento «Fluye», que llegó a nuestras vidas el pasado viernes 16 de junio, la artista ha querido explicar más y mejor cómo surgió. De manera natural y en casa, ese lugar de seguridad que le ayudó a liberarse, a desahogarse, a soltar todo lo que llevaba dentro sin miedo y sin pretensiones. «De repente, la palabra fluye se incrustó en mi cabeza y ya no podía salir de ahí. No sabía si quedaba bien o era una peli mía, así que terminé de escribir la canción y llamé a mi madre para que subiera a la buhardilla a escucharla. Cuando empezó el estribillo se levantó de la silla y empezó a bailar y al final del tema ya la cantaba como si la hubiera escuchado cuarenta veces. Yo me puse a bailar con ella y ahí supe que este tema era un tema especial», detalla Kuve en sus redes sociales.
La mejor manera de dar comienzo a esta nueva etapa, en la que Maryan Frutos aka Kuve también ha prometido dar sus primeros conciertos de presentación. Tal es así que el 27 de octubre aterrizará en la Sala Wolf de Barcelona y el 16 de noviembre en la Sala Boite de Madrid. Las entradas para ambos conciertos ya se encuentran disponibles en Codeticketsy Notikumi, respectivamente. Por lo demás, habrá que esperar a ver si se confirman nuevas fechas. ¿Estáis preparados para todo lo que está por llegar? Pues agarraos fuerte, que se vienen curvas.
Negar una obviedad tan clara como el hecho de que nos dirigimos hacia el colapso mundial sería completamente ilógico. No lo decimos nosotras, nos lo canta la banda madrileña Rayo que, tras debutar con su primer «Jungla» en 2019, han dado un paso al frente con su nuevo trabajo discográfico «Turbocapitalismo 3000», que vio la luz este pasado viernes 16 de junio. Con una identidad mucho más cruda, más directa, más industrial y más máquina, la formación liderada por Tábata Pardo, Ágata Ahora y María Frigo nos plantea un viaje al futuro inmediato, solo un paso por delante de este presente acelerado, violento, hostil y kamikaze que habitamos. Una dosis de realidad en estado puro, que se nos ha clavado en la mente – y en el corazón – a partes iguales. ¿Cómo se gestiona tanta verdad en tan poco tiempo?
Cuatro años han pasado desde que escucháramos a Rayo por primera vez. Cuatro años y una pandemia de por medio que, por mucho que queramos, no ha facilitado las cosas. De ahí que la rabia y la decepción sean, en cierto modo, el nexo de unión y el punto de partida en ambos álbumes que se han materializado. La negación y la resistencia ante una especie que no hace más que cargarse el planeta que habitamos. Una especie que es la nuestra. Por fortuna, siempre nos quedará la rebelión y la insumisión como alternativas, y la música como altavoz. En este aspecto, las madrileñas son nuestras mejores representantes.
Por lo pronto, este álbum producido mano a mano junto a Fran Meneses de Metropol Estudios, este «Turbocapitalismo 3000» ya es nuestro. Como si de un arma se tratara. Pero no un arma de las que dañan o asesina, si no de las que te remueven la conciencia. La gran revelación y verdad a seguir, el punto de partida que supondrá el inicio de la revolución. Revolución que llegará hasta los escenarios (porque sí, amigxs, después del lanzamiento, se vendrá gira de presentación). Aunque antes de que ese momento llegue, hemos charlado largo y tendido con Tábata y Ágata, dos de las integrantes de la banda. ¿Quieres saber de primera mano todo lo que nos contaron sobre el proyecto?
Si existe un grupo en el mundo merecedor de ser la banda sonora de nuestra vida, es Love Of Lesbian. Más de una década ha pasado desde que cayéramos rendidas ante las fauces de este místico John Boy, que enganchó al planeta entero con su música y su luz. Canciones salvavidas a las que recurriríamos una y mil veces si así fuera necesario. Desde – muy especialmente – «1999» hasta el más reciente «V.E.H.N (Viaje Épico Hacia La Nada)». Es lo que tiene ser un mago de la palabra, un artista con las melodías y un poeta en todos los niveles posibles.
