Verdadera Locura

Etiqueta: Madrid

Cuando la magia de Dan Millson llegue hasta El Sol

Lo conocimos hace poco más de un año y, desde ese momento, no hemos dejado de verlo crecer. El caso de Dan Millson es especial. Es uno de esos artistas con estrella y por los que, al final, es inevitable no alegrarse cuando las cosas le marchan bien. Talento, trabajo, suerte. La combinación perfecta para que, sí, las cosas le marchen bien.

Hace algunos días, hablamos con él, a propósito del lanzamiento de sus dos últimos singles: «Lost Track Of Time» y «Queen Without a Crown». De hecho, el videoclip de esta última canción, vio la luz el pasado viernes y es el ejemplo perfecto de que menos es más. Y de que se pueden contar grandes historias, con pequeños detalles.

¡No os perdáis lo que nos contó! Y tampoco os lo perdáis en directo: el próximo 10 de abril, inundará el escenario de la Sala El Sol.

En las últimas semanas, nos has sorprendido con el lanzamiento de «Lost Track Of Time» y «Queen Without a Crown». ¿Cómo surge el concepto de ambos temas?

Bueno, como sabes, yo venía de publicar mi EP «Little Box Of Treasure» y luego llegó «Shine a Light». Todas estos temas estaban bastante producidos y eran rollo más canción «hit». Entonces quería sacar algo completamente diferente. A una parte de mí, le encantan las baladas, la crudeza de la música antigua y, sobre todo, cómo se grababa: con micrófonos, con piano, con un cuarteto de verdad. Y quería probarlo.

La verdad es que las dos canciones son como las dos caras de la moneda. En una está el lado negativo, la del pasado oscuro, que en cierto modo, aún está. Es como cuando te pasa algo y no sabes cómo afrontarlo. Hay gente que llora, hay gente que se queda en casa y no sale. Yo tuve cierta agresividad, que la saqué por ese camino. Intenté afrontar mis miedos y así es como los supe gestionar. «Lost Track Of Time» habla un poco de eso, de olvidar de quererte a ti mismo.

Sin embargo, «Queen Without A Crown» es una canción de amor. Pero no es una canción de amor al uso. Lo que quiero transmitir con ella es que para querer a una persona, te tienes que querer a ti mismo. Entonces son como las dos caras.

¿Será la sala de un nuevo trabajo de Dan Millson?

La intención es publicar nuevo trabajo. Me encantaría que fuera a final de año, pero no sé si será posible, porque tengo que pensar muy bien cómo hacerlo y cómo prepararlo. Me gustaría que fuera un disco un poco conceptual, que todos los temas estuvieran unidos de alguna manera. Pero antes, hay que ver qué sucede con estas dos canciones y dónde nos llevan. Además, ahora estamos muy centrados en el concierto del próximo 10 de abril en la Sala El Sol. Después, voy a Inglaterra a girar y en septiembre vuelvo a Suecia. Están pasando muchas cosas, así que quiero ver si me da tiempo a componer.

¿Cómo has vivido la acogida de ambos singles? Porque en plataformas digitales han sido una verdadera revolución.

Yo estoy muy emocionado, la verdad. Si analizamos los datos de mis otras canciones, «Shine a Light» tiene 18k reproducciones ahora, pero «Queen Without A Crown» tiene 20k y salió hace poco más de una semana. Es una diferencia muy grande. También hemos trabajado con otro equipo y creo que las canciones han salido en buena época, además de que ahora tengo más seguimiento que antes.

Así que feliz. Si todo va así y con esos pasos tan agigantados, quién sabe lo que pasará en 2020.

¿Y cómo afrontas ante el concierto de abril en la Sala El Sol?

Lo afronto con nervios, la verdad. Porque es un paso muy grande para mí. Siempre he tocado en salas más pequeñas y, de hecho, lo más grande que he hecho en los últimos meses ha sido la Sala Siroco. Estuve con la banda y la verdad es que funcionó muy bien, la gente me habló genial.

Después de eso, he decidido dar un paso al frente e ir a por El Sol. He pensado en un formato diferente. Además de ir con la banda, también quiero llevar un cuarteto de cuerda. Así que estoy con muchas ganas, a pesar de los nervios.

¿Cómo ha evolucionado Dan Millson desde «Little Box Of Treasure»?

Pues en realidad sigo siendo el mismo. Llevo mucho tiempo dedicándome a la música y siempre he tenido claro lo que quería. Lo único es que ahora creo que me encuentro en otro capítulo diferente, en el que creo que aún estoy más seguro de lo que quiero. Al final, vas viendo las reacciones del público y cómo reciben lo que haces. Quizás queda un poco feo decirlo, porque a la gente no le gusta verlo así. Evidentemente, todo lo que haga va a salir del corazón y lo voy a hacer convencido. Pero lo que es la imagen, el concepto, la marca, en qué salas tocar, con quién hacer entrevistas…todo eso ayuda a ver un camino más claro.

¿Cómo has vivido este último año? Porque además de lanzar temas, también has girado por dentro de España y por fuera. Y este año vas a repetir.

La verdad es que ha sido un año de locura y muy intenso. En 2017 salió «Little Box Of Treasure», en 2018 comencé a girar y publiqué «Shine a Light», estuve en Reino Unido, Italia y Suecia. Ahora ven la luz estos dos nuevos temas y volvemos.

Es curioso, porque al final creo que el mayor público está fuera de España. Precisamente por eso, no voy a dejar de salir y girar por fuera si se me plantea la oportunidad. Aunque España y Madrid me encantan y aquí me quedo. Pero sé que fuera hay más mercado.

Ahora que se apuesta por el formato single y que vivimos en la cultura de lo efímero, ¿crees que se ha perdido el poder del disco como discurso?

Lo de los singles es algo que ya pasaba en los años 50, con los singles de dos caras. Los lanzaban a la radio y si funcionaba, te daban la oportunidad de grabar un EP. Aunque sí que es cierto que hay cosas que han cambiado. Antes costaba mucho más grabar. Lo del CD fue una manera de darle salida a más canciones y vender más.

