Solo la música tiene esa capaz de moverte por dentro, de transformarte, de cambiarte. De hacerte creer, de revivir momentos. O de crearlos desde cero. Solo la música te da la oportunidad de conocer, de descubrir, de deshacerte y rehacerte.
Algo así nos pasó el pasado sábado con los almanseños Combo Calada, a quienes recientemente descubrimos. Aunque antes de su enérgico y divertido directo, pudimos disfrutar del de Capucha Sartén. Y es que los madrileños estaban presentando los temas de su nuevo disco, «Manual Aritmético de la Franqueza». Ellos fueron capaces de caldear el ambiente, de conseguir que la gente poco a poco comenzara a venirse arriba en una sala que se llenaba por momentos. Probablemente acabaran demasiado pronto. O probablemente nosotros nos lo estábamos pasando demasiado bien. Y es que cuando quisimos darnos cuenta, llegaba el turno de Combo Calada.
Los de Almansa llegaban a la capital para presentar las canciones de su nuevo trabajo, «Desorden». Y, precisamente, con esa canción abrieron, poniendo en órbita a todos los asistentes.Nos dieron una lección a todos con su música. Nos explicaron que es muy necesario eso de «Párate» «Antes de hablar». Que la «Vida» son dos días y hay que aprovecharla. Así que «Juega, Juega».
Nos hicieron olvidar todos nuestros problemas, nos hicieron bailar hasta la saciedad. Y es que su única «Misión» era conseguir que traspasáramos todo tipo de «Fronteras». No importaba si teníamos las «Manos Atadas» antes de entrar al concierto, porque en realidad somos un par de «Hojas al Viento», capaces de conseguir lo que se propongan. «Puede ser hoy» el día perfecto para hacerle la «Guerra al miedo».
Estábamos disfrutando y no concebíamos el final. Y aunque ese final llegara, seríamos capaces de clamar que «Todavía Aquí» permaneceríamos, al menos un rato más. «Aunque no haya luz». Aunque no haya nada. Y «Fuera de Ningún Lugar», «Que rujan» todo lo que quieran. «Vuelve a la cueva», ya tendrás tiempo de eso.
«Fuera de ningún lugar» alguien observaba «Desde la sombra». Todo estaba llegando a su fin. Esta vez de verdad. Pero quedaban las últimas balas del cartucho: y es que «En el hoyo», se produjeron los últimos retazos de «Amor y explosiones». Ese sí que era el verdadero final. Uno que jamás nos hubiera gustado que llegara.
El poder de la música es maravilloso. Puedes pasar de desconocer por completo a una banda, a no querer dejar de escucharla. O de cantar y bailar con ella. Esa es precisamente la magia de pertenecer a un mundo como este.
«Desafiando al destino». Así se llama en recién estrenado disco de los toledanos Aria Ignis. Un disco que vio la luz el pasado 20 de febrero y que se alza como el segundo de la banda, tras cinco años desde que saliera su debut, «Inútil Creación» (2014). Un disco que ya está a la venta y disponible en todas las plataformas digitales, y con el que los chicos de Aria Ignis se reafirman, se crecen y muestran toda la fuerza que llevan dentro. Además de estrenar la nueva formación de la misma.
Tras el lanzamiento oficial del disco y una mini-gira de presentación en la que avanzaron algunos temas y presentaron a los nuevos miembros de Aria Ignis, toca la gran presentación en vivo. Un concierto que se celebrará este mismo viernes 15 de marzo en la Sala Let’s Go de Parla. Acompañándolos estará Breakdown, quienes también prometen dar un potente concierto.
Descubriendo «Desafiando al destino»
Este segundo trabajo de los toledanos ha supuesto un cambio en todos los sentidos. El primero de ellos es que Aria Ignis ha sumado a su equipo a nuevos miembros, por lo que «Desafiando al destino» es el primer disco con la nueva formación. Este hecho ha influido directamente en el álbum, que a nivel compositivo ha ganado mucha más fuerza y peso. Una fuerza y un peso que también pretenden seguir implementando en sus directos.
