El Alicante Spring Festival se ha consolidado como uno de los grandes festivales de la provincia de Alicante. Varias ediciones y artistas de lujo han conformado, año tras año, el cartel de este evento tan especial, que pasó de celebrarse en pleno puerto de la ciudad al recinto ferial de la ciudad levantina. Y que este año se celebrará los días 24 y 25 de mayo.
Ya estuvimos hablando de las confirmaciones que ha habido en esta nueva edición. Cartel que han ido conformando bandas y artistas como Love Of Lesbian, Fangoria, Viva Suecia, Rozalén, Miss Caffeina, Second Carolina Durante, Zoo, Miss Nina o Putochinomaricón. Sin embargo, hace algunos días anunciaron más nombres, que se incorporan a estos dos días de evento. Así es como se han sumado también otras bandas como Nancys Rubias, Carlos Sadness o Las Chillers.
¿Quiénes han sido las últimas incorporaciones?
Carlos Sadness se ha convertido en el mayor símbolo del buen rollo y el positivismo. En el signo de la música como canal para acceder a la gente. Carrera ascendente desde que comenzara en este mundo. Aunque con «Diferentes Tipos de Luz» se ha consolidado como uno de los mayores representantes del indie nacional. Incluido en todos los carteles de festivales y haciéndonos viajar desde el WiZink Center hasta la luna con su show «Isla Morenita». Un show en el que pronto colgó el cartel de «sold out». Ahora, la próximo oportunidad que tengamos de verlo, será en mayo. En plena ciudad de Alicante.
Aunque, sin duda alguna, una de las bandas más icónicas desde hace décadas es Nancys Rubias. Sí, la banda liderada por el mismísimo Mario Vaquerizo. Banda nacida en los 2000, pero con un espíritu muy patente de la «Movida de los 80». Y es que tras 14 años de carrera y cerca de 6 discos publicados, los madrileños siempre serán recordados por crear canciones que se han convertido en fenómenos virales, como «I like It (Me encanta)» o «Peluquitas». Sin duda alguna, la fiesta con ellos está 100% asegurada.
Por último, están Las Chillers, una de las bandas con mayor repercusión y crecimiento en este último año. Ellas sí que son la fiesta asegurada, el alma de todas las verbenas y los festivales. No es para menos, cuando son las que entonan míticas versiones como «Mujer contra Mujer», «Duro de pelar» o «Bailando». Aunque poco a poco, nos están mostrando un poco de sí mismas. Y es que recientemente vio la luz su primer single, «Siempre juntas». Una canción que surge tras las numerosas aventuras de la banda, en su recorrido desde Madrid hasta Benidorm.
En 2018, veía la luz el nuevo trabajo de Malsujeto. Era la hora de «La Armonía del Caos», cinco años después de su anterior trabajo. Incansables, no están dejando de girar con este nuevo disco hasta traerlos aquí, a Madrid.
La semana pasada, días antes de su bolo en la capital, pudimos hablar con Táber (vocalista) y con Enrike (batería). Y esto es lo que nos contaron sobre el proyecto.
¿Cómo surge el concepto de «La Armonía del Caos»?
Táber. Viene de tiempo, porque cuando acabamos «Paraíso Infierno» ya teníamos en mente el siguiente trabajo. Aunque al final, entre unas cosas y otras, se nos ha ido retrasando un poco. En los últimos dos discos, nuestra filosofía ha sido la de grabarnos todos nosotros mismos y finalmente, se alargó un pelín. Pero el concepto principal viene desde hace cinco años, con «Paraíso Infierno».
¿Cómo ha sido la espera desde 2012, cuando vio la luz «Paraíso Infierno»?
Enrike. Realmente, aunque hemos estado cinco años sin sacar disco, nunca hemos dejado de tocar. Año tras año, hemos ido haciendo conciertos y festivales y, al final, el nuevo trabajo se ha estado retrasando por eso. Porque trabajamos desde casa, no hay límites de tiempo y combinado con todos los conciertos, ha hecho que se complique.
¿Cómo han sido la acogida del disco?
E. Creo que ha sido bastante buena. De hecho, los primeros conciertos han ido muy bien, la reacción es muy buena. El concierto incluso que hicimos con Gatibu en Bilbao fue muy bien, todo vendido. Todo lo que estamos haciendo, está funcionando guay.
Un titular que sintetice «La Armonía del Caos».
E. Que de lo peor, se puede sacar lo mejor. No sé, es que un titular, es muy difícil [risas].
T. Es un disco que recoge toda nuestra trayectoria: desde lo más antiguo, que es nuestra forma de hacer las canciones, a lo más actual, que es el sonido diferente.
Una canción del disco y por qué.
E. La verdad es que entre todas las canciones, es difícil escoger solo una. Pero en mi caso particular, me quedaría con «Tierra de Libertad». No será la canción más single, pero es uno de los temas a los que más cariño le tengo, porque habla del despertar de las conciencias. Además, es un estilo que no hemos tocado, tiene efectos diferentes que me gustan bastante y tiene un estribillo bastante potente.
T. Yo no lo sé. Por decir una, diría «Cruce de miradas», porque es diferente a lo que hemos estado haciendo. Y tiene un toque distinto.
Hablando un poco de los mensajes de las canciones, ¿creéis que la música ha perdido un poco esa esencia?
E. Creo que en el rock ese espíritu más contestatario siempre ha estado más patente. Abriendo a más estilos, quizás sí que haya música más neutra, más banal. Pero creo que el rock & roll sí que ha mantenido viva esa llama de autenticidad que otros géneros no han tenido o que en algún momento, han perdido. Que otros estilos no es que no tengan esa verdad detrás, pero una de las señas del rock siempre ha sido el compromiso.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Malsujeto?
