El pasado 2018, vio la luz su trabajo más reciente, «Sustancia». Y tras haber girado por toda España, haberla liado en la Sala But y haber organizado un tour conjunto con Joe La Reina, los imparables Club del Río quieren más. Por eso, el próximo viernes 22 de febrero, lanzan en formato digital, su nuevo trabajo. La llegada de «Club» es inminente. ¿Quieres saber qué canciones podrás encontrar en este nuevo álbum de los madrileños?
«Club», más que un disco recopilatorio
Con la intención de continuar dándole vida a los antiguos temas de la banda, Club del Río se ha marcado durante este año grandes colaboraciones con otros artistas. Así es como han pasado por sus manos, Ede (con quien interpretaron «Loboamigo»), Ciudadano Estandar & Tibory Boxy Sox («Abrázame»), María de la Flor («Luz de Mañana»), Leo Cigüeña («Condición») y Joe La Reina («Famélico»).
Grandes temas de su discografía con grandes artistas, que han ido subiendo a sus redes sociales y plataformas digitales estos meses atrás. Pero que, sin embargo, no serán los únicos que conformen este nuevo «Club». Y es que entre las sorpresas, también se encuentra El Niño de Elche.
Al final, esta es la particular manera de Club del Río de rendir homenaje a sus temas, de darles la vuelta, de seguir dándoles vida. También es una manera de apoyar y nutrir una escena local cada vez más relevante e inclasificable.
Todavía quedan unos cuantos días para que podamos disfrutar de este «Club» al completo. El viernes 22 de febrero, verá la luz en todas las plataformas digitales de Club del Río. Sin embargo, un día antes podremos disfrutar una vez más del directo de la banda madrileña. Será en la fiesta organizada por Radio 3 Extra en el Teatro Barceló de Madrid. Y quién sabe si podremos disfrutar del nuevo formato de estas canciones. ¡Habrá que asistir para comprobarlo!
Ruido Paraíso se sumerge en su recién estrenado segundo álbum, «Gran Atlas». Su proyecto en solitario, su nuevo universo, su trabajo en paralelo en el que, también nos ha sumergido a nosotros.
Hace unos días, tuvimos la oportunidad de hablar con Aníbal Gómez («Muchachada Nui», «Ella es tu padre» y mitad de «Ojete Calor»), quien se esconde tras el alter ego de Ruido Paríso. En pleno corazón de Madrid, conversamos sobre el proyecto y sobre música, mucha música. Y esto es lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Gran Atlas»?
El título no fue lo primero que concebí. Primero fueron surgiendo las canciones y luego ya comencé a encajarlas, de tal manera que cobraran cierto sentido. En este caso, había diez temas en el álbum, que mostraban un poco el recorrido emocional de una situación personal, que no tiene por qué haberme pasado a mí. Pero ese factor personal sí que lo tiene, bien porque son situaciones propias o porque lo son de alguna persona de mi entorno.
En cuanto al concepto, el disco habla un poco del recorrido de un corazón, extrapolándolo un poco al ámbito de la religión. El dolor, la pasión y la muerte de un corazón. Esto crea un recorrido muy largo, de penuria. Y me gustó el comparar ese camino con el de Atlas, con el de la gran cordillera que separa.
El último adelanto ha sido «Milagro», tema que has lanzado junto a La Bien Querida. ¿Cómo surge esa colaboración?
Fue medio accidental, medio natural. Quería hacer un dueto con Ana, de La Bien Querida, y esta canción creía que encajaba con ella a la perfección. Así que un día, estando en el estudio de Guille Mostaza, lo manifesté en voz alta, con la gran suerte de que Guille y Ana se conocían. Todo empezaba bien, siguió genial cuando la escuchó y aceptó, y terminó aún genial cuando la cantó. Fue un sueño un cumplido.
Al hilo de esto, ¿cómo surge toda la idea del videoclip?
Pues eso hay que atribuírselo a mi amigo Jaime Villanueva, también conocido como Comando Z. Para mí, él tiene un talento increíble y ya había colaborado con Ojete Calor. Confiaba tanto en su criterio, que no quise ver el vídeo hasta el final. Ni siquiera quise que me contara la historia, porque estaba segurísimo de que me iba a gustar. Y así fue. Me encanta cómo captó todo el tema de la magia, de los simbolismos.
Un titular que defina «Gran Atlas».
La pasión, muerte y resurrección de un corazón absurdo.
Una canción que sintetice el disco.
«Lo Siento».
¿Por qué?
Porque es la que más se acerca a mí. No porque haya tenido una conversación con la muerte, sino porque sin tener un tono cómico, sí que tiene cierto humor negro. Y musicalmente, es de mis favoritas, porque no es una canción al uso. Tiene dos partes muy diferenciadas, no tiene un estribillo. No era lo que estaba acostumbrado a hacer y me gustó mucho cómo quedó.
Aunque también te digo que si tuviera que tatuarme un título, sería «Milagro». Por todo lo que significa ese tema y porque es muy intensa y de las canciones más emocionantes.
Siguiendo un poco la línea de «Lo Siento». ¿Seguirías explorando esa nueva vía que iniciaste con ese tema?
Sí, no me importaría seguir haciendo canciones así de diferentes (con partes diferenciadas, sin estribillos). Al final, a mí me gustan los artistas que no se ciñen a un estilo o a una sola producción. Creo que el oyente agradece ir escuchando diferentes pinceladas dentro de un mismo álbum. Al final, la música no tiene que ser un ejercicio de estilo.
¿Crees que muchas bandas han caído en la repetición constante, para entrar a determinados circuitos?
Yo creo que sí y la verdad es que me da mucha rabia. Hay grupos que me parece que tienen canciones muy bonitas, pero no salen de ahí. Y me cuesta creer que no es porque no saben salir de ahí. Más bien me parece una cuestión de comodidad. Creo que para avanzar en cualquier disciplina artística, creo que tienes que estar dispuesto a evolucionar y a perder, en cierto modo, lo que has ganado.
