La música vuelve a salvarnos de nuevo esta semana. Una semana repleta de sensaciones, en la que nos atrevemos a bucear en las entrañas de nuestros tres grandes descubrimientos semanales: el de Espín, que ha sorprendido con su espectacular colaboración con Marwán; el de la artista gaditana Judeline, que acaba de presentar nuevo tema, «Nueva en la ciudad»; y el de Vania Joplin, que llega desde el otro lado del charco, concretamente desde Chile.
Lo de Espín es inexplicable. Y es que cada nota que respira se convierte en pura magia, especialemente si se alía con Marwán. Es entonces cuando todo se magnifica y se multiplica por dos. ¿El resultado? Una joyita que lleva por título «Piérdete conmigo». Una canción que, desde el primer acorde, nos invita a la reflexión, y que está cargada de trabajo, cariño y amor. ¿Qué os ha parecido a vosotrxs?
Con esa luz tan del sur, llega a nuestros oídos el proyecto de la gaditana Judeline, quien se atreve con una nueva canción que parte del drill menos convencional, teñida de sonidos R&B y con tonos más descarados propios del hip hop. Todo mientras el sentimentalismo y las emociones se abren paso. Esto es «Nueva en la ciudad» y se ha saldado con una potente alianza junto al cantante madrileño Oddliquor y el productor Tuiste. Un tema, sin duda especial, que nos deja grandes aprendizajes como la necesidad de la zona de confort y de perseguir una meta a la que tienes claro que vas a llegar, pese a los miedos y la incertidumbre. ¿Os ha gustado este pequeño gran regalo?
Y, por último, desde el otro lado del Atlántico, concretamente desde Chile, llega Vania Joplin dispuesta a arrasar con todo y a romper todos nuestros esquemas. Tal es así que con su «Quiérete mucho», nos ha logrado enamorar por completp. La canción perfecta para irrumpir en el señalado día de San Valentín. Mucho amor, mucho amor, sobre todo a nosotrxs mismxs. Un aprendizaje que nos canta, a ritmo de música urbana.
Como no todo es indie en el mundo, hoy nos pasamos un poco al punk rock más endiablado, de la mano de The Riggos que están de estreno. Y es que acaba de ver la luz su nuevo single, que lleva por título «Mundo Natural», que no deja de alzarse como una feroz crítica a la sociedad actual en la que vivimos. Un reproche lapidario en cuyos versos la banda alude a todas esas personas que se sienten fuera de lugar, asumiendo la idea de huír a la naturaleza para ser libres como los animales.
Un escenario que The Riggos plantean desde el punto de vista de un sujeto que da por perdida su lucha por cambiar el rumbo de esta sociedad, y tras intentar mantener todo diálogo posible no ve mas remedio que exiliarse, aún sabiendo que será perseguido por ello. Además hablan del deseo de las altas esferas de consumir (pisar) a todo aquel que esté por debajo. La conclusión llama irónicamente a olvidar la postura bípeda humana para sustituirla por el caminar propio de un animal de cuatro patas, encontrando así la verdadera felicidad. En definitiva, un trallazo de la banda de Vigo que ya suena irremediablemente en bucle.
Tras The Riggos, se esconden Bruno Costas, Denis Carballás, Yago Ray Costas y Arturo Peixoto. Los cuatro llevan demostrando su valía desde el año 2011, recorriendo así múltiples escenarios de todo el territorio nacional y compartiendo escenario (y cartel) con otras bandas de primer nivel como Kaiser Chiefs, Miguel Costas o Surfin’ Bichos.
Con todo este prometedor panorama de por medio, aprovechamos para sentarnos a hablar con ellos, y que sea la propia banda la que nos cuente todos los detalles y entresijos del proyecto, además de avanzarnos un poco cuáles serán sus próximos pequeños grandes planes. ¿Te has quedado con ganas de saber más sobre The Riggos? Pues solo le tienes que dar al play.