E. Pues la verdad que el principio de la gira, que es lo que teníamos programado, ya lo hemos hecho. Fijo que en mayo tengamos una fecha en Buñol, con Gatibu.
T. Sí, también cerraremos más adelante alguna fecha más, que iremos colgando en nuestras redes. Además, nos estamos metiendo ya en el local de ensayo y están saliendo cosas nuevas.
E. Sí, para que no vuelvan a pasar otra vez cinco años [risas].
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
E. Yo es que he locuras muy locas, que no puedo contar [risas]. A mí, por ejemplo, me gusta mucho la música clásica y toco en formaciones clásicas. Cuando fuimos a tocar a Córdoba, a las 3 de la mañana, cogí el coche y me volví a Buñol, porque tenía otra actuación a las 10 de la mañana.
Aunque llevan poco tiempo como banda, Alabel es uno de esos grupos que desde el minuto 1 encandila. Será por lo que cantan y por cómo lo cantan. Es la gran y joven apuesta del folclore, ese que forma parte de nuestro pasado, ese que en algún momento, nos hará entender nuestro futuro. Y mañana encandilarán a todo el que se precie a pasar por el Café Berlín de Madrid. Poca broma con ellos y mucha magia.
Hace algunos días, pudimos hablar con María de la Flor, vocalista de este particular proyecto. ¿Queréis saber lo que nos contó?
¿Cómo surge todo el proyecto de Alabel?
Empieza un poco porque yo siempre he sido una loca del folclore de diferentes lugares del mundo. De hecho, me llegaba mucho por diferentes vías y por distintos amigos. Entonces, en un punto de mi vida, me dio por cantar y centrarme solo en la labor de vocalista, sin tocar y sin ser yo instrumentista, porque yo en realidad soy violinista. Así que me decidí a montar yo este «tinglao» y a rescatar todas estas canciones tradicionales. Entonces apareció en mi cabeza el nombre de Lorenzo Moya, a quien le propuse participar en el proyecto porque sabía que también le apasiona todo esto. Y enseguida me dijo que sí. Directamente, cerramos una fecha en Búho Real y a partir de ahí, comenzamos a construir tanto la banda, como el sonido.
Precisamente, la siguiente pregunta era, ¿por qué aunar tradición oral con música?
En mi caso es que está muy relacionado. Yo canto porque mi abuela canta, mi madre canta y porque a mí me han cantado toda la vida. Al final, yo hilo eso con un sentimiento materno de cuidar y de salvar la memoria. Y puedes cantarle al futuro, pero lo haces con cosas que no son tuyas. Y yo canto así, aunque no cante este género de música. Así que para mí tiene mucho sentido el colocarme en ese lugar, no solo para cantar, también para sentir. Y habrá a quien le interesa más o menos la labor de rescate. Pero si te resulta amena, lo que encuentras es un tesoro.
En las canciones que hemos podido escuchar, hay mucha diversidad de género. Folclore, flamenco, jazz. ¿Por qué esa variedad?
La verdad es que la diversidad de géneros ha surgido de la mezcla de músicos. Y es que al final, cada uno de nosotros tiene un lenguaje distinto. También porque partimos de edades, formaciones y experiencias distintas. Lorenzo, por ejemplo, viene más del mundo clásico y del flamenco. A Antonio le encanta el jazz, pero toca mucha música brasileña y de Latinoamérica. Bandolero viene del flamenco. Joaquín, que es el batería que sale en los vídeos, viene también del jazz. Luego, mi voz dicen que tiene toques folclórico. Igual que las melodías. Al final, si quieres algo común y mezclas todo eso, surgen dejes de todos y cada uno de nosotros.
¿Cómo afrontáis el concierto de mañana miércoles en el Café Berlín?
Pues yo un poco nerviosa, la verdad [risas]. Pero también tengo muchas ganas. Lo que pasa es que yo soy una persona un poco ansias. Y es eso, tengo un poco de miedo porque pueda salir mal, pero a la vez sé que va a salir bien. Sé que va a ser muy guay y tengo ganas de que venga mucha gente. Además, hemos invitado a muchos artistas que tocan y cantan que te mueres. Es un gusto contar con personas que se desenvuelven con tanta facilidad con este tipo de canciones.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Alabel?
En principio, fluir un poco y dejarnos llevar, una vez haya pasado el concierto en el Café Berlín. Hay varios festivales a los que nos hemos esperado y que esperamos que vayan saliendo. Y esa es un poco la idea. Sí que está sobre la mesa la idea de grabar los temas que están más cerrados. Y el hecho de que se una al grupo algún percusionista. Pero de momento, esto es lo más inminente.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Mi día a día es una locura [risas]. Y exponerme a este grado de ansiedad y de estrés [risas]. No, en realidad, la mayor locura que he hecho por la música ha sido hacer cosas que no sé hacer. La primera vez que yo me subí a un escenario para cantar, no había cantado nunca antes. Y lo hice para sustituir a la cantante principal de una «big band» que habíamos montado en el conservatorio. Tocábamos en la Galileo y estaba todo vendido, pero aún así, me decidí a subir y sustituirla. Y, claramente, yo no había hecho eso nunca. Al final, como esas he hecho infinitas, porque soy una persona que se envalentona muy rápido. Lo bueno es que mi aprendizaje es que esa es la única manera de avanzar.
Hace casi dos años, vio la luz el nuevo trabajo de Naranja. Llegaba el momento de «Extraños Equilibrios». Era el gran debut de los madrileños, quienes poco a poco, se han ido hacer hueco dentro del panorama musical actual. Y es que no es para menos. Desde que ganaran el concurso de Vodafone Yu Music Talent, han ido ascendiendo de manera imparable. De ahí, saltaron directamente a escenarios más grandes, de la mano de una de las bandas más importantes de España: Lori Meyers. Además de recorrer festivales de la talla de BBK, Low Festival, FIB, Les Arts o Arenal Sound.