Y tal y como se consume música hoy en día, ¿crees que se ha perdido el poder del disco como discurso?
Yo creo que sí, porque cada vez se tiende más al formato single. Al final, con eso se te olvida todo el discurso que hay tras los discos. Eso tiene ventajas y desventajas. Si sacas un single y enseguida sacas el disco, con un sentido, estás haciendo que se diluyan el resto de posibles adelantos. Y la desventaja de ir desgranando un álbum, tema a tema, es que cuando definitivamente lo sacas completo, parece más bien un «grandes éxitos».
Yo juego un poco con algo intermedio, que es el sacar dos o tres singles y después lanzar el álbum completo.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Ruido Paraíso?
Sin duda, el directo. Ahora me apetece contarle a la gente, en vivo, todo lo que he contado en el disco. Me parece que así se cierra un poco más el círculo de esa etapa.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Dormir en el cámping del BBK un año, solo por ver a Depeche Mode. Y ya no vuelvo a dormir en tienda de campaña [risas].
«Inside Your Head» es el tercer trabajo publicado de los catalanes The Lizards. Doce temas conforman este disco potente que llega, sin duda, directo a tu cabeza desde la primera escucha. Un disco que están empezando ya a llevarlo a los directos y recorrerá todos los rincones de España y de parte de Europa.
Hace apenas unos días, pudimos hablar con Carla Santacreu (voz y guitarra) y Edgar Beltri (batería). Y esto es lo que nos contaron sobre el proyecto.
¿Cómo surge el concepto de «Inside Your Head»?
Carla (C). Los doce temas que forman el disco tienen algo en común: y es que son muy directos, tienen melodías que queríamos que se te metieran en la cabeza nada más las escucharas.
Edgar (E). ¿Sabes la sensación esta de escuchar una canción, que parece que ya la conozcas? Pues creo que es un poco lo que hemos intentado transmitir.
¿Cómo ha sido la acogida en el poco tiempo que el disco lleva en la calle?
E. Pues de momento han sido súper buenas, estamos muy contentos con eso. Pero ahora nos falta a ver qué tal lo recibe el público en los directos. Pero a nivel de promo ha sido increíble. Ha habido muchos medios que han hablado del disco o que nos han entrevistado, otros con los que hemos repetido. Estamos hasta sorprendidos.
Un titular que defina «Inside Your Head».
C. Directo a tu cabeza.
Una canción que sintetice el disco.
E. Yo creo que hay varias. La primera de ellas es «What I Am», que es un poco una declaración de intenciones, de decir: «aquí estoy».
C. Exacto. Es un poco como decir: «paso de modas, esto es lo que nos gusta y estamos orgullosos de ello».
¿Creéis que esa es la clave del éxito?
E. Yo creo que sí. Yo siempre he dicho lo mismo. Que el hacer canciones es para ti y que después las compartes con la gente, independiente de que gusten más o menos.
C. Creo que al final todo este proceso tiene que ser algo muy sincero. Evidentemente, queremos que guste al mayor número de personas. Pero es que primero te tiene que gustar a ti.
«Everybody Sucks» fue uno de los adelantos. ¿Por qué este tema y cómo surge la idea del videoclip?
C. Para nosotros, este tema es un poco «rock terapéutico» [risas]. Es un tema muy cañero y que, además, habla de que todo el mundo apesta. Pero queríamos darle un tono cómico también. Queríamos convertirla en esa canción que te pones cuando tienes un mal día y necesitas revertir ese humor, esa energía. Que te la pusieras, cantaras y te quedaras a gusto.
En cuanto a la idea del videoclip, no queríamos que fuera muy agresivo, ya que el título ya de por sí, es un tanto explícito [risas]. Queríamos que cuando la gente lo viera, pensara: «son unos haters, pero en plan buen rollo» [risas]. Al final, liamos a muchos amigos y lo convertimos en una gran fiesta.
¿Qué importancia tiene el mensaje para The Lizards?
C. Es un poco variado. Tenemos algunos temas con un carácter más comprometido, como «State of Shame», que habla un poco del panorama político actual. Aunque en general, prácticamente todas las canciones hablan de emociones. Y así un poco con todas. Algunas sí que tienen mayor peso y otras que son pura diversión y cachondeo.
E. Hay otras como «Psychic Vampire». ¿Sabes cuando tienes a una persona que te absorbe completamente la energía?
Todo eso también es mensaje. No tiene por qué ser necesariamente político.
C. Sí, sí, por eso. Al final cada tema es completamente diferente. Al final se trata de hablar de emociones y de empatizar un poco con los demás.
¿Cuáles son los siguientes pasos de The Lizards?
E. Pues ya comenzar a tocar y empezar con la gira. De momento, tenemos unas 16 o 18 fechas anunciadas, siendo en Tsunami de Xixón el concierto más importante de momento. En septiembre, nos vamos dos semanas por Europa, donde estaremos girando. Y a la vuelta, continuaremos por España. Y ya en 2020, grabaremos nuevo disco. Ese es nuestro plan, álbum cada dos años y girar a tope mientras tanto.
Vosotros que habéis girado por Europa, ¿veis mucha diferencia entre el resto de países y España?
C. El panorama que mejor conocemos es el de Francia y Alemania, que es por donde hemos girado. Y sí que vemos diferencia con respecto a España. A nuestro nivel, hay muchísimo movimiento y oferta musical. La gente tiene más cultura de ir a conciertos, de comprar merchandising, de seguirte. Aunque no te conocieran de manera previa. Y aquí quizás cuesta un poco más. En España hay como más cultura de festival, pero no tanto de salas.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
E. Yo hace años tenía trabajo fijo y lo dejé, para irme 40 días de gira por Europa. Y a la vuelta, volver a empezar con la búsqueda. Pero sentía que lo tenía que hacer, me apetecía.
C. Hablo también un poco en el lugar de Judit. Creo que es ahora. No tenemos 20 años [risas] y llevamos mucho tiempo tocando. Pero es justo ahora cuando nos estamos dejando llevar por la música y por tocar.