Además, Aria Ignis han tenido la suerte de colaborar con grandes artistas en este «Desafiando al destino». Y es que algunos de los nombres (y voces) que podremos escuchar en el disco son Clara Rivera, Víctor (Dragonfly), Pedro Díaz «Peri» (José Andrëa y Uróboros), Natalia Martín (Casa de Fieras), Juan Flores «Chino» (José Andrëa y Uróboros), Fran Vázquez (Cherokee), José García (Mercurio, Wild), Justi Bala (Snakeyes, ex-Sphinx).
De gran importancia también es la imagen y la composición del propio disco, en el que se han empleado diferentes elementos visuales, muy acordes con la simbología y conceptualización de «Desafiando al destino».
Al fin y al cabo, no hay mejor calificativo que el propio título: ellos sí que son capaces de estar constantemente «Desafiando al destino». Y este viernes lo demostrarán en la Sala Let’s Go de Parla. ¿Todavía sigues sin entrada? Hay entrada única y solo la podrás conseguir en taquilla.
Hay bandas con`una sensibilidad y un talento infinitos. Bandas desconocidas que se merecen que las conozcan, que les abran puertas. No solo por su música, también por las personas que se esconden detrás. Las mismas que, una vez subidas al escenario, se transforman. Una Vez Medianoche es una de esas bandas.
A veces me pasa que me cuesta escribir con objetividad. Bueno, ¿y qué? La música no es objetiva, no sigue normas. Te hace sentir o no. Así que no le pongamos límites a la música.
El pasado jueves 7 de marzo, pisamos el mítico Café La Palma, para ver en vivo a los madrileños Una Vez Medianoche. Un grupo con el que tuvimos la oportunidad de cruzarnos un año atrás, pero al que todavía no habíamos tenido la oportunidad de ver. Lo que sí que sabíamos es que se habían marcado un álbum debut brutal. Extremadamente cuidado al detalle, «Amanecer» ha sido uno de nuestros mayores descubrimientos del 2018. Precisamente por eso, teníamos tantas ganas de ver cómo lo defendían en directo.
Eran cerca de las 21.30 horas, cuando Pascal y Cobos aparecían entre el público cantando «Halos de sal». Ya desde el principio, apoteósico, mostrando esa faceta tan diferente y especial que los caracteriza. Así, poco a poco, y ya subidos sobre el escenario del Café La Palma, fueron presentando las canciones de su debut. Es el gran momento de «Amanecer».
Así fue cómo hicieron aparición temas como «Milovati», «Australia», «Barcos de papel», «Una vez medianoche» o «Bomba Extrerior». Además de los dos singles que la banda lanzó de manera previa al disco. Y es que «Siento» y «Domador» cerrando el concierto, no podían faltar en este show tan sumamente especial.
El tiempo con Una Vez Medianoche pasó demasiado rápido. Se hizo breve pero intenso y, al igual que el resto de público, los disfrutamos. Sin duda, el directo de la banda fue un descubrimiento total y fue la demostración de que las bandas más desconocidas también pueden ofrecer grandes espectáculos. Y más cuando poco a poco, se les va notando más cómodos sobre el escenario. Un escenario que son perfectamente capaces de «comerse» dentro de poco.
Además, lo bueno es que el show todavía no había llegado a su fin: llegaba el momento de otra gran banda, como es Viaje a Sidney. Los madrileños, cuyo trabajo pronto verá la luz, llegaban al Café La Palma dispuestos a presentar sus canciones. Canciones que pudimos empezar a tararear con la llegada de «Volcanes», «Piezas de montar», «Ley de sombras» y «La Salvación», entre muchas otras.
Sin duda alguna, la pasada noche de jueves fue mágica. La demostración perfecta de todo lo que podemos descubrir en la noche madrileña. Y es que, sí, amigos, las bandas más desconocidas son igualmente buenas. Y sí, hay mucho talento aún por descubrir en esta ciudad.
Sin apenas conocerlo de manera previa, lo descubrimos hace unos meses abriendo el concierto de Vetusta Morla en la Caja Mágica. Desde entonces somos fans de Jacobo Serra, quien sigue presentando las canciones de su «Fuego Artifical». Un álbum que vio la luz hace casi dos años y al que le queda todavía mucha vida. Y es que el artista ya ha arrancado con su gira 2019.
Hace días, nos sentamos con él en un céntrico bar de Madrid y se atrevió a contestar a nuestras preguntas. No te pierdas ni un detalle de lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Fuego Artificial» y cómo ha evolucionado?
