Verdadera Locura

Etiqueta: Madrid

Antílopez llena todo el Teatro Barceló con su «Dibujo Libre»

Cuando conocimos a Antílopez, apenas habían publicado «Desprendimiento de Rutina». Entonces era 2015 y se recorrían los micros abiertos más míticos de la ciudad de Madrid. Por aquel entonces, se comenzaban a fraguar algunas canciones de este «Dibujo Libre» (2018). Concretamente, «Metralla, Medida y Viaje». Un tema que desde el minuto 1 nos atrapó. Y ahí es cuando verdaderamente, comenzamos a seguir la carrera musical de los onubenses.

Una carrera que mañana viernes 5 de abril, los lleva hasta el mismísimo Teatro Barceló de Madrid. Y sí, efectivamente, con el cartel de «entradas agotadas» colgado desde hace algunos días. El furor y la locura hacia Antílopez se extiende y no es para menos. Y no sabemos vosotros, pero nosotras estamos ya preparadas para darlo todo, a partir de las 21.15 horas, que es cuando dará comienzo el gran espectáculo. Lo cierto es que va a ser raro. Raro el verlos en un escenario y una sala tan grandes, después de haberlos visto en otros espacios más pequeño. Lo bueno es que siempre, la esencia Antílopez permanece.

El nacimiento de «Dibujo Libre»

«Dibujo Libre» vio la luz el pasado mes de octubre. Y no podía faltar entre nuestros mejores discos de 2018. Por cómo está hecho y por cómo es. Porque cada canción es una viaje al universo tan particular que tienen Antílopez, que saben jugar a la perfección con un estilo completamente inventado por ellos: el «chiripop». Tal y como nos contaban hace apenas unos meses en la entrevista que les hicimos, «Chiri por ese modo de ver la vida, de sacarle punta a las cosas. Y pop por el género, porque al final abarca muchas cosas».

Aunque más allá de términos inventados, la verdadera seña de identidad de la banda de Isla Cristina, es el humor. Sí, todas sus canciones están en clave de humor, aunque no dejan de hablar de asuntos con trasfondo. Y el usar esto como herramienta siempre tiene un por qué. «Nos gusta ir buscando la cosquilla. El humor es algo en lo que solemos caer normalmente en nuestra vida. En las canciones hay que trabajarlo mucho, le damos muchas vueltas y, además, somos muy exigentes con nosotros mismos», nos contaban.

Después de haber escuchado hasta la saciedad este «Dibujo Libre», es el momento de comprobar cómo suena en directo. Ya veis. Esta es la maravilla de la música, que mañana viernes se dará cita en el Teatro Barceló. ¿Nos veremos allí?

4 abril 2019
Tremenda Jauría o cómo emplear el baile como arma ante la realidad

Entradas agotadas para la presentación en Madrid de «IV», nuevo trabajo de Tremenda Jauría. Rebeldía, perreo. La única banda de reaggeton que probablemente escuchemos. Pero porque es un reaggeton diferente, del que nos gusta, del combativo. Eso es lo que hace de las de Carabanchel, una banda distinta. Y es que todo ello, lo mezclan con otros ritmos, al más puro estilo tropical, con bases electrónicas y como seña de identidad su actitud 100% punk bailable. Porque sí, la máxima de Tremenda Jauría es la de utilizar el baile como arma arrojadiza ante la realidad aplastante.

¿Qué esconde «IV», lo nuevo de Tremenda Jauría?

«IV», un nombre que viene perfecto, ya que este es el cuarto trabajo de la banda madrileña. Un trabajo que vio la luz el pasado mes de febrero y que cuenta con grandes colaboraciones, como las de Arianna Puello, La Basu, Aneguria, Jazzwoman y Fermín Muguruza. Y de ahí han salido ya grandes himnos y «temazos», como «Akelarre», «Semillas» o «Morir Matando». Este trabajo llega en el momento más especial para la banda. Llega en el momento perfecto en el que la experiencia es un plus. Un plus para seguir creando, experimentando y fusionando.

Nuevo trabajo, nueva gira

Y justo después del lanzamiento del disco, de la publicación de «IV», llega el momento de comenzar a girar y de presentar los nuevos temas en directo. Un tour que arranca este mismo viernes 5 de abril en Madrid, en la Sala BUT, con todas las entradas agotadas. No es para menos. Este concierto inicial será sumamente especial, ya que la valenciana Jazzwoman será la artista invitada a la cita ineludible. No podía faltar.

Tras la visita a la capital, Tremenda Jauría recorrerán otros grandes escenarios. Así es como visitarán ciudades como Granada, Villarobledo (Viña Rock), Zaragoza, Iruña, Reus, Vich, Valencia, Adra (The Juerga’s Rock), Villena (Rabolagartija Festival) y Donosti, entre muchas otras.

2 abril 2019
El «Boomerang» que nos ha atrapado, gracias a Milena Brody

Artista multidisciplinar y comprometida. Así es Milena Brody, quien incansable tras publicar su EP «Boomerang», sorprendió con sus dos recientes singles: «Mejor en soledad» y «Ella». Todo ello, antesala de lo que será su primer disco de larga duración. Hace apenas unas semanas, nos sentamos con ella y esto es lo que nos contó. Valiente, respondió una a una cada una de nuestras preguntas.

Y si queréis verla en directo, este mismo domingo tendréis una oportunidad: en los Acoustic Art organizados por los compañeros de Intrépida, en Superlativo Bar. Consigue tu entrada, pinchando aquí.

¿Cómo surge el concepto de «Boomerang»?

Es un concepto al que le había dado muchas vueltas, porque quería crear algo que fuera redondo y que estuviera muy conectado a mí. Al final, me di cuenta de que las canciones que había elegido para el EP, hablaban en segunda persona. Entonces llegué a la conclusión de que muchas veces aconsejamos o decimos cosas a otras personas que en realidad van para nosotros mismos. Cosas que se nos devuelven, que regresan a nosotros en forma de boomerang. De ahí sale un poco la idea. Y alrededor de él, salió todo.

Un titular que lo defina.

Es complicado, porque me vienen muchas frases. Pero diría: «Muchas de las cosas que lanzas al mundo, al final pueden volver a ti y de otra forma».

Poco después del EP, vio la luz «Mejor en soledad». ¿Cómo llega este tema?

«Mejor en soledad» es una canción que había compuesto antes del EP. Y lo hice tras proponer a mis seguidores que me lanzaran palabras y temas sobre los que escribir. Elegí diez de las palabras y cree el tema. En principio, sin pretensión de nada, aunque siempre que podía la cantaba. Al final, terminé produciéndola y quise sacarla justo el 25 de noviembre, coincidiendo con el Día Internacional de la Eliminación de la Violencia contra la Mujer. El punto es donar todo el dinero que recaude, 50% para la Asociación MUM y 50% para la Fundación Mujeres.