Después de estos dos años, es momento de despedirse de «Extraños Equilibrios». Naranja lo hará este mismo sábado 9 de marzo, en la Moby Dick Club, mítica sala madrileña que está celebrando su 27 aniversario. Llega el momento del fin de gira.
Los orígenes de Naranja
Con esas ganas infinitas de comerse el mundo y la energía tan «power» que los caracteriza, Naranja llegaron a la escena musical de la ciudad con su primer EP. «Toronto» estaba en la calle y ellos apenas empezaban a rodar. La legión de fans de Naranja comenzaba a forjarse alrededor de la banda. Aunque, sin duda alguna, el disco que los ha llevado a recorrer un número mayor de escenarios y festivales, ha sido «Extraños Equilibrios».
Pablo López (voz y guitarra), Aníbal Yanguas (guitarra y coros), Alejandro de Las Heras (batería y coros) y Pablo García (bajo y coros) son las caras visibles de esta prometedora banda. Juntos, flirtean en sus estribillos multivocales llenos de luz con la energía del amor o el desamor.
Ahora, se plantean abordar el escenario de la Moby Dick. Eso sí, con la seguridad de quien lleva toda una vida actuando, pero con la juventud que les da su edad. Los madrileños, que han puesto banda sonora de la serie «Bajo la Red», despedirán como se merece a su trabajo debut. «Extraños Equilibrios» tendrá una gran fiesta. ¡Y todavía puedes conseguir tu entrada!
Dora Salvatore se estrena en el mundo de la música, con el lanzamiento de su primer single, «Saving Star». Una canción que está a medio camino entre el pop, el R&B, el soul y la electrónica indie. La canción, producida por Pional y mezclada por el ingeniero Maddox MADDMIX Chhim, será uno de los cortes que conformen el álbum debut de la joven artista.
Y es que, los tintes autobiográficos quedan patentes en este primer temas. Una estrella que sirve a Dora como guía y que hace de la música su motor, su refugio ante los momentos tan duros que ha tenido que vivir. Además, en el videoclip de este «Saving Star», dirigido por su padre Diego Postigo, Dora nos habla de su vida en una cronología dividida en tres fases. En la primera, aparece una joven Dora de 12 años escribiendo sus primeros temas en su habitación. Una imagen a la que sucede la actual Dora de 14 años, proyectando la canción en el entorno del instituto. Finalmente, acaba con una Dora del futuro próximo. Una Dora que, con 16 años, se aproxima a su primer escenario con gran seguridad y siempre guiada por su «Estrella Salvadora».
La música, parte del ADN de Dora Salvatore
A pesar de su corta edad y de su juventud, Dora procede de una familia de artistas. Hija de Bimba Bosé y Diego Postigo, ambos miembros de The Cabriolets, pronto comienza a tomar interés por la música. Arte en la que se empieza a desarrollar y en la que se dio a conocer, sobre todo, gracias al alcance de las redes sociales, en las que subía regularmente determinadas «covers» de otros artistas.
A los 5 años da sus primeras clases de piano, y a los 9 años empieza a versionar a muchos de los artistas que ha escuchado en casa. Con 11 años ya muestra una gran sensibilidad musical poco común para su edad. Con 12 años entra como cantante principal en la Creativa Junior Big Band, encandilando al público con versiones de Nina Simone, Ella Fitzgerald o Chaka Khan.
A los 13 años, se aventuró a crear sus propios temas. Ahora es el gran momento de Dora. Y de su música. Una música que ya ha comenzado a ver la luz. Una música que el pasado viernes 1 de marzo, dio su primer pistoletazo de salida. Y ya no hay vuelta atrás: la estela de Dora Salvatore es imparable, solo puede ir hacia arriba.
Una de las bandas más prometedoras y con mayor talento. Una demostración más de la revolución que está suponiendo el Levante a nivel musical. Se trata de los alicantinos Gimástica, quienes se encuentran presentando las canciones de su nuevo trabajo, «Líquido».
De hecho, el próximo 28 de marzo pasarán por la reconocida Costello Club de Madrid. Un evento que no nos pensamos perder y para el que deberías sacar ya entrada (pinchando aquí).
¿Cómo surge el concepto de «Líquido»?
Juanma: «Líquido» gira en torno al concepto de «vida líquida» de Bauman, que habla del paso del estado de solidez al estado líquido entendido como fluidez, cambio, flexibilidad o adaptación. Los temas tratan sobre ese movimiento, que va desde un estado negativo y evoluciona hacia lo positivo, haciendo que nos desprendamos de los residuos que no nos dejan avanzar. Además buscábamos un nombre que cerrase el ciclo aire con «Paracaidismo» y tierra con «Montaña» y ya cerrar la trilogía.
¿Cómo fue trabajar con Víctor Cabezuelo, Manuel Cabezalí y Dany Richter?
Juanma: Para «Líquido» queríamos probar sonidos nuevos que no estuvieran en los trabajos anteriores de Gimnástica. No queríamos cerrarnos puertas creativas. En el local y en nuestro home studio -también llamado «La habitación de la ilusión» – nos fuimos acercando indirectamente a una mezcla de sonidos orgánicos y añejos -por una parte-, y elementos de electrónica.
Desde un principio sabíamos que Vic era el productor adecuado para proyectar esta mezcla de ideas. Siempre hemos seguido muy de cerca sus producciones y sabíamos que era la persona idónea.
Después él nos propuso trabajar con Manuel Cabezalí y Dany Richter en el estudio El Lado Izquierdo. Fue un lujo trabajar con los tres, estuvimos muy cómodos. Pasar tanto tiempo dentro de un estudio de grabación con tres personas tan creativas es un lujo.
Un titular que defina el disco.