Supongo que «Fuego Artificial» es fruto de muchísimas emociones y vivencias del Jacobo de entonces.De esas giras previas al disco, de aprender mucho de mis trabajos anteriores. Tenía muy claro el álbum que quería hacer: quería salirme de lo que había hecho hasta ahora, quería probar cosas nuevas, experimentar, quería un trabajo con mucho color.
También es verdad que el Jacobo de ahora no es el mismo que el que presentó el disco hace ya casi dos años. Ahora el disco ha crecido y madurado. Y es algo que se ve, se aprecia mucho en el directo. Creo que las canciones se deberían llevar antes a los conciertos, para que crezcan, para vivir y convivir con ella. Luego ya grabarla.
Comentas que en este disco querías cambiar, experimentar. ¿Por qué hacerlo en este momento?
Es lo que, de pronto, tenía ganas de hacer. Cuando haces trabajo de introspección, lo suyo es no dejarte nunca nada dentro. Pero en este caso, lo llevé un poco más al extremo. No solo cambió mi forma de componer o de arreglar los temas, también cambié de idioma a la hora de cantar.
«Fuego Artificial» continúa vivo, ¿cómo afrontas esta nueva gira?, ¿se verá también algo nuevo?
Yo creo que sí que se verán cosas nuevas. Ya solo empezando por mí, no tienen nada que ver el Jacobo de antes con el de ahora. Ahora tengo otras inquietudes, otras preocupaciones, otra manera de ver la vida incluso. No sé si el público lo verá.
A nivel musical también será distinto, porque llevo otra banda y otro formato. He hecho muchos cambios y quiero aprender también de todo esto y que las canciones sigan creciendo. Todavía le queda vida a este disco, por eso, quería llevar a cabo esta gira.
¿Crees que tal y como está la música, es cada vez más complicado vivir de la música?
Sí, sin duda alguna. Lo he dicho muchas veces, creo que en la música no hay clase media. Músicos, público e industria deberíamos hacer algo para subsanar esta situación, porque o eres muy pequeño o eres muy grande. En otros países, hay artistas que sí que pueden vivir de su trabajo, porque tienen protección jurídica, porque también tienen sus fans, pueden girar.
¿Dónde crees que está el fallo?
Es una pregunta compleja, porque ¿quién soy yo para determinarlo? Pero creo que hay varios factores. Quizás haya bandas a las que les falte independencia y autonomía como para aguantar, porque en general somos muy poco pacientes.También creo que hay un problema educacional a nivel de público, de apoyar a los artistas, de apoyar a la industria y de ir a conciertos. Creo que la misma industria tampoco apoya al artista. Hay varios frentes y todos ellos son condicionantes.
Volviendo un poco a «Fuego Artificial»: un titular que lo defina.
Buf, no sería capaz. Eso te lo dejo a ti. Es un disco difícil de catalogar, de hecho, es así de manera intencionada. Cada canción es distinta y está hecha con unos ingredientes. Es un álbum que tiene viveza, color; pero a la vez, también habla de relaciones tóxicas, de oscuridad. O de crítica social y política. No sé, una expresión que utilizaba mucho para tratar de definirlo, era «Fuego de color».
Una canción del disco y por qué.
Diría «En Tu Volcán», que es una canción que me gusta mucho. Y diría esa porque habla de un tema que hace mucha referencia a lo primitivo del ser humano. Hay veces que ese hecho se nos olvida, pero la realidad es que somos animales. Además, para mí, el volcán es un símbolo muy tribal: el que la gente que viviera a orillas de los volcanes pensara que cada vez que entraban en erupción, era producto del enfado de los dioses. Me parecía un relato muy inspirador. Extrapolando un poco a la realidad, este tema habla de una relación tóxica. Y a día de hoy, por desgracia, hay muchas relaciones de este tipo.
Al fin y al cabo, me parecía muy interesante aunar ambas cosas en un tema: lo más primitivo del ser humano, lo más tribal; con una realidad tan patente a día de hoy, como es la toxicidad de ciertas relaciones.
¿Cuáles serán los siguientes pasos de Jacobo Serra?, ¿habrá sorpresas próximamente?