¿Cómo surge toda esta idea?

Opté por esta causa porque la canción la compuse para visibilizar un tema que en cierto modo, me afecta. Así que quería ayudar a otras mujeres, a través de la música.

¿Cómo está funcionando la campaña que empezó en 2018 y termina el 25 de noviembre de 2019?

La verdad es que está funcionando muy bien. Durante el proceso, me fui reuniendo con ambas organizaciones y les ha gustado también mucho, tanto la iniciativa, como la propia canción.

El single de «Ella» fue el último que vio la luz. ¿Cómo te sentiste ante el lanzamiento y cómo fueron las reacciones?

Con esta canción ha pasado todo muy rápido, la verdad. Compuse la canción en septiembre, a partir de ver a una mujer por la calle con sus bolsas de la compra. La miré y sentí que tenía mucho que contar, así que como que me lancé a contar su historia. De hecho, fue muy curioso, porque la canción no dejaba de perseguirme [risas]. Fue fluyendo totalmente.

En cuanto a la acogida, ha sido brutal. La gente ha respondido muy bien. De hecho, me ha escrito mucha gente para decirme que la tienen completamente en bucle. Estoy muy contenta, la verdad.

¿Van a ser estos dos singles la antesala de un nuevo trabajo?

Sí. Ahora tengo planeado grabar un disco largo, porque siento que ya toca. Quiero profundizar un poco más en mi música y en mis canciones. Y, por supuesto, disfrutar mucho de todo el proceso y de todo el camino.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Milena Brody?

Pues grabar las maquetas de las ideas que tengo rondando en la cabeza. Y luego pensar qué forma darle en cada canción, para que todo tenga un sentido.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

Se me ocurren dos cosas. Una de ellas es más indirecta, que fue la de venir a España con mi familia desde Ucrania. No fue mi elección, porque tenía 9 años. Pero mi madre fue quien vio que tendríamos un mejor futuro aquí. Para mí fue una locura porque fue un cambio brutal en todos los sentidos. Y otra súper locura…hay una que me hace especial ilusión. En 2016, fui de corista con Barei. Recuerdo que su productor me llamó porque estaban buscando a una corista que cantara exactamente lo que cantara ella, para doblarla vamos. El problema vino cuando escuché la canción. Pensé: «esta canción no es para mí». Así que durante dos semanas, estuve tomando clases, escuché todas sus canciones, vi todos sus directos. Acabé con dolor de diafragma. Pero mereció la pena, porque al final, me cogieron. Me hizo mucha ilusión.

https://www.youtube.com/watch?v=7EdCqyH-AQI

2 abril 2019
Se acerca lo nuevo de Penny Necklace, se acerca «Sólidos»

Se acerca el nuevo disco de Penny Neckale y «Piedra» ha sido la antesala de ello. Como primer single de este nuevo disco, la canción ha contado con su particular y minimalista videoclip, dirigido por la propia Odette SP, alma máter del proyecto. Pero, ¿por qué precisamente salir con este primer tema? «Esta #Piedra simboliza la voluntad desde el subconsciente. Un espacio minimalista, neutro y blanco, con ideas claras y sinceras que aportan fuerza para crear cosas bonitas y contrarrestar el miedo», cuentan desde la propia banda.

«Piedra» marca un antes y un después. Con el mismo poder en los mensajes, pero con sonidos aún más actuales y electrónicos si cabe, Penny Necklace da un paso al frente, cambia, evoluciona.

¿Qué hay de «Sólidos», el nuevo EP de Penny Necklace?

«Sólidos». Ese es el nombre del nuevo EP de Penny Necklace, que verá la luz oficialmente, este mismo viernes 5 de abril. Un trabajo producido, nuevamente, junto a Víctor Cabezuelo (Rufus T Firefly). Y, por supuesto, editado por Lago Naranja Récords.

Además, como comentábamos, en este EP, la banda madrileña da un paso más en lo que se refiere a sonido y experimentación. Aunque si bien es cierto que sigue un poco la línea sinestésica de «La Luz». Pero dando un paso más, dando un paso al frente. Mezclando en sus múltiples formas psicodelia, electrónica y synthpop. Dándole siempre gran peso e importancia a otros aspectos, como el propio diseño.

Este trabajo, sin duda, se convierte en un proyecto conceptual ambicioso que arriesga en la búsqueda de un lenguaje propio que deleite todos los sentidos. Aunque siempre con ciertas referencias al universo onírico de Penny
Necklace, en el que artistas como James Blake, Jungle, Radiohead, Alt-J o Tame Impala, también tienen cabida.

«Sólidos» va a dar mucho que hablar. Por cómo está construido y por quién lo ha construido. Nosotros ya estamos contando los días hasta que llegue el viernes. Mientras tanto, disfrutamos del primer y único adelanto: «Piedra».

2 abril 2019
«Squirt» marca el inicio del gran álbum debut de Gallos

El mes de marzo comenzaba fuerte para los chicos de Gallos, que ya el mismo día 1 lanzaban su nuevo single, «Squirt». Una primera canción que sirve como adelanto del que será su nuevo trabajo. Su primer trabajo, su debut, grabado en directo y producido por Iván Chapo (M-Clan) en «Audiomatic Studio» y «Casa Chapo» de Madrid. Además, al hilo de este particular lanzamiento, los madrileños anunciaron las primeras fechas de su tan ansiada gira, en la que incluso acompañarán a Los Zigarros.

Pero, ¿quiénes son Gallos realmente?

Banda de rock asentada en Madrid, tras la que se esconden cuatro nombres propios: Nacho Carballo (guitarra y voz), con Alex Ruiz (bajo), Pablo de Pablo (batería) y Laura Solla (guitarra). Y una banda sin tapujos y sin pelos en la lengua que, influenciados por el sonido más británico, alza su voz al grito de: «¡Rock and Roll en tu puta cara!». Sí, amigos, ese es su lema.

No se puede negar ni tachar su recorrido y experiencia. Joven formación creada en 2016, carga a sus espaldas dos EPs y diversos sencillos. Además de numerosos escenarios de toda España. Porque otra cosa no, pero tocar han tocado y mucho. Así que están bien curtidos en el noble arte del directo. Y es que han pasado por eventos como Stardust Festival, Alcalá Suena, Garage Sound Festival, la presentación del MontgoRock e incluso han abierto para grandes artistas nacionales, como Los Zigarros.

¿Y qué nos contarán en su álbum debut?