«La Sandunguera» continúa imparable con su ruta por todo el país. Si hace apenas unos meses pasaba por Alicante, la próxima semana es el turno de Madrid. Así es como la argentina Nathy Peluso actuará en La Riviera, trayendo consigo los ritmos más latinos y particulares.
Aunque para particular, la relación que tenemos con ella. Con la desconfianza de quien no sabe lo que se encontrará en el próximo concierto, la descubrimos hace apenas unos meses en Alicante. Y de creer que saldríamos con cierta decepción, nos sorprendimos para bien. ¡Y menos mal! Porque al final, Nathy Peluso resultó ser uno de nuestros grandes descubrimientos del recién pasado 2018.
Igual que baila, canta y se contonea, se pone a llorar. Ahí radica la magia de Peluso, en cuyas garras siempre caemos de manera inexorable. Y el próximo viernes 22 de febrero, podremos redescubrirla, tanto a ella como a sus canciones, en la mítica sala La Riviera de Madrid. Ese será el gran momento para presentar en la capital los temas de «La Sandunguera», además de recordar otros de su anterior trabajo, «Esmeralda».
El gran recorrido de Nathy Peluso
Argentina de nacimiento, llegó a España siendo muy pequeña. Sin embargo, su sello y su esencia siempre ha permanecido. Sobre todo desde que comenzara en el maravilloso mundo de la música. A medio camino entre entre el swing, el jazz, la bossanova, y el teatro. Disciplinas y géneros que, siempre, de una manera u otra termina trasladando a sus espectáculos.
Eso es lo que es ella: puro espectáculo. Creativa, multidisciplinar, no descuida ni un solo detalle. Ni la música, ni las letras de las canciones. Según la propia Nathy Peluso, «fluyo y aparecen cosas en mi cerebro con las que me identifico. Las palabras las incorporo sin más de forma inconsciente. Yo no hablo como en mis canciones, pero la Sandunguera es la exageración de la mezcolanza de acentos y vocabularios a los que he estado expuesta».
Así que, sí, nosotros tenemos ganas infinitas de verla. Y vosotros, también deberíais. Conseguid vuestra entrada ya aquí, antes de que vuelen. Y preparaos para caer en las garras de la hiptónica Nathy Peluso.
¿Cómo conseguir que vuelva el verano en pleno mes de febrero? Carlos Sadness nos da la solución, y es que el próximo sábado 23 de febrero nos hará viajar a «Isla Morenita», sin apenas salir del WizInk Center. Esta es la particular forma que tiene el artista catalán de celebrar el primer aniversario de su aclamado disco «Diferentes tipos de luz».
Un viaje galactropical en el que el propio espectador podrá elegir diversas modalidades: «lucir outfit», «gritar canciones», «subirlo a insta» o simplemente acudir como «acompañante». Además, la venta de tickets también te permite seleccionar tu favorita entre tres canciones: las opciones se reducen a «Perseide», «Amor Papaya» o «Miss Honolulu». Aunque por lo demás, qué será del espectáculo es todavía un gran misterio. Lo único que queda completamente claro es que el concierto durará sus dos horas y que, tal y como el propio artista aseguraba, «lo bueno de Isla Morenita es que la noche es nuestra y podremos escuchar muchas de las canciones que has echado de menos además de los hits más conocidos».
Mientras tanto, quedaremos a la espera de grandes sorpresas, que seguro que pasan del formato más animado a otro mucho más íntimo. Así lo aseguró el propio Sadness: «Nos gusta el formato festivalero, pero también nos gustaría, en algún momento de la noche, tumbarnos en la playa a escuchar alguna de las canciones solo a ukelele y con el sonido de las olas».
Celebrando el primer año de vida de «Diferentes tipos de luz»
El viaje a «Isla Morenita», servirá de excusa para celebrar el primer aniversario de «Diferentes tipos de luz». Un disco que se alza como el tercero de Carlos Sadness con ese nombre, ya que en sus inicios se dio a conocer como Shinoflow. Trabajo mezclado entre Phil Ek y Óscar Clavel, no tardó nada en subir al segundo puesto en la lista de ventas en nuestro país.
Tal y como ha explicado en alguna ocasión previa el propio Carlos Sadness, este disco está escrito y compuesto a través de la luz. Con el mimo, el optimismo y ese toque tan colorista que solo el artista tiene, fue un éxito desde su preventa. E incluso los primeros adelantos, «Hale Bop», «Longitud de onda» y «Semitransparente», supusieron una gran revolución.
Última llamada para «Isla Morenita». Todavía queda algún pasaporte, pocos, pero quedan. Así que sé rápido y hazte con el tuyo pinchando aquí.
Los conocimos hace algo más de un año, cuando estaban presentando «Vertical» en la Sala Siroco. Desde ese momento, el recorrido de Gotelé ha sido imparable. Como un cohete que ce manera inexorable viaja hacia el espacio. Así, de manera ascendente. De hecho, 2018 ha sido una auténtica revolución para los de Ávila, que no olo han actuado en salas míticas de toda la geografía, también en festivales. Como Sonorama Ribera o el Festival Gigante.
Pero es que 2019 ha comenzado igualmente meteórico. En su necesidad (y la nuestra) de no parar y seguir redescubriendo bandas de manera incesante, este jueves 14 de febrero podremos escuchar en vivo a Gotelé. Sí, en el día más romántico del año. Precisamente, porque en más de un caso, celebrar la música y celebrar el amor, van demasiado de la mano. Esta será la gran vuelta de Gotelé a Madrid, concretamente a la Sala Jazzville. La romántica y rockera cita, dará comienzo a las 21.30 horas. Y, aunque no han querido entrar en detalles, los abulenses prometen desvelar más de una sorpresa sobre el futuro de la banda. Así que mejor no perdérselo y sacar las entradas ya (aquí).