Y es que si bien es cierto que «V.E.H.N» es un trabajo discográfico con el que han recorrido más de medio mundo desde que lo presentaran en abril de 2021 y cuya gira de presentación está ya prácticamente llegando a su fin. Tanto, que hace apenas unos meses anunciaban su último concierto en el WizInk Center de Madrid (4 de noviembre). Pero es que hace apenas cuatro días hicieron lo propio con la Razzmatazz 1 de Barcelona. Tanto que, tras agotar todas las entradas para el 1 de noviembre, anunciaron segunda fecha en breves. Será el 2 de noviembre y las entradas se ponen a la venta mañana 20 de junio a las 12.00 horas en musikaze.net.
Últimos coletazos de una gira que ha durado dos años y que aún les hará recorrer algunos de los festivales más importantes del estado como el Planeta Sound de Ponferrada (7 de julio), el BBK Live de Bilbao (8 de julio), el Pirineos Sur de Lanuza (14 de julio) y el Brisa Festival de Málaga (22 de julio). ¿Qué pasará después? Sólo deseamos que el futuro permanezca claro y que nos sorprenda con un puñado de nuevas canciones de Love Of Lesbian. Es lo único que le pedimos a la vida, es lo que más felices nos haría. Seguir en este bucle infinito repleto de magia y efectos especiales.
Cierto es que lleva tiempo avisándonos de que su nuevo EP estaba en camino, aunque no fue hasta el pasado 25 de mayo que vio la luz al completo. Pol Wagner firma así su regreso y lo hace por todo lo alto, con «A Hard Place» en nuestras manos. Un disco formado por cuatro canciones preciosas, que han sido a su vez, sinónimo de viaje. Viaje a través de sí mismo, un periodo de autoconocimiento y exploración, de expulsar todos los fantasmas que llevamos dentro y de liberarse después. Un proceso que ha sido largo, complejo, pero luminoso. Un proceso en el que no sólo ha compuesto las canciones – siendo «Calma» la primera que crea en castellano -, si no que también ha ejercido como productor del mismo.
¿Cómo adentrarse de lleno en un viaje del que ya no quieres salir?, ¿cómo hablar de temas tan dispares como la adicción al juego, la fama dentro de la industria musical o la inestabilidad de todas aquellas ciudades que podemos llegar a considerar bellas y pintorescas?, ¿cómo conseguir salir ileso de esta montaña rusa de emociones? Muchas preguntas sin resolver que sólo adquieren sentido cuando se escucha el EP de principio a fin. Un disco diverso, único y especial que, además, adquirirá una nueva dimensión en los directos. Momento en el que Pol Wagner estará acompañado por su infatigable banda The Classmates. De hecho, hace ya alguna semanas tuvieron su primera toma de contacto en casa, en La Marfà de Girona. Pero no será la única, ya que el próximo 2 de septiembre aterrizan de nuevo en les comarques gironines. En esta ocasión, para presentar las canciones de «A Hard Place» en la Sala La Mirona de Salt. ¿Os lo vais a perder?
Eso sí, mientras llega esta ansiada fecha, nosotras aprovecharíamos para echarle un ojo a la entrevista que le hicimos al artista hace apenas unos días. Esto es lo que nos contó sobre su proyecto musical y sobre su nuevo trabajo discográfico.
No hay domingo sin radar musical, más ahora que llega este calor intenso. A grandes males, grandes remedios. Y no hay nada como la música de Mister Co., Ryan Bradley, We Are Pigs y Becca James para curarnos y salvarnos de todo lo malo que existe en este planeta. ¿Alguien más que se atreva a adentrarse de lleno en este viaje de luz y de color? Venga, que arrancamos y ya no hay vuelta atrás.