La verdad es que en estos momentos, estoy en un proceso muy creativo y no me planteo para nada el parar. Lo que quiero es seguir. Pero todavía no sé la forma: no sé si habrá nuevo disco o si optaré por los singles. Pero tengo que seguir creando sí o sí.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Seguramente dedicarme a la música, que es un suicidio [risas]. En realidad, he hecho muchas locuras. Por ejemplo, he hecho muchísimos kilómetros por nada, solo por tocar. Pero no sabría decirte una en concreto. Aunque la más grande, sin duda, es dar todo por la música y dedicarme a ella.
Lo conocimos con «Luminiscencia» y, desde entonces, no le hemos perdido la pista. Se trata de Isma Romero quien, hace nada, ha lanzado el primer single del que será su próximo trabajo. «Caraa a cara» se acerca, pero todavía queda mucha «Cicatriz» por disfrutar.
Hace poco más de una semana, nos sentamos con él y le estuvimos haciendo algunas preguntas. ¿Quieres saber qué nos contó?
¿Cómo nace «Cicatriz»?, ¿cómo surge el concepto de este tema?
La canción nace el día de fin de año, hace algo más de un año. Poco tiempo después de que viera la luz «Luminiscencia». Surge mientras estaba en Valencia y lo hace con la intención de mostrar que las cicatrices son las que nos construyen cada día y las que nos ayudan a crecer y evolucionar. Pero quería mostrar una cicatriz bonita, bella, que es la que nos queda cuando ya ha pasado lo malo. Como el recuerdo de lo que fuimos.
En este caso, «Cicatriz» habla de una historia de amor, de una relación. Pero en vez de hablar de la marca que nos deja el desamor, hablo de la que nos deja el amor, de la cicatriz bonita que nos deja.
En torno a esta canción, ha surgido la «Ruta Cicatriz». ¿Cómo surge la idea y qué importancia tienen para ti los lugares en los que estaban ubicadas las paradas?
La idea de la ruta surge gracias al equipo de trabajo de RLM y Estrés, que es un equipo de puta madre. A ellos les quiero agradecer enormemente todo lo que han hecho, porque toda la idea creativa y toda la ejecución fue suya. El objetivo era mostrar algo diferente, interactuar con la gente y que hubiera una conexión con ellos. Al fin y al cabo, presentar la canción de otro modo, porque a día de hoy hay tanta información, que terminamos perdiéndonos cosas.
Se escogieron estos diez sitios porque desde que llegué a Madrid, me he criado en ellos. Y ahí han nacido muchas de mis canciones. Así que los escogí, a modo de cicatriz, no solo de esta canción, también de muchos momentos de mi vida.
En relación a esto, ¿qué importancia tiene para ti la imagen? Más allá de la música.
Para mí es súper importante, porque las canciones tienen que tener una conexión con la gente más allá de lo digital. Vivimos en una era tan digital, que lo físico se nos olvida. Por eso, la idea de avanzar con el tema de la ruta, era un poco la excusa, para que la gente tuviera una interacción directa con la canción. Lo estructuramos como en diez pasajes, para que la gente no solo pudiera escuchar la canción, también para que conociera lo que hay detrás de ella.
¿Crees que se ha perdido el poder del disco como discurso?
Yo creo que se ha perdido bastante. Al final, si la industria cambia es porque las cosas están cambiando. Las tecnologías, las formas de expresarnos y las maneras de contar una historia, evolucionan. Entonces creo que estamos en una época en la que el formato disco, para mí, está pasado de modo. Quizás el disco tenga un lado romántico. Así y todo, tenemos una manera de vivir tan rápida, que la gente ya no se para a escuchar un álbum de 10 o 12 temas. Y creo que cualquier banda que empezara ahora, apostaría por el formato single o EP. Creo que es la manera de conquistar al público a día de hoy. Mejor hacerlo con canciones y no con un disco, del que no van a escuchar las cinco últimas canciones.
Una buena reflexión y diferente a la que habitualmente me dicen.
Lo interesante es llegar a la gente. El romanticismo para los libros de Neruda [risas].
Volviendo un poco al tema del single. ¿Cómo surge la idea del videoclip de «Cicatriz»?
Queríamos reflejar lo que es la presentación de mi historia. Los dos discos anteriores, son dos pasajes mucho más rockera. Creo que con ellos, he cerrado una etapa y he empezado a abrir otra. Quería, además, mostrar nuevas facetas mías. Salir tocando el piano, refleja muy bien cómo surgió «Cicatriz». Para mí era una manera muy mágica de sacar a relucir cómo se creó el tema, pero trasladándolo a un plano más real: haciendo un videoclip.