G. Somos una ola que desemboca en las flores. «Líquido» se compuso pensando que podría ser el último disco de Gimnástica.
Una canción del álbum.
Juanma: Para mí «El Viaje del Caracol». Fue un tema que estuvo a punto de quedarse fuera del disco. En pleno proceso de grabación decidimos bajar a Aranjuez junto a Vic, a los locales de los Rufus T. Firefly, para darle una oportunidad -puesto que era un tema que tenía únicamente a guitarra y voz, y no se había maquetado-. Tras unas cuantas horas, terminamos de darle forma y finalizamos la composición junto a Víctor. Salió algo muy mágico de ahí.
¿Cómo han sido las reacciones al disco?
Frank: La verdad es que han sido buenas. Nuestro público ha crecido y evolucionado junto a nosotros, y desde la primera escucha, ha entendido lo que queríamos contar con este disco.
«Líquido» se compuso con cierta incertidumbre con respecto a nuestro futuro como banda. Estábamos solos y con muchas dudas. Es por esto por lo que se yergue con sinceridad y amor por la música como premisas. Como si fuese nuestro último disco; nuestras últimas canciones. Luego llegó el apoyo discográfico de Oso Polita, y cambió todo esto, dándonos la energía para seguir empujando, con más ganas que nunca. Aún así, ese sentimiento inicial sigue ahí, y ha llegado al público. Es muy bonito.
«Caléndula» fue el primer adelanto, que vio la luz además, con su respectivo videoclip. ¿Por qué escoger este tema como avance y cómo surgió la idea del vídeo?
Juanma: «Caléndula» es un tema muy potente y afilado, con mucha energía en las guitarras y un tempo que camina hacia adelante. Pensamos que sería una buena carta de presentación visual de la banda. Un «hemos vuelto» en toda regla. Por estas mismas razones, «Caléndula» es la primera canción del disco.
Luis: «Caléndula» es una canción enérgica que a la vez posee un aura mística concentrando muy bien las cualidades que se presentan en el resto del álbum.
¿Cómo fue trabajar en el videoclip, bajo la dirección de Jaime Massieu?
Frank: Queríamos que el primer videoclip de «Líquido» mostrase a toda la banda tocando y su energía en el escenario. En este aspecto, Jaime es el mejor capturando esa fuerza. Incansable artista del vídeo y la fotografía en directo, supo entender a la perfección las atmósferas y ritmos de la canción. Estamos muy contentos con el resultado.
Y dicho quede, Jaime es un tipo con un gran humor. Grabamos los exteriores del vídeo a las 3 de la mañana en un polígono de las afueras de Madrid, de empalme tras tocar en Granada con Simple Minds. La borrachera de sueño dio mucho juego a la comedia.
Saltasteis a escena en 2012 con «Paracaidismo». ¿Qué queda de los Gimnástica de entonces y en qué ha cambiado la banda?
Juanma: Más que cambios ha habido una evolución tanto en la mentalidad como en lo musical de la banda. Desde 2012 varios componentes han abandonado la banda y otros nuevos han entrado y eso hace que la banda tenga otro enfoque, pero la esencia Gimnástica sigue estando ahí.
Luis: Al ser el último músico que se incorporó al proyecto, he visto y sentido muy de cerca toda la evolución de la banda desde una perspectiva privilegiada, antes como seguidor y ahora como miembro del proyecto. La Gimnástica de hoy es el resultado de muchos años de esfuerzo y amor por la música. La joven intuición e inocencia han pasado a transformarse en precisión y pasión. Líquido es un salto evolutivo que canaliza el crecimiento de la banda durante todos estos años.
Sois de Alicante, zona en la que hay mucho movimiento musical y mucho talento emergente, junto a Murcia. ¿Qué está pasando?, ¿cómo estáis viviendo toda esta situación?
Lucas: La verdad es que nos gusta mucho lo que está ocurriendo con esta zona. Cuando nosotros empezamos con los primeros proyectos que teníamos éramos «cuatro gatos», pero ahora hay mucho movimiento. Antes era muy difícil salir desde aquí, porque generalmente los grupos salían de ciudades como Granada, Madrid, Barcelona, Bilbao. Pero hoy en día ya hay una escena potente en el Levante español, con claras influencias del indie patrio pero con una personalidad distintiva.
Con el auge de tanta banda emergente, ¿cuál creéis que es la clave del éxito?, ¿qué hacer para diferenciarse del resto y destacar?
Lucas: Nosotros creemos que la única forma de destacar, en esta jungla de competitividad, es ser uno mismo. Porque nadie tiene la clave del éxito, y para estar sufriendo por competir, mejor disfrutar siendo quién eres, luchar por ser tu mismo y si llega el éxito, será fácil mantenerlo.
Luis: El éxito no se encuentra, es él el que te encuentra a ti. No tiene sentido ir en busca de una fórmula que realmente no existe. Día tras día nos sorprendemos de los artefactos exitosos y de todos aquellos proyectos que caen en el olvido incomprensiblemente. Ante este panorama, sólo nos queda trabajar para mejorar día tras día, transmitir nuestro proyecto y enamorar al mayor número de personas mientras disfrutamos del camino.
Centrándonos de nuevo en Gimnástica: ¿cuáles son vuestros siguientes pasos?
Lucas: Estamos produciendo el directo con mucho trabajo y mucha investigación para que el público que venga a nuestros conciertos de la gira que hay programada para 2019, disfrute de un show de calidad. Nuestra m
úsica en su puro estado. A principios de año, salió el segundo videoclip de «Líquido» y ya empezamos con la promoción antes de la gira. Y para el verano, nuestros Oso Polita y Last Tour están trabajando para que os acompañemos en muchos de los grandes festivales.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música, siendo Gimnástica?