La meteórica carrera de Gotelé con «Vertical»
Saltar. Saltar tan alto como las nubes. Volar con «Alas de cera». Luchar y pelear. Todos, conceptos que aluden a la verticalidad. Así es como se concibió y nació hace cerca de un año «Vertical», trabajo más reciente de Gotelé. Justo así nos lo contaban el día que los entrevistamos: «Tuvimos muchas dudas. El disco tiene varias canciones que hablan de nubes, de salto o de arriesgar. Habían algunos conceptos identificativos, pero al final nos quedamos con Vertical». No podía ser de otra forma.
Desde entonces no han dejado de crecer. Lo cierto, es que pueden estar muy orgullosos de todo lo que han conseguido. Por haber peleado tanto y por haberlo conseguido. Y eso que arriesgaban mucho, ya que tal y como nos contaban: «Este trabajo es más cañero. Antes coqueteábamos con cosas más acústicas, más folk, más tranquilotas. En este trabajo, hemos experimentado más con el pop rock. Queríamos ofrecer un disco de 10 temas, desde distintas perspectivas, pero con energía y epicidad, […] palabra que viene de épico».
Y tan épicos han sido. No sabemos vosotros, pero nosotros sabemos que será un concierto que habrá merecido la pena vivir. Así que no faltaremos este jueves a esta cita tan romántica y rockera.
Soy de las que piensa que el compromiso y los temas sociales siempre adquieren una nueva dimensión gracias a la música. Sí, la música. Ese canal mediante el cual nos comunicamos una gran parte de la población. Ese canal que solo conocen Allende para hacer lo que hacen. A ellos también les debemos hablar de temas trascendentales, muy especialmente en su último trabajo, «Invisibles».
Hace apenas unos días, hablamos con Juan Antonio Criado, vocalista de la banda cordobesa. Y esto es lo que nos contó sobre el proyecto.
¿Cómo surge el concepto de «Invisibles»?
Nosotros habitualmente partimos de las melodías, que son un poco la base. Y luego hasta el final casi que no sacamos las letras. Precisamente en el momento en el que estábamos componiendo, fue cuando estaba sucediendo todo lo de los refugiados. Y creímos que teníamos que dar altavoz a este asunto, porque creemos que ese es el punto: hablar de cosas serias.
Luego también lo que pasó con Aylan en las costas turcas. La imagen que terminó circulando por todo el mundo, yo tardé meses en verla y me impactó mucho. Y creímos que también teníamos que dedicar una canción a este tema, destapando un poco todo lo que hay detrás.
Un titular que defina este disco.
Yo diría que es un disco revelador y comprometido. Además, en él hemos cuidado mucho las melodías y las letras. Y a pesar de ser un trabajo de tan solo cinco temas, hay mucha variedad.
¿Cómo ha sido la acogida del disco desde que viera la luz?
Bueno, nosotros consideramos que el lanzamiento real fue a principios de enero, cuando comenzó la gira. Aunque el disco realmente saliera en octubre-noviembre y el videoclip de «Invisibles» viera la luz en marzo del pasado año. Aún así, estamos muy contentos con la acogida de este trabajo. La gente ha respondido muy bien y estamos muy agradecidos a todos los que han decidido apoyar el proyecto.
Una canción que sirva como síntesis del disco.
«Invisibles», sin duda. Además de ser el nombre de uno de los cortes, también lo es del disco. Y creemos que resume un poco lo que encontramos en el resto de trabajo. «Invisibles» no solo da voz a los refugiados, también habla de otros personajes que, de alguna manera u otra, también son invisibles y luchan por seguir adelante.
«Invisibles» es el tema que engloba un poco el disco. ¿Por eso fue el primer adelanto?
Sí, por eso y porque era el tema que tenía más gancho y que más llamaba la atención.
Siguiendo un poco el hilo, ¿cómo veis el panorama de la música?, ¿creéis que a la música le falta trascendencia en los mensajes?
Creo que en lo que respecta a hablar de temas serios y comprometidos, falta gente y música que luche por este tipo de causas más sociales.
En cuanto a la situación de la industria, creo que cada vez hay más bandas nuevas que tienen mucho talento. Sin embargo, el acceso sigue estando en cierto modo restringido. Al final, con todo el tema festivales, considero que últimamente se están repitiendo demasiado. Así que echamos un poco en falta que haya espacios para bandas que continúan luchando por hacerse un hueco, desde el lado más independiente.
¿Cómo ha evolucionado Allende desde «El Viaje de los Valientes»?
Pues hemos virado un poco más hacia el rock, manteniendo eso sí el nivel de compromiso.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Allende?
Nuestro propósito es tocando. Ya hemos pasado por Sevilla, Granada y Málaga. Y luego ya en marzo pasamos por Madrid, el 8 de marzo estaremos en Costello Club. En Córdoba y en algunos lugares más, estamos todavía cerrando fechas y salas.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Estuvimos tocando en la FNAC de La Coruña, tras haber actuado la noche anterior en Córdoba. Así que nos pegamos un viaje de bastantes horas de sur a norte. Eso sí que fue un verdadero viaje de los valientes [risas]. Claro, todo eso fue un sábado, así que el domingo nos tocó estar de vuelta, para llegar a trabajar a tiempo el lunes.
Probablemente sea uno de los nombres que más ha resonado dentro de la música durante 2018, sobre todo a raíz de su relación con Operación Triunfo 2017. Compositor, cantante y artista. Se trata de Nil Moliner, quien con su meteórica carrera, nos está deleitando con sus nuevas canciones. ¿Su último adelanto? «El Despertar», que vio la luz el pasado 1 de febrero.
Sobre esta nueva canción, Moliner explicó: «El despertar es una canción que se la escribo a un amigo, haciéndole ver que el presente es lo que importa, que no hay tiempo para lamentarse de nada, que el tiempo no espera. Es un comienzo a una nueva vida. Despertar para vivir el presente. Musicalmente te despierta el baile, la fiesta y el unirte con tu gente para disfrutar de la vida».
Este tema se alza como el primero de su álbum debut. Un álbum que lanzará a finales de este 2019. Sin embargo, muchos meses antes podremos disfrutar de sus directos, tanto en Madrid como en Barcelona, gracias a la iniciativa de Cooncert. Y es que el artista catalán actúa el 8 de marzo en la Sala Barts de la ciudad condal; y el 14 de marzo en la Joy Eslava de la capital.
