Notición de la mano de Sergio Rojas. Y es que un año después de que publicara su segundo álbum de estudio, «Pecado», podremos disfrutar de él y de sus canciones en directo. La cita será el próximo sábado 17 de abril en la sala Moby Dick Club de Madrid. Primera presentación en directo después de todo el caos que estamos viviendo. Primera presentación en directo en la que estará acompañado de múltiples artistas y grandes amigos: de Marlon a Angy Fernández, pasando por Lucas Colman y Pedro Girón, de Playa Cuberris. Desde luego, podemos asegurar sin miedo a equivocarnos, que será un auténtico bolazo. Así que si todavía no tienes tu entrada, ¿a qué estás esperando?
Fue el pasado 2020, en medio de la cuarentena, cuando Sergio Rojas sorprendió con la publicación de su segundo álbum. Cuando más necesitábamos de la música para curarnos el alma, llegó él, dando un paso al frente y afianzándose dentro de nuestro panorama musical actual. Demostrando esa clara evolución y subiendo un escalón en su ascendente carrera. Y «Pecado» llegó como agua de mayo, con la crudeza que lo caracteriza y a ritmo de rock. Un disco guitarrero y melódico, que nos muestra, aún más si cabe, la versatilidad del artista. De ahí, que sea aún más especial la noche del 17 de abril. Una noche que sonará a power trío y que estará repleta de himnos con los que vibraremos. Potencia, energía y complicidad. Las tres palabras perfectas para definir este proyecto, este directo.
¿Estáis preparados? Porque si todavía tenéis alguna duda, el propio Sergio Rojas os invita a esta cita casi obligatoria. Y es que hace algunos días, charlamos largo y tendido con él. Quién es, cómo nace «Pecado» o qué podremos ver en Moby Dick fueron algunos de los temas de los que hablamos.
Meses y meses de descubrimientos musicales, en los que los miércoles se han llegado a convertir en nuestro día favorito de la semana. Y es que en medio de este caótico panorama que nos ha tocado vivir, hoy han llegado a nuestra vida tres nuevos proyectos musicales, que llevan por nombre Dekot, Sofía Comas y Queralt Lahoz.
Dekot llegan pisando fuerte, llegan presentando su gran álbum debut «Döner Kebab Pizza Italia», que vio la luz hace apenas unos días. Un disco especial, del que nos hablan de la siguiente manera: «Para mi Döner es una historia de superación personal. Es tratar de mirar a los aprendizajes a la cara, sonreírles y convertirlos en canciones. Como no sabía si sería el primer o último disco, hice absolutamente todo lo que quise, no lo que podía o me permitían. Ha supuesto la contradicción más bonita que ha salido de mi telecaster; porque a la vez que provocaba que me metiera en mil y un jaleos, hacía de refugio».
https://youtu.be/DCsGLBvYV5U
Ha sido una de las grandes revelaciones del nuevo pop español. Ella es la artista hispanocanadiense Sofía Comas, que acaba de publicar su ansiado nuevo single, titulado «Silencio en el nido». Una canción inédita hasta el momento, en la que además, ha estado acompañada por Sheila Blanco. Completando el combo, se encuentran Irene Novoa y Juanma Padilla.
La propia Blanco, compañera de nuestra querida Comas, comentaba lo siguiente sobre esta increíble alianza: «Sofía y yo somos unas valientes y románticas. Conectamos con un público que reflexiona con la música, que piensa en imágenes. Defendemos un pop cada vez más honesto y femenino, a la par que experimental, ecléctico y evanescente. La poesía es nuestra manera de vivir y de componer».
Queralt Lahoz es sinónimo de versatilidad, de dinamismo, de libertad. «Es arte sin etiquetas ni corsés. Es una cantante capaz de expresarse con la misma autenticidad sobre un ritmo de rap que sobre una copla o flamenco». Y así lo ha demostrado en su nuevo tema, «Dame doblones». Y es que, sobre un beat de Josh de La 186 (Tribade), ha demostrado que el sonido urbano es uno de los terrenos donde más a gusto se encuentra a la hora de coger un micro.
Así es como, con «Dame doblones», nos regala el segundo adelanto del que será su nuevo disco, tras «Tu boca». Un álbum que verá la luz en el mes de mayo, y en el que la artista catalana mostrará todo su estilo, toda su personalidad.
Hoy volvemos a traspasar fronteras y pegamos el salto al otro lado del charco, de la mano de Amy S. Massiri, quien ha conseguido engancharnos y enamorarnos gracias a su nuevo tema «Dopamina». Un tema con el que la artista colombiana firma su vuelta tras «Temporada de manzanas», además de poner la primera piedra de lo que será su nuevo trabajo discográfico. Un nuevo EP que llevará por título «Madame» y que verá la luz durante los próximos meses.