Si hay alguien que encarne la verdadera naturaleza del arte, tejiendo historias universales con pasión y autenticidad, son el dúo musical procente de Australia, Mister Co. Sólo ellos son capaces de mezclar voces conmovedoras y elementos de pop moderno para crear una magnífica oda el uno al otro, pero también a su público: una oda a la conexión, al amor y al valor de perseguir los sueños más salvajes. Producto de todo ello, acaba de ver la luz su tercer single «Don’t Talk About It». Un cambio, un giro y la experimentación con los sonidos más rock. Una pieza liberadora, en la que la pareja explora la narrativa de ser mantenido emocionalmente cautivo por aquellos que dicen apoyarte. «La escribimos mientras reflexionábamos sobre los momentos de nuestras vidas en los que nos sentimos retenidos y limitados por personas que no querían que tuviéramos éxito con nuestra música, nuestro negocio y nuestra relación. Era nuestra oportunidad responder y dar nuestra opinión», explican Connor y Oscar Absolum.
Desde el corazón de Galway, llega Ryan Bradley para enamorarnos con su sensibilidad musical. Le bastó apenas una canción para demostrar ese derroche de energía que tiene. Precisamente fue con «Late Night Lads» con el tema con el que arrasó, recién cumplidos los 18 años. Pero es que tras el éxito de este iniciático sencillo, el artista y compositor ha vuelto a hacer alarde de su talento con su nuevo «Anthill Story». Una verdadera joya musical que ofrece un sonido sereno, de inspiración folk, que se hace eco de las reflexiones introspectivas que recuerdan a Bon Iver. La implicación de Ryan en todos los aspectos de la creación de la canción, desde la autoproducción hasta la interpretación de cada instrumento, demuestra su notable talento como artista polifacético y su compromiso por ofrecer una experiencia musical única. Dos pequeños grandes himnos que no hacen más que asentar a Bradley como uno de los grandes descubrimientos y figuras emergentes de su país. Todo gracias a su inquebrantable pasión por crear canciones auténticas y cercanas, combinada con sus habilidades musicales innatas.
California es hogar y refugio de la siguiente banda que pasa por nuestro radar musical de hoy. A ritmo de alt metal con riffs brutales, gritos descarados y melodías etéreas, llegan We are Pigs dispuestos darlo todo y arrasar con todo el mundo. Esa energía y electricidad capaces de meterse de lleno en nuestro cuerpo, para no salir jamás. Esa esencia que nos ha cautivado desde el primer segundom a pesar de no ser el estilo al que estamos acostumbradas habitualmente. Un combo ideal formado por el productor, compositor y artista Esjay Jones, junto al productor Billy Corgan y las colaboraciones de Brian «Head» Welch y Morgan Lander. Un combo ideal que nos ha regalado recientemente una canción de escándalo y que nos vuelve locas. Bajo el título de «Faded», es inevitable no caer rendida ante ellos. El inicio de una inmensa cantidad de canciones que todavía están por llegar y que, seguramente, nos sorprendan igual o incluso más.
Aunque para fenómenos inexplicables, tenemos a la cantautora y artista londinense Becca James. Talentosa y ecléctica, enamoró a propios y extraños tras el lanzamiento de su primera canción «Can’t Stop my Shine», en colaboración con Netflix. Éxito absoluto y muchos frutos por recoger, que le han valido la creación de una nueva joya musical preciosa y empoderadora. Así es como ha llegado a nuestras vidas «One». Un viaje espiritual a través de las profundidades del inconsciente colectivo, repleto de voces ricas y etéreas, baterías funky y guitarras brillantes. Inspirado en parte por la activista climática adolescente Greta Thunberg y su alegato al poder de 2018 «Our House is On Fire», este tema es el llamamiento de la autora a la unión, para que recordemos que todos somos fragmentos de la misma pieza de vidriera. «Es fundamentalmente una canción de protesta, que anima a la humanidad a alejarse de los comportamientos destructivos y, en su lugar, a vernos como parte de una comunidad entre nosotros, la naturaleza y el universo, en la que nuestras acciones tienen un efecto dominó sobre todos», explica. Todo un himno que no logramos sacarnos de la cabeza.