La extensa carrera de Nil Moliner
Apenas tenía 15 años cuando Moliner se aventuró en la música en solitario, tocando versiones de otros artistas en distintos locales. No fue hasta 2013 cuando comenzó a lanzar material propio. Era el momento del single y videoclip de «Sale el Sol», que relanzó muchos años después (en 2018).
Aunque si bien es cierto que su primer trabajo, concebido en formato EP, llegó mucho después, en 2017. «Hijos de la tierra» se concibió y nació, también gracias a la ayuda de Manu Guix y Roger Rodés, quienes se encargaron de las tareas de producción. Esa fue la primera gran llamada de Moliner que, además, tuvo muy buena acogida entre el público. Una primera toma de contacto que también le sirvió para comenzar a girar. Así es como arrancó su primera gira nacional, «Hijos de la Tierra Tour», que lo llevó por ciudades como Barcelona, Madrid, Bilbao, Valencia, San Sebastián, Girona, Tarragona, Sevilla, Alicante, Murcia y Málaga.
A nivel de composición, Nil Moliner compuso el tema «Que nos sigan las luces», tema candidato a representar a España en Eurovisión 2018, con la interpretación de Alfred García (finalista de Operación Triunfo 2017). Sin embargo, este no ha sido el único tema que ha compuesto, ya que este 2019 ha creado junto a María Pelaez y Garbatto, la canción «Nadie se salva» (tema finalista en la gala de Eurovisión 2019).
Ha pasado cerca de un año desde que Flavio Bánterla publicara su trabajo debut, «Mystic Pop». Un trabajo lleno de matices, color e introspección. Un trabajo que no deja de sorprendernos, ya que cada vez vamos descubriendo nuevos detalles. El último de ellos: «Minimal», tema del que recientemente ha publicado videoclip.
Hace algunos días, nos reunimos con el propio Flavio en pleno centro de Madrid. Con él, desgranamos poco a poco este trabajo debut. Y esto es lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Mystic Pop»?
Pues «Mystic Pop» es el resultado de una búsqueda personal inevitable. Desde siempre tengo la inquietud de descubrirme a mí mismo, para liberarme de cosas. Desde hace cuatro años, me he enfocado en hacer canciones en este sentido.
Lo de «Mystic» tiene muchos significados. Uno de ellos es el contacto con la divinidad. Y tengo esa sensación curiosa, no tiene nada que ver con ninguna religión. Va más en la dirección de conectar con uno mismo.
Aprovechando un poco este hilo, me gustaría saber cómo entiendes tú la música.
Para mí la música es una pasión innata y es una forma de expresión, que me acerca a mi mayor deseo. Y lo voy a dejar ahí [risas]. Es una manera de sentirme cómodo y de adentrarme a donde yo quiero entrar.
Volviendo un poco a «Mystic Pop». ¿Cómo ha sido la acogida del disco?
Pues lo he publicado con un sello grande, entonces ha habido ocasión de generar ruido inicial. De hecho, el primer single tiene ya muchísimas escuchas. Así que para mí ha sido una gran ilusión. Creo ha habido bastante gente que ha conectado con las canciones. Lo que nos falta es trasladarlo a los directos, ya que todavía no hemos tenido mucha oportunidad de tocar. Pero estamos trabajando para cerrar más fechas.
Un titular que lo defina.
Música para alcanzar la paz.
Una canción que sintetice el concepto del disco.
Quizás diría el primer single que sacamos, «L.I.G.O». Es la primera que sacamos y se ha convertido en la más popular. Habla del momento, del instante en el que vivimos. Y creo que da esa sensación de que el mañana no importa, de que solo tenemos el ahora.
¿Qué importancia tiene el mensaje en las canciones?
Para mí tiene muchísima importancia. Sí que es cierto que no necesariamente tiene que ser un mensaje verbal, pero siempre tiene que haber una voluntad detrás. Si no a mí no me enganchan las canciones.
¿Crees que en la música se ha perdido ese trasfondo?
Sí que creo que hay muchos artistas que han perdido el norte, en cuanto a que no buscan transmitir un mensaje, si no que buscan otras cosas. Y para mí la música no es eso. Que tampoco soy quien para juzgar el trabajo de los demás, pero esa es la música que me gusta a mí. Creo que en algunos géneros musicales, se tiende aún más a la frivolidad.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Flavio Bánterla?
Voy a entrar a grabar las baterías del segundo disco, que lo tenía terminado antes de que viera la luz «Mystic Pop». Y lo veo con buenos ojos, me gusta lo que hay.
¿Habrá mucho cambio respecto a este «Mystic Pop»?
¡Ah! Eso todavía es pronto para decirlo [risas]. De alguna forma, es como el empoderamiento de lo que hay ahora y creo que eso se va a notar.
Bueno y volviendo un poco, estamos también preparando un «Yoga Tour 2019», que fue totalmente una idea de Andoni, el batería de la banda. La idea es tocar en diversos centros de meditación. Y de manera paralela, también estamos buscando fechas en salas. Además, este mes lanzaremos nuevo videoclip.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Locura no sé si es, pero hace cuatro años era una persona normal. Pero decidí dejarlo todo para tratar de vivir de la música. He abandonado la creencia de que hay que tener un trabajo para tener dinero y he empezado a hacer lo que creo que tengo que hacer. Independientemente de que eso me lleve a ser rico o ser pobre. Es algo que no me está limitando.
El Conexión Valladolid continúa avanzando novedades de su segunda edición. La última incorporación a este especial cartel ha sido Amaia Romero, pero este no ha sido el único avance. Y es que la organización ha desvelado el cartel por días. Aunque si bien es cierto que todavía quedan bastantes nombres por anunciar.
Por nuestra parte, lo único que queda es prepararnos para la gran fecha: los próximos 21 y 22 de junio, la Antigua Hípica en el Pinar de Antequera se convertirá en el escenario perfecto, en el punto de encuentro entre artistas y amantes de la música.