Moves atacan de nuevo y nos regalan la demo edit de «Remember», tema que sirve como antesala del que será su próximo trabajo discográfico, «Challenge». Un álbum compuesto por 10 temas que verá la luz en octubre de 2021. Grabada durante el confinamiento, esta canción ha resultado tan mágica y especial para la formación, que han decidido publicarla antes de la llegada del propio disco, en el que también encontraremos otra versión grabada con toda la banda.
Abril de 2020. La fecha en la que Moves tenían pensado entrar al estudio de grabación, para trabajar en su nuevo álbum. Sin embargo, la llegada del coronavirus y su respectivo confinamiento, coartaron y acabaron con todos los planes de la banda. Y del mundo entero. Pese a estar separados y sin posibilidad de reunirse, durante los primeros meses encerrados en casa, decidieron crear esta edición sin batería ni percusión, potenciando ambientes con teclados que aportan un sonido atmosférico y volátil al tema. Así nació esta especie de sueño en homenaje a David Bowie.
«Remember» es también una reflexión sobre la muerte. ¿A dónde nos lleva? ¿Qué hay en el mundo del más allá. ¿Hay algo siquiera? Sin el azul celeste del cielo, el calor del sol, la fuerza del mar, la infinidad de la pasión o la magia del amor. ¿Extrañaremos la belleza de la vida?
Moves arrancaron su andadura allá por 2015, en el momento en el que Jacqueline Seligmann y Matías Segovia se unen en el estudio y comienzan a dar forma a la química musical que existe entre ellos. Aunque juntos trabajan, mano a mano, en la composición; Matías se centra más en el ámbito de la producción, mientras que Jacqueline se decanta más por la creación de las letras. Un potente trabajo en equipo, que tienen como resultado unos temas melancólicos con arreglos densos, lleno de capas, letras poéticas y una voz dramática e intensa. El combo perfecto al que, con el paso de los años, se han ido sumando grandes artistas de la talla de Freddy Forner (teclado), Marina Ferriz (violín), Nathan Baughman (bajo y coros), Luciano Bertolini (batería) , recientemente, Vicente Maciá, conocido por Carrots y por Pigmy (guitarrista fijo). Y así es como se conforma una formación de escándalo.
Cuando hablamos de Mercedes Cañas, lo primero que se nos viene a la cabeza es juventud y talento a raudales. Y es que, en este caso, ambos sustantivos están más unidos que nunca. Desde el corazón de Madrid, llega la artista dispuesta a revolucionarnos a todos con su música, dispuesta a remover todos nuestros cimientos musicales. Ya lo hizo en 2019, cuando debutó con su primer trabajo «Tirando a lila», fuertemente inspirado en los veranos que pasaba de pequeña en la costa alicantina. Pero es que lo ha vuelto a hacer con el primer single de su nuevo trabajo: «Que se sepa» ya está aquí, para describir todas las sensaciones que se experimentan al encontrarse con el amor. Un tema que supone un paso al frente para Mercedes, un salto cualitativo y sonoro, ya que ha trabajado mano a mano con Sebastián Cortés a la producción, quien ha sabido darle un toque electrónico a este single.
¿Pero qué hace tan especial a Mercedes Cañas? Derrocha sensibilidad y personalidad en todas sus composiciones, y esto se debe a que la joven artista compone todas sus canciones basándose en sus propas experiencias. Acompañada siempre de su ukelele y su guitarra, que aprendió a tocar de forma autodidacta, comparte su talento y sigue trabajando para ganarse un hueco en la música, su gran pasión. Un firme propósito que estamos seguras que conseguirá, así que, quedaos con su nombre, porque su meteórica carrera solo acaba de comenzar.
Aprovechando esa fuerza con la que ha irrumpido en nuestro panorama musica, aprovechamos para hablar con ella, conocerla y que sea la propia artista quien nos descubrar quién es verdaderamente Mercedes Cañas. No hemos perdido la oportunidad de charlar sobre música, sobre sus temas y sobre lo próximo que se trae enre manos. ¿Todavía no la conocéis? ¡Pues dadle ya al play!