Aunque siempre han apostado por sonidos más clásicos, al más puro estilo The Beatles, Queen o The Who; Gallos pretenden sorprender en este debut. Y es que para la ocasión, han decidido dar un cambio de 180º y trasladarse a otros planos, tomando como influencia la música de bandas, como Jet, The Black Keys, The Hives, White Stripes o unos primeros Franz Ferdinand.

En realidad, la base es la misma. Y tal y como ellos mismos reconocen: «Seguimos haciendo rock de toda la vida pero a nuestra manera, sin importarnos demasiado el dónde, el cuándo ni el por qué. Solo nos importa el cómo y ese cómo ha de ser animal, sucio y elegante».

«Squirt» ha sido un claro ejemplo de todo ello. Un ejemplo de todo lo que está por venir. Es el punto de inflexión, entre lo que eran y serán. Pero siempre tomando como base esa esencia tan pura y enigmática de Gallos. Rock and roll clásico sin secretos ocultos, pero con un riff más cortante y con un sonido nutrido de rock británico.

Para vislumbrar y escuchar el disco al completo habrá que esperar un poco más. Abril se postula como el mes en el que los madrileños rompan, sorprendan. Aunque lo que podemos ir reservando ya son las fechas de los conciertos que han anunciado. Por lo pronto, actuaron esta misma semana en Sevilla. Ciudad a la que siguen otras como Valencia (5 de abril), Soria (6 de abril), Madrid abriendo a Los Zigarros (11 de mayo) y León (17 de mayo).

Elige tu ciudad y consigue tu entrada ya, pinchando en el siguiente link.

26 marzo 2019
El día en el que Gimnástica presente «Líquido» en Costello Club

Hace apenas unos meses que vio la luz el nuevo trabajo de Gimnástica. Y con la llegada de «Líquido», llegaba el momento de que los alicantinos presentaran este álbum por numerosas localidades y escenarios de España. Justo este jueves 28 de marzo, llegan a la Sala Costello de Madrid.

Y no lo harán solos, ya que Capitán Mike compartirán escenario con ellos. Todavía quedan entradas, consigue la tuya pinchando aquí.

Cómo fue surgiendo «Líquido», lo nuevo de Gimnástica

Tras la llegada de «Paracaidismo», a través del aire y de «Montaña», a través de la tierra; llegaba el momento de cerrar la trilogía con el agua, con «Líquido». De hecho, en una entrevista que hicimos a Juanma Pérez, voz de la banda, «el disco gira en torno al concepto de vida líquida de Bauman, que habla del paso del estado de solidez al estado líquido entendido como fluidez, cambio, flexibilidad o adaptación». De hecho, las propias canciones del álbum tratan sobre ese movimiento y van desde lo negativo, hacia un estado positivo.

El proceso de creación y grabación no fue sencillo, pero estuvo en las mejores manos posibles. Y es que Víctor Cabezuelo, Manuel Cabezalí y Dany Richter fueron parte responsable en la producción de este trabajo. Tal y como nos aseguraba el propio Juanma: «Queríamos probar sonidos nuevos que no estuvieran en los trabajos anteriores de Gimnástica. No queríamos cerrarnos puertas creativas». Así que ellos tres eran los mejores para conseguir ese nuevo sonido, que los alicantinos ya venían trabajando en su local de ensayo.

Así, poco a poco, es como fuimos descubriendo los nuevos temas de Gimnástica. Unos temas que dieron el «pistoletazo» de salida con el single «Caléndula». Un tema que habla sin tapujos de cómo la impulsividad natural del ser humano se impone cada vez más a la razón. Sin tapujos y con unas guitarras distorsionadas y una potente base rítmica. Un single muy especial, que vino acompañado por su respectivo videoclip. En referencia a esto, Franklin nos contaba lo siguiente: «Queríamos que el primer videoclip de «Líquido» mostrase a toda la banda tocando y su energía en el escenario. En este aspecto, Jaime Massieu es el mejor capturando esa fuerza».

Sin embargo, este no fue el único adelanto de la banda. Pocos meses después, nos sorprendieron con el gran videoclip de «El viaje del caracol», en el que La Sucesión de Fibonacci se convirtió en el protagonista indiscutible. Y es que La serie Fibonacci es una sucesión matemática infinita que se realiza sumando siempre los últimos 2 números que está muy relacionada con la perfección, la belleza y el arte. Está muy presente en la naturaleza, desde células, hasta galaxias o los propios caracoles.

Tras conocer todos los entresijos que hay detrás de este tercer disco que cierra una maravillosa trilogía, toca disfrutarlo en directo. ¡Recordad la fecha en Madrid! Este mismo jueves 28 de marzo en la Costello Club de Madrod, compartiendo escenario con Capitán Mike.

25 marzo 2019
«La tormenta perfecta», la enérgica y positiva apuesta de Octubre Polar

Los descubrimos en formato acústico en una Basik Sessions y ya supimos que nos iban a gustar. Se trata de los vallisoletanos Octubre Polar, quienes acaban de lanzar su nuevo trabajo, «La tormenta perfecta». Un disco que comenzarán a presentar en directo este mismo fin de semana en Valladolid y Ávila. Y que, por supuesto, continuará por Madrid la próxima semana.

Hace algunos días, nos sentamos con los chicos de Octubre Polar y, entre risa y risa, esto es lo que nos contaron sobre la banda y sobre su nuevo proyecto.

¿Cómo surge todo el concepto de «La Tormenta Perfecta»?

Muci. Te vamos a contar un poco la historia de la banda, porque al final está todo relacionado [risas]. Estábamos en un Sonorama Rubén y yo, creo que viendo a Dinero. Y de una, me dijo él: «oye, ¿por qué no montamos una banda?». Algo que me sorprendió, porque yo toco la travesera y cantar lo que era cantar, en la ducha [risas].

Pero bueno, así es como surgió un poco la idea y la base. Idea que pusimos en marcha pero que, poco más tarde, por las circunstancias personales de cada uno, Octubre Polar como que se bloquea, se queda parada. Se nos juntó un poco todo. Así que optamos por decidir si la banda continuaba o llegaba definitivamente a su fin. En ese momento también apareció la sexta componente de Octubre Polar, que es nuestra manager Bea Cubero y fue un poco quien tiró. Nos presentó a Miguel, nuestro teclista, y ya a partir de ahí comenzamos de nuevo a tocar y ensayar. Y llegó «Luces», porque después de toda la mierda previa, las luces.