Fue a finales de año cuando saltó la noticia de que Marky Ramone, quien fuera batería de la mítica banda Ramones de 1978 a 1996, aterrizaría en España durante 2023 con su nueva y extensa gira. Pues bien, este anhelado momento ha llegado. Un total de doce fechas en nuestro país, que arrancaron este mismo jueves 15 de junio en el Café Antzokia de Bilbao y que siguió por la Acapulco de Gijón un día después y por el Porta Caeli de Valladolid ayer sábado. Pero es que todavía quedan muchos más asaltos que no nos perderemos por nada del mundo, así que apuntad por si acaso: Sound Club de Navalmoral de la Mata (18 de junio), Sala Changó de Madrid junto a Anti-Idols (21 de junio), la Ambigú de Córdoba (22 de junio), la Zahara de Ciudad Real (24 de junio), la 16 Toneladas de València (25 y 27 de junio), la Sala López de Zaragoza (28 de junio), la Sala Zero de Tarragona (29 de junio), la Sala Wolf de Barcelona (30 de junio) y el Club Mutante de Palma de Mallorca (2 de julio).
Acompañado de su banda Blitzkrieg, Marky Ramone’s Blitzkrieg repasarán los grandes temas de los Ramones junto con versiones de otros grupos, pero siempre con esa esencia a lo ramoniano. Así que sí, estamos más que convencidos de que su visita a la ciudad de Madrid no nos la perderemos por nada del mundo. Y es que, ¿quién sabe si este hecho histórico se volverá a repetir en breves? Ante la duda, allí esperamos. De hecho, todavía quedan algunas entradas para el concierto en la capital, ¿tienes ya la tuya? ¡Consíguela en la página oficial de Mutick o pinchando aquí! ¿A cuántos de vosotros nos encontraremos en la Changó? Tendría delito perdérselo, teniendo en cuenta que Marc Steven Bell es todo un icono punk rock, gracias a su hilarante trabajo en Ramones.
Descubrirla fue uno de los mayores regalos que nos ha dado la música en los últimos tiempos. Esa es nuestra realidad y la de Arlo Parks, quien con su particular manera de entender el mundo y cantarlo, nos ha enamorado por completo con su proyecto musical. La última prueba de ello ha sido su recién estrenado trabajo discográfico «My Soft Machine», que vio la luz el pasado viernes 26 de mayo. Toda una obra de arte que nos muestra el lado más sensible e íntimo de la artista y compositora británica. Un disco que nació en los momentos libres que le dejó la imparable gira de presentación de su debut «Collapsed in Sunbeams», y cuyo hilo conductor es el propio choque con la vida adulta que experimentamos todos en la vida con apenas 20 años. Edad en la que empiezas a convivir entre ambos mundos y en el que comienzas a tomar conciencia de muchas situaciones. Esa transición entre la inocencia y la infancia, y la realidad más cruda y cruel. Eso sí, sólo ella es capaz de verlo desde el prisma del amor y con una perspectiva tan sumamente poética.
Crecimiento, autoaceptación, superación, compasión, anhelo de romper con la dependencia emocional, lucha contra las inseguridades y amor a raudales. Doce canciones que nos hacen viajar hasta el centro de una misma y que nos permiten descubrir y conocer a Arlo. Pero también a nosotros mismos. Eso es lo bueno de la música, que es un arte global y universal. Un viaje personal más que necesario, que en gran parte, ha sido posible gracias a Paul Epworth, quien se ha encargado de la producción del mismo. Un álbum colaborativo en el que, además, hemos podido escuchar a Phoebe Bridgers en la canción «Pegasus». Una alianza vocal que se suma a otras instrumentales, que han llegado de la mano de Ariel Rechtshaid, Romil de Brockhampton y David Longstreth de Dirty Projectors.