Ya lo hemos empezado a intuir con este primer «Dopamina», pero es que «Madame» al completo, nos hará viajar a través de diferentes sonidos y estilos musicales, recordándonos a artistas como Moderat, Trentemoller, Kiesza o Jessy Lanza. El inicio de una nueva etapa en la carrera musical de la artista, al abordar temáticas, géneros y sensaciones diferentes, al acercarse un poco más a lo banal y a lo humano. Un cambio de paradigma respecto a la Amy que pudimos escuchar previamente con «Temporada de manzanas». Más electrónica y más potente. Siempre acompañada de Darío Ariza, su productor.
Nacida en Barranquilla (Colombia), demostró desde muy pequeña su pasión por el teatro, la danza y especialmente por el canto. De hecho, su pasión por la música fue tal, que llegó a formar parte de diferentes formaciones musicales de su circuito local. Sin embargo, fue en el año 2017 cuando decide lanzar su carrera como solista, concibiendo su primer sencillo, «Maga». En 2019, resulta ganadora del Festival Interactivo de Música Uninorte, en la categoría Rock y del Portafolio de Estímulos de la Secretaría de Cultura, el cual permitió la producción de su primer álbum.
La semana pasada, viajamos hasta Colombia sin apenas salir de casa, y nos adentramos en el particular universo de Amy S. Massiri. Fue la propia artista la que nos dio todos los detalles de su proyecto, que acaba de aterrizar en España. ¿Queréis conocerla? Porque nos tiene preparadas muchas grandes sorpresas. ¡Dale al play ya y disfruta!
Contando los días para que el 16 de abril llegue y con él, Los De Marras publiquen su nuevo álbum «Peligro Esperanza». Pero mientras este ansiado día llega, estamos en bucle con «Callejear», el más reciente adelanto de este disco. Una canción especial que llegó hace apenas unos días, inaugurando este particular mes de abril, inaugurando la primavera de 2021.
Una canción que se suma a los anteriores singles que han publicado hasta el momento («Contágiame» y «Adiós») y que, a su vez, formará parte del ansiado séptimo álbum de los valencianos. «Peligro Esperanza» está a la vuelta de la esquina: solo queda poco más de una semana. Y es que no es para menos el ansia porque llegue.
«Dos palabras que no han dejado de resonar en sus entrañas en este último año. Un año lleno de peligro, muerte y enfermedad, pero en el que al mismo tiempo nos hemos tenido que esforzar para sacar esperanza de flaqueza; dos palabras que al juntarlas producen un nuevo sentimiento que por desgracia hemos descubierto de manera global. Ha llegado un momento donde era peligroso tener esperanza y cuando se llega a ese punto solo hay un futuro: la derrota total».
Un álbum que los encumbrará, aún más si cabe; y es que se han vestido de gala para presentárnoslo. Para ello, han contado con nombrosas colaboraciones, como las de Marta Burriel (violín), Marina Gramaje (viola); Claudia Panach (violoncello); Pablo Ballester (contrabajo); Víctor Traves (percusiones); Sílvia Queralt, dirección de coros en «Jamás»; Amaia Alcázar (coros); y Noa Alcázar (coros). Un total de once canciones, que llevan las tripas por fuera porque están hartas de tragar paciencia y pena, y solo desean lanzarse desde lo más alto de un escenario.
«En este último trabajo, Los De Marras vuelven a sacar los sentimientos que les salen de los adentros intentando rozar a corazones heridos como los de ellos».
Dos sentimientos diferentes, dos sentimientos contrapuestos, dos emociones que Elena Tormo ha sabido reflejarlo a la perfección en el arte del disco. Y es que a pesar del miedo a tener esperanza, ellos lo combaten todo con guarrocanrol.
Es el grupo más importante e internacional del género festivo en Italia. Ellos son Talco y están de vuelta, bajo el nombre de Talco Maskerade, su alter ego. La manera de reinventarse en tiempos de pandemia y de mostrar una cara mucho más íntima y personal. Por supuesto, lo han hecho con nuevo disco bajo el brazo, titulado «Locktown». Un álbum que recoge todas las experiencias del aislamiento vivido por la banda, la manera en la que sus vidas se han visto afectadas y los cambios sociales de los que han sido testigos. Un álbum que, además, supone la vuelta de la banda a géneros más cercanos al folk y soul acústicos.
Talco Maskerade nadan contra corriente y contra todas las dificultades del momento, pero están preparados para llevar al directo «Locktown» en este nuevo contexto.
Decisiones difíciles en tiempos difíciles. Especialmente, tras ver cómo el mundo se paraliza y tener que hacerlo tú con él. Todo en un momento en el que Talco estaba a punto de publicar su nuevo disco, «Videogame», y tener que presentarlo en multitud de ciudades y escenarios de todo el mundo. Sin embargo, en vez de quedarse sin hacer nada en una Venecia confinada, la formación se lanzó a adaptar y mostrar sus grandes éxitos en un formato más acústico, además de soltar algunas de las pildoritas que podríamos haber escuchado en este paralizado nuevo álbum. Y como resultado, tenemos esta nueva joya, llamada «Locktown».