Lucas: La mayor locura ha sido crear nuestras vidas alrededor de Gimnástica, que ha pasado desde buscar y encontrar un trabajo que nos permita siempre seguir con la banda al 100%, hasta la última anécdota, que fue cambiar la fecha de mi propia boda para poder sacar adelante el último disco.
La gira de Gimnástica (Todas las entradas en Wegow)
La Otra llega a la mismísima Almería el próximo 16 de marzo. Un concierto, enmarcado dentro del IV aniversario de Bella Ciao, y que tendrá lugar en la mítica sala Madchester de la ciudad. La cantautora madrileña aprovechará para presentar los temas de su «Creciendo», LP lanzado en 2018. Además de recordar otros de sus trabajos previos, «Pa’ Fuera y Pa’ Dentro» y «Amanecer Luchando» y recorrer algunas de las versiones más míticas, como «Se Quemó» o «Te Recuerdo Amanda».
Pero, ¿quién se esconde tras La Otra? Puede parecer una gran desconocida. Pero en redes sociales acumula multitud de seguidores y «likes». Y es que se dio a conocer allá por 2011, con aquel primer trabajo. Era el momento de «Amanecer Luchando». Desde ese momento, no ha dejado de crecer, a base de esfuerzo. Y no ha dejado de trabajar de manera auto-gestionada: desde los propios discos hasta las propias actuaciones.
¿Cómo comenzó su andadura La Otra?
Tal y como asegura la propia artista, «empecé a escribir por necesidad hace unos cuantos años, con ocasión de alguna crisis de soledad. Me dí cuenta de que me servía para sanarme, y desde entonces fui cogiendo la costumbre de limpiar las heridas con música».
Así se presentaba La Otra cuando tras esa primera maqueta que llegó en 2011, se dio a conocer tres años después. ¿El motivo? El lanzamiento de su campaña de crowdfunding, para publicar su nuevo trabajo. Llegaba así «Pa’ Fuera y Pa’ Dentro».
Su música y ella son especiales. Con mucha pasión y con unas letras que van de lo irónico a lo crítico, de lo intimista a lo personal. La Otra llega pisando fuerte el género conocido como la canción de autor. Viene para dejar su propio sello, su propia marca personal. Y es que su sensibilidad es diferente. Su sensibilidad la ha llevado a recorrer multitud de escenarios, a la par que dispares. Ha pasado por festivales como Barnasants, Bioritme, Rabolagartija, Juergas. También se ha recorrido otros países como México. Y ha colgado el cartel de «sold out» en distintas ciudades: Madrid, Valencia, Zaragoza, Murcia, Málaga, Granada, Sevilla, Córdoba y Donosti entre otras.
Ahora es el momento de presentar las canciones de su segundo álbum, grabado en 2018 en El Tercero Studios (Barcelona). Es el momento de que «Creciendo» inunde todos los rincones de la Madchester de Almería. Y todavía quedan entradas para este gran evento. No te pierdas la oportunidad de ver en vivo a La Otra. Consigue tu ticket, pinchando en el siguiente banner.
Cuarenta años de carrera, momentos de descanso y bastantes discos a las espaldas. Se trata de Leize, quienes han sorprendido nuevamente con su reciente trabajo, «Deriva». Un disco con el que empezarán a girar la próxima semana en Barcelona. Un disco con el que llegarán a la Sala Changó de Madrid el próximo 30 de marzo.
Hace unos días, pudimos hablar cara a cara con Félix Lasa, guitarrista y fundador de Leize. Esto es lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Deriva»?, ¿es alguna especie de guiño?
En realidad, lo de «Deriva» es un concepto un poco de hacia dónde vamos nosotros como sociedad. Pero no mirado desde el punto de vista de: «la sociedad me aplasta, el sistema es una mierda». Más bien, desde el lado personal, desde la perspectiva de qué vas a hacer tú para cambiarlo. Y sobre todo, a qué le das importancia tú en tu día a día: si es al querer, si es al poder, si es al parecer. Así que el concepto está enfocado a eso: a la deriva personal que cada uno tiene.
¿Qué crees que nos ha llevado a esa deriva?
Creo que nos han involucrado en una historia de consumo brutal. Antes había más consumo material, ahora es más mental. Con lo cual, te tienen más «agarrado». Tú no puedes descargar absolutamente todo y el talento no es algo que se consuma a golpe de click, al final es algo que te tienes que trabajar.
En definitiva, creo que nos han enredado en una maraña en la que parece fácil hacerlo todo, pero en realidad, no sabes hacer nada. Nos tienen totalmente controlados. Así que la deriva va un poco en ese sentido.
¿Consideras que en medio de toda esa deriva, se está perdiendo el poder del disco como discurso?
Totalmente. Al final, volvemos un poco a lo mismo. Nos están obligando en cierto modo a consumir música de manera rápida y de esta manera, nos estamos perdiendo toda la historia que cuentan los discos. En el caso de «Deriva», está estructurado de tal manera que tenga sentido si lo escuchas en orden, de principio a fin. Y el final, luego te vuelve a llevar al principio.
Así pasa también con muchos otros discos. Al final, es como quien empieza a leer un libro. Empiezas a leer por la primera página, no por la número cien, ¿no?
Un titular que defina este disco.
No hay nada mejor que el título, «Deriva». Anda que no le he dado yo vueltas. Y al final, no he encontrado un titular mejor que ese.
¿Cuál es la clave del éxito para Leize?
No sabría decirte, aunque creo que la clave es hacer las canciones con el corazón y mostrarte tal cual eres. Yo no le doy más vueltas tampoco. El punto, al final, es hacer las canciones, pero no hacerlas para algo o para alguien en concreto.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Leize?
Pues la próxima semana empezamos ya a tocar. El 9 de marzo estaremos en Barcelona y luego pasaremos por ciudades como Zaragoza, Bilbao, Logroño, Madrid el 30 de marzo. Además, tenemos como objetivo llegar con este disco a Andalucía y Galicia.