Lo que me molesta un poco más es que haya gente que no se molesta en escuchar la canción completa y se quede en los 10 primeros segundos, porque estamos tan saturados de información. Pero no lo mezclaría con el tema de los discos. Al final, si te gusta un artista, te paras, te sientas y lo escuchas.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

Dedicarme a ella. Dejar todo por ella.

Es una de las respuestas más comunes. Pero lo cierto es que es arriesgado.

Sí, es que es verdad. Lo he dejado todo por ella. De hecho, yo no vivo donde nací, en ocasiones me puede generar conflictos con familia, es una preocupación continua para mí. Pero me va bien, porque no he dejado de trabajar y porque también estos dos últimos años he tenido suerte. Cuando yo me vine a Madrid, no teníamos ni piso, los primeros días dormíamos en el coche o en casa de algún amigo. Tuvimos antes local de ensayo que casa. Subimos, dejamos todo en el local y esa noche dormimos en el coche, mientras buscábamos piso.

27 febrero 2019
El mágico viaje a «Isla Morenita» con Carlos Sadness

Con la emoción de quien sabe que va a pegarse el viaje de su vida, sin ni siquiera moverse del sitio, nos acercamos todos el pasado sábado 23 de febrero al WizInk Center de Madrid. Era el gran concierto de Carlos Sadness. Ese que nos trasladaría directamente hasta la mismísima «Isla Morenita». Preparados con nuestras mejores galas – tropicales, eso sí – y dispuestos a cantar desde el inicio. Así estábamos.

Pasaban las 21.00 horas. Momento del inicio del concierto. Parecía que el momento en el que saliera Carlos Sadness no llegaba. Pasaban los minutos hasta que, al fin, a las 21.20 horas se apagaron las luces y una voz en off anunciaba que estábamos a punto de despegar y que ese viaje transoceánico hasta «Isla Morenita» duraría algo más de 2 horas y 10 minutos. Y justo después apareció él. Y comenzaron a resonar los primeros acordes de «Perseide». Sí, nada más despegar y ya estábamos vislumbrando las primeras estrellas fugaces. Estrellas fugaces que tan solo fueron eclipsadas por la llegada de «Hale Bopp».

Primera parada, apeados en las ventanillas del avión. Desde arriba distinguimos todos aquellos «Volcanes Dormidos» que ansiaban reactivarse y entrar en erupción. Aunque a quien reactivamos y revivimos sin apenas dudar un momento fue a «Bach», quien se atrevió a cantar con nosotros aquello de «Te quiero un poco».

Ahora sí que sí. Llegada a «Isla Morenita», donde nos recibió con todo su encanto «Miss Honolulu». Un viaje que se nos hizo especialmente corto, ya que cuando nos quisimos dar cuenta, se estaba despidiendo de nosotros al grito de «Au Revoir». Entonces todo se volvió «Semitransparente», como si de un sueño se tratara. Pero no. Ese concierto estaba siendo más real que nunca y sí, todo el público lo estaba viviendo y sintiendo en sus propias carnes.

Y de repente, ¡boom! Primera sorpresa de la noche. En el preciso instante en el que comenzara a sonar «Amor Papaya», apareció sobre el escenario la misma Natalia Lacunza, concursante de Operación Triunfo 2018 y una de las favoritas del «talent show». Ese fue «El Gran Momento». Aunque pasó tan rápido como si de una «Longitud de Onda» se tratara.

Comenzaba un viaje sin retorno en el que los «Días Impares» como aquel 23 de febrero cobrarían sentido. Sentido porque nos servirían para recordar lo que estábamos viviendo. Recuerdos que da igual que nos trasladaran a la isla más remota o la misma «Pompeia», ciudad en la ni los «Diferentes Tipos de Luz» nos harían entender la «Física Moderna». Estaba siendo maravilloso. Podría dar fe de ello incluso el propio «Kandinski», si levantara cabeza. Pero todavía quedaba tiempo para disfrutar.

Entre playa y playa, nos pusimos el «Bikini» y esperamos a Alfred García, finalista de Operación Triunfo 2017, para cantar con él su tema «No cuentes conmigo». Una canción especial que el joven artista publicó en colaboración con Carlos Sadness. De ahí su amistad. Pasado el momento especial junto al «triunfito», llegó el gran momento de «Chihuaha», al que siguió a continuación, «Volviste».

Con «Houndini», quien plantó la «Semilla Negra», nos acercábamos a la recta final. Momento más íntimo a la par que épico, de la mano de «Isla Morenita» en formato más acústico. Intimidad que chocó brutalmente con la energía que desprendió Carlos Sadness, al interpretar su particular versión de «To My Love», con la que nos vinimos arriba. Sí, cantamos hasta quedarnos sin voz. Y bailamos hasta destrozar nuestros pies. Pero esa era precisamente la idea.

Aunque sabíamos que estábamos cerca de nuestro destino y que quedaba nada para aterrizar, quedaban algunos «temazos» por cantar. «Pocholoco» fue el primero en aparecer, para demostrar que «Hoy es el día» para viajar desde Madrid hasta «Groenlandia» si fuera necesario. Y es que, ¡joder!, «Qué electricidad» nos estaba dando ese concierto.

Ahora sí que llegábamos al final. Antes de aterrizar en Madrid, teníamos que hacer parada obligatoria en «Monteperdido». El viaje de más de dos horas había llegado a su fin. Y lo habíamos disfrutado desde el principio hasta el final. Ojalá poder repetirlo en bucle.

26 febrero 2019
«Se acabó la tontería»: Marea regresa con «El Azogue»

Después de varios años de silencio, Marea regresan a los escenarios y lo hacen con nuevo disco. El próximo 12 de abril, «se acabó la tontería», llega «El Azogue». Y lo hará de la mano de Warner Music. Aunque todo lo que rodea a la salida de este álbum es todavía un misterio. Lo único que sabemos de los de Berriozar es la fecha del lanzamiento y la portada del que será este nuevo disco. Un anuncio que pusieron en sus redes sociales, en las que llevaban más de un año sin publicar. Redes que, por supuesto, han terminado incendiadas por los comentarios de numerosos fans.

Sin duda, estas semanas han sido demasiado emocionantes. Y es que Marea no han sido los únicos que han medio anunciado que regresan. Otra de las bandas más míticas a nivel nacional, como es La Polla Récords también ha lanzado la bomba de que vuelven y de que, muy probablemente, estén preparando nuevo material. Eso sí, sin llegar a dar mucha más información.