Un rayo de luz en medio de tanta oscuridad. La salvación hecha música. La voz de toda una generación y una artista a la que admirar de por vida. Así es Arlo Parks y así es su «My Soft Machine».
Mente inquieta donde las haya y músico todoterreno. Leiva no tiene suficiente con su proyecto en solitario – con el que loe peta allá donde va-, que recientemente acaba de cerrar filas con Adan Jodorowsky, David Aguilar y Jay de la Cueva, dando vida y forma a su nuevo proyecto musical, The Guapos. Una banda con la que hace algunos meses estrenaba sus primeros adelantos «Soy un guapo» y «Nunca te quise», y con la que ayer viernes 16 de junio, por fin, lanzó su primer trabajo discográfico «Hey!». Una declaración de intenciones en toda regla y la mejor manera de arrasar con un grupo que promete darlo todo. La experiencia y la fuerza ya las tienen, sin duda.
Un álbum que ha sido grabado en Chicago y que aúna lo mejor de cada miembro, desde el lirismo de David, el pop-rock de Leiva, el folk de Adan y las dotes musicales de Jay. Además, en él, hemos podido escuchar de nuevo a Leiva en la batería. El instrumento con el que más cómodo está y «donde menos estafador me siento», aseguraba él mismo. Ahora bien, ¿qué sería de todo ello sin las primeras fechas de presentación? Calma, porque tenemos la respuesta a esta pregunta. «Estamos felices de presentarlo en directo y juntarnos a tocar y bailar», aseguraban ellos mismos. De ahí, que hayn anunciado ya sus primeros conciertos. Sacada papel y boli, y apuntad todo lo que se viene.
Es así como el «Hey! España Tour 2023» arrancó ayer viernes 16 de junio en el Azkena Rock de Vitoria y seguirá durante todo este verano por la Sala El Sol de Madrid (20 de junio), el Festival Río Babel de la capital (30 de junio), el Festival Cruïlla de Barcelona (7 de julio) y el Atlantic Festival de Vilagarcía de Arousa (21 de julio). Festivales a los que, esperamos que a partir de otoño, se sumen muchas fechas más en salas. Tiempo al tiempo, família.
Con tan sólo dos discos en la calle, Ginebras se han convertido en las reinas indiscutibles de nuestra escena indie. Personalidad, talante, discurso y unas canciones que calan a cualquiera por tener ese punto justo de reivindicación y humor a partes iguales. Pero es que si su iniciático «Ya dormiré cuando me muera» (2020) logró romper todo tipo de barreras, este segundo «¿Quién es Billie Max?» (2023) ha hecho que todo termine estallando por los aires. El fenómeno-ginebras ya no hay quien lo pare y nosotras no podemos estar más felices por ellas. Tal ha sido el boom que Magüi, Sandra, Juls y Raquel están ya pillando carrerilla para pasar un verano en la carretera. Pero no sólo eso, porque también han anunciado las primeras fechas post-festivales. Así que para todas las mentes inquietas seguidoras de la banda más poderosa de todos los tiempos, mucha atención.
Fue el pasado mes de marzo cuando el Billie Max Tour aterrizó por primera vez en un festival, en L’Hospitalet de Llobregat concretamente. Tres meses han pasado desde entonces y Ginebras ya pueden presumir de que acumular kilómetros de carretera y multitud de escenarios a sus espaldas. Pero la realidad es que esto sólo acaba de comenzar. Y es que esta misma noche 15 de junio, lo darán todo en la sala Porta Caelide Valladolid, para seguir mañana viernes día 16 en el festival O Son Do Camiñode Santiago de Compostela. Pero es que la gira se extenderá por muchos más festivales como el Tomavistas de Madrid (22 de junio), el Antorchas Festival de Albacete (23 de junio), el Polifonik Sound de Barbastro (1 de julio), el Planeta Sound de Ponferrada (8 de julio), el Festival Sónica de Castro-Urdiales (14 de julio), el FIB de Benicàssim (15 de julio), el Sonorama Ribera de Aranda de Duero (del 9 al 13 de agosto) o el FIZ Festival de Zaragoza (30 de septiembre).