Tal fue la experiencia de grabar en Aranda, que hicimos pequeña gira. Pasamos por Madrid y todo genial, pero poco después Martín nos manda una foto, que ha tenido un accidente de moto. Pero eso no fue lo único, porque a raíz de eso, nos pasaron mil movidas más. Aún así todo eso fue una experiencia, porque lo grande vino tocando en las fiestas de nuestra ciudad Valladolid, donde «teloneamos» a Los Planetas. Y ahí fue donde se nos planteó grabar de nuevo, un segundo disco. De ahí, «La Tormenta Perfecta».

¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y cómo fue trabajar en los Estudios Neo?

A nivel creativo, cada día íbamos al local de ensayo con alguna idea nueva, bien puede ser de guitarra, de un ritmo de batería, de unos sintes. Ahí era de surgía un poco el germen de las canciones. Luego, se las pasábamos a Fermín Bouza, voz de Correos y nuestro productor, e íbamos teniendo un poco su feedback. En base a eso, fuimos haciendo correcciones, hasta que llegamos al estudio.

La verdad es que la experiencia en los Estudios Neo es una pasada. Ya lo vivimos con «Luces» y es que trabajar con José Caballero es increíble. Aparte de la parte técnica, es una persona genial. Fue una pasada y un aprendizaje total.

Además, Octubre Polar tiene una manera de componer contraria a la del resto de bandas. Contraria porque eso es lo que nos dicen todos [risas]. Y es que creamos las letras en base a las ideas que llevamos al local. Es lo último que creamos o componemos: el mensaje.

¿Qué importancia tiene el mensaje para Octubre Polar?

Creemos que el directo es lo que mejor se nos da. Por el feedback que nos han dado, se nota que disfrutamos sobre el escenario. Por eso, a la hora de componer, nos salen letras muy optimistas y positivas. De hecho, el titular de un periódico fue: «El pop-sitivismo de Octubre Polar» [risas]. Así que es un poco lo que queremos transmitir a la gente.

¿Cómo habéis vivido el lanzamiento de «La Tormenta Perfecta» y cómo han sido las primeras reacciones?

Pues lo hemos vivido con muchas ganas, la verdad. Grabamos en octubre y hasta marzo no ha visto la luz. Así que durante esos meses hemos estado con las ganas de que el disco viera la luz, solo por ver cómo reaccionaba la gente. Estábamos con mucha ansia y con mucha incertidumbre, pero lo cierto es que está teniendo muy buena aceptación. Estamos muy ilusionados porque aunque la banda aún siga siendo un hobby, tiene tintes de seriedad. Por cómo nos lo estamos tomando, por lo que estamos haciendo y por lo que estamos consiguiendo. Está siendo un sacrificio, pero creemos que merecerá la pena.

Un titular que defina «La Tormenta Perfecta».

Es un disco muy enérgico. Es un cúmulo de historias, que sean bonitas o no, se transforman en algo positivo.

¿Cómo surgen las colaboraciones con Sean Marholm (Diner0) y Fermín Bouza (Correos)?

Con Fermín fue muy natural. Estábamos en el estudio y le dijimos directamente: «¿te tendrás que cantar algo, no?». Y enseguida dijo que sí [risas]. Creemos que era algo que casi daba por hecho. Si no lo hubiéramos dicho nosotros, seguro nos lo habría dicho él. Además, colaboró en «El Primer Latido», que es una canción que a Fermín le encanta y que quería para él y para su banda [risas].

Con Sean fue todo más entre risas, en medio de un Sonorama. Enseguida nos dijo que sí, pero al día siguiente se lo recordamos para que no lo olvidara [risas]. Y al final encantados. «La Llama Eterna» ha quedado genial con él.

Los próximos conciertos en Valladolid y Madrid. ¿Cómo los afrontáis?

Pues los afrontamos con mucha ilusión, la verdad. En Valladolid, de hecho, hace mucho tiempo que no tocamos, desde el concierto en la Plaza Mayor. Así que tenemos muchas ganas de volver a casa para presentar este nuevo trabajo. Y luego Madrid, es la primera vez que venimos solos. Pero justo en el momento en el que estamos, nos sentimos preparados para hacerlos.

¿Y después de estos conciertos?

Pues tocar, tocar y tocar. Sobre todo, nos hemos propuesto tocar por toda Castilla y León, ya que es nuestra casa y queremos abrirnos camino allí y, por supuesto, hacernos fuertes en esa zona. Ese será nuestro futuro más próximo.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

Tocar y dedicarnos a esto [risas]. La mayor locura como Octubre Polar la cometimos con la gira de «Luces». Teníamos concierto en Barcelona, terminamos de tocar, dejamos las cosas dentro del coche, arrinconadas. Entonces hinchamos un colchón hinchable, nos quedamos durmiendo dos y los demás se fueron de fiesta obligados, porque estábamos agotados. Al día siguiente teníamos que estar en Valladolid por la mañana, así que después de dormir como unas cuatro horas, arrancamos. Llegamos, tocamos en Valladolid, ganamos el concurso que nos dio pie a actuar en la Plaza Mayor y para casa.

21 marzo 2019
Valira o cómo encontrarse a sí mismo en «Ecos de aventura»

A veces es complicado entrevistar a artistas a los que, en cierto modo, admiras. Da igual que lleven años de recorrido juntos o que se acaben de formar como banda. Lo único que importa, al final, es el mensaje que tramiten y la historia que se esconde tras ellos. De ahí que la entrevista a Valira se haya convertido en una de las más especiales. Al menos, de lo que llevamos de 2019. Valira es el nuevo y personal proyecto de Juan Zanza, ex-guitarrista de La Raíz. Y acaba de publicar un «discazo», titulado «Ecos de aventura».

El propio Zanza nos desvelaba todos los detalles de este debut. Hace unos días, en el mismísimo Palacio de Cibeles de Madrid. Ciudad a la que regresa el próximo 1 de abril para firmar discos y, más tarde, el 8 de junio para presentar oficialmente este trabajo.

¿Cómo surge el proyecto de Valira y a raíz de eso, cómo nace el concepto de «Ecos de Aventura»?

Hace bastantes años yo ya tenía la idea de sacar canciones propias, pero como que nunca me atrevía a dar el paso. De hecho, tenía varias canciones grabadas en el ordenador, pero poca gente había tenido la oportunidad de escucharlas. Aún así, siempre me animaban a hacerlo. Pero sentía que no era el momento, además del miedo que me daba el que pudieran no gustar. Luego ya vinieron años muy intensos de trabajo con La Raíz, por lo que el proyecto propio quedó aún más aparcado. Siempre pensaba, «ya llegará». Así que cuando hicimos el parón, sentí que era el momento perfecto. Y me lancé, con todas.

Un titular que defina «Ecos de Aventura».