Amaia Romero, el último nombre anunciado (hasta la fecha)
La ganadora de la anterior edición de Operación Triunfo, Amaia Romero ha sido la última en incorporarse a esta segunda edición del Conexión Valladolid, aunque no será la última.
Con tan solo un tema publicado, Amaia se ha convertido en una auténtica revolución de masas. Ya lo fue mientras participó en el programa de TVE. Su talento innato y su naturalidad extrema, la convirtieron en la recién estrenada edición del «talent – show».
Todo lo que envuelve a la pamplonesa es un misterio. Nadie sabe cuándo lanzará su álbum debut, pero ella se lo está tomando con mucha calma. Así que no sabemos todavía con qué temas nos sorprenderá en Valladolid. Esperamos poder cantar con ella su primer tema propio, «Un nuevo lugar», además de algunas de las mejores versiones con las que nos deleitó en OT 2017. Y quién sabe si también colaborará en directo con Carolina Durante, con quien estrenó recientemente la canción «Perdona (Ahora sí que sí)».
Y justo antes de que confirmaran a la «triunfita», Rozalén y SFDK también se sumaron a este festival tan especial. Por un lado, Rozalén se ha convertido en una de las grandes voces de la canción de autor de nuestro país. Además, su último trabajo ha supuesto una verdadera revolución también. Una revolución en la que la memoria histórica se ha convertido en la única protagonista. Por su parte, SFDK son una de las bandas abanderadas de nuestro hip hop patrio. Tal es así que los sevillanos aprovecharán su visita a Valladolid, para presentar los temas de su nuevo disco, «Redención».
Conexión Valladolid: el cartel por días
Dos días y artistas de primer nivel. Así se ha presentado esta nueva edición del festival organizado en Valladolid. DE tal modo que el viernes 21 de junio, disfrutaremos de los conciertos de Rozalén, Amaia, SFDK y la banda relevación del año, Carolina Durante.
Mientras, el sábado 22 de junio, lo daremos todo al grito de Beret, Depedro, Ángel Stanich y una de las últimas incorporaciones, Vetusta Morla. La inclusión en el cartel de esta última banda también fue toda una sorpresa y una revolución. Los madrileños ya demostraron en junio de 2018 que ellos solos eran capaces de montar un festival en el que solo actuaran ellos. Pero ya tocaba verlos en otros escenarios, en otras ciudades. Y es que «Mismo Sitio, Distinto Lugar» es uno de esos discos que debe llegar a todos los rincones del mundo.
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A las 21:00 horas del viernes 1 de febrero, los madrileños Sidecars daban comienzo a un concierto acústico lleno de magia, de romanticismo, de pedidas, de dejadas, de gritos y susurros…, de sinceridad y, sobre todo, ¡de cercanía! en el Auditorio Maestro Padilla de Almería.
Con una puntualidad casi alemana, un sonido limpio, la humildad y sencillez de todos los componentes del grupo, y la voz adorable y tierna de su vocalista, Juancho, los Sidecars nos ofrecieron una noche llena de momentos para recordar, en la que los temas de su último disco, «Cuestión de gravedad», se fueron alternando con muchos de sus temas más conocidos, en un formato que los acercó mucho más a un público almeriense muy, pero que muy, dispuesto a hacerse notar.
Juancho comentaba que estaban entusiasmados por el acogimiento que les había hecho la ciudad de Almería, que para ellos era una cita obligada y pendiente. «La idea de hacer una gira en teatros les suponía un nuevo reto», comentó el artista, y que… pequeños imprevistos como los que se dieron lugar allí esa noche; como los comentarios del público «a grito pelao», o ver cómo la gente se levantaba de sus asientos y bailaba sin reparos; hacían que estar allí fuera un verdadero privilegio para ellos, en palabras textuales del artista «¡No nos lo imaginábamos ni en nuestras mejores pajas!».
A continuación, y para no citar una a una un total de las 19 canciones que tuvimos el privilegio de escuchar y sentir la primera noche de este mes de febrero, voy a unir todas las frases, las estrofas, las palabras sueltas…, y todas las sensaciones que me trasmitieron cada una de ellas…para contar una historia, la que se creó para mi esa noche, quizás un poco particular, personal, pero…¡saquen sus propias conclusiones! ¡Allá va!
«Una vez más dejaré que me partas en dos, ¿qué importa? solo tú puedes permitírtelo, aunque nadie lo entienda, ni tan siquiera yo mismo.
Estabas tú cuando se partió mi corazón en dos, estabas tú, pero no conmigo.
Me lo dije: ¡voy a acabar mordiendo el polvo! Y aunque era consciente de que pasaría, me pilló desprevenido. Ahora solo me arrastro buscando la salida.
Perdóname si no me escondo, si no guardé ningún misterio. Acabaste por convencerme de que soy un cruel castigo, de que estoy mejor dormido. Y es que, cuando explota la tormenta, se confunde al enemigo.
No voy a quedarme a mirarte caer, yo quiero seguir mi camino. Te lo voy a pedir por última vez, quédate aquí conmigo.
Tú no escuchaste mis lamentos, no viste cómo me faltaba el aire, ni como intentaba sujetarme…
Y es que miro atrás y lo nuestro fue un atropello, un fuego cruzado entre dos cuerpos extraños. Si no consigo asimilarlo lo siento, pero ya me da lo mismo si no resulto ser el elegido.
Creo que empecé a perder en un arrebato de sinceridad…
Y por momentos te vas, pero no siempre vuelves. Ya no me asusta la verdad, pero a veces…me da pánico.
Al final todo es cuestión de gravedad y de que…las ganas de volar no te aplasten contra el suelo.
Cuando el miedo se hace crónico, solo pretendo que el final sea rápido, caer contra el suelo, dejar de sentir…
Porque tú no eres de volver atrás sobre tus pasos. Eres de correr hacia delante…nadie te podrá alcanzar… buscas un amanecer diferente cada día, siempre dispuesta a desvirgar caminos…
Puse precio a tus zapatos, te capturé una vez en mi red y te fugaste en mi primer descuido.