«El Azogue» será el séptimo trabajo de la banda y llegará justo ocho años después del anterior, ya que en 2011 veía la luz «En mi hambre mando yo», con con Kutxi Romero (voz), David Díaz «Kolibrí»y César Ramallo (ambos a las guitarras), Edu Beaumont «Piñas» (bajo) y Alén Ayerdi (batería). Un disco con el que giraron todo ese año y parte del siguiente, hasta que hicieron un parón, que nunca llegaron a confirmar. Aunque si bien es cierto que, de manera paralela, varios de los miembros de Marea, giraban en solitario.

Por eso, este nuevo disco es tan importante y especial. Tal y como detallaban en el comunicado de prensa inicial, «El Azogue, séptimo trabajo de estudio de Marea, verá la luz tras permanecer la banda en barbecho desde finales de 2012». Un secretismo y misterio, que hace que queramos saber aún más. Y es que todavía queda que la banda navarra confirme las fechas de la gira o si lanzará algún single de manera previa, pero nosotros estaremos atentos a todas las novedades que vayan desvelando.

26 febrero 2019
Green Valley lanza nuevo single, llega el momento de «Dónde Irán»

Han pasado tres años desde que Green Valley lanzara su último disco. En aquel entonces era 2016, año en el que «Ahora» daba comienzo. Por eso, las ganas de escuchar nuevo material de la banda más importante de reggae a nivel nacional, eran más que evidentes. Y justo para calmar esa ansiedad que nos comía un poco por dentro, los catalanes van y nos sorprenden con su nuevo single, «Dónde Irán». Una canción que servirá como antesala de su próximo álbum, que se llamará «Bajo la piel» y verá la luz a finales del mes de abril.

Los detalles de «Dónde Irán», nuevo single de Green Valley

«Dónde Irán» llega tres años después de la última producción de Green Valley. Una canción muy especial, que habla sobre los propios sueños, las ilusiones, nuestros ideales de vida y sobre una realidad cotidiana, que en ocasiones, se presenta contradictoria.

Además, el tema refleja el crecimiento y la evolución de la banda, que comenzó su andadura allá por 2004, para publicar su primer trabajo poco después. Así es como inicialmente llegaba la maqueta «Inmigrantes» en 2007. Pero desde ese momento ha pasado ya más de una década. Ahora es cuando Green Valley muestra su gran salto, tanto a nivel lírico, como a nivel de producción.

La canción de «Dónde Irán» ha estado acompañada de su respectivo videoclip. Ha sido grabado entre Barcelona, Sevilla y Senegal, y contiene una narrativa muy comprometida.

Las primeras fechas confirmadas de Green Valley

Un tema que es antesala del disco que está por llegar y que responderá al nombre de «Bajo la piel». Aunque si bien es cierto que hasta finales de abril, no podremos descubrir todos y cada uno de los nuevos temas. Lo que sí que sabemos ya son las primeras fechas de presentación de Green Valley.

Los catalanes presentarán este «Bajo la piel», el próximo 25 de abril en Madrid. Mientras tanto, por Barcelona no pasarán hasta el 15 de mayo. A partir de ese momento, Green Valley dará el «pistoletazo» de salida a su extensa gira, que muy probablemente los lleve por multitud de escenarios, tanto de España como de Latinoamérica.

25 febrero 2019
Es el momento de Octubre Polar y «La Tormenta Perfecta»

Vienen desde Valladolid y están ya preparados para el lanzamiento de su nuevo trabajo. Además, son una de las bandas más prometedoras: los descubrimos el pasado año en Basik Sessions y consiguieron enamorarnos. Eso sí, ahora acaban de publicar su tercer single, «Siempre serás». Una canción a la que ha acompañado su respectivo videoclip, en enero de 2018 en El Salón de Godot (Valladolid) y producido por Fan Fatal Studio.

Esta canción, sí que sí, sirve de antesala del que será el nuevo disco de Octubre Polar. Es el momento de «La Tormenta Perfecta», que verá la luz el próximo 8 de marzo. Un trabajo muy especial, que se alza como el primero con la actual formación de la banda, compuesta por Muci (Voz y guitarra acústica), Rubén (Bajo), Pablo Pelanas (Guitarra), Martín (Batería) y Palomo (Teclados y sintetizadores). Además, ha sido grabado, editado y masterizado en Neo Music Box (Aranda de Duero) por José Caballero y producido por Fermín Bouza (Correos).

Pero no solo eso, porque «La Tormenta Perfecta» es mucho más, esconde mucho más. Y es que los vallisoletanos Octubre Polar, han contado con grandes colaboraciones en este disco. Así es como participan artistas de la talla de Sean Marholm (Dinero) o el mismo Fermín Bouza (Correos), que canta en la canción «El Primer Latido».

Octubre Polar también anuncia sus primeras fechas

Al hilo del lanzamiento de «La Tormenta Perfecta», Octubre Polar también ha anunciado las primeras fechas de presentación del mismo. Tras presentar su directo en festivales de la talla de Arena Sound o el concurso de bandas de Al Tran Tran Festival, llega el turno de los conciertos en salas.

Aunque por el momento, solo han confirmado dos conciertos de presentación, no os los perdáis de vista. Octubre Polar pasarán por Valladolid (Sala Black Pearl) y Madrid (Sala Costello Club), los próximos 23 y 30 de marzo, respectivamente.

¿Aún sigues sin entrada? ¡Consigue ya la tuya, pinchando en los banners de abajo!

25 febrero 2019
Eladio y los Seres Queridos: «Historias de caza es una colección de canciones»

Lo bueno de la música es que te hace descubrir, no solo bandas, también personas. El caso de Eladio y los Seres Queridos ha sido uno de esos grandes descubrimientos que forman parte de nuestro 2018. Los conocíamos pero nunca los habíamos visto en directo y lo cierto es que acabamos en bucle con ellos. Una banda gallega que engancha y cuya experiencia traspasa fronteras. Seguramente, nos volvamos a encontrar con ellos, porque continúan girando con su «Historias de caza», aunque ya están preparando canciones nuevas.