La Sala Independance de Madrid se convirtió el pasado viernes 12 de febrero en el punto de encuentro perfecto para disfrutar de un buen concierto, por supuesto, de la mano de La Regadera. Nuevo punto para la cultura que, con todas las medidas de seguridad pertinentes, volvió a demostrar que es más segura que nunca.
El octeto se subió al escenario de la mítica sala madrileña para ponernos a bailar al ritmo de ska, rocksteady y punk, salpicado con pinceladas de reggae, pop y latin. Todo junto. Y todo ello, por presentar aquel último disco que nos regalaron en 2019, «Dormir es de cobardes»; y por supuesto, para prentarnos la nueva joyita que han publicado, su tema «Largo Invierno». Aunque claro, tampoco faltaron esos grandes guiños a sus trabajos anteriores «Para que la vida no pare» (2016) y «Trovadores» (2017). Un total despliegue de medios, capaz de remover toda nuestra capacidad sensorial. Ya no solo por el espectáculo que llevan a cabo los ocho juntos, también por las inquebrantables alianzas que son capaces de crear, a un lado y al otro de los escenarios. Y es que esa misma tarde del 12 de febrero, los pudimos disfrutar con la inestimable compañía de Balkan Bomba, de Papawanda y deMaria Türme. Un auténtico cóctel musical que traspasa fronteras y que nos toca el alma. Un auténtico cóctel musical que ha llegado a nuestras vidas en el momento más oportuno posible.
Sin duda alguna, fue una cita ineludible, una cita espectacular, que nos sacó por completo del letargo en el que llevamos sumidos casi un año. Y es que no hay mejor manera de generar serotonina que a ritmo de la música de La Regadera. Además, de ser la mejor demostración de que también se puede bailar sentado. ¿Estuvisteis allí?, ¿cómo lo vivisteis? Nuestro compañero Makeda, retrató esa tarde tal que así: no os perdáis su reportaje fotográfico.
Con un talento abrumador, Mark Wayne nos enamoró desde la primera escucha que le dimos. Puede que sea por ese estilo tan personal, por su voz o por esa sensibilidad que transmite con cada nota. Pero la realidad, es que está llamado a convertirse en uno de nuestros artistas favoritos. Derrochando potencial a raudales, el artista y compositor de origen sudafricano ha vuelto a sorprender con su reciente composición «Unforgettable», que ha llegado tras su primer single «No Broken Hearts». Dos temas que, a ritmo de pop, R&B, electrónica y soul, nos ha puesta a bailar desde el minuto uno.
La carrera de nuestro particular artista es más bien dilatada. Durante bastante tiempo, ha formado parte de diferentes formaciones musicales. Todo hasta 2017, cuando lanzó su primer tema bajo el nombre de Rocco V: llegaba la era de «Dark Knight». Pero dos años después, en 2019, pegó un salto de gigante, al hacer aparición en la edición española de La Voz, en la que generó un auténtico furor entre público y profesionales. Este hecho, supuso un nuevo punto de partida para el compositor, que se arrancó a continuar presentando sus temas, en esta ocasión, bajo su propio nombre y sello, Mark Wayne. Así hasta este punto, en el que ya hemos podido esccuchar sus dos primeros adelantos: «No Broken Hearts» y el más reciente «Unforgettable», que ya se alza como un canto a la esperanza.
Pero tranquilos, porque esto solo acaba de comenzar: y es que se avecina un nuevo trabajo, un nuevo EP. Por eso, para adentranos en las entrañas de este proyecto, nos sentamos cara a cara con Mark Wayne, para que nos desvele todos los detalles y nos dé un pequeño avance de los que serán sus próximos pasos. ¿Queréis conocerlo mejor? Pues dadle al play y adentraos en su particular universo.