Por otro lado, queríamos mostrar la «Cicatriz», pero no de la manera típica. Queríamos huir del tópico de la relación de amor. En este caso, contamos con la espectacular Esther Acebo, a quien admiraba mucho. Así que en el videoclip, optamos por contar la historia de dos amigos que viven juntos, pero uno de ellos termina yéndose a vivir fuera. Y al tiempo, regresa y me da la sorpresa.
Al final, las cicatrices pueden ser de diferentes tipos. Pueden ser de amor, de amistad, pueden reflejar las relaciones familiares, las enfermedades. Son una marca de absolutamente todo.
«Cicatriz» es la antesala de todo lo que está por venir. ¿Escucharemos pronto nuevo trabajo de Isma Romero?
Sí, sí, claro. Ahora estiraremos un poco «Cicatriz», porque está funcionando muy bien y los medios están respondiendo de manera maravillosa. También avanzo que aún pueden haber sorpresas con esta canción. Pero no vamos a adelantarlas todavía.
El EP verá la luz en un par de meses. Llegará acompañado de un nuevo single y de tres colaboraciones muy especiales.
Un titular que defina el EP que está por llegar.
El título es el mejor titular: «Cara a cara». Es un cara a cara con la vida.
Siguientes pasos de Isma Romero.
Como vivo en el presente, mis siguientes pasos después de terminar esta entrevista son hacerme unas fotos para La Razón [risas]. Luego ya veremos.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Yo creo que he hecho un poco de todo. Pero por contar una anécdota un poco graciosa. Hace unos cinco años, vivía un poco a las afueras de Madrid y estaba mal de pasta. Me acuerdo que estaba con las clases de guitarra y tocando versiones en algunos locales, para sacarme algo de dinero. En esos momentos, mi compañero Iván, que era programador de la Sala Bumerang de Guadalajara, me dijo de ir a tocar allí un día. Al final fui y toqué para él y para el camarero. Pero tuve el despiste enorme de no mirar ni los cercanías de vuelta, ni ningún sitio para dormir en Guadalajara. La cosa es que cuando termina el concierto y empieza a entrar gente. Y yo, que no sabía qué hacer, me metí en el camerino a dormir hasta las 5 de la mañana que cerraba el garito y salía el primer tren. Ahora mismo, no lo haría.
El próximo 8 de mayo, Isma Romero actúa en el Café Libertad 8. ¡Hazte ya con tu entrada!
Combo Calada regresa este fin de semana a los escenarios de Madrid. Y los de Almansa lo hacen bien preparados: llegan a la capital dispuestos a presentar en la Rock Palace, los temas de su nuevo trabajo, «Desorden».Trabajo compuesto por diez cortes en los que, de manera contundente, muestran su nuevo sonido. Aunque siempre siendo fieles a su esencia. Y es que mantienen vivo ese espíritu revolucionario y original, en mitad de una realidad tan convulsa y cambiante.
«Desorden», lo nuevo de Combo Calada
Habían pasado ya más de dos años desde que los almanseños lanzaran su último trabajo. En verano de 2016, llegaba «Aunque no haya luz», disco con el que consiguieron girar por multitud de escenarios, tanto de salas como de festivales. De hecho, con él consiguieron llegar cada vez a más gente, marcando de esta manera un punto de inflexión.
Pero fue entonces cuando comenzamos a necesitar más de ellos. A modo de adelanto de este «Desorden», Combo Calada fueron avanzando un par de temas, tratando así de paliar la espera. De tal manera que en 2018, lanzaron el single – incluido en este recién estrenado disco -, «Hojas al viento». Una canción que hicieron en colaboración con la banda Vendetta. Justo después llegó el segundo adelanto: era el turno de «Amor y explosiones». Ambos temas la previa perfecta del nuevo sonido que están buscando (y han encontrado) los de Almansa.
Ahora sí que sí, es el momento de disfrutar de «Desorden» al completo. Un disco grabado, mezclado y masterizado por Roger García en RPM Studios en La Cañada, y producido por Ángel Vela. Un disco que ya está preparado para el directo. Un directo del que podremos disfrutar este mismo sábado 9 de marzo en la Rock Palace de Madrid. ¿Todavía estás pensando si vienes? ¡Consigue tu entrada ya en Wegow (o pinchando en el banner de aquí abajo)! Además, no estarán solos en este concierto: Capucha Sartén será la gran banda invitada al bolo.