Hace algunos días, tuvimos la oportunidad de hablar con Tomaso De Mattia «Dema», vocalista de la banda, para que nos contara todo lo que se esconde tras Talco Maskerade y esre nuevo «Lockdown», nacido en época de cuarentena. Y es que, pese a la adversidad, la Punkchanka no hay quien la pare. ¡Dadle al play y disfrutad ya de la entrevista!
Ha sido una de nuestras bandas revelación top de los últimos meses. Y es que desde que descubriéramos la voz de Sierra Leona en «El arte de amar» y «El milagro», estamos completamente enamoradas de ella. Tanto, que hemos hablado con ella y aquí van todos los detalles de este proyecto que nos llega desde la mismísima València. ¿Os atrevéis a descubrirlo?
¿Quién es Sierra Leona, para quien todavía no conozca el proyecto?
Un proyecto musical que ha creado una mujer a la que le fascina hacer canciones emocionales y épicas. A groso modo creo que esta sería una buena presentación.
«El Milagro» y «El arte de amar» han sido los dos últimos temas con los que has sorprendido. ¿Cómo nacen y cómo recuerdas el proceso creativo y compositivo de ambas?
Ambas han nacido después del confinamiento. Creo que el encierro me hizo tener ganas de escribir canciones con más luz, más vitalistas y hacerlo de una forma aún más personal y a pecho descubierto mostrando quién soy.
Ha sido fascinante crear estas canciones con esa premisa, y además salir un poco de lo que había hecho en el trabajo anterior y seguir investigando la composición y la producción de los nuevos temas.
Dos canciones que hablan de la lucha, del orgullo, del amor libre, de aceptarnos a nosotras mismas. ¿Crees en el poder de la música para reivindicar y cambiar a la gente?
Absolutamente, y sobretodo creo en el poder sanador que tiene. Es increíble cómo unen las canciones y la capacidad que tienen para no sentirnos solos y solas en nuestras luchas.
También me han llamado especialmente la atención ambos videoclips. ¿Cómo surge la estética de los dos clips y qué importancia tiene la imagen, más allá de la música, para Sierra Leona?
En «El Arte de Amar», Francesc Planes y Jesús Ponce fueron los que tuvieron muy clara la estética para el clip. En «El Milagro», teníamos un tipo de estética más clara desde que escribimos el guion, teniamos claro lo que queríamos mostrar y cómo lo queríamos hacer. Luego fue muy fácil trasladarlo al resto de equipo y que dieran en el clavo.
Es importante la imagen, porque creo que en este punto del proyecto refuerza ciertos valores que para mí es importante que se transmitan y de igual forma, para mi ha sido clave contar con el trabajo de Estela Benitez, que es la estilista que me ayuda a crear la imagen de Sierra Leona.
¿Cómo ha sido la acogida por parte del público de estas dos canciones?
Pues está siendo muy bonito ver cómo la gente capta los mensajes que ambas canciones lanzan y además como refuerzan esos mensajes con tanta emoción. A mi me fascina leer todo lo que la gente me va contando, me parece increíble que algo que nace en mi casa llegue tan lejos. Así que la acogida está siendo muy buena y sobretodo muy emocionante.
¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde ese primer «Cruzar un río»?
Bueno, vas dirigiendo el barco hacía donde quieres ir, va cogiendo forma y fuerza. Cuando sacas un primer disco en un nuevo proyecto todo está en el aire y no sabes nunca qué va a ocurrir. Desde entonces hasta ahora se han asentado las bases del proyecto y el equipo de trabajo se va estableciendo. A nivel artístico, aunque siempre trabaje las canciones desde un punto emocional, estoy en una constante búsqueda de sonidos y sensaciones.
Tras casi una década al frente de Flaco Favor, ¿de qué manera has volcado esa experiencia previa en Sierra Leona?
No llegar de 0 a esta industria ha sido un plus para poder empezar a trabajar con Sierra Leona, sobretodo por todas las experiencias que ya traía del anterior proyecto. No tuvo una gran relevancia pero aprendí a identificar todas las necesidades que tiene un proyecto y que necesita cubrir para poder avanzar en esta selva. Todas esas partes que el público no ve pero que son hipernecesarias para levantarlo. Y a nivel artístico me formó en muchísimos escenarios.
A pesar de la incertidumbre que estamos viviendo, ¿cuáles serán los próximos pasos o planes de Sierra Leona?
Pues sólo diré que a lo largo del año sucederán cosas.
¿Qué canción de Sierra Leona identifica mejor el momento en el que estás ahora mismo y por qué?