Cuenta atrás activada para nuestra gran cita con Sílvia Pérez Cruz en el Teatro Arniches de Alicante. Y es que tras la llegada de su recién estrenado «Farsa (Género Imposible)», el próximo sábado 20 de febrero, la artista catalana nos acercará un poco más a su obra, gracias a esta gran experiencia en vivo, en la que en esta ocasión, estará sola, sin la FARSA Circus Band. Un especial espectáculo para el que están ya todas las entradas agotadas.
El regreso de Sílvia Pérez Cruz con«Farsa (Género Imposible)»
Descubrimos a Sílvia Pérez Cruz hace ya unos cuantos años, y desde ese mismo momento, nos resultó imposible salir del embrujo de canciones como «Ai, Ai, Ai», «Pequeño vals vienés», «Vestida de nit» «Mechita», «No hay tanto pan», «Cucurrucucú Paloma» o «Gallo Rojo, Gallo Negro», entre muchas otras. Desde ese mismo momento, no ha dejado de sorprendernos con cada composición y con cada concierto, todos ellos repletos de magia y sensibilidad. Y es que todos ellos tienen la capacidad innata de emocionarnos y de hacernos aflorar múltiples sentimientos.
Siempre se ha caracterizado por seguir un estilo muy marcado, en el que alterna composiciones propias e interpretaciones de otros artistas, en las que «trato de crear desde la interpretación», asegura la artista. Sin embargo, ahora ha vuelto a irrumpir con nuevo trabajo, llamado «Farsa (Género Imposible)», y que podríamos encasillar en el primer tipo de álbum. Y es que está repleto de canciones propias, creadas en diálogo con otras disciplinas artísticas como el teatro, la danza, el cine, la poesía o la pintura. Una auténtica joya, concebida entre 2019 y 2020, gracias a la inquietud de Sílvia por mostrar esa dualidad entre lo que se muestra y lo que realmente somos; por visibilizar esa supervivencia de la fragilidad del interior, de lo íntimo, especialmente en estos momentos tan complicados que estamos viviendo. Una época en la que lo que lo que se ve se puede llegar a confundir con lo que se escucha.
Sin duda alguna, un espectáculo que merecerá la pena vivir. Afortunados serán todos aquellos que lo puedan disfrutar el próximo 20 de febrero en el Teatro Arniches de Alicante. Nos veremos a las 19.00 horas allí.
En medio de un extraño panorama, la música sigue siendo nuestro más acérrimo salvavidas. A pesar de todas las restricciones y limitaciones, los conciertos son los únicos eventos capaces de sacarnos de nuestro constante letargo pandémico. La mejor manera de demostrar que la cultura sigue siendo segura. Directos a cuentagotas, que conseguirán traernos a Luis Breay el Miedo el próximo viernes 19 de febrero (a las 19.00 horas) y el domingo 21 (a las 13.00 horas), en la sala Moby Dick Club de Madrid. Una doble cita que a principios de año, se tuvo que ver pospuesta, pero que al final, se celebrarán en el momento en el que la situación sanitaria y metereológica han dado tregua.
Sin duda alguna, y a pesar de esta particular realidad, es la mejor forma de volver a disfrutar de los directos de la formación, que llevaba bastante tiempo sin subirse a un escenario. Pero, ¿de dónde vienen realmente? Fue el compositor quien comenzara su andadura allá por 2012, con la llegada de su álbum «Hipotenusa». Fue tres años después cuando Luis Brea se unió a El Miedo, publicando su segundo álbum, en este caso homónimo. Ya en 2017, se decidieron a lanzar el que es su último disco hasta la fecha, «Usted se encuentra aquí». Tres largos y centenares de escenarios y ciudades, en los que han demostrado todo ese talento que les acompaña, además de afianzarlos como una de las bandas más consolidadas de todo el panorama musical nacional.