¿Por qué Andalucía y Galicia?
Porque están lejos y porque allí no hay nadie que organice nada, salvo cuatro festivales, en los que además, siempre tocan las mismas bandas. Así que, nos encantaría poder entrar ahí, aunque es un poco complicado.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Pues la verdad es que me gusta pensar algo, porque nosotros no somos una banda de excesos o de decisiones locas.
Muchas bandas me han comentado que su mayor locura fue dejarlo todo por la música.
Mira, nosotros eso no lo hicimos. Y tuvimos la oportunidad, la verdad. Es la primera que me ha venido a la cabeza, pero no lo veo una locura, en nuestro caso fue un acierto. Nosotros hemos podido hacer lo que más nos gusta y lo hemos conseguido llevar a cabo, teniendo también una familia maravillosa. Si hubiéramos tomado esa decisión y hubiéramos renunciado a lo que tenemos, habría sido una gran locura. Las decisiones hay que tomarlas con cabeza, aunque luego te equivoques. Pero no se pueden tomar con el efecto gaseosa.
Lo conocimos hace poco más de un año y, desde ese momento, no hemos dejado de verlo crecer. El caso de Dan Millson es especial. Es uno de esos artistas con estrella y por los que, al final, es inevitable no alegrarse cuando las cosas le marchan bien. Talento, trabajo, suerte. La combinación perfecta para que, sí, las cosas le marchen bien.
Hace algunos días, hablamos con él, a propósito del lanzamiento de sus dos últimos singles: «Lost Track Of Time» y «Queen Without a Crown». De hecho, el videoclip de esta última canción, vio la luz el pasado viernes y es el ejemplo perfecto de que menos es más. Y de que se pueden contar grandes historias, con pequeños detalles.
¡No os perdáis lo que nos contó! Y tampoco os lo perdáis en directo: el próximo 10 de abril, inundará el escenario de la Sala El Sol.
En las últimas semanas, nos has sorprendido con el lanzamiento de «Lost Track Of Time» y «Queen Without a Crown». ¿Cómo surge el concepto de ambos temas?
Bueno, como sabes, yo venía de publicar mi EP «Little Box Of Treasure» y luego llegó «Shine a Light». Todas estos temas estaban bastante producidos y eran rollo más canción «hit». Entonces quería sacar algo completamente diferente. A una parte de mí, le encantan las baladas, la crudeza de la música antigua y, sobre todo, cómo se grababa: con micrófonos, con piano, con un cuarteto de verdad. Y quería probarlo.
La verdad es que las dos canciones son como las dos caras de la moneda. En una está el lado negativo, la del pasado oscuro, que en cierto modo, aún está. Es como cuando te pasa algo y no sabes cómo afrontarlo. Hay gente que llora, hay gente que se queda en casa y no sale. Yo tuve cierta agresividad, que la saqué por ese camino. Intenté afrontar mis miedos y así es como los supe gestionar. «Lost Track Of Time» habla un poco de eso, de olvidar de quererte a ti mismo.
Sin embargo, «Queen Without A Crown» es una canción de amor. Pero no es una canción de amor al uso. Lo que quiero transmitir con ella es que para querer a una persona, te tienes que querer a ti mismo. Entonces son como las dos caras.
¿Será la sala de un nuevo trabajo de Dan Millson?
La intención es publicar nuevo trabajo. Me encantaría que fuera a final de año, pero no sé si será posible, porque tengo que pensar muy bien cómo hacerlo y cómo prepararlo. Me gustaría que fuera un disco un poco conceptual, que todos los temas estuvieran unidos de alguna manera. Pero antes, hay que ver qué sucede con estas dos canciones y dónde nos llevan. Además, ahora estamos muy centrados en el concierto del próximo 10 de abril en la Sala El Sol. Después, voy a Inglaterra a girar y en septiembre vuelvo a Suecia. Están pasando muchas cosas, así que quiero ver si me da tiempo a componer.
¿Cómo has vivido la acogida de ambos singles? Porque en plataformas digitales han sido una verdadera revolución.
Yo estoy muy emocionado, la verdad. Si analizamos los datos de mis otras canciones, «Shine a Light» tiene 18k reproducciones ahora, pero «Queen Without A Crown» tiene 20k y salió hace poco más de una semana. Es una diferencia muy grande. También hemos trabajado con otro equipo y creo que las canciones han salido en buena época, además de que ahora tengo más seguimiento que antes.
Así que feliz. Si todo va así y con esos pasos tan agigantados, quién sabe lo que pasará en 2020.
¿Y cómo afrontas ante el concierto de abril en la Sala El Sol?
Lo afronto con nervios, la verdad. Porque es un paso muy grande para mí. Siempre he tocado en salas más pequeñas y, de hecho, lo más grande que he hecho en los últimos meses ha sido la Sala Siroco. Estuve con la banda y la verdad es que funcionó muy bien, la gente me habló genial.
Después de eso, he decidido dar un paso al frente e ir a por El Sol. He pensado en un formato diferente. Además de ir con la banda, también quiero llevar un cuarteto de cuerda. Así que estoy con muchas ganas, a pesar de los nervios.
¿Cómo ha evolucionado Dan Millson desde «Little Box Of Treasure»?
Pues en realidad sigo siendo el mismo. Llevo mucho tiempo dedicándome a la música y siempre he tenido claro lo que quería. Lo único es que ahora creo que me encuentro en otro capítulo diferente, en el que creo que aún estoy más seguro de lo que quiero. Al final, vas viendo las reacciones del público y cómo reciben lo que haces. Quizás queda un poco feo decirlo, porque a la gente no le gusta verlo así. Evidentemente, todo lo que haga va a salir del corazón y lo voy a hacer convencido. Pero lo que es la imagen, el concepto, la marca, en qué salas tocar, con quién hacer entrevistas…todo eso ayuda a ver un camino más claro.