Pues estoy muy en «El arte de amar». Enamorada, agradecida, plena, feliz, regenerada, orgullosa, emocionada.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
No podría contar una anécdota aislada porque vivo en una continua locura por la música desde hace años. A veces me asusta pero me hace muy feliz.
En el corazón del Vinalopó Mitjà, entre Monòver y Petrer, comienza a fraguarse hace un par de años Vienna, banda liderada por Artur Pérez y Pau Castillo. Desde ese mismo momento, y paso a paso, han ido haciendo ruido, consiguiendo calar en todos y cada uno de nosotros. A pesar de que la pandemia se cruzó en nuestros caminos. Y es que ni eso les impidió publicar hace un año su primer EP «Hem trobat un pis per a llogar», ni ahora ha hecho que presenten su primer larga duración «Tot allò que una vesprada morí amb les bicicletes». Adaptarse o morir, y ellos han decidido adaptarse. Y en medio de toda esta complicada situación, hemos hablado con ellos.
¿Cómo nace«Tot allò que una vesprada morí amb les bicicletes»?
Pau. Pues fue un poco a raíz de la pandemia, que llegó y nos abofetea la cara. Acabábamos de presentar nuestro primer EP y Arturo ya tenía temas en la retaguardia.
Arturo. Temas nuevos antes de la pandemia ya había. Lo que pasa es que al llegar la cuarentena y tener más tiempo, me metí más de lleno.
P. Y ahora porque sabemos todo lo que ha supuesto el coronavirus, pero al principio no. De hecho, la primera canción la grabamos el 14 de marzo, y tuve que irme corriendo desde Monóvar a Petrer, porque nos encerraban. Claro, en pleno estado de alarma, yo pensaba que eso era La Purga [risas]. y hasta el mes de mayo no pudimos volver a grabar, ahí fue cuando pillamos carrerrilla y estuvimos todo el verano.
A. Durante el verano estuvimos yendo todos los días, y ya a partir de octubre íbamos cada dos o tres semanas, porque estábamos ya muy quemados.
P. A la vez que fue divertido grabar en mucho tiempo y sin ninguna presión; también fue muy saturante, precisamente por lo mismo, por el tiempo tan espaciado que le dimos a todo.
A. Claro, y que además, los tiempos suelen ser siempre diferentes. Normalmente, sacas un disco y después lo vas presentando en directo. Entonces cambias el chip. Pero nosotros, solo pudimos hacer tres conciertos. Así que salimos del estudio con el EP y nos volvimos a meter con el disco. Al final, se desequilibró un poco todo. Y además, hay que tener en cuenta que grabamos en el estudio de un amigo, así que nos tiramos aún más tiempo.
Aunque ya habéis respondido un poco, pero ¿cómo recordáis todo el proceso creativo y cómo ha sido esta sensación de publicar EP al principio de la pandemia y el disco justo en este momento?
A. Es como los bebés que nacen en pandemia, nosotros no conocemos otra realidad. Así que es un: «que hay pandemia, que la haya, nosotros vamos a sacar disco».
P. Claro, es que nosotros no hemos llegado a catar lo que es una realidad. Porque solo hemos tenido tres conciertos y ya. Encima estuvieron juntos, fueron en apenas dos semanas. Entonces, si esta es nuestra normalidad, pues vamos a trabajar con ella. Lo bueno y lo malo es que, es cierto que a nosotros no nos dio tablas, pero el resto de industria también se vio paralizada. Entonces nosotros no tuvimos que ir detrás, entrando en el bucle, aunque nos hubiera gustado.
A. También creo que al ser un grupo que acaba de nacer, la pandemia no ha afectado tanto. En ese sentido, ha sido peor para quien vive de esto, el ver cómo se cortan todos sus ingresos. Nosotros veníamos de la nada y hemos llegado hasta este punto.
Hablábais al inicio de todo el trabajo en el estudio, pero ¿cómo fue trabajar con Pepe Bernabé que, además, es amigo?
P. Para nosotros fue como jugar. Es como quien queda con sus colegas para jugar al Fortnite, pues nosotros jugamos a hacer música. Nos sentamos delante del ordenador, nos echamos unas cervezas y estamos ahí tranquilos. Este es nuestro Fortnite [risas].
A. Pepe y yo es que somos amigos de toda la vida. Y lo que hemos hecho este año de juntarnos para grabar, lo llevamos haciendo tres o cuatro veranos. Este ha sido uno más, aunque ahora teníamos el objetivo de hacer un disco, así que te lo tomas más en serio.
El disco, además, está plagado de colaboraciones: Jo Jet i Maria Ribot, Malifeta, Ariox, La Fúmiga, El Diluvi, Pep Mirambell, Sara Vera. ¿Cómo surgen un poco y cómo fue trabajar con todos ellos?