Después de todo este complicado proceso en el que Luis Brea nos ha estado sorprendiendo y amenizando la espera con sus particulares versiones, llega el momento del directo. Y es que tras este especial paso por la capital, al que seguirán otras fechas por Córdoba (11 de marzo) y por Sevilla (12 de marzo). ¿Estáis preparados para volver a disfrutar de los directos de Luis Brea y El Miedo?
Hay buenas costumbres que nunca cambian. Como la de disfrutar de la buena música, a manos de una bandaza como lo es Olivia. Y es que están de enhorabuena: hace apenas una semana, vio la luz su segundo álbum de estudio, «Unidireccional». Concebido en las entrañas de los Neo Music Box de Aranda de Duero, entre música, vino y buenos amigos, este trabajo está llamado a convertirse en toda una revolución, en la banda sonora de nuestro 2021. Un trabajo que, a su vez y sin duda alguna, alzará a la banda alicantina como una de las promesas más audaces y potentes de la música independiente española.
Un disco que ha sido producto del trabajo confinado y a distancia, entre Elda y Petrer. Todo ello durante el duro periodo de estado de alarma en el que no podíamos salir de casa. Un método completamente diferente al que estaban acostumbrados, y que ha servido para replantearlo todo y para remover los cimientos profesionales y personales de cada uno: un hecho que se refleja a la perfección en todas y cada una de las canciones. Un hecho que se aprecia en la clara evolución que ha experimentado la formación en este «Unidireccional», que es mucho más potente, eléctrico, rockero y diverso. Y es que, inevitablemente, baila entre diferentes emociones como la melancolía, la nostalgia, el desencanto, la autoafirmación o la esperanza.
Una buena manera de aprovechar un caótico 2020, en el que el mayor aprendizaje de la banda ha sido comprobar que no hay nada seguro en la vida y que, por eso mismo, hay que vivir el momento y la realidad tal cual viene.
«Mucha gente nos ha comentado que estamos locos por lanzar un disco con la que está cayendo en estos momentos. Quizá sea una maniobra suicida, pero creemos que en circunstancias como las que estamos viviendo, la música es más necesaria que nunca».
Tiene una sensibilidad que traspasa fronteras y un disco en camino que estamos ansiosas por escuchar. Desde el corazón de Extremadura, llega la propuesta de la artista Chloé Bird, quien promete regalarnos unas piezas de lo más especiales, tras la irrupción de 2018 de su increíble «The lights in between». Ahora, está de vuelta. Por el momento, nos ha avanzado dos temas mágicos, en los que se aprecia un gran cambio: su paso al castellano. Preparados para sumergiros en «La herida» y «Tu luz», y para conocer el proyecto desde dentro.
¿Quién es Chloé Bird?
Chloé soy yo, que soy compositora y cantante, y además estoy al frente de este proyecto musical desde hace unos cuantos años. En definitiva, me dedico a esta locura que es hacer canciones y compartirlas con el mundo.
Recientemente, hemos escuchado tus dos temas más recientes, «La herida» y «Tu luz». ¿Qué significan estas dos canciones para ti y por qué escogerlas como adelantos del que será tu próximo trabajo?
A mi parecer, el próximo álbum está siendo un trabajo muy redondo y compacto, pero sí que es verdad que toca muchos estilos diferentes dentro de una producción unificada. Para mí, «La herida» tenía que ser el primer adelanto porque era como un golpe en la mesa. Normalmente, se relaciona mi proyecto con algo súper ducle, súper delicado; y «La herida» fue un cambio, en todos los niveles. No solo en el idioma, que es el que más se aprecia a simple vista, ya que anteriormente cantaba en inglés. El tema también tiene ese toque de fuerza, de agresividad, era una canción más rápida, con un beat más rápido y que trata de un asunto, como es el deseo sexual femenino, que a lo mejor no estaba tan ligado a lo que la gente podía esperarse de mí. Entonces sí que me apetecía mostrar ese cambio que estoy experimentando, y «La herida» era el ejemplo más representativo de ello.