Y aunque no creo que importe, te esperaré a la salida. Que los piratas del norte y los poetas suicidas canten tu suerte en sus canciones prohibidas…porque tú no tiene miedo a naufragar, sabes esquivar las balas, puedes volver mañana o nunca más…
Ya lo has decidido. Esta vez no está en mis manos. Pero te quiero decir que pierdo medio kilo en cada beso y te ruego…que me dejes en los huesos.
Sabes que no me has convencido, creí que estabas de mi lado…y he perdido todos los momentos en los que no has estado. Ahora miro y no te veo, y la ignorancia, la distancia…es peor de lo que podía imaginar. Quizás te preguntes por qué, pero me marcaste la piel para toda la vida.
Pero has elegido fácil, no te has manchado las manos. No juegues al despiste, tú me evitabas aunque no quisieras, ya lo tenías muy claro. Me sale ser sincero, porque me sobran los motivos.
La verdad, no sé cómo he llegado aquí. Es mi tortura siempre al despertar. Creé cien maneras de mentir, y mil formas de pillarme, o te alejo más de mí…
¡Lo has hecho! hoy me has vuelto a sonreír, has debido equivocarte. Vuelvo a sentirme atrapado. Como dinamita en una fuga de gas en la que solo tú puedes abrir una rendija y ayudarme a respirar. Pero ya es tarde para andar detrás, para decirte que no.
Y es que no puedo controlarlo, no puedo pararlo, ¡créetelo! ¡No hay dios, que me cure de ti!
Fotografía: Lourdes Román
No sé qué será de mí, sabes que siempre fui un desastre. ¡A quién voy a engañar! Ya sabes que bebo los vientos por ti. Y no aguanto más así, ¡sácame de aquí!
Tal vez no he podido darte lo que tú merecías, pero respóndeme, ahora…¿quién va a curarme a mí todos mis males? ¿Quién va a cambiarme a mí todos mis planes?
Cada día tengo la misión de dejarte atrás. Y las ganas de olvidar se hacen más fuertes mezcladas con un ron. Aquí, ahora, sigo buscando sensaciones prohibidas, enredándome, perdiendo mi cabeza por mil laberintos, y solo a veces, encuentro la salida. Entonces lo veo claro, aquí el malo, como siempre soy yo.
Yo ya no tengo problemas. Mis rayadas ya no me quitan el sueño, me dejo a la noche, en calma… y aquí, bajo la luna llena, espero de nuevo el sol.
Y es que nunca te he mirado tan de lejos, nunca he sido tan honesto. Aunque me aprete el pecho, ya no quiero guardar nada. Prefiero que me dejes con lo puesto. Hazlo por mí, olvídame.
Será una gota en un diluvio, un buen final estropeado.
Vete y olvídame. Hazlo por ti, déjalo así, vuela.
Pero hazme un último favor, déjame que te siga en la distancia, y recuerda lo que fuimos alguna vez. Castígame, dame cuerda y llévame hasta el límite.
Porque ahora solo quedo yo mirándonos caer, tan de lejos, mirándote, recordando lo que fuimos alguna vez.
Tengo que aguantar el tipo…queda mucho que arreglar.
Con las piernas por el aire, patas arribas…y aún así, podemos dejarlo correr. Guardaremos bajo llave hasta el último detalle, ¡y que pase lo que tenga que pasar! porque ya, es demasiado tarde, se ha jodido todo.
El invierno ha traído el frío. Esperaremos no encontrarnos nunca más, hasta el punto último, hasta el último latido de nuestro corazón agrietado.
Hoy recuerdo aquella noche. Salimos a pedir prestado un coche, queríamos salir sin mirar atrás. Solo existía ese momento, tú y yo.
Fue un secreto a voces, todos los lugares que visitamos colgaron nuestra foto en sus paredes.
Tuvimos una noche ridícula, me besaste de película, y…todavía me sabe la boca…
Me derretía, toda mi fuerza en tu boca, me corría gota a gota, era irremediable, y estaba cansado de no entrar al trapo.
Todo parecía demasiado, tuve miedo, pensé…¡no me atrevo! Y es que la sangre no me llegaba a la cabeza… lo pienso y todavía tiemblo.
Arriesgué, arriesgamos. Comimos, sin hacer esfuerzo, nuestros cuerpos desnudos. Dos locos de atar nadando en un mar violento.
Por momentos el viento soplaba a nuestro favor, sentí estar en el mejor momento, dejándolo estar, dejándonos estar…¡dos locos de atar!
El día que me viste pasar, llevabas una eternidad, y no me paraste. No soy el mejor, pero después de todo, después de esta historia de idas y venidas, solo te digo una cosa, ¡quédate!, ¡cierra la puerta!
Si no lo haces, mejor me voy, no digas que no te lo advertí.
Te lo digo una vez más, ¡Quédate! ¡Cierra la puerta, lánzame contra las cuerdas y luego desátame, más de la cuenta! ¡Quédate! ¡No te arrepientas!
En nuestra historia, fuimos los primeros. Ahora, la nostalgia, la distancia…, dejarnos la piel para toda la vida en aquellos lugares, en aquellos instantes en los que fuimos, solos tú y yo…No son simples tonterías. Siempre hay una salida cuando crees que todo va a explotar…porque lo nuestro es de lo que solo pasa una vez en la vida, y para qué preguntarnos el porqué, durmamos a pierna suelta.
Y es que al final de toda esta historia, al igual que el principio, soy fan de ti, de tu manera de vestir, de cada gramo de tu maquillaje, de tus medidas de maniquí, de imaginarte en un escaparate, de que te dejes seducir. De tus excesos de equipaje, de que te arregles para mi…
Por tantas razones soy fan, no lo puedo evitar. Se que me vas a arruinar la vida, me matan las despedidas, y a veces solo me siento un espectador.