Octubre será el momento ideal para regresar a las salas, así que id preparando vuestras fuerzas para gozar fuertemente en la Razzmatazz 1 de Barcelona (6 de octubre), en el WizInk Center de Madrid (12 de octubre) – donde han tenido que ampliar aforo -, en la Sala Mamba de Murcia (20 de octubre), en la Industrial Copera de Granada (21 de octubre), en La Trinchera de Málaga (3 de noviembre), en la Sala Custom de Sevilla (10 de noviembre), en el Círculo de Arte de Toledo (24 de noviembre), en la Repvblicca de València (2 de diciembre), en la Sala Berlín de Almería (9 de febrero), en la sala Impala de Córdoba (10 de febrero) y en el Antzokiade Bilbao (13 de abril), a falta de muchas más fechas todavía por confirmar.
Fácilmente reconocible por su estilo, por su personalidad y por ese imaginario sonoro que ha sido capaz de recrear, modificar, transmutar y reinventar con el paso del tiempo. Cualquier persona que haya tenido la oportunidad de meterse de lleno en el universo musical de Devendra Banhart sabe de lo que estamos hablando. Pero es que el artista venezolano-estadounidense nunca tiene suficiente. Tal es así que después de diez álbumes de estudio, más de dos décadas de carrera y multitud de escenarios a sus espaldas, aún tiene ganas de más. Ayer soltó su nueva píldora «Twin». Primer adelanto del que será su undécimo trabajo discográfico «Flying Wig», que verá la luz en breve. Además, ha anunciado las primeras fechas de presentación en España para finales de este año 2023.
Con la emoción que sólo son capaces de destilar los niños pequeños, nos mantenemos expectantes sobre las canciones de este nuevo disco, aunque «Twin» puede ser un baremo más que plausible. Pero es que con Devendra nunca sabemos qué nos encontraremos. Ecléctico, único y diferente, siempre encuentra la manera de sorprendernos una y otra vez, una y otra vez. Es por eso que no sabemos qué esperar de «Flying Wig», aunque él mismo ha dado ya las primeras pistas. Mostrando una faceta mucho más oscura y frágil, el autor mostrará un paisaje de dualidades recurrentes. Para ello hay que saber que recientemente ha estado destrozado por la vida y la pérdida. Un hecho que ha hecho que permaneciera abatido, replegado sobre sí mismo, con dificultades para hablar y mucho menos para cantar. Pero al final, todo cambia, todos somos capaces de cambiar el chip. «Se trata de transmutar la desesperación en gratitud, las heridas en perdón, el dolor en alabanza», se repite Banhart como si fuera un cántico.
La necesidad de reecontrarse consigo mismo pudo con él y como regalo de vida, en este viaje que lo llevó hasta el cañón de Topanga, entabló amistad con la también artista, multiinstrumentista y productora, Cate Le Bon. Con ella ha realizado todas las tareas de producción de este inminente álbum que, además, verá la luz bajo el sello discográfico en el que ella trabaja, Mexican Summer. El resultado se plantea esperanzador, ya que él ha conseguido salir de sí mismo, convirtiéndose en un ser completamente libre. Un ser que, para más inri, prácticamente cerrará su 2023 visitando nuestro país. Y es que ha anunciado las primeras fechas en España. Apuntad bien, porque Devendra Banhart aterrizará en el Palacio Municipal de IFEMAde Madrid (10 de noviembre), en La Rambleta de València (11 de noviembre) y en Paral.lel 62de Barcelona(12 de noviembre). Las entradas saldrán a la venta este mismo viernes 16 de junio, a partir de las 10.00 horas de la mañana.