A. Ha sido muy guay, porque han sido colaboraciones que las hemos hecho porque son grupos que nos gustan y a los que admiramos mucho. Así que cuando aceptaban, nos sentíamos como realizados, por el hecho también de que compartieran con nosotros una canción nuestra.
P. Que nos contestaran cuando les escribíamos y que nos dijeran que sí, era un momento brutal de subidón.
En relación con eso, uno de vuestros grandes referentes son Els Jóvens. ¿Doblemente especial la colaboración con Pep Mirambell?
A. Sí, sí, sí, fue muy guay. Además, él en todo momento dijo que sí, no hubo que insistir. Le dijimos que si quería colaborar y su respuesta automática fue: «hago lo que haga falta y voy donde haga falta».
P. Bueno, y cuando vino aquí, fue un festival. En realidad, cuando vinieron todos. Porque cuando llegó La Fúmiga, cuando llegó Flora (El Diluvi), cuando llegó Pep, fue convivencia total. Además, en ese momento, podíamos juntarnos todos sin restricciones. Se creó una piña muy guapa, y encima con gente a la que admiramos.
Un EP y un álbum en apenas un año, y evolución respecto al sonido. ¿Cómo habéis vivido este cambio y de qué más maneras ha crecido Vienna en este tiempo?
A. En este disco nos hemos atrevido con más estilos: hemos ido desde lo más personal a lo más comercial. Y al final, creo que Vienna es eso: tiene una coherencia pop, pero las producciones y las ideas cambian según la canción. Al final es demostrar que cualquier estilo, desde un gusto más pop, se puede escuchar y está chulo. Y muchas veces es que hay muchos prejuicios respecto a eso: «no, yo hago pop, o no, yo hago reggaeton».
P. Nunca nos han gustado estas etiquetas de: «¿qué hacéis? indie-pop en valenciano». Y a ver, yo indie no me considero.
A. De hecho, somos bastante mainstreams.
P. Bueno, y que yo vengo más del mestizaje. Y Arturo viene de todo lo contrario.
Al final, entramos en el bucle de poner etiquetas a todo e inventarnos otras como «rock en catalán» o «pop en valenciano». Es como: ¿desde cuándo cantar en determiado idioma es un género?
P. Eso ha sido como una problemática durante años, que parecía como muy radical el cantar en valenciano, el hacer pop, el hacer rock, el hacer reggaeton…la gente se extrañaba.
A. Pero yo ya no sé si el problema es de la gente que lo consume o de la gente que lo creaba. Porque se veía mucho el cantar en valenciano como una resistencia, si tú hacías algo mainstream o comercial, te estás vendiendo. Es como que, en cierto modo, aunque no sea un género, los propios artistas han visto eso como una manera para crear su propio circuito reivindicativo. Y al final, para que un idioma verdaderamente cale gracias a la música, tiene que haber multitud de géneros.
P. Claro. Y todo sin tener que convertir el idioma en un género concreto, porque al final no lo es.
Pero ahora el paradigma ha cambiado. Todo se ha globalizado mucho y la escena valenciana está en plena ebullición.
P. Era totalmente necesario ya. Y ha sido la propia escena la que se ha dado la vuelta. De hecho, el otro día estaba escuchando una entrevista a Malifeta, y Arnau dijo que antes de arrancar el proyecto se planteó mucho las cosas, porque venía de un panorama diferente, de haber tocado con La Gossa Sorda, de haber tocado con ZOO. Pero claro, él en su casa escucha reaggaeton y decía: «es que este género no está en valenciano y si yo lo puedo dar». Creo que romper los tabús es necesario.
En relación a todo esto, y sabiendo la importancia de Alicante para Vienna. ¿Hace falta reivindicarla más?
P. ¡Sí! Bueno, no es que haya que reivindicarla más, es que prácticamente no está reivindicada. Que nosotros escuchemos canciones que nos lleven a Barcelona o València, nos pueden transmitir. Pero si suceden como en nuestra tierra, pues nos pega más el bofetón. Y esa era un poco la idea de cuando creamos «Alacant o el pop d’aquí».
A. Al final, el punto es crear referentes pop, que puedan sonar en la radio, y cuyo escenario sea Alacant.
P. Y es que si lo piensas: Txarango le canta a Barcelona, Auxili o muchas otras bandas cantan a València, pero ¿quién le canta a Alicante? Es un poco como la gran olvidada.
Hablábamos del nacimiento de Vienna en plena cuarentena y de los pocos conciertos que habéis podido hacer. Pero hace algunos días actuasteis en Barcelona. ¿Cómo fue?