Por eso y de manera previa a la celebración del aniversario de Cocktail Musical, pudimos sentarnos con Eladio Santos. Hablamos sobre la banda, su proyecto y sobre música. Y esto es lo que nos contó.

¿Cómo surge el concepto de «Historias de Caza»?

Realmente, lo que pasaba es que no encontraba relación entre las canciones, voy a ser sincero [risas]. Nunca he hecho discos conceptuales. Yo soy más de hacer canciones que, evidentemente, tienen cierta relación, porque hablan de momentos de tu vida concretos. Y al final, el concepto lo encuentros tres o cuatro años después de haber lanzado el álbum. Pero había una cosa especial, que es que no todas las canciones eran mías. Así que el único concepto que se me ocurrió, fue el de ver las canciones como historias de caza como de la Prehistoria, pero muy desarrolladas. Y pensar en los temas como historias que comienzan a nacer alrededor de una hoguera. De hecho, hice una canción para explicar el concepto [risas].

¿Cómo ha sido toda la acogida del disco?

Fíjate, por el formato y por las características del disco, había quien pensaba que era un trabajo poco ambicioso. Y, sin embargo, ha funcionado bastante bien, se vende y se ha llevado varios premios. Además, con él hemos alcanzado la independencia total: no tenemos editorial, no tenemos manager y lo hacemos todos nosotros. Incluso grabamos los discos nosotros.

Un titular que defina «Historias de caza».

Es una especie de fuego de campamento, un encuentro entre amigos. De hecho, hay una canción que no es nuestra, que es «Ella», que me gustaba mucho y optamos por grabarla. Igual más o menos que «La leyenda del tiempo», que la hicimos a medias. Entonces es como una «Rue 13 del Percebe», hay varias «casitas». Al final, es una colección de canciones, no diría nada más que eso.

Alguien con quien compartir escenario.

Soy muy ambicioso [risas]. Desde siempre, he sido muy fan de Bob Dylan y de The Beatles. Aunque si tuviera que hacer una lista más realista, quizás me decantaría por Quique González. También hemos compartido escenario con artistas como Vetusta Morla o Xoel López, con quien tenemos una relación bastante estrecha.

Además, suelo escuchar mucha música latinoamericana. Uno de los sueños que me hubiera gustado cumplir, hubiera sido cantar con Mercedes Sosa, fíjate. Pero ya es imposible.

Me gustan las voces con mucha raíz, con mucha tierra.

Siguientes pasos de Eladio y los Seres Queridos.

Pues tenemos algunas canciones en mente. Lo que nos pasó es que con nuestro anterior disco «Cantares», tocamos mucho en Galicia. Pero fuera de allí, como que últimamente nos ha costado un poco salir. Al final, lo que pasa es que allí, nos hemos convertido un poco en «grupo pureta», de señores [risas]. Hemos pasado de tocar en bares a tocar en teatros.

Entonces, aprovechando que tenemos algunas canciones, quizás hagamos lo que se suele hacer mucho ahora. Apostar más por ir sacando singles, algún video-lyric o videoclip. Y probablemente en verano grabemos el disco.

Con el auge de los singles, ¿crees que se está perdiendo el poder del disco como discurso?

Bueno, sí, quizás sí. Es que es el ritmo del mercado. El, «le doy al play y escucho 20 segundos de canción, a ver si me engancha». Entonces ahora toca esforzarse un poco más por llamar la atención y demostrar que estás ahí. Pero pedirle a alguien que se escuche un disco entero, es más jodido. Antes comprabas un disco por la portada o porque ya habías escuchado a la banda. Empezaba gustándote una canción y a la semana, te enganchaba todo el disco.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por Eladio y los Seres Queridos?

Hemos hecho bastantes locuras, como la de ir a tocar a Zaragoza y volvimos el mismo día. De esas cosas te das cuenta luego. Hay que tener mucho cuidado, sobre todo cuando se sale a la carretera. Y nosotros, por temas de trabajo, hemos llegado a pasar 20 horas en coche. Porque no queríamos perdernos conciertos importantes, pero igual al día siguiente también teníamos que ir a trabajar. Por eso, quizás sea la mayor locura. Ha habido otras, evidentemente, pero quizás no tan contables [risas]. Lo bueno de esos viajes es que hablamos mucho y lo pasamos bien, al final todo eso nos sirve de terapia. Tenemos como una ley que es que «lo que se cuenta en la furgoneta, se queda en la furgoneta». Se comparte mucho y, en definitiva, es algo que echo de menos, sobre todo en los momentos en los que a lo mejor, no estamos de gira.

24 febrero 2019
«Con todas las consecuencias», lo nuevo de Alba Messa, ya ha visto la luz

Después de bastantes días tratando de guardar silencio, ¡al fin! El nuevo trabajo de Alba Messa ha visto la luz. Y «Con todas las consecuencias» vamos a hablar un poco de él. Aunque, sin duda, el mejor regalo de viernes que os podéis hacer es escucharlo, porque es una maravilla.

Hace apenas una semana, el pasado miércoles 13 de febrero, conocimos a Alba. Con el misterio y las ganas de quien va a una pre-escucha, nos acercamos a los estudios de grabación Axis, en pleno corazón de Madrid. Para nosotros era un completo misterio, ya que no conocíamos a la artista de manera previa. Poco a poco, fuimos descubriendo quién era Alba Messa. Artista multidisciplinar: actriz, compositora, cantante. Lo tiene todo. Es normal cuando llevas toda una vida dedicada al arte, que el talento desborda, se respira a través de tus poros. Y como resultado: un disco tan real como es «Con todas las consecuencias».

Todos los detalles sobre «Con todas las consecuencias»

Alba Messa se dio a conocer con su anterior EP, «Valiente». Sin embargo, su gran apuesta, su gran reafirmación ha sido esta: «Con todas las consecuencias». Un disco compuesto por once temas, cuya producción ha corrido a cargo de Manu Chalud (Blas Cantó), Sasha Pantchenko (Gemeliers) y Josh Tampico (The Cranberries). Aunque el álbum no se grabó todo seguido, muestra toda la evolución de Alba Messa desde que lo comenzó a componer hasta el momento en el que nos encontramos.