Me pasa, que cada vez que me miro al espejo me veo distinto, y me pregunto si debo esperar o pasó mi momento. Pero te pienso y no sé cómo puede caber en tu cuerpo todo ese talento, como puede caber ahí dentro, en ese amasijo de huesos. Porque tú estás al margen de los demás, lo que puedan pensar te importa una mierda.
¡Porque sí! ¡soy fan de ti!, me sobran las razones y me faltas tú. No creo que haya ni dios ni persona de carne y hueso que me pueda curar alguna vez de ti. Y no te voy a contar más cuentos, al menos, si no acaban contigo».
Directos desde Canarias y al más puro estilo rock and roll, llegan Reciclaje que, la pasada semana, cerraron en Madrid con su gira de «Ven, Ven». Han pasado casi dos años desde que viera la luz este nuevo trabajo y ahora están dispuestos a encerrarse para grabar nuevas canciones.
Pero justo antes de este ansiado encierro, pudimos hablar con Ángel Quintana, guitarra y voz de la banda. Se atrevió a responder a nuestras preguntas y esto es lo que nos contó sobre el proyecto.
¿Cómo surge el concepto de «Ven, Ven»?
En ese momento la banda éramos Quino y yo, somos un dúo de Canarias. Cuando terminamos la gira del primer disco, ya teníamos nuevos temas compuestos. Así que comenzamos a trabajar sobre estas nuevas canciones, nos juntamos en el local de ensayo para darles forma y ya entramos al estudio con Ignacio Curia, aquí en Madrid.
La verdad es que el disco ha surgido de manera muy natural, sin planear nada demasiado, como nos gusta a nosotros hacer las cosas. No forzamos nada, que creemos que es como mejor sale todo. Además, tuvimos la suerte de que después se sumaron «El Patillas» al bajo y Sergio Valdehita a los teclados, y fue una maravilla.
Un titular que lo defina.
«Ven, Ven» es un disco rock, basado en la perseverancia, el trabajo y la suerte. De habernos encontrado por el camino a las personas a las que nos hemos encontrado.
Una canción que sintetice el disco.
Diría «Impares», que es el último single que sacamos.
¿Cómo ha sido la acogida en estos dos años?
Ha sido muy buena. Lo cierto es que lo mejor que nos llevamos del disco es la acogida de la gente en los conciertos. Es ahí siempre donde compruebas si una cosa funciona o no. Pero la verdad es que nos han tratado muy bien y estuviera más o menos llena la sala, el público acogía muy bien el proyecto.
A propósito del tema del público y de llenar salas. ¿Cómo veis la situación actual de la industria?
Es curioso, porque vivimos en una época en la que se crea más música que nunca. La salud de la música en España, creo que está mejor que nunca: hay muchísimas bandas, mucho talento y mucha calidad, pero la industria está como está. Prevalece la inmediatez y las plataformas digitales fomentan eso. Hacer un disco y pretender que viva dos años es ya algo prácticamente imposible. Nosotros lo hacemos, pero ya no es lo habitual, porque la música caduca enseguida.
Además, hay que pagar por todo. Lo hablábamos el otro día con nuestro productor: grabas, por ejemplo, un disco y quieres llevarlo a una discográfica. A lo mejor les mola, pero si quieres que te lo muevan, tienes que pagar por ello. Tienes que llevar todo el trabajo hecho y encima pagar.
¿Cómo afrontáis el final de gira y por qué darle esa nueva visión al proyecto con el «Ven, Ven con Amigos»?
Eso es un doble sentido que se nos ocurrió y que nos hacía mucha gracia [risas]. Con «Ven, Ven con Amigos» quisimos mezclar el título del disco con, por un lado, la invitación al público a que viniera con amigos; y por el otro, el intento de dejar constancia de que sobre el escenario, también pasarían grandes amigos nuestros.
Además, este fin de gira supone para nosotros el final de un ciclo. Como comentaba antes, la banda éramos Quino y yo. Siempre que girábamos con banda, buscábamos a los músicos que posteriormente nos acompañaban. Pero en el trayecto de esta gira, hemos conocido a Alfredo Gil y a Luis Vives, que han pasado a formar parte activa de la banda. Así que, nuestra idea es crear un nuevo disco todos, como cuarteto, ya como Reciclaje. Será un poco como un punto de inflexión a cómo hacíamos las cosas hasta el momento.
Tras dos años girando y con todos los cambios que ha experimentado la banda, ¿cómo crees que ha evolucionado el disco en los directos?
El disco ha evolucionado muchísimo, de hecho no tiene nada que ver la grabación con los directos que tenemos ahora. Las canciones han crecido mucho con la guitarra y la batería, por ejemplo. Han ganado muchísimo.
Respecto a lo nuevo que estamos grabando, estamos también muy contentos con lo que estamos saliendo. Estamos grabando junto a Josu García y es una maravilla. Así que, felices.
Una vez finalizada la gira, ¿cuáles son los siguientes pasos de Reciclaje?
Pues estamos ya trabajando en los temas de nuestro próximo trabajo con Josu García. Así que en terminar, nos meteremos sin descanso en el estudio. De alguna manera, los planes que tenemos en la cabeza son sacar dos o tres singles de aquí a octubre y en octubre publicar el disco.
Al hilo de todo esto, ¿crees que se ha perdido el poder del disco como discurso?
Sí, por desgracia creo que sí. Más que nada por la manera que tiene la gente de consumir música, ya casi nadie escucha discos completos, todo el mundo se ha lanzado de lleno al formato single. Así que creo que el mensaje en sí del disco, se ha perdido. Yo al final veo el disco lo veo como un libro. Y ahora es como si la gente escuchara solo capítulos sueltos. Al final todo tiene un sentido, es como un viaje sonoro.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Pues pretender vivir de ella [risas]. Al final es una inversión de tiempo, esfuerzo y dinero. Pero nosotros somos felices haciendo lo que hacemos. Para nosotros eso no tiene precio.
Por momentos el viento soplaba a nuestro favor, sentí estar en el mejor momento, dejándolo estar, dejándonos estar…¡dos locos de atar!