P. ¡Muy bien! La verdad es que fue un cúmulo de emociones que te cagas.
A. Y muy raro. Fue, además, la primera vez que tocamos con banda. Ahora no somos dos, somos cuatro. También fue media hora y no pudimos casi prepararnos el directo, porque hasta casi mitad de marzo no pudimos juntarnos para ensayar por las restricciones. Y fue el 10 de marzo cuando nos dijeron: «que tenéis concierto en Barcelona el día 26». Así que claro, solo tuvimos como tres ensayos.
P. Lo bueno es que nos hemos topado con dos personajes igual que nosotros y cuadramos súper bien.
A. Y también hemos hecho muy buen equipo con Mireia o con Salva, que siempre nos echan un cable y son muy sinceros con nosotros. Ese mismo día nos dijeron todo lo que había salido bien, todo lo que había salido mal. En definitiva, el concierto salió bien y nos compenetramos muy bien, pero un show es más que eso. Pero necesitamos tiempo y ensayos.
Todo esto ha coincidido con la prueba masiva que hace algunos días hicieron en el Palau Sant Jordi con Love Of Lesbian. 5000 personas con test de antígenos negativo y mascarilla, pero sin distancia social. ¿Creéis que la recuperación del sector pasa por este tipo de pruebas?
P. Al final es una prueba. Habrá diferentes maneras de recrear o volver a los conciertos como los conocíamos, y esta es una de ellas. Aunque creo que un concierto al uso, no lo vamos a poder ver hasta dentro de un tiempo, pero es un paso.
A. Es un paso y ahora, que la cosa está más estable. Igual pasa un mes y llega una cuarta ola, volvemos a estar paralizados y se va todo a la mierda otra vez. Y, claro, no podemos hacer este tipo de pruebas. Al final, no es algo que tampoco dependa de ti, depende de lo que hay alrededor.
P. Pero está guay, es un paso importante. Aunque después de todo este año, me cuesta mucho pensar en la gente sin mascarilla y toda junta de nuevo.
A partir de aquí, ¿cuáles son los siguientes pasos de Vienna?
A. Preparar un directazo que dejemos a la peña loca [risas].
P. Además de verdad, porque de momento, no tenemos ningún concierto cerrado. Así que estamos dándole una vuelta y estamos revisionando los temas, para que la gente los pueda tener en el disco y también pueda disfrutar de la experiencia.
A. Bueno, y seguir creando, para poder ir presentando singles más adelante, cuando ya haya pasado un tiempo del disco. La verdad es que estamos teniendo una buena racha a nivel de inspiración. Que podríamos sacar otro disco al año que viene, aunque personalmente estoy ya un poco quemado.
Quedan un par de preguntas, que son con las que me gusta cerrar siempre. la primera de ellas es, ¿qué canción de Vienna identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
A. Pues yo diría la de «Obertura en Emaj», ¿verdad?
P. Sí, además es una de las canciones que, al principio, más escondidita estaba. Y a la gente le está encantando.
A. Yo me quedé flipando por las reacciones, porque fue uno de los temas que más nos costó. Nos quedamos desde las 4 de la tarde a las 12 de la noche grabándola. La terminamos y al día siguiente, me fui a correr, y a la vuelta, de la misma saturada que llevaba, dije: «menuda mierda». Y no quería que saliera en el disco. Pero ya pasaron los meses y la perspectiva cambió.
P. Y gracias a esta canción, llegó «Un altre aire».
A. Claro. «Un altre aire» no estaba hecha todavía, pero como metimos la de «Obertura», que a mí no me gustaba, pues incluí también esta, que es más de reggaeton [risas].
Y la última es, ¿cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
A. Meterte en la música ya es una puta locura [risas]. Además, es que nuestra idea de grupo era la de dos amigos que hacen música, y si nos escuchan los colegas, pues bien. Pero ha ido a más. Y estamos empezando a asumir ciertas responsabilidades que ni sabíamos.
P. Sobretodo después del fin de semana en Barcelona, que para nosotros ha sido una catarsis. Porque estábamos en nuestra burbuja, con nuestros colegas en Monóvar y en Petrer, y de repente vamos allí, y toda la gente sabía, toda la gente nos decía.
A. Sin ir más lejos, el hecho de que ha habido gente que ha valorado nuestro trabajo más que nosotros, lo que nos ha hecho darnos cuenta de que, oye, que está muy bien lo que hacemos. Creo que el curro tanto en este primer trabajo, que hemos perdido la perspectiva del trabajo artística. Y es algo que nos ha dado rabia, el darnos cuenta de todo ello por los demás y no por nosotros mismos.
Siempre hemos pensado que la música es el puente perfecto para acercar posturas, para vibrar, para curarnos el alma. Llegar a espacios a los que es imposible llegar de otra manera. Descubrir nuevos talentos y escuchar con atención, con el oído y con el alma entera. Y en medio de todas estas sensaciones que nos genera la música, hemos llegado hasta tres proyectos que están comenzando a brillar y que están removiendo todos nuestros cimientos. Ellos son Ciao Marina, Karla Imbert y Finde Fantasma.