Probablemente, no sea el género de música al que esté acostumbrada. Pero no puedo negar que este nuevo trabajo de Alba Messa es un señor «discazo». A medio camino entre el pop y la electrónica, Alba ha conseguido transmitir lo que quería, y lo que así nos hizo saber en la pre-escucha: el mostrarse ella tal cual es. «Con todas las consecuencias» tiene algo que engancha, que se te mete en la cabeza y no quiere salir. Además de tener una gran verdad escondida en él. He ahí la gran magia.

Tras unos momentos previos de poder hablar con la artista, comenzamos la pre-escucha. A modo de prólogo, resonó «Te confieso que». Toda una declaración de intenciones, con la que Alba trataba de liberarse de todas las imposiciones y con la que pretendía volver a ser ella misma. Una declaración de intenciones que apenas duró unos segundos y a la que siguió «Será, será». Un tema del que estuvieron grabando el videoclip hace apenas unos días y que, al igual que el primero, contó con la ayuda y el trabajo del director Pablo Silva (Pampinopla Films).

Una a una, escuchamos el resto de canciones como «La Noche» o «Fantasma», uno de los singles de este nuevo trabajo y del que se lanzó el videoclip el pasado mes de noviembre. Como curiosidad, en este vídeo, Nick Morilla fue quien se encargó de crear toda la coreografía. Y en estos momentos, Morilla se encuentra participando en el programa de baile, «¡Fama!».

Ahondamos un poco más cuando apareció «Rey», canción de la que hay dos versiones. La primera de ellas, quizás, mucho más íntima. Aunque en el «bonus track» le da un giro diferente. Tal y como nos aseguró Alba Messa, esta canción es especial, por todo el poder que tiene el mensaje que en ella transmite.

Aunque si una canción marcó el antes y el después de Alba Messa, fue «El Hombre de Hielo», que fue el primer adelanto y el primer signo del giro que había dado el proyecto de la artista gallega. Ahí es donde radicaba la diferencia. Ahí es donde comenzaba a mostrarse la nueva Alba, la Alba real. De hecho, este tema también cuenta con su respectivo videoclip. A modo de anécdota, contó que pidieron una figura humana hecha con hielo que resultó no ser lo que esperaban.

Muy bien colocado, a la mitad del disco, llega «Con todas las consecuencias». Un tema muy «cortito» que sirve como interludio y en el que Alba Messa vuelve a reafirmarse en lo que es, en lo que quiere y en lo que espera.

Luego llegó «A través de las paredes» y «Valiente», una canción del anterior EP, pero que tiene mucha importancia para Alba, ya que se la compuso a Sugus, su gato, quien murió poco después. Lo mismo le sucede con «Rebelión», otro de sus temas más antiguos, pero igualmente importante. Quizás sea el más diferente de todos los que conforman el disco. Y tras todo este recorrido sonoro, Alba Messa cierra «Con todas las consecuencias» con un bonus track: la nueva versión de «Rey».

Sin duda, es un disco increíble, que recomendamos escuchar de principio a fin. Sin prejuicios y desde el corazón.

22 febrero 2019
Presumido harán bailar a toda la Costello, con los temas de su «Invierno»

Su música desprende personalidad a raudales, independientemente del género en el que se mueven. Con ese carácter que los define, Presumido lanzaron en diciembre la primera parte del que será su largo «Cuatro Estaciones». Era el momento de «Invierno», aunque la «Primavera» está cada vez más cerca.

El próximo sábado 2 de marzo, darán en Madrid su único concierto en sala hasta otoño. Será en la mítica sala Costello. Una cita que no os podéis perder. Aunque mientras llega, podéis leer lo que nos contaron sobre su proyecto, hace apenas unos días.

¿Cómo surge todo el concepto de «Cuatro Estaciones»?

Tarci. De inicio, surge un poco como una necesidad. Nos encontrábamos en un momento de liberación, de estar con una mano delante y otra detrás. Sentíamos que teníamos que sacar algo. Así que decidimos publicar las tres canciones que ya teníamos grabadas para el disco, tras darles unos últimos toques. Al lanzarla bajo el nombre de «Invierno», todo lo demás comenzó a coger forma. Y así es como decidimos que iríamos publicando un EP por cada estación y en otoño, que suele ser la época de cosecha, cosechamos esos cuatro EPs digitales y los recopilamos en un disco.

¿Vais a hacer que cada EP coincida justo con la estación?

T. Sí, sí, por supuesto. De hecho, la presentación de «Invierno» fue el mismo 21 de diciembre. Esa es la idea, que tenga el mayor sentido posible, aunque a veces se nos puede ir algo de fecha.

¿Por qué apostar por el formato EP?

T. A ver, el modo de consumir música ha cambiado muchísimo hoy en día. La gente cada vez consume más el formato single, pero a nosotros nos sigue gustando lo que es el disco conceptual. Así que optamos por ir por el camino de en medio: hacer un álbum conceptual, pero lanzarlo por EPs y que cada EP tenga su single. De esta forma, conseguimos estar más tiempo en medios y que la gente lo consuma de una manera más fácil.

¿Creéis que de esta manera, se ha perdido el poder del disco como discurso?

T. Sí, sí que se ha perdido. Pero del mismo modo, desde el otro lado, nosotros somos los primeros en reivindicar ese valor. E incluso el del disco físico: algo que tenga un olor, un tacto, que sea visual. Que no solo se escuche.

Volviendo un poco a «Invierno». ¿Cómo ha sido la acogida?

Nacho. Ha sido muy buena, la verdad. Desde que lanzamos el crowdfunding hasta ahora, estamos viviendo todo el proceso con mucho orgullo, estamos viendo cómo se está materializando. Estamos muy contentos, porque este proyecto es un proyecto 360º, lo hemos dejado todo para dedicarnos a él, y vemos cómo vamos avanzando. Con «Invierno», la acogida ha sido brutal. Desde que lanzamos el single, «El Rey Azotado» hemos recibido muy buenos comentarios. De hecho, los chicos de Diavlo la están versionando en toda su gira.

De hecho, nos hemos dado cuenta de que al lanzar en formato EP, es mucho más fácil de digerir, ya no solo por parte del público. También por parte de los medios, que han tratado este trabajo con mucho mimo y mucho cariño.