Qué difícil es eso…que a mí no se me da bien poner titulares [risas]. Con «Ecos de Aventura» quería mostrar mis canciones de la mejor forma o de la manera más cuidada posible.

¿Cómo afrontáis el lanzamiento del disco?

Pues con muchos nervios, la verdad [risas]. Es como si fuera a nacer tu «hijito», porque es una cosa en la que llevas trabajando durante micho tiempo. Pero a la vez, con ilusión también porque hace bastante tiempo que tengo ganas de mostrar todo esto. Hay que seguir unas fechas, como un «protocolo», para generar un poco de expectación y para que la gente vaya asimilando. Aún así, el público ha respondido muy bien a los singles y como que pedían más.

Precisamente iba a preguntar por los singles, porque me han parecido increíbles. Aunque son muy diferentes entre sí. ¿Fue por eso por lo que escogisteis «Guerra Fría» y «Corazones Ambulantes»?

En realidad, todo el disco es así. Son diez canciones muy dispares, aunque tienen elementos comunes, como puede ser la voz. Hay un par de baladas, de hecho, una de ellas está hecha con la acústica y voz (la última del disco, «Primer Asalto». También hay canciones más rockeras y otra que tiene más rap. Hay mucha diversidad. Así que al final, era inevitable que los dos singles fueran temas tan diferentes entre ellos. Aunque sí que es cierto que tuve dudas sobre qué single lanzar primero.

También es verdad que «Guerra Fría» sí que se aproxima más al resto de canciones y que «Corazones Ambulantes» se aleja un poco más de la línea que hemos seguido en el disco.

Así y todo, si te tuvieras que quedar con una sola canción del disco, ¿con cuál sería y por qué?

Pues no sabría decirte, porque eso sería como decirme a qué hijo quiero más [risas]. Lo cierto es que me va un poco por épocas. Ha habido momentos en los que he dicho: «esta canción es mi favorita» y, a las dos semanas, cambiar por completo [risas]. Ahora mismo, no podría elegir, porque cada una es especial y tiene un rollo diferente. No me puedes hacer eso [risas].

¿Cómo ha sido todo ese proceso de búsqueda de un sonido propio?

Pues ha sido lo más complicado, la verdad. Yo las ideas las saco y las grabo muy desnudas, con la guitarra y el móvil en mano. Y luego ya las plasmo en el ordenador. Pero claro, buscar un sonido que se saliera un poco de la canción acústica, era un poco difícil. Ahí fue cuando vino el trabajo de probar instrumentaciones y arreglos. Lo cierto es que he terminado experimentando un montón. Tuve una época en la que me dio por la electrónica y los sintetizadores, sin meter prácticamente guitarra. Y al final, el propio tema me pedía que metiera más guitarras y más distorsión. Al final, creo que he encontrado el punto justo. El punto con el que me siento cómodo.

¿Qué importancia tiene el mensaje para Valira?

Pues para mí es muy importante porque al ser un proyecto tan personal, hablo de cosas que siento y que he sentido. Y que, para bien o para mal, me afectan. Era una de las cosas que más respeto me daba sacar a la luz porque no estaba seguro de si iban a gustar o no. Una buena letra que cale y llegue a la gente. Yo recuerdo haber retocado una y mil veces letras, porque no me terminaba de encajar una metáfora o porque no tenía muy clara la sonoridad de ciertas palabras. Al final, estoy muy contento con el resultado y a la gente parece gustarle. Me escriben para decirme que las canciones les transmiten y para mí, ese es el máximo reconocimiento.

Volviendo un poco al proyecto y, en este caso, a los directos. ¿Cómo afrontáis el inicio de la gira?

Pues la verdad es que estamos ya con muchas ganas de llevar el disco al directo. Y estamos ya encerrados en el local, ensayando, preparándonos y probando «cositas». De hecho, está Felipe Torres de La Raíz, a la batería. Y es una base súper importante y suena muy potente. Además de Carlos Benavent al bajo; Gabi Pellicer a la guitarra y teclados; y Ferdy Borja a la guitarra. Estos dos últimos también hacen coros, ya que en Valira hay mucha carga vocal.

Estamos preparando un directo en el que presentaremos todas las canciones del disco, porque al final solo hay diez. Ojalá tuviéramos dos o tres discos y pudiéramos seleccionar [risas]. Pero al ser el primero, es complicado. Así que seguramente metamos alguna versión. Además, cada músico tendrá su propio pasaje, para hacer su solo. Queremos montar algo dinámico.

Ya por cerrar un poco, ¿cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

¿La mayor locura que he cometido por la música?, ¡Wala! [risas]. Quizás te diría el punto en el que tienes que dejar trabajos, por dedicarte a la música. Y todo sin saber si va a salirte bien o no. Creo que ese es el momento de mayo locura para cualquier músico. Y es en ese instante en el que la gente que te quiere, con su mejor intención, te dice: «¿qué estás haciendo? que la música es muy difícil». Pero bueno, al final ese es un riesgo que tienes que asumir. Aunque de inicio, no generes lo suficiente como para vivir de ello. Si quieres que el grupo funcione, ese trabajo no es compatible con ningún otro.

En este sentido, yo recuerdo una época con La Raíz, que era como: «dejamos el trabajo para dedicarnos a la banda y veremos a ver qué pasa». Y, bueno, así hicimos. Muchos lo dejamos, otros por el tipo de trabajo que tenían, podían compatibilizar. Al final, salió todo bien. Pero podría haber salido mal. De todos modos, siempre hay que intentarlo y pelear por los sueños.

Fotos: A. Makeda

Fotos: A. Makeda

19 marzo 2019
Driive: «Hideaway es un disco muy ecléctico, muy diferente»

El huracán Driive llega a Madrid el próximo 29 de marzo, preparados para presentar en directo su nuevo trabajo. Es el momento de que «Hideaway» resuene en todos los escenarios posibles. Porque sí. Es un señor «discazo» y los conciertos son el punto fuerte de la banda.

Si todavía tienes dudas, no te pierdas la entrevista que les hicimos hace apenas unos días a los chicos de Driive.

¿Cómo surge el concepto de «Hideaway»?

Nosotros somos un grupo formado por cinco tíos con gustos relativamente compartidos. Tenemos influencias bastantes dispares, pero con algún otro nexo en común. Después del lanzamiento del anterior EP y después de haber girado con él, empezaron a salir temas. Y empezaron a surgir ya de manera conjunta. Habían dejado de surgir canciones tras la suma de las partes. Fue ahí cuando nos dimos cuenta de que estaba surgiendo algo con un sonido Driive.