¿Cómo has vivido este último año? Porque además de lanzar temas, también has girado por dentro de España y por fuera. Y este año vas a repetir.
La verdad es que ha sido un año de locura y muy intenso. En 2017 salió «Little Box Of Treasure», en 2018 comencé a girar y publiqué «Shine a Light», estuve en Reino Unido, Italia y Suecia. Ahora ven la luz estos dos nuevos temas y volvemos.
Es curioso, porque al final creo que el mayor público está fuera de España. Precisamente por eso, no voy a dejar de salir y girar por fuera si se me plantea la oportunidad. Aunque España y Madrid me encantan y aquí me quedo. Pero sé que fuera hay más mercado.
Ahora que se apuesta por el formato single y que vivimos en la cultura de lo efímero, ¿crees que se ha perdido el poder del disco como discurso?
Lo de los singles es algo que ya pasaba en los años 50, con los singles de dos caras. Los lanzaban a la radio y si funcionaba, te daban la oportunidad de grabar un EP. Aunque sí que es cierto que hay cosas que han cambiado. Antes costaba mucho más grabar. Lo del CD fue una manera de darle salida a más canciones y vender más.
Lo que me molesta un poco más es que haya gente que no se molesta en escuchar la canción completa y se quede en los 10 primeros segundos, porque estamos tan saturados de información. Pero no lo mezclaría con el tema de los discos. Al final, si te gusta un artista, te paras, te sientas y lo escuchas.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Dedicarme a ella. Dejar todo por ella.
Es una de las respuestas más comunes. Pero lo cierto es que es arriesgado.
Sí, es que es verdad. Lo he dejado todo por ella. De hecho, yo no vivo donde nací, en ocasiones me puede generar conflictos con familia, es una preocupación continua para mí. Pero me va bien, porque no he dejado de trabajar y porque también estos dos últimos años he tenido suerte. Cuando yo me vine a Madrid, no teníamos ni piso, los primeros días dormíamos en el coche o en casa de algún amigo. Tuvimos antes local de ensayo que casa. Subimos, dejamos todo en el local y esa noche dormimos en el coche, mientras buscábamos piso.
Con la emoción de quien sabe que va a pegarse el viaje de su vida, sin ni siquiera moverse del sitio, nos acercamos todos el pasado sábado 23 de febrero al WizInk Center de Madrid. Era el gran concierto de Carlos Sadness. Ese que nos trasladaría directamente hasta la mismísima «Isla Morenita». Preparados con nuestras mejores galas – tropicales, eso sí – y dispuestos a cantar desde el inicio. Así estábamos.
Pasaban las 21.00 horas. Momento del inicio del concierto. Parecía que el momento en el que saliera Carlos Sadness no llegaba. Pasaban los minutos hasta que, al fin, a las 21.20 horas se apagaron las luces y una voz en off anunciaba que estábamos a punto de despegar y que ese viaje transoceánico hasta «Isla Morenita» duraría algo más de 2 horas y 10 minutos. Y justo después apareció él. Y comenzaron a resonar los primeros acordes de «Perseide». Sí, nada más despegar y ya estábamos vislumbrando las primeras estrellas fugaces. Estrellas fugaces que tan solo fueron eclipsadas por la llegada de «Hale Bopp».
Primera parada, apeados en las ventanillas del avión. Desde arriba distinguimos todos aquellos «Volcanes Dormidos» que ansiaban reactivarse y entrar en erupción. Aunque a quien reactivamos y revivimos sin apenas dudar un momento fue a «Bach», quien se atrevió a cantar con nosotros aquello de «Te quiero un poco».
Ahora sí que sí. Llegada a «Isla Morenita», donde nos recibió con todo su encanto «Miss Honolulu». Un viaje que se nos hizo especialmente corto, ya que cuando nos quisimos dar cuenta, se estaba despidiendo de nosotros al grito de «Au Revoir». Entonces todo se volvió «Semitransparente», como si de un sueño se tratara. Pero no. Ese concierto estaba siendo más real que nunca y sí, todo el público lo estaba viviendo y sintiendo en sus propias carnes.
Y de repente, ¡boom! Primera sorpresa de la noche. En el preciso instante en el que comenzara a sonar «Amor Papaya», apareció sobre el escenario la misma Natalia Lacunza, concursante de Operación Triunfo 2018 y una de las favoritas del «talent show». Ese fue «El Gran Momento». Aunque pasó tan rápido como si de una «Longitud de Onda» se tratara.
Comenzaba un viaje sin retorno en el que los «Días Impares» como aquel 23 de febrero cobrarían sentido. Sentido porque nos servirían para recordar lo que estábamos viviendo. Recuerdos que da igual que nos trasladaran a la isla más remota o la misma «Pompeia», ciudad en la ni los «Diferentes Tipos de Luz» nos harían entender la «Física Moderna». Estaba siendo maravilloso. Podría dar fe de ello incluso el propio «Kandinski», si levantara cabeza. Pero todavía quedaba tiempo para disfrutar.
Entre playa y playa, nos pusimos el «Bikini» y esperamos a Alfred García, finalista de Operación Triunfo 2017, para cantar con él su tema «No cuentes conmigo». Una canción especial que el joven artista publicó en colaboración con Carlos Sadness. De ahí su amistad. Pasado el momento especial junto al «triunfito», llegó el gran momento de «Chihuaha», al que siguió a continuación, «Volviste».
Con «Houndini», quien plantó la «Semilla Negra», nos acercábamos a la recta final. Momento más íntimo a la par que épico, de la mano de «Isla Morenita» en formato más acústico. Intimidad que chocó brutalmente con la energía que desprendió Carlos Sadness, al interpretar su particular versión de «To My Love», con la que nos vinimos arriba. Sí, cantamos hasta quedarnos sin voz. Y bailamos hasta destrozar nuestros pies. Pero esa era precisamente la idea.