Un titular que defina «Cuatro Estaciones».

T. Pues es muy intenso, tanto las partes suaves como las más «cañeras». Es una ruleta rusa de emociones.

El 2 de marzo actuaréis en la Costello de Madrid, siendo el único concierto en salas por el momento.

T. Sí, es el único. La verdad es que no nos estamos planteando cerrar una gira, porque queremos esperar a que salga «Cuatro Estaciones» al completo. Y a partir de ahí, comenzar a girar de manera intensa. Ahora estamos cerrando algunos festivales y solo haremos una fecha en sala, que será la del 2 de marzo en Costello.

¿Cómo afrontáis esa fecha?

T. Pues con mucha ilusión, porque ya hemos vendido como la mitad de las entradas. La verdad es que tampoco queremos anticipar mucho, pero tocaremos canciones de «Vendetta», de «Invierno» y puede que de los EPs que todavía no han visto la luz. Además, también habrá varias sorpresas.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

T. Montar Presumido y dejarlo todo por el proyecto. Nacho estaba estudiando ingeniería y yo estaba trabajando. Pero queríamos centrarnos solo en esto.

N. Empeñar los instrumentos también ha sido una locura [risas].

T. Pero eso es más circunstancial [risas].

20 febrero 2019
Grim Swindango sorprenden con su nuevo trabajo, «Afterlife»

Hace unos días vio la luz su nuevo trabajo, «Afterlife». Un disco completamente diferente, con el que Grim Swindango se reafirman. Un disco que, además, presentarán este mismo sábado 23 de febrero en El Perro de la Parte de Atrás del Coche.

Justo el mismo día que llegaba al mundo «Afterlife», pudimos hablar con la banda. Noe Cooper (guitarra) y José Vinuesa (bajo) respondieron a nuestras preguntas. Esto es lo que nos contaron.

¿Cómo surge el concepto de «Afterlife»?

Noe. La temática del grupo está basada en la fiesta del día de los muertos. Entonces «Afterlife» está basado en la vida después de la vida. Así que todo gira entorno a eso.

¿Por qué escoger precisamente esa temática, la de la fiesta del día de los muertos mexicana?

N. La verdad es que nos gustaba ese rollo.

José. La idea venía ya de Noe. Comenzamos a ambientar el proyecto en torno a eso, pero al final, todo terminó girando alrededor del mismo tema: letras, imagen, etc.

N. Queríamos también tener una imagen definida y que tuviera relación con el mundo más «oscurillo».

En relación con todo esto, ¿qué importancia tiene la imagen para Grim Swindango?

N. Nosotros entendemos todo como un pack: la música, los directos que sean entretenidos, los vídeos, la decoración y, por supuesto, la imagen. Hay grupos que hemos ido a ver y que apenas se mueven del escenario e interactúan con el público. Nosotros no queremos eso, queremos que nuestros conciertos sean una experiencia. Así que la imagen es muy importante para nosotros.

Un titular que defina «Afterlife».

N. Yo creo que va a sorprender.

J. Es diferente.

Una canción que sintetice «Afterlife» y por qué.

N. «Catrina’s Whisper» es la canción que creemos que mejor define el proyecto y que más personalidad tiene.

El disco ha visto la luz tras una campaña de crowdfunding. ¿Por qué apostar por ello y cómo habéis vivido todo el proceso?

J. En realidad, cada miembro del grupo viene de otros proyectos anteriores, así que ya habíamos vivido todo el proceso de las campañas de crowdfunding previamente.Así que estuvimos hablando de las vivencias de cada uno y miramos bien cómo enfocarlo. Por lo demás, cruzamos mucho los dedos para que saliera adelante. Y al final, salió.

N. No nos esperábamos que saliera, pero queríamos que lo hiciera.

J. Sí, y al final superó de hecho nuestras expectativas.

¿Cómo fue el trabajo en Estudios Uno?

N. Muy bien, la verdad. Aunque el trabajo real comenzó en julio, cuando comenzamos a arreglar los temas. Y entramos a estudio el 2 de noviembre, justo el día de los muertos [risas].

J. Lo mejor, es que no estuvo hecho a propósito [risas].

¿Cómo se llega al punto de construir un sonido tan propio y particular? Porque «Afterlife» no me recuerda a nada que haya podido escuchar con anterioridad.

J. Creo que más que buscar un sonido concreto, tiene mucha importancia en estos casos, la personalidad, la experiencia y las influencias de cada uno. Todo aporta.

N. El modo que tenemos de trabajar es el siguiente: yo compongo y llevo una especie de maqueta, y cada uno va aportando su estilo.

J. También todo esto ha sido producto de un proceso. Hace un año, o incluso en verano cuando comenzamos a grabar, no sonábamos así. Es un proyecto que ha evolucionado.

Este sábado 23 de febrero, presentación oficial del disco en Madrid. ¿Cómo afrontáis el concierto?

N. Con miedo [risas]. De momento, estamos ensayando a tope, entre dos y tres días a la semana. Y deseando llegar al mayor número posible de personas.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Grim Swindango?

J. Pues el videoclip es una de las cosas más inminentes. Además, también estamos contactando con distintas agencias, para poder empezar a rodar. Porque al final, nosotros queremos tocar y vivir de la música.

N. Nosotros mientras tanto, tenemos claro que vamos a seguir trabajando y peleando.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

N. ¿Hay algo que no sea una locura? [risas].

J. En realidad, dejarlo todo por la música creo que ha sido mi mayor locura. Dejé mi ciudad y a gente atrás, por querer dedicarme a esto.

20 febrero 2019
Maldito Murphy: «No éramos tan ciegos 2.0 marca hacia dónde vamos»

Están en pleno círculo vicioso de concierto, entrevista y presentación de su «No éramos tan ciegos 2.0». Ellos son los gallegos Maldito Murphy que hace poco más de una semana, pasaron por Madrid para actuar en la Costello. Pero oye, que esto no para. Ellos siguen de conciertos, entrevistas y presentaciones. Pero sacaron un «ratito» para hablar con nosotros y esto es lo que nos contaron.