Los descubrimos hace apenas unos días, gracias al maravilloso mundo de las redes sociales. Y desde que los escuchamos, estamos completamente en bucle. Ciao Marina llegan desde Barcelona, al más puro estilo pop-rock acústico. Así, sin artificios y sin necesidad de grandes superproducciones. Una banda que nos ha enganchado, especialmente tras escuchar el nuevo single que acaban de presentar y que lleva por título «Vida en B». Un tema que suena tal que así, y que esperamos que os termine gustando tanto como a nosotras, porque es un verdadero regalo.
Tiene una voz espectacular, con embrujo. Eso es lo primero que hemos pensado cuando hemos escuchado su recién estrenado «estoy bien». Karla Imbert es magnética, por lo que no podía faltar en nuestro artículo de hoy. Una canción con un sentido muy especial para la artista. Y es que ella misma cuenta lo siguiente. «Este video es mi despedida a Madrid, mi refugio personal, a donde pensaba que necesitaba volver para sanar mi corazón. Es el volver a la ciudad a la que llevabas tiempo queriendo huir, para evadirte de todo». A lo que añade, «es una celebración a todo lo que ha sido y todo lo que me ha recibido a mi vuelta a casa, porque estos tiempos son cambiantes, pero nuestra gente y nuestra esencia perdura».
Por último, pero no menos importante, desde «la millor terreta del món», están Finde Fantasma, para sorprendernos con ese estilo tan indie-pop y para regalarnos el que ha sido su nuevo single, llamado «Telarañas». Tercer tema con el que irrumpen, tras la llegada de «Cataclismo» y «No lo entiendo». Tercer tema, concebido en Estudio Uno junto a Carlos Hernández Nombela, con el que no hacen más que escalar hasta la cima de su meteórica carrera musical. Ojito al dato con ellos, porque apuntan maneras y a nosotras ya nos tienen ganadas, tanto por su música como por ser alicantinos.
Es complicado encontrar la definición exacta para explicar quién es Jordi Bastida. Y es que su trabajo incansable durante años y años con formaciones de la talla de Carlos Sadness, Els Pets, Ramón Mirabet o Trau, lo han convertido en uno de los artistas imprescindibles de nuestro panorama musical. Ahora, en solitario, ha pegado un gran salto al vacío con su proyecto en solitario. Él es Chico Jorge y acaba de debutar con su primer single «Las flores que arden,». La imagen perfecta para dar la bienvenida a la primavera de 2021, que se plantea ligeramente mejor que la del pasado 2020.
Y, por supuesto, la manera ideal de iniciar una nueva etapa, que promete tener una larga continuidad. De ahí, la coma que tiene el título de su primera canción. Una invitación a seguir descubriendo y escuchando todo lo que Chico Jorge nos está preparando. Unos temas que, en realidad, lleva bastantes años gestando a lo largo de todos estos años de escenarios, experiencias y viajes. Una carretera que recorrer, a ritmo de pop, rock y noise. Así lo ha dejado patente en este primer adelanto, «Las flores que arden,». Una canción en la que no le ha temblado el pulso a la hora de aunar su suave pero indulgente voz con sus poéticas letras y sus riffs rompedores. Una mezcla de escándalo que ha cobrado vida en este primer capítulo del relato que Chico Jorge está construyendo.
«Ni Jordi ni Chico Jorge entienden de egos ni nunca lo han hecho. Con la humildad por bandera, nos cuenta su propia historia universal con la que nos invita a mirar hacia adentro y perdernos en sus letras, como él lo hizo componiéndolas, para navegar por nuestras batallas individuales».
Aprovechando este primer paso en el camino, quisimos hablar hace algunos días con Chico Jorge, consiguiendo que nos metiera aún más de lleno en esta espiral musical que está creando con su proyecto en solitario. ¿Queréis saber todo lo que nos contó?
Sonograma han vuelto a hacerlo. Han vuelto a prender la mecha, aunque en esta ocasión lo han hecho con «Que sangre!», el tercer adelanto del que será su nuevo álbum, el cual verá la luz antes de lo esperado. Por tanto, el mes de mayo queda marcado en rojo en nuestro calendario. No es para menos: y es que este álbum se plantea muy especial. Producido junto a Juanma Latorre (Vetusta Morla), grabado y masterizado con Dany Richter en El Lado Izquierdo y mezclado por Ramiro Nieto; las expectativas y el hype son muy reales.
Pero mientras llega el momento, «Que sangre!» es la mejor manera de seguir abriendo la caja de Pandora. Y es que, desde la perspectiva de quien se resiste a convertirse en un producto de usar y tirar, Sonograma reivindican la pérdida como una parte más de la vida y defienden el derecho a sentir con todas las consecuencias. Hasta que sangre. Sin duda alguna, la mejor manera de poner la atención y el acento, en esta ocasión, en la manera en que la sociedad de consumo, Tinder y las redes sociales han influido en nuestras relaciones de pareja.