Luego, «Tu luz» lo escogí como segundo adelanto, porque es una canción muy especial que, sin embargo, no iba ni a estar en el disco al principio. Y es que la compuse cuando teníamos ya el repertorio del disco cerrado. Pero se la envié a Pablo Lesuit, que es quien está con toda la producción; y a Rubén Candeu, de la ofi, que me dijo: «Chloé, no tienes un tema, tienes un problema» (risas). Al final, entró en el disco y Pablo hizo una producción increíble, que quizás sí que se acercaba más a esa Chloé de otros trabajos: más dulce, más serena. Pero a su vez, para mí era una canción que estaba bastante llena de energía y de fuerza, y que reflejaba muy bien ese nuevo espíritu, ese cambio.
Comentábamos ese cambio que has experimentado en este nuevo trabajo, ¿cómo has vivido todo ese proceso de evolución?
Pues están siendo cambios a muchos niveles. Es algo que estoy viviendo a nivel personal, pero también mundial están siendo un par de años muy particulares, están cambiando todos los esquemas mundiales, la manera de ver el mundo, cosas que pensábamos que nunca iban a pasar están pasando. Todo ese panorama pandémico, todo ese ajetreo están un poco plasmados, porque inevitablemente también me ha afectado a mí. Y después de «The light in between», que vio la luz en 2018, estuve un año y medio sin componer nada. Fue un periodo complicado para mí a nivel artístico y también personal, al no sentirme capaz de asentar las bases, de sentir todos los procesos vitales.
Tras este lapso de tiempo, cuando al fin me vi con las fuerzas de componer y me senté delante del piano, compuse una canción virtiendo todo ese dolor, y lo hice en castellano, salió solo, de manera natural. Fue en ese momento en el que me di cuenta de que me estaban pasando muchas cosas y sentía la necesidad de contarlas en el idioma en el que me estaban pasando. También fue una época en la que estaba leyendo mucha poesía iberoamericana y, de alguna forma, surgió como un torrente. Fue a partir de ahí, de las navidades de 2019 y enero de 2020, que empecé a componer, a componer, a componer. Igual que en la pandemia, que continué con ello, porque necesitaba contar lo que me estaba pasando y cómo lo estaba afrontando. Y eso que yo siempre he sido muy lenta creando, me lo pienso mucho. Así que, de repente, lo que me pasó es que me encontré ante 20 canciones y tuve que elegir cuáles entraban y cuáles no. Normalmente, siempre voy al estudio con el disco sin terminar, con muy pocas canciones que terminaban entrando en el disco, porque si no, no había disco (risas). Pero en esta ocasión, me gustó mucho el poder seleccionar y darle unidad al álbum, con todos estos temas que son muy diferentes entre sí, pero que al final, hablan de lo mismo.
¿Cómo viviste también todo el proceso posterior de meterse en el estudio y trabajar con Pablo Lesuit?
Cuando empezó la pandemia y el confinamiento, yo tenía muchos planes para 2020, como todo el mundo. Tenía muchos proyectos en Portugal, en España, tenía muchos proyectos programados, tenía previsto grabar el disco. Pero todo se vino abajo, tanto mis planes como mi forma de vida, que son los conciertos. Fue un momento drama, de replantearme todo, pero menos mal que tenía la música, para refugiarme en ella.
De hecho, he de reconocer que aunque a nivel profesional no ha sido bueno, a nivel artístico, 2020 me ha aportado muchas cosas, entre ellas el conocer a Pablo Lesuit. Yo no lo conocía de antes, me pasó su música un amigo y flipé en colores, y es que acababa de sacar un disco preciocísimo, justo una semana antes del estado de alarma. Enseguida hicimos muy buenas migas por Instagram, empezamos a hablar de música y, en este sentido, teníamos una perspectiva muy parecida sobre el trabajo. Y me preguntó si estaba componiendo y que, sin compromiso, que si le quería pasar algo para que lo escuchara, sin problema. Creo que me lo dijo, pues por estas cocas que se suelen decir, pero a mí se me quedó en la cabeza. Yo, que soy muy cabezona, se me metió entre ceja y ceja que tenía que ser él quien produjera el disco, y eso que él nunca había producido para otras personas. Así que, se lo dije a Pablo y estuvimos hablando un poco de todos los temas. Estuvo a punto de decirme que no, porque era una responsabilidad muy grande. Aún así, probamos con dos temas del disco, con «La herida» y otro, que no es «Tu luz» (risas).