¿Cómo surge el concepto de «No éramos tan ciegos 2.0» y cómo han sido las reacciones desde que salió?

El «2.0» surgió porque el primer disco, «No éramos tan ciegos» no había llegado al público que nosotros queríamos. Así queríamos estirarlo un poquito más, pero ofreciendo algo más, algo nuevo. Así que cogimos la cara A de ese vinilo, los cinco primeros temas y le metimos otros nuevos, para que sirviera al público como aliciente. Fue nuestra manera de mostrar algo diferente de Maldito Murphy, que no se había visto antes.

Justo en relación al «2.0» quería preguntar si este disco había sido como un «restart.»

Bueno, más que un «restart» es como un complemento. Es como la segunda versión del disco, una re-edición a la que hemos añadido un «bonus track».

Un titular que defina el disco.

Hacia donde vamos.

Una canción que sintetice el álbum.

La verdad es que eso es algo muy personal, porque cada uno tiene una canción. Pero quizás el single, «Sin viento a favor» sea una de las más especiales. Le cogimos cariño porque estuvimos también grabando el videoclip y, de hecho, hace poco publicamos en redes sociales las tomas falsas del mismo. Lo pasamos muy bien, la verdad.

¿Cómo estáis viviendo el panorama de la música, cada vez más cambiante y qué pensáis del auge de según qué tipo de géneros?

La verdad es que es algo que no nos roza demasiado, aunque conocemos a gente que trabaja géneros como el trap. Lo cierto es que ahora todo eso se ha convertido en una gran industria y que tiene bastante fuerza, pero a nosotros no nos afecta o influencia, porque nos interesan otras cosas (partiendo siempre desde el respeto).

Ha habido boom y está en auge, pero se aleja mucho de lo que nosotros hacemos. En Maldito Murphy apostamos más por los directos orgánicos. Lo que buscamos es que la banda suene a banda, con su guitarra, su bajo, su batería y su voz.

¿Creéis que, en este sentido, se ha perdido el poder del disco como discurso?

Sí, creemos que sí. También es mucho más difícil vender discos, porque ya todo el mundo recurre a plataformas digitales y no te ocupan espacio físico. Y aunque con los vinilos hay un «revival», no todos pueden o escuchan vinilos.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Maldito Murphy?

Pues la idea es continuar tocando, seguir girando y presentar «No Éramos Tan Ciegos 2.0», que nos va a llevar por toda la geografía española y también por Portugal. Ese es el futuro más inmediato.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

Dejar nuestros trabajos [risas]. Al final, creemos que la mayor locura que podemos tratar de cometer es intentar hacer de la música un trabajo. Es lo más atrevido que podemos hacer: el tratar de ir hacia delante, el sacar un disco en sí y girar con él. Una gran inversión de trabajo y esfuerzo, hay que dejar muchas cosas por el camino.

19 febrero 2019
Ópera Magna cierra el círculo de «Del amor y otros demonios»

Conceptualizar toda una obra y lanzarla por actos. Eso sí que es ser épico. Y más en estos tiempos en los que la música se consume a golpe de «click». Los encargados de llevar esta obra a cabo han sido Ópera Magna y la obra: «Del amor y otros demonios».

Hace apenas unos días, nos sentamos con ellos. En concreto, con Adrián Romero (batería) y Quique Mompó (guitarra y producción). Con ellos estuvimos desgranando esta gran obra y charlamos sobre música.

Acaba de ver la luz «Del amor y otros demonios – Acto III», ¿por qué estructurar esta obra en tres partes?

Quique. La idea era tener mayor continuidad en redes y prolongar la actividad de la banda, sacando el disco pero en entregas, a una por año. Además, también queríamos evitar la paja y dejar solo la sustancia.

Ese era nuestro plan inicial, aunque al final, el tercer acto se nos ha retrasado un poco, por la dificultad. La verdad es que es complicado sacar un proyecto de esta magnitud y ahora que lo hemos conseguido, ha sido como un peso de encima que nos hemos quitado.

¿Cómo surge todo el concepto, toda la historia?

Q. De la escuela musical de la que venimos, que es el power metal, la epopeya y la grandilocuencia son dos recursos bastante utilizados. Así que para nosotros siempre ha sido una premisa ofrecer un mayor contenido musical, apoyándonos en un concepto o de una historia. De ahí que en el primer disco, «El último caballero» creáramos una historia propia. O que en «Poe» sacáramos el punto literario de las obras de Edgar Allan Poe.

En este, pensamos en volver a crear una historia propia, pero finalmente optamos por coger elementos de otras historias. Así que hay mucho de «100 años de soledad» de Gabriel García Márquez y de «Olvidado Rey Gudú», que es una obra de Ana María Matute. Y siempre añadiéndole nuestra propia aportación.

Hablando del mensaje, ¿creéis que en la música se ha perdido el poder del mensaje, en pro de otras cosas?

Q. Depende mucho del género. Creemos que en géneros como el rock o el rap, el poder del mensaje se sigue manteniendo. Quizás en otros géneros en los que prima el producto «goloso», sí que se ha frivolizado un poco. Hemos descartado lo que requiere elaboración y nos hemos quedado con lo que sabemos que funciona: con una progresión de acordes, con un determinado tempo. Prevalece la fórmula que funciona y eso afecta a las letras, a la lírica. Al final, se terminan utilizando conceptos muy manidos.

De esta manera, hacer temas comerciales en apenas horas se ha convertido en algo muy común. Pero claro, temas que tiran de clichés y que terminan no diciéndote nada.

De hecho, este aspecto lo veo también muy relacionado al modo de consumir música: ahora funcionamos mediante singles.

Q. Es completamente cierto y al final, sí, ambas cosas están muy relacionadas. Vivimos en la época, ya no del single, si no del click rápido, de los primeros 10 segundos. Así que lo que hemos hecho nosotros con «Del amor y otros demonios» ha sido algo que va en contra total de todo ello.

Volviendo un poco al disco: un titular que lo defina.

Adrián. Es el trabajo más maduro y elaborado hasta el momento.

Quique. Yo no sabría cómo explicarlo, pero me quedo con el concepto de exprimir algo hasta la última gota. Creo que, independientemente de que guste o no, se nota que lo hemos dado todo en este disco.