Es una de las voces más representativas de nuestro panorama musical nacional. Lo de Quique González no es de este planeta y sólo quien haya tenido la oportunidad de adentrarse en su complejo -y completo – universo sonoro, entenderá por qué. Inconfundible, imparable y con unas incesantes ganas de reinventarse en cada momento, de respirar cada instante como si fuera el último, de cantar todo lo que vive y siente en canciones. Así es él y así es el último álbum que tuvo el placer de presentarnos en 2021, «Sur en el Valle». Secundado por Toni Brunet, Edu Olmedo, Jacob Reguilón y Alejandro «Boli» Climent, y con las colaboraciones de César Pop, Kirmen Uribe y Carolina de Juan de Morgan, el autor regresa a sus orígenes. A ese toque de raíz norteamericana que tanto nos enamoró nada más escucharlo, nada más descubrirlo.
Es así como, acompañado por la artista y compositora canadiense Allison Russell, una de las figuras más prominentes del nuevo folk rock norteamericano, nos enamorará este mismo domingo 18 de junio en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII de la Complutense. Una noche que se plantea mágica en todos los sentidos y en la que la autora nos presentará el que fue su primer álbum en solitario «Outside Child» en 2021 y con el que obtuvo una nominación al Grammy a mejor álbum de americana. Además, será una de las pocas veces que se deje ver en España. ¿Qué más queremos?
Sin duda alguna, será una noche que pasará al recuerdo. Una noche de raíces norteamericanas y canciones honestas y sin artificios. Eso es lo que nos propondrán Allison Russel y Quique González este domingo 18 de junio. La apertura de puertas está prevista a las 19.30 horas, momento que a su vez, estará amenizado por la sesión de Juan Melov DJ en la especial zona Momentos Alhambra. ¿Tienes ya tu entrada o te lo estás pensando todavía? Venga, cómprala ya en la página oficial del festival: nochesdelbotanico.com.
Descubrimientos musicales llenos de talento, de luz y de color. Descubrimientos musicales que vienen de la mano de Rafa Ballester o ERRE, para quien lo conozca por su nombre artístico. El mismo con el que ha firmado sus primeros adelantos durante este iniciátivo 2023. Y es que con la clara intención de avanzarnos un poco más del segundo álbum que se trae entre manos, que supondrá un paso adelante en su carrera musical en solitario y que, además, muy pronto presentará. Es por eso que ha decidido regalarnos sus reveladoras «Big Bang», «Girasoles», «Dicen» con Pol 3.14 y la más reciente, «Imperio» en colaboración con Pedro Girón de Playa Cuberris. A los mandos y al frente de la producción de esta joya, ha estado el ya imprescindible Javier Ojanguren de Besmaya. Sin duda alguna, estos hits marcarán un antes y un después que pasará a la historia y si no, tiempo al tiempo.
En bucle estamos con este último «Imperio», tema que nos ha llevado por delante a ritmo de rock, pop y punk rock. Un tema que aúna lo mejor de ERRE y lo mejor de Playa Cuberris y que, además, habla sobre la fragilidad de las relaciones humanas y de hasta qué punto la ambición y la traición pueden acabar con ellas. Una relación puede comenzar con mucha pasión y terminar de manera abrupta y dolorosa. Dosis de realidad y potencia a partes iguales. Un himno que corear en todos los conciertos y festivales en los que tengamos el placer de verlos.
Pero en medio de tanta novedad, hace algunos días, tuvimos la oportunidad de charlar largo y tendido con el propio Rafa aka ERRE. ¿Queréis saber todo lo que nos contó sobre su imparable y potente proyecto musical? Pues dale al play y disfruta de la entrevista que le hicimos.