De hecho, con «La herida» solo se la mandé a piano y a voz, y junto a Sergio Martínez Puga, que es quien está haciendo la co-producción, él me mandó algo muy parecido a lo que es el tema ahora. Y me sorprendió mucho ver cómo habían conseguido tanto, con lo poquito que les mandé. Fue flechazo total, me hizo sentirme totalmente segura y me empujó a seguir adelante. Es cierto que fue complicado el trabajar a distancia, porque él vive en Vigo y yo en Cáceres. Pero está siendo bueno, porque está dando tiempo a ir con calma y a reposarlo todo bien. Es cierto que yo he ido a Galicia un par de veces, él y Sergio también han venido a grabar pianos, y hemos hecho también una preproducción muy intensa. Así que lo tenemos ya casi todo a punto.
A pesar de toda la incertidumbre que estamos viviendo, ¿cuáles son tus próximos planes o ideas que te gustaría llevar a cabo este 2021?
Pues a finales de 2020, que como que estábamos un poco más positivos, teníamos la idea de ir sacando un single cada dos meses, para ir presentando ya el nuevo disco que, previsiblemente, iba a ver la luz en primavera. Pero como estos dos años están siendo los años de la improvisación y de la paciencia absoluta, hemos decidido aferrarnos a ese plan de publicar tema con su respectivo videoclip cada pocos meses, hasta que se pueda sacar el disco con ciertas garantías. Sé que en 2021 lo lanzaremos seguro, aunque no tengo claro si será en abril, mayo o ya después del verano. ¡Ojalá antes! Iremos haciendo poco a poco. Sí que es verdad que también ha cambiado el modo de consumo, y aunque se me hace raro el publicar canción a canción, con su respectivo soporte audiovisual, es una experiencia que me está gustando. Es algo completamente nuevo para mí. Y, bueno, en marzo verá la luz el siguiente adelanto, que será totalmente distinto a «Tu luz».
¿Qué canción de Chloé Bird identifica mejor el momento en el que estás y por qué?
¡Uf, qué difícil! Probablemente, la que más me identifique sea una de la que no puedo hablar de momento, pero no sé si hacer un poco de spoiler (risas). Pero te voy a hablar de una canción, que igual no ve la luz ni como single, pero es la más especial del disco, porque es la más sincera de alguna forma o en la que más me he desnudad. Se titula «Miedo al miedo» y es una canción lenta, muy profunda y con mucho peso, que habla precisamente de que, pese a todo lo que pase alrededor, ya no le tengo miedo al miedo. Ese es el mensaje con el que me quedo y con el que intento mirar a este futuro tan incierto que estamos viviendo.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Qué dificil (risas). Yo creo que dedicarse a la música, ya de por sí, es como un poco locura, ¿no? Es como decir, ¿quién me manda a mí haber elegido este camino? (risas). Es locura hacerse tantos kilómetros, el volverse de madrugada, llevar un piano de 30 kilos en el maletero, el tiempo insano que le dedicamos. Entonces, en sí mismo, dedicarme a ella es una locura. Pero espero no haber hecho todavía la mayor locura por la música.
De nuevo miércoles: ¿sabéis lo que eso significa? Efectivamente, nos toca hablaros de tres nuevas propuestas que han llegado a nuestras vidas de la manera más fortuita. Y ojo, ¡qué propuestas! Hoy escuchamos a Fran Torroella y a .polar, pasamos por la increíble colaboración que se ha marcado Eddy con Pilar Moxó.