En 2018, veía la luz el nuevo trabajo de Malsujeto. Era la hora de «La Armonía del Caos», cinco años después de su anterior trabajo. Incansables, no están dejando de girar con este nuevo disco hasta traerlos aquí, a Madrid.
La semana pasada, días antes de su bolo en la capital, pudimos hablar con Táber (vocalista) y con Enrike (batería). Y esto es lo que nos contaron sobre el proyecto.
¿Cómo surge el concepto de «La Armonía del Caos»?
Táber. Viene de tiempo, porque cuando acabamos «Paraíso Infierno» ya teníamos en mente el siguiente trabajo. Aunque al final, entre unas cosas y otras, se nos ha ido retrasando un poco. En los últimos dos discos, nuestra filosofía ha sido la de grabarnos todos nosotros mismos y finalmente, se alargó un pelín. Pero el concepto principal viene desde hace cinco años, con «Paraíso Infierno».
¿Cómo ha sido la espera desde 2012, cuando vio la luz «Paraíso Infierno»?
Enrike. Realmente, aunque hemos estado cinco años sin sacar disco, nunca hemos dejado de tocar. Año tras año, hemos ido haciendo conciertos y festivales y, al final, el nuevo trabajo se ha estado retrasando por eso. Porque trabajamos desde casa, no hay límites de tiempo y combinado con todos los conciertos, ha hecho que se complique.
¿Cómo han sido la acogida del disco?
E. Creo que ha sido bastante buena. De hecho, los primeros conciertos han ido muy bien, la reacción es muy buena. El concierto incluso que hicimos con Gatibu en Bilbao fue muy bien, todo vendido. Todo lo que estamos haciendo, está funcionando guay.
Un titular que sintetice «La Armonía del Caos».
E. Que de lo peor, se puede sacar lo mejor. No sé, es que un titular, es muy difícil [risas].
T. Es un disco que recoge toda nuestra trayectoria: desde lo más antiguo, que es nuestra forma de hacer las canciones, a lo más actual, que es el sonido diferente.
Una canción del disco y por qué.
E. La verdad es que entre todas las canciones, es difícil escoger solo una. Pero en mi caso particular, me quedaría con «Tierra de Libertad». No será la canción más single, pero es uno de los temas a los que más cariño le tengo, porque habla del despertar de las conciencias. Además, es un estilo que no hemos tocado, tiene efectos diferentes que me gustan bastante y tiene un estribillo bastante potente.
T. Yo no lo sé. Por decir una, diría «Cruce de miradas», porque es diferente a lo que hemos estado haciendo. Y tiene un toque distinto.
Hablando un poco de los mensajes de las canciones, ¿creéis que la música ha perdido un poco esa esencia?
E. Creo que en el rock ese espíritu más contestatario siempre ha estado más patente. Abriendo a más estilos, quizás sí que haya música más neutra, más banal. Pero creo que el rock & roll sí que ha mantenido viva esa llama de autenticidad que otros géneros no han tenido o que en algún momento, han perdido. Que otros estilos no es que no tengan esa verdad detrás, pero una de las señas del rock siempre ha sido el compromiso.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Malsujeto?
E. Pues la verdad que el principio de la gira, que es lo que teníamos programado, ya lo hemos hecho. Fijo que en mayo tengamos una fecha en Buñol, con Gatibu.
T. Sí, también cerraremos más adelante alguna fecha más, que iremos colgando en nuestras redes. Además, nos estamos metiendo ya en el local de ensayo y están saliendo cosas nuevas.
E. Sí, para que no vuelvan a pasar otra vez cinco años [risas].
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
E. Yo es que he locuras muy locas, que no puedo contar [risas]. A mí, por ejemplo, me gusta mucho la música clásica y toco en formaciones clásicas. Cuando fuimos a tocar a Córdoba, a las 3 de la mañana, cogí el coche y me volví a Buñol, porque tenía otra actuación a las 10 de la mañana.