También influyó el hecho de que hubo cambios en la formación. Se incorporaron dos personas nuevas que llegaron justo ates de la grabación del anterior EP, grabaron y ya. Fue todo más acelerado. Con «Hideaway» fue todo más fluido y el sonido es mucho más representativo.

Un titular que define este disco.

Qué buena pregunta, es difícil [risas]. Nos vienen palabras para definir «Hideaway». Creo que es un disco muy ecléctico, porque hay muchísima mezcla de estilos. Los temas son muy diferentes entre sí, es como un menú de ocho platos. Y es que lo importante es que hemos hecho algo que nos gusta a todos, a los cinco. Y el disco es como un recorrido, como una experiencia, que tienes que empezar desde el principio y acabar por el final.

Siguiendo un poco el hilo del disco como experiencia o recorrido. ¿Creéis que se está perdiendo el poder del disco como discurso?, ¿veis arriesgado el lanzaros al formato disco en estos momentos?

A ver arriesgado, no. Al final, en el arte tiene cabida todo. Sí que es cierto que ha cambiado mucho el modo de consumir música, de entenderla e incluso de que nos afecte, que es casi lo peor. En ese sentido, nosotros sí que nos hemos ocupado de hacer las canciones lo más directas posibles. Pero no nos preocupa nada los estándares mainstream. Sobre todo, queremos hacer algo que nos guste a nosotros.

Volviendo un poco al disco, ¿cómo ha sido todo ese proceso creativo de «Hideaway»?

Ha sido una auténtica pasada. De hecho, esto es lo más divertido: todo el viaje que supone empezar a componer y grabar. Recordamos las primeras sesiones todos juntos, el cómo iban surgiendo las canciones, evolucionando y creciendo, a partir de una idea o de un riff que llevábamos. Ibas componiendo, apenas sin darte cuenta. Cuando pusimos la primera grabación a un amigo, que nos dijo: «qué pegón». Ahí es cuando empiezas un poco a ser consciente, de que estás poniendo como el germen y que, poco a poco, va ganando entidad.

¿Cómo han sido las primeras reacciones?

Pues nosotros tenemos un poco la sensación de que a la crítica le encanta, pero el público no sabe muy bien todavía por dónde vamos [risas]. Es también complicado, porque la gente se tiene que dar cuenta de que existimos. Pero de momento, de la prensa estamos recibiendo muy buen feedback, lo cual es positivo. Al final son ellos los que filtran y publican el contenido. Ahora es cuestión de llegar a más gente y de que les guste lo que hacemos.

Ahora llega el momento del directo. De hecho, el 29 de marzo estaréis en la Costello de Madrid. ¿Cómo lo afrontáis?

Pues tenemos muchas ganas de tocar en Madrid, la verdad. El disco ya ha salido y parece que está gustando, pero en el directo es diferente. En directo creemos que enganchamos, es nuestro fuerte. También porque nuestra música te invita a moverte. De hecho, ha habido gente que nos ha visto en vivo y ha salido sorprendida. Es como: «esto está bien». Así que, bueno, si el público se anima, seguro que se lo va a pasar muy bien.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

Hay unas cuantas, apaga la grabadora [risas]. Bueno, así como contexto. Las giras que hemos hecho nos han servido un poco como excusa para salir, visitar lugares nuevos y disfrutar un poco de la música. En realidad, la música es como una locura constante, por todo lo que supone. El llevarlo con el trabajo, el salir de gira, las horas de ensayo.

¡Recordad! El próximo 29 de marzo, Driive actúa en la Sala Costello de Madrid. Si todavía no tienes tu entrada, consíguela ya.

19 marzo 2019
Nadye: «Intrapolar es un disco muy sincero y hecho desde las entrañas»

Llevaban un tiempo en silencio y ya era hora de que Nadye volvieran. Con nuevo disco, por supuesto. «Intrapolar» ya está en la calle y es hora de comprobar cómo suena en directo. De hecho, este mismo sábado 23 de marzo, los madrileños presentan su nuevo álbum en la mítica Sala Caracol.

Pero antes, pudimos charlar con Javi, Checa y Abel sobre «Intrapolar» y los próximos pasos de la banda. ¿Queréis saber lo que nos contaron?

¿Cómo surge el concepto de «Intrapolar»?

Javi. «Intrapolar» es un disco que ha llevado mucho tiempo, sobre todo en lo que respecta a la grabación y a la pre-producción. Además, también ha pasado mucho tiempo desde el disco anterior, por lo que se ha juntado un poco todo. De hecho, la última canción del disco, «Los días del iceberg», hace alusión un poco a esa sensación de ir deambulando, congelando, esperando a ver si llegamos a algún lugar. Es una especie de símil de cómo nos sentíamos, del querer salir ya. Todas esas ganas nos llevaron a «Intrapolar», al concepto. Sentíamos la necesidad de sacar todo lo que llevábamos dentro, de «extrapolar». Al final jugando con eso y con el tema del frío, decidimos inventarnos esta nueva palabra.

¿Cómo han sido esas primeras reacciones?

Abel. Pues la verdad es que han sido buenas. También porque llevábamos bastante tiempo sin sacar nada, así que cuando lanzamos el videoclip de «Boca a Boca», que fue como esa primera novedad, la gente reaccionó genial. Los otros dos adelantos que sacamos después también funcionaron muy bien, aunque en ese caso, se generó aún más impacto quizás, por el tema de las colaboraciones.

Javi. La respuesta está siendo muy positiva. Quizás para analizar la acogida del disco es todavía pronto, porque apenas lleva unos días en la calle. Pero de primeras, la gente está dando opiniones positivas en general.

¿Por qué «Boca a Boca», «Contra las cuerdas» y «La 103» como adelantos?

Javi. Cada una tiene su pequeña razón. Con «Boca a Boca» nos apetecía probar algo diferente y es la canción más pausada o tranquila, por momentos. Nos parecía un poco arriesgado, pero queríamos probar, jugar al despiste. Además, teníamos una idea de videoclip que nos encajaba a la perfección con esa canción.

Con las otras dos seguimos un poco más la estrategia de las colaboraciones. Creímos que con ellas, podríamos llegar a más gente. Pero también influyó mucho el tema vídeos. Nosotros teníamos muy claro que no queríamos sacar los singles sin vídeos. De hecho, en «Contra las cuerdas» teníamos ya preparado un lyric, pero justo Julio Maloa quiso colaborar en esa canción. Entonces, iba a salir de adelanto sí o sí.

Con «La 103» fue muy guay, porque Pedro de La Fuga sí que pudo venir al estudio a grabar la canción con nosotros. Con la gran suerte de que lo pudimos registrar todo en vídeo.