Fran Torrella tiene una particular manera de entender el mundo: a través del arte, y más concretamente, a través del rock. El joven artista lleva ya cerca de dos años asumiendo que vive enganchado a la intensa maquinaria de hacer canciones y de tocar la guitarra. Poco a poco, ha ido creciendo y evolucionando, aunque no ha cesado en su intento de crear colectivo y equipo con los músicos y artistas que hay detrás del proyecto. De hecho, afirma: «sin todos ellos no tendría este sentido». Ahora, está presentando su segundo single «Atmósfera feroz», el cual formará parte del disco que verá la luz durante 2021.
«150 vueltas» llega a ritmo de pop con tintes de electrónica, de la mano de Eddy y Pilar Moxó. Un tema de lo más fresco, que ha sido concebido mano a mano junto a Yago Banet (Veintiuno) y Pepe Doncel, y que sabemos de antemano que formará parte de «Órbitas», el que será el primer álbum del joven artista. Un álbum debut que contará con 8 canciones que entrelazan sonidos lo-fi con guitarras sucias y melodías lapa; y en las que el amor, la cotidaneidad y la actualidad se han convertido en los ejes centrales. Y es que, como él mismo dice: «Sobre el amor está todo por escribir o reescribir. Hay momentos tan cotidianos, como mandar una indirecta subiendo una canción a Instagram, que te permiten ver mil puntos de vista acerca del amor y las relaciones completamente frescos».
Desde 2014 llevan .polar haciendo ruido dentro de la escena musical madrileña. Más de seis años y un talento innato, capaz de traspasar todo tipo de fronteras. Comenzaron a marcar su camino con la llegada de su debut, «Remembering a Dreamless Night» en 2018. Aunque si bien es cierto que muy poco tiempo después, la formación experimentó ciertos cambios internos. Momentos de introspección, nuevos miembros y hace apenas un año, su segundo álbum, «A lighthouse that wants to be». Un disco que podrán presentar el próximo 4 de marzo en la sala Moby Dick Club de Madrid.
Ni una semana ha pasado desde que Los Intrusos del Savoy regresaran para presentarnos su nuevo single, y último antes de la llegada de su álbum, «Café de Malasaña». Un tema en el que vuelven a hacer honor a su Madrid, la ciudad que ha sido testigo de todas sus historias y todas sus vivencias. Concretamente, Malasaña se convierte en el punto de mira, convirtiéndose en ese lugar donde echar de menos: y es que el tema está inspirado por el emblemático café Pepe Botella, ubicado en la Plaza del Dos de Mayo. Un tema que se ha convertido en la balada por excelencia de este segundo disco que viene en camino; y en el que la banda ha contado con la colaboración especial de Julián Kanevskyen en las guitarras, y el compositor de cámara, Andrés Martín en los arreglos musicales.
«Y aquel café de Malasaña es el testigo de mi soledad. ¿Qué fue de aquello, nuestras promesas? Queríamos juntos la vida pasar, juntos la vida pasar y así vivir»
Primero fue «Perdido en la ciudad», después llegaron «Abriendo caminos» y «Tu calor deja tan frío», y ahora ha llegado el turno de «Café de Malasaña». Cuatro adelantos, cuatro temas en los que Los Intrusos del Savoy han demostrado su versatilidad a la hora de componer; además de comprobar cómo han sido capaces, magistralmente, de hacer del rock un género elástico donde caben baterías salvajes pero también guitarras acústicas templadas.
De esta manera, la banda madrileña nos ha presentado todos y cada uno de los adelantos de su segundo álbum, «Para siempre», que verá la luz el próximo viernes 19 de marzo. El disco ha sido grabado bajo la producción de Cristián Chiloé (Manuel Carrasco, Tequila, ELE o Lichis) y masterizado por Dennis Blackham (Andrés Calamaro, Morgan o Coque Malla) en Reino Unido.