Aunque llevan poco tiempo como banda, Alabel es uno de esos grupos que desde el minuto 1 encandila. Será por lo que cantan y por cómo lo cantan. Es la gran y joven apuesta del folclore, ese que forma parte de nuestro pasado, ese que en algún momento, nos hará entender nuestro futuro. Y mañana encandilarán a todo el que se precie a pasar por el Café Berlín de Madrid. Poca broma con ellos y mucha magia.
Hace algunos días, pudimos hablar con María de la Flor, vocalista de este particular proyecto. ¿Queréis saber lo que nos contó?
¿Cómo surge todo el proyecto de Alabel?
Empieza un poco porque yo siempre he sido una loca del folclore de diferentes lugares del mundo. De hecho, me llegaba mucho por diferentes vías y por distintos amigos. Entonces, en un punto de mi vida, me dio por cantar y centrarme solo en la labor de vocalista, sin tocar y sin ser yo instrumentista, porque yo en realidad soy violinista. Así que me decidí a montar yo este «tinglao» y a rescatar todas estas canciones tradicionales. Entonces apareció en mi cabeza el nombre de Lorenzo Moya, a quien le propuse participar en el proyecto porque sabía que también le apasiona todo esto. Y enseguida me dijo que sí. Directamente, cerramos una fecha en Búho Real y a partir de ahí, comenzamos a construir tanto la banda, como el sonido.
Precisamente, la siguiente pregunta era, ¿por qué aunar tradición oral con música?
En mi caso es que está muy relacionado. Yo canto porque mi abuela canta, mi madre canta y porque a mí me han cantado toda la vida. Al final, yo hilo eso con un sentimiento materno de cuidar y de salvar la memoria. Y puedes cantarle al futuro, pero lo haces con cosas que no son tuyas. Y yo canto así, aunque no cante este género de música. Así que para mí tiene mucho sentido el colocarme en ese lugar, no solo para cantar, también para sentir. Y habrá a quien le interesa más o menos la labor de rescate. Pero si te resulta amena, lo que encuentras es un tesoro.
En las canciones que hemos podido escuchar, hay mucha diversidad de género. Folclore, flamenco, jazz. ¿Por qué esa variedad?
La verdad es que la diversidad de géneros ha surgido de la mezcla de músicos. Y es que al final, cada uno de nosotros tiene un lenguaje distinto. También porque partimos de edades, formaciones y experiencias distintas. Lorenzo, por ejemplo, viene más del mundo clásico y del flamenco. A Antonio le encanta el jazz, pero toca mucha música brasileña y de Latinoamérica. Bandolero viene del flamenco. Joaquín, que es el batería que sale en los vídeos, viene también del jazz. Luego, mi voz dicen que tiene toques folclórico. Igual que las melodías. Al final, si quieres algo común y mezclas todo eso, surgen dejes de todos y cada uno de nosotros.
¿Cómo afrontáis el concierto de mañana miércoles en el Café Berlín?
Pues yo un poco nerviosa, la verdad [risas]. Pero también tengo muchas ganas. Lo que pasa es que yo soy una persona un poco ansias. Y es eso, tengo un poco de miedo porque pueda salir mal, pero a la vez sé que va a salir bien. Sé que va a ser muy guay y tengo ganas de que venga mucha gente. Además, hemos invitado a muchos artistas que tocan y cantan que te mueres. Es un gusto contar con personas que se desenvuelven con tanta facilidad con este tipo de canciones.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Alabel?
En principio, fluir un poco y dejarnos llevar, una vez haya pasado el concierto en el Café Berlín. Hay varios festivales a los que nos hemos esperado y que esperamos que vayan saliendo. Y esa es un poco la idea. Sí que está sobre la mesa la idea de grabar los temas que están más cerrados. Y el hecho de que se una al grupo algún percusionista. Pero de momento, esto es lo más inminente.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Mi día a día es una locura [risas]. Y exponerme a este grado de ansiedad y de estrés [risas]. No, en realidad, la mayor locura que he hecho por la música ha sido hacer cosas que no sé hacer. La primera vez que yo me subí a un escenario para cantar, no había cantado nunca antes. Y lo hice para sustituir a la cantante principal de una «big band» que habíamos montado en el conservatorio. Tocábamos en la Galileo y estaba todo vendido, pero aún así, me decidí a subir y sustituirla. Y, claramente, yo no había hecho eso nunca. Al final, como esas he hecho infinitas, porque soy una persona que se envalentona muy rápido. Lo bueno es que mi aprendizaje es que esa es la única manera de avanzar.