Es cierto que previo a este «Que sangre!» ha habido dos adelantos («Arde el imperio» y «Estás mejor callado»), este es el primero que ha llegado acompañado de videoclip. Una pieza audiovisual que ha sido concebida bajo las directrices de la productora valenciana Tuica. Un arte de lo más especial y trabajo, que ha sido complementado por todo el diseño y arte, no solo de este single, también del disco al completo. Todo ello, ha corrido a cargo de Emilio Lorente, quien también ha trabajado mano a mano con artistas como Zahara, Leiva o Fuel Fandango, entre muchos otros.
Con la emoción de quien espera su regalo favorito en la Noche de Reyes. Así estamos nosotras con la inminente llegada del nuevo álbum del cuarteto madrileño. Ya queda poco para que Rodrigo Cominero (Rufus T. Firefly, Viva Suecia), Víctor Pescador (Angel Stanich), Ángel Herranz (La Llamada y Rubén Pozo) y Daniel Campillo (Kuve) arrasen con todo.
Artista, compositor y multiinstrumentista. Puede llamar la atención su juventud, pero aún así, la experiencia en diferenets formaciones lo avala. El caso de Noan es especial. Con un talento desbordante, está calando cada vez más y más rápido en nuestras vidas. El último gran ataque que nos ha asestado, lleva por título «Aquí contigo». Esta canción sincera, vulnerable y firme defensora de las segundas oportunidades en las relaciones, ha sido concebida mano a mano junto a Juan Ewan (El Sueño de Morfeo & Warner Music) y Jorge Villaboy (Morrigans), quienes se han puesto al frente de la producción del mismo.
«Aquí contigo» es un mediotiempo que rompe la pausa en un estribillo inspirado en el pop-punk americano mezclándolo con el pop más actual. Un tema que recuerda al mismísimo LA de los años 2000, pero que mantiene un sonido actual y propio del pop de Noan. El regreso perfecto del artista y un paso al frente en su particular carrera, que dará mucho de lo que hablar en los próximos meses.
Además, este nuevo single llega muy poco después de que lo hicieran sus grandes éxitos «Superpoder» y «No me pidas perdón», temas con los que el joven artista alcanzó cifras insuperables (sobrepasando en más de un 5000% sus oyentes mensuales) y además, se coló en el top de «Canciones más virales de España», afianzando así la gran proyección que tiene dentro de nuestro actual panorama musical.
Al final, no lo hemos podido evitar y hemos tenido que hablar con el propio Noan. Y ha sido él quien nos ha dado todos los detalles de su naciente proyecto que solo hace que crecer. Quién es; cómo han nacido todos estos temas, especialmente «Aquí contigo»; o cuáles son sus próximos pasos. ¿Queréis conocerlo y adentraros en su particular universo sonoro? Pues solo tenéis que darle al play y dentro vídeo.
Desde su más profunda intimidad hasta nuestras casas. Así ha llegado «Aclárate» a nuestras vidas. Así suena el nuevo tema de Sebastián Cortés, la gran promesa del DIY-pop en español, que dentro de muy poquito tiempo debutará con su álbum debut, que llevará por título «Canciones que hice desde mi habitación» y que verá la luz en breves. Un disco con el que romperá todo tipo de barreras y que lo afianzará dentro de nuestro panorama musical. Y es que en muy poco tiempo, ha conseguido más de 570.000 escuchas mensuales en Spotify, y cifras similares en YouTube. Sin duda alguna, un éxito más que asegurado.
«Tú y tus intenciones de jugar con mi cabeza no me dejan vivir».
«Aclárate» es el primer guiño que el artista ha hecho a su inminente nuevo álbum. Una canción que habla de una situación de pareja muy concreta. En palabras del propio artista, «es cuando la persona de la que estás enamorado tiene dudas de si quiere estar contigo. Y la necesidad de uno, de que la otra persona tome una decisión». Una espera que desesper, una catarsis dconvertida en canción.
«Los oyentes de Sebastián Cortés agradecen este tipo de alquimia porque cuando Sebastián canta te toca el semblante interno, te adentra en una sensación que tarde o temprano te identifica con lo que cuenta y canta. Y llegar a ese sitio es un gran mérito».
Un buen hacer y un trabajo constante, que llega a ritmo de pop. Un pop ‘do it yourself’, que a su vez es intimista y de lo más personal. «Cada una de las palabras y de los sonidos son producto de su intuición creativa, se resume en la aparición de silencios en seco para luego cantar susurrando, y agregar voces en distintas tonalidades que generan dimensiones auditivas». Una joya de la que uno es incapaz de huir. Bienvenidos al mundo de Sebastián Cortés.