Precisamente, ¿cómo surgen las colaboraciones con Julio Maloa (La Raíz), Pedro Fernández (La Fuga) y con M.A.R.S (Habeas Corpus, Riot Propaganda)?

Abel. En el caso de Julio Maloa, la colaboración surgió tras haber coincidido con La Raíz en un festival en Soria. Es un grupo al que siempre he admirado. Así que fuimos directamente a hablar con ellos y preguntarle a Julio, y enseguida se apuntó al carro. Aprovechando que él tiene su estudio en Valencia, se grabó y nos mandó la colaboración, dándonos una gran sorpresa. Y es que tiró de creatividad e introdujo partes de rap con las que no contábamos.

Javi. Sí, sí. De hecho, el rap de la canción es completamente suyo. Justo en esas partes había instrumental y para nada contábamos con que decidiera rapear. Y la verdad es que nos encantó.

Abel. Sí, sí, fue genial. Luego con Pedro de La Fuga fue más por Javi.

Javi. Sí, a Pedro lo conocía yo desde hacía tiempo. Desde que entró en La Fuga y hasta que la cosa se fue estabilizando más, tenía un garito en el que hacía conciertos. Y yo lo conozco precisamente de esa época. Es un cielo. Creo que él tiene esa mentalidad de pelear, de volcarse y de ayudar a otras bandas.

Abel. En el caso de MARS, fue porque Checa lo conocía de antes y de haber tocado juntos en otras bandas. Directamente se lo dijo y enseguida dijo que sí. En ese caso, grabamos la colaboración en el estudio de Mr. Chifly (Habeas Corpus) y estuvimos pasando la tarde con ellos.

Checa. Son muy majos, la verdad. Es un placer haber trabajado con ellos.

¿Cómo se refleja la evolución de Nadye en este «Intrapolar»?

Javi. Creo que es una evolución muy natural y lógica, la verdad. Este disco ha supuesto el afianzamiento, la consolidación del sonido de la banda, de lo que somos. Siempre hemos concebido nuestra música como una música enérgica, fresca. Un rock un poquito más moderno. De hecho, apostamos por mezclar esos sonidos rock con unas voces más melódicas, más cercanas al pop, en lo que se refiere a las líneas vocales. Creemos que en este disco, hemos conseguido ese equilibrio perfecto. Además, es el primero que hacemos la formación actual de Nadye. Así que hay muchísimos aportes nuevos.

Un titular que defina «Intrapolar».

Javi. Melodías y mucha fuerza, con las letras más honestas que podíamos hacer. Las canciones están hechas desde las entrañas. Creo que los temas cuentan historias que nos pueden pasar a todos. Es un disco muy sincero.

Viendo precisamente el arte del disco, quería preguntar: ¿qué importancia tiene la imagen para Nadye?.

Abel. Hoy en día lo es todo, es algo imprescindible. La gente funciona visualmente y no le da una oportunidad a nada, si no le entra por el ojo. Es muy importante generar ese tipo de impacto de primeras.

Javi. Además, queríamos un disco redondo en todos los sentidos. No quería que se quedara cojo. De hecho, la portada la hizo Álvaro de Fly Factory, que es un portadista muy muy guay y muy currante, y que también está muy arriba.

Checa. Justo lo que queríamos es que fuera bonita y que tuviera fuerza. De ahí también el corazón. Que precisamente lo que me gusta de eso es que no es el típico corazón. Es diferente, está como descongelándose.

¿Cómo afrontáis la gira y el concierto en la Sala Caracol?

Javi. Pues con muchísimas ganas, la verdad. Al final, nosotros somos banda muy de directos. Es por lo que merece la pena el esfuerzo y el grabar discos. Así que preparados para empezar a girar y, por supuesto, para tocar en la Caracol. De hecho, estamos preparando ya varias sorpresas. No queremos que los directos se limiten a reproducir lo que hay en el disco, buscamos mucho el dinamismo y la conexión con el público.

El concierto de Madrid es especial. Si todo sale bien, ese concierto va a ser una locura. Va a haber de todo.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

Checa. Se puede medir en kilómetros, ¿no? [risas]. Porque eso de viajar mucho y dormir poco, lo hemos hecho bastante.

Abel. Hace mucho tiempo con mi primera banda, me perdí dos días del típico viaje que haces de final de curso, solo por tocar en un bolo.

Javi. Bueno, en un videoclip, se me ocurrió meter lluvia dentro de una habitación. Y calarnos enteros, no solo nosotros, también todo lo que había en el cuarto y, por supuesto, todo el equipo.

¡NO TE QUEDES SIN TU ENTRADA!

18 marzo 2019
Caniche Macho: «Venganza puede hablar de cualquier persona»

«Venganza», cuadro de Mercedes Bellido, les sirvió como inspiración para crear su nuevo disco. Un disco que apenas llega un año después del anterior, «Palabras para flores y serpientes». Se trata de Caniche Macho. Una de esas bandas con personalidad arrolladora, que te engancha desde el minuto 1.

A raíz del lanzamiento de este álbum y del comienzo de su gira #VenganzaTour, hablamos hace algunos días con Paco Barco (voz, armónica y guitarra). Y esto es lo que nos contó sobre el nuevo proyecto de Caniche Macho.

¿Cómo surge el concepto de «Venganza»?

Surge a partir de un cuadro de Mercedes Bellido, que es amiga nuestra y es quien nos hizo la portada del primer disco. Bueno, en realidad utilizamos un dibujo suyo. A raíz de esa amistad, Alberto (Octavio) compró un cuadro suyo, titulado «Venganza». Y es precisamente el cuadro que hemos usado como portada. En un principio, nos sirvió también como acicate para hacer algo nuevo.

La idea inicial era hacer un EP, pero poco a poco, fueron saliendo las canciones e hicimos un disco. Se ve que no sabemos EPs [risas]. Durante todo ese proceso, el cuadro ha estado delante de nosotros en el estudio. En cierto modo, ha contaminado el clima de las canciones.

¿Qué es lo que os llamó la atención del cuadro como para inspiraros en él?

Es un cuadro que tiene mucha potencia y fuerza. El título también nos llamó mucho la atención. Aunque en ningún momento quisimos hacer un disco conceptual. De hecho, «Venganza» no es un disco conceptual. Pero en todas las canciones sí que hay unas «gotitas» de venganza, que sirven como para equilibrar la balanza. Al fin y al cabo, la venganza es un impulso, es algo que forma parte de nosotros.

¿Cómo ha evolucionado Caniche Macho desde «Palabras para flores y serpientes»?