Hablábamos antes de todo el trabajo de conceptualización, pero ¿cómo ha sido el de producción?

Q. Pues el trabajo de producción ha sido una faena. Sabes que te tocan mil millones de horas de trabajo por delante, pero lo haces confiando en todo el curro previo de los músicos y de maquetación. Al final, es ir construyendo el castillo, como quien se prepara una oposición.

Lo bueno es que nosotros tenemos nuestro propio estudio y entonces ahí tenemos vía libre, sin limitación de tiempo y horas. Eso te da libertad y te quita presión, pero hace que no te pongas las pilas lo suficiente. Al final es lo que nos ha pasado con este «Acto III», que se nos ha ido un poco de tiempo.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Ópera Magna?

Adrián. En este punto, nos toca presentar el disco en directo. Haremos algún festival en verano y la gira en sí comenzará ya en octubre. Yo creo que no nos vuelva a pasar lo mismo en cuanto a retrasos, empezar a pensar ya en lo siguiente.

Quique. Sí, tenemos ya varias ideas. Ya no solo de discos, también de los directos o de los diferentes formatos en los que podemos presentar la historia. Ahora estamos con el tema acústicos, que éramos un poco reacios. Pero estamos mirando a ver si podemos hacer algo más.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

Q. Literalmente, hemos hipotecado nuestra vida «normativa» (trabajo y familia) por la música. Ha sido nuestra apuesta por el caballo perdedor, a nivel de éxito social, pero ganador totalmente a nivel de bienestar personal.

A. Ha sido arriesgado, pero es lo que hay [risas].

https://www.youtube.com/watch?v=KahU3nA0txo

19 febrero 2019
Perdiendo los Papeles prepara su gran asalto con «No Apagues La Luz»

Hablamos con ellos hace unas semanas, pero es que hace unos días pudimos ponerles cara, al fin. Perdiendo los Papeles se sometieron de nuevo a las preguntas que les hicimos desde Verdadera Locura, en concreto, fue Alberto Alejandre (voz y guitarra) quien las respondió.

Estuvimos charlando sobre la banda y sus próximos pasos, y sobre su nuevo disco que está por llegar. Es la hora de «No Apagues La Luz».

Y si estás por Madrid y los quieres ver, aprovecha, porque el próximo 31 de marzo estarán en el «Domingo Acústico», organizado por la agencia de comunicación Music Hunters.

¿Cómo surge el concepto de «No Apagues La Luz»?

En esta ocasión fue bastante más fácil que en otras. Anteriormente, sí que tratábamos buscarle un sentido al disco, tras tener las canciones, lo cual era bastante complicado porque encima somos cinco. Así que en esta ocasión, optamos por lo simple, por lo que pensábamos que iba a funcionar. Así que decidimos escoger el nombre de una de las canciones, como título del disco. Ya no por dejadez, porque hubo bastante lluvia de ideas, si no porque queríamos hacer las cosas mucho más sencillas.

De hecho, en el inicio le dimos tantas vueltas, que uno de los nombres que llegamos a barajar fue «Serendipia», porque también veíamos el disco como una utopía, al ser nuestro primer disco de larga duración, en el que además trabajamos con un gran productor como es José Caballero. Pero al final, lo descartamos porque creímos que sería complicado de recordar para la gente.

Un titular que lo defina.

Este disco es un disco fresco, actual y potente. Cuando la gente lo escuche, creo que es lo que la gente va a percibir, porque es lo que nosotros intentamos transmitir.

Una canción que sintetice el disco.

Es complicado. Ahora mismo, la canción que está circulando ya por nuestras plataformas digitales, es «Ahora es tarde». Creo que representa y no representa el disco. El motivo es que hemos tenido una libertad brutal a la hora de crear el álbum y no nos hemos querido ceñir a ningún estilo concreto. Así que sí que es cierto que este tema es muy fresco y va muy en la línea de lo que queremos transmitir, pero no es lo único que encontrará la gente.

¿Cómo fue trabajar con José Caballero?

La verdad que fue una experiencia genial. Creó un clima maravilloso. Ir a su estudio, fue como ir a casa de tu mejor amigo. El primer día sí que estábamos más asustados, por lo que representa, pero ese sentimiento desapareció enseguida cuando fue él quien rápidamente comenzó con las bromas. Al final, el buen clima que se creó, se ha plasmado totalmente en el disco.

En este disco, habéis contado con colaboraciones como la de Dani de Despistaos o la de Pedro y Nando de La Fuga. ¿Cómo surgen?

Para nosotros, colaborar con ellos ha sido como cumplir un sueño, porque admiramos mucho a ambas bandas. Fue algo súper increíble para nosotros. Creemos que son cosas que nos regala la música.

¿Cómo ha evolucionado Perdiendo los Papeles?

Pues la verdad es que miramos atrás y nos parece muy bonito el camino que hemos recorrido. Y haber dado este pequeño salto ha sido brutal para nosotros: el ver cómo nos llamaba José Caballero para trabajar con él, el ver cómo actuábamos en lugares en los que teníamos muchas ganas de actuar o el comprobar cómo vamos mejorando. Y eso que yo me he perdido esa fase inicial que quizás fuera la más dura, porque yo llegué hace cinco años y la banda lleva ya una década de recorrido.

¿Qué importancia tienen los mensajes en las canciones de Perdiendo los Papeles?

A nivel compositivo, las letras solemos hacerlas entre Jesús Sáncehz (guitarra) y yo. Luego en el local, con el resto de banda vestimos las canciones. Pero sí que es verdad que está guay que haya como dos puntos de vista a la hora de crear las letras, porque así hay mucha más variedad. ¿Sobre qué escribimos? Pues la verdad es que al final eso ha ido cambiando, en función del momento vital en el que estamos o en función de lo que nos conmueve. Sin ir más lejos, tenemos una canción en contra del bullying. Salió de manera natural y porque al final es un tema del que creíamos que teníamos que hablar.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por Perdiendo los Papeles?

Creo que meternos en el jaleo de intentar dedicarnos en cuerpo y alma, por todo lo que conlleva tratar de vivir de ella. Pero oye, ojalá esta locura dure muchos años.

18 febrero 2019