Aunque sabíamos que estábamos cerca de nuestro destino y que quedaba nada para aterrizar, quedaban algunos «temazos» por cantar. «Pocholoco» fue el primero en aparecer, para demostrar que «Hoy es el día» para viajar desde Madrid hasta «Groenlandia» si fuera necesario. Y es que, ¡joder!, «Qué electricidad» nos estaba dando ese concierto.
Ahora sí que llegábamos al final. Antes de aterrizar en Madrid, teníamos que hacer parada obligatoria en «Monteperdido». El viaje de más de dos horas había llegado a su fin. Y lo habíamos disfrutado desde el principio hasta el final. Ojalá poder repetirlo en bucle.
Cooltural Fest cierra el cartel de su segunda edición con confirmaciones de lujo. Es una apuesta sobre seguro. Y es que estos son los nombres que cierran el cartel, así que juzgad por vosotros mismos. Ángel Stanich y Alice Wonder para el acústico playa; Los Vinagres, para la ciudad; y Dorian, Delaporte, Valira, Gimnástica y Vuelo Fidji, para el escenario principal. Ya desde la primera edición, celebrada el pasado año, guardamos un cariño especial a este festival celebrado en Almería. Y es que del 15 al 18 de agosto, la música en vivo volverá a las calles de la ciudad andaluza.
¿Quién es quién en la última tanda de confirmaciones?
Los nombres de los últimos confirmados de Cooltural Fest, se dieron a conocer la pasada semana, en el local Patio de Vecinas de Almería, tras haber disfrutado del showcase que Club del Río ofrecieron en la ciudad. Banda madrileña a la que podremos ver en unos meses en el escenario ciudad del festival.
Uno de los grupos más importantes y de los últimos confirmados fue Dorian. ¡Cómo iban a faltar! Desde que lanzaran «Justicia Universal», los catalanes se encuentran imparables, girando por multitud de escenarios. El del Cooltural Fest no será una excepción. Un festival al que también se unen Ángel Stanich con su particular y lisérgica música; y la imparable Alice Wonder, quien se encuentra presentando su álbum debut, «Firekid».
El contrapunto, viene de la mano de artistas como los electrónicos y bailables Delaporte, que también están de enhorabuena, por el inminente lanzamiento de su nuevo trabajo «Como Anoche». O de los incombustibles y enérgicos Los Vinagres.
Aunque la gran sorpresa, al menos para nosotras, ha sido la confirmación de Valira, la nueva banda formada por dos de los antiguos miembros de La Raíz. Por el momento, nos han sorprendido con el primer single de su álbum debut. Una canción llamada «Guerra Fría» y que servirá de antesala de lo que está por llegar.
Y como demostración de que lo desconocido tiene la misma calidad, no nos perderemos los conciertos de los alicantinos Gimnástica, que continúan presentando los temas de su álbum «Líquido», que vio la luz el pasad año 2018. Y, por supuesto, la de nuestro gran descubrimiento: Vuelo Fidji, que presentará su trabajo más reciente.
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Después de varios años de silencio, Marea regresan a los escenarios y lo hacen con nuevo disco. El próximo 12 de abril, «se acabó la tontería», llega «El Azogue». Y lo hará de la mano de Warner Music. Aunque todo lo que rodea a la salida de este álbum es todavía un misterio. Lo único que sabemos de los de Berriozar es la fecha del lanzamiento y la portada del que será este nuevo disco. Un anuncio que pusieron en sus redes sociales, en las que llevaban más de un año sin publicar. Redes que, por supuesto, han terminado incendiadas por los comentarios de numerosos fans.
Sin duda, estas semanas han sido demasiado emocionantes. Y es que Marea no han sido los únicos que han medio anunciado que regresan. Otra de las bandas más míticas a nivel nacional, como es La Polla Récords también ha lanzado la bomba de que vuelven y de que, muy probablemente, estén preparando nuevo material. Eso sí, sin llegar a dar mucha más información.
«El Azogue» será el séptimo trabajo de la banda y llegará justo ocho años después del anterior, ya que en 2011 veía la luz «En mi hambre mando yo», con con Kutxi Romero (voz), David Díaz «Kolibrí»y César Ramallo (ambos a las guitarras), Edu Beaumont «Piñas» (bajo) y Alén Ayerdi (batería). Un disco con el que giraron todo ese año y parte del siguiente, hasta que hicieron un parón, que nunca llegaron a confirmar. Aunque si bien es cierto que, de manera paralela, varios de los miembros de Marea, giraban en solitario.
Por eso, este nuevo disco es tan importante y especial. Tal y como detallaban en el comunicado de prensa inicial, «El Azogue, séptimo trabajo de estudio de Marea, verá la luz tras permanecer la banda en barbecho desde finales de 2012». Un secretismo y misterio, que hace que queramos saber aún más. Y es que todavía queda que la banda navarra confirme las fechas de la gira o si lanzará algún single de manera previa, pero nosotros estaremos atentos a todas las novedades que vayan desvelando.
«El Azogue» será el séptimo trabajo de la banda y llegará justo ocho años después del anterior, ya que en 2011 veía la luz «En mi hambre mando yo», con con Kutxi Romero (voz), David Díaz «Kolibrí»y César Ramallo (ambos a las guitarras), Edu Beaumont «Piñas» (bajo) y Alén Ayerdi (batería). Un disco con el que giraron todo ese año y parte del siguiente, hasta que hicieron un parón, que nunca llegaron a confirmar. Aunque si bien es cierto que, de manera paralela, varios de los miembros de Marea, giraban en solitario.