La evolución ha sido muy lógica. Nosotros tenemos muy claro que vamos a seguir haciendo canciones y que nos seguiremos dedicando a la música, pase lo que pase. No nos influye demasiado el éxito. De hecho, vivimos en una constante búsqueda. En «Palabras para flores y serpientes», nos dedicamos a buscar y experimentar con sonidos más clásicos, provenientes de la música más latinoamericana. Con «Venganza», nos centramos más en el ahora, en la búsqueda de las influencias actuales y del punto en el que estábamos.

Por eso, creo que Caniche Macho ha seguido una evolución lógica. Porque hacemos lo que queremos, justo en el momento en el que nos encontramos.

Un titular que defina «Venganza».

Difícil [risas]. Es un disco que puede hablar de cualquier persona, porque tiene muchas realidades comunes. Se habla de la depresión, de la incomunicación, del feminismo. Creo que es un disco muy actual en temáticas. Y se ha hecho desde una perspectiva que quiere realzar una verdad, nuestra verdad. Nuestra propia ventana desde la que ver nuestra verdad.

¿Crees que en determinados puntos se ha perdido esa verdad en pro de música más banal?

Bueno, es que la banalidad depende mucho de lo que se entienda por ella. Hay música banal que es maravillosa. Lo que creo que sí que se ha perdido es en pro del marketing. Lo peor de todo esto, es tratar de hacer algo con un objetivo que no sea el de emocionarte a ti mismo o el de que tus canciones no te gusten a ti. Si haces eso, creo que estás vendiéndote completamente.

Una canción del disco y por qué.

Es difícil, pero yo señalaría la última, «El caos y la transformación». Me gusta porque es una canción que encaramos de manera diferente. Nunca habíamos hecho un tema tan largo, pero nos salió así. Además, la historia de este tema comienza en el Génesis y va haciendo un recorrido, en el que mezcla la teoría creacionista con la evolucionista, y acaba en un Seat León. Es diferente. Además tiene ese punto de elaboración y de búsqueda, aunque salió muy del tirón.

Ahora es el momento de los directos, ¿cómo afrontáis la gira?

Pues la afrontamos con mucha ilusión y ganas. Porque las canciones al final se hacen para eso, para los directos. Los discos no dejan de ser una foto, un reflejo de un momento. Luego los temas realmente son y evolucionan en los conciertos. En nuestro caso, llevamos dos formaciones. En una de ellas estamos Alberto y yo, aunque no solemos ir en el formato acústico clásico, ya que introducimos muchos más elementos. El otro, sí que es formato banda.

Por el momento, los conciertos que hemos hecho han ido muy bien, estamos muy contentos. La gente está recibiendo muy bien las nuevas canciones, está habiendo mucho feeling.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

Supongo que está por hacer [risas]. Pero quizás dedicarnos a la música y meternos de lleno en ello, sea una gran locura. Al final, tu vida personal también se resiente de alguna forma, porque los procesos compositivos son muy intensos y terminas viviendo por y para esas canciones. O para ese disco.

¡No te pierdas ninguna fecha de su gira y consigue las entradas para ver a Caniche Macho, pinchando aquí!

18 marzo 2019
El momento en el que la música regresó a Basik Sessions

Han pasado cerca de tres meses desde que nos despidiéramos de la anterior temporada de Basik Sessions. Y la espera ha sido interminable. Creo que todos deseábamos que llegara el día en el que, por fin. se anunciara el regreso de la música al Espacio Muelle 36. Ese día ha llegado y es esta misma tarde. Desde las 18.00h y hasta las 21.00 horas, disfrutaremos de un buen rato repleto de música. Por supuesto, con tres grandes artistas como son María de la Flor, Leon Coeur y Filipe Catto.

Mismo formato, pero con cambios

Basik Sessions mantiene la misma esencia con la que se despidió la última temporada. Conciertos 100% acústicos en los que lo importante es la experiencia, tanto para público como para artistas. No hay escenario, no hay equipo, no hay amplificación, no hay ningún tipo de barrera. Un espacio único en el que la música y el descubrimiento de la misma, son el centro de todo.

Cerca de cuarenta eventos y más de 5.000 asistentes. Así se cerró la temporada pasada, el pasado 21 de diciembre. Casi tres meses después, se retoma la actividad con nuevo equipo, nuevas colaboraciones y con ideas totalmente renovadas. El objetivo es hacer de Basik un punto de encuentro, un lugar de referencia dentro del panorama musical madrileño. Pero poco a poco. Por el momento, comienzan los cambios con la inclusión de Estrella Damm como marca colaboradora dentro de este proyecto tan especial.

Por lo demás, el formato se mantiene. Tres bandas distintas que actúan en acústico ante un público respetuoso que, en silencio, atiende y descubre nuevos talentos musicales. Esta misma tarde de marzo, podremos disfrutar de los directos de María de la Flor, Leon Coeur y Filipe Catto. Pero, ¿quién es quién?

Descubriendo a los tres artistas de Basik Sessions

María de la Flor es una de las artistas con mayor talento y proyección que hemos tenido la oportunidad de conocer recientemente. La joven cantautora ha crecido en un ámbito muy clásico, aunque ha sabido adaptarse también a las influencias más modernas. En solitario, la hemos escuchado en varios micros abiertos, sobre todo, en la Búho Real. Aunque recientemente, también se ha lanzado a este mundo con su nuevo proyecto: Alabel. Una banda muy especial y particular, con la que rescata canciones muy emblemáticas del folclore de multitud de rincones del mundo. De hecho, hace unas semanas, presentaron el proyecto en el emblemático Café Berlín.

Leon Coeur es una de las grandes promesas del folk nacional. En Verdadera Locura los descubrimos hace unos meses, el pasado mes de septiembre, a raíz de su actuación en el festival de La Removida Cultural. De hecho, el pasado año 2018, lanzaron su nuevo EP: «Les Comédiens». Un trabajo de corta duración con el que han girado por multitud de escenarios. Un trabajo de corta duración con el que, por supuesto, continuarán girando. Y es que recientemente han lanzado las entradas de su gira 2019 / 2020. No es para menos: este es el gran debut de la banda nacida en pleno corazón de Londres. Había que celebrarlo. Había que verlos en Basik Sessions.

El último descubrimiento es el artista brasileño Filipe Catto, quien se encuentra actualmente de gira por España. Un artista muy potente, que juega con los ritmos más pop, a la par que los mezcla con los sonidos más particulares de la música popular brasileña (MPB). Esta será la oportunidad perfecta para escuchar en un formato diferente al artista brasileño que, el pasado año, lanzó su último álbum, titulado «Catto».

¿Todavía te lo estás pensando? ¡Consigue ya tu entrada, pinchando aquí!

16 marzo 2019