Hace casi dos años, vio la luz el nuevo trabajo de Naranja. Llegaba el momento de «Extraños Equilibrios». Era el gran debut de los madrileños, quienes poco a poco, se han ido hacer hueco dentro del panorama musical actual. Y es que no es para menos. Desde que ganaran el concurso de Vodafone Yu Music Talent, han ido ascendiendo de manera imparable. De ahí, saltaron directamente a escenarios más grandes, de la mano de una de las bandas más importantes de España: Lori Meyers. Además de recorrer festivales de la talla de BBK, Low Festival, FIB, Les Arts o Arenal Sound.
Después de estos dos años, es momento de despedirse de «Extraños Equilibrios». Naranja lo hará este mismo sábado 9 de marzo, en la Moby Dick Club, mítica sala madrileña que está celebrando su 27 aniversario. Llega el momento del fin de gira.
Los orígenes de Naranja
Con esas ganas infinitas de comerse el mundo y la energía tan «power» que los caracteriza, Naranja llegaron a la escena musical de la ciudad con su primer EP. «Toronto» estaba en la calle y ellos apenas empezaban a rodar. La legión de fans de Naranja comenzaba a forjarse alrededor de la banda. Aunque, sin duda alguna, el disco que los ha llevado a recorrer un número mayor de escenarios y festivales, ha sido «Extraños Equilibrios».
Pablo López (voz y guitarra), Aníbal Yanguas (guitarra y coros), Alejandro de Las Heras (batería y coros) y Pablo García (bajo y coros) son las caras visibles de esta prometedora banda. Juntos, flirtean en sus estribillos multivocales llenos de luz con la energía del amor o el desamor.
Ahora, se plantean abordar el escenario de la Moby Dick. Eso sí, con la seguridad de quien lleva toda una vida actuando, pero con la juventud que les da su edad. Los madrileños, que han puesto banda sonora de la serie «Bajo la Red», despedirán como se merece a su trabajo debut. «Extraños Equilibrios» tendrá una gran fiesta. ¡Y todavía puedes conseguir tu entrada!
Dora Salvatore se estrena en el mundo de la música, con el lanzamiento de su primer single, «Saving Star». Una canción que está a medio camino entre el pop, el R&B, el soul y la electrónica indie. La canción, producida por Pional y mezclada por el ingeniero Maddox MADDMIX Chhim, será uno de los cortes que conformen el álbum debut de la joven artista.
Y es que, los tintes autobiográficos quedan patentes en este primer temas. Una estrella que sirve a Dora como guía y que hace de la música su motor, su refugio ante los momentos tan duros que ha tenido que vivir. Además, en el videoclip de este «Saving Star», dirigido por su padre Diego Postigo, Dora nos habla de su vida en una cronología dividida en tres fases. En la primera, aparece una joven Dora de 12 años escribiendo sus primeros temas en su habitación. Una imagen a la que sucede la actual Dora de 14 años, proyectando la canción en el entorno del instituto. Finalmente, acaba con una Dora del futuro próximo. Una Dora que, con 16 años, se aproxima a su primer escenario con gran seguridad y siempre guiada por su «Estrella Salvadora».
La música, parte del ADN de Dora Salvatore
A pesar de su corta edad y de su juventud, Dora procede de una familia de artistas. Hija de Bimba Bosé y Diego Postigo, ambos miembros de The Cabriolets, pronto comienza a tomar interés por la música. Arte en la que se empieza a desarrollar y en la que se dio a conocer, sobre todo, gracias al alcance de las redes sociales, en las que subía regularmente determinadas «covers» de otros artistas.
A los 5 años da sus primeras clases de piano, y a los 9 años empieza a versionar a muchos de los artistas que ha escuchado en casa. Con 11 años ya muestra una gran sensibilidad musical poco común para su edad. Con 12 años entra como cantante principal en la Creativa Junior Big Band, encandilando al público con versiones de Nina Simone, Ella Fitzgerald o Chaka Khan.
A los 13 años, se aventuró a crear sus propios temas. Ahora es el gran momento de Dora. Y de su música. Una música que ya ha comenzado a ver la luz. Una música que el pasado viernes 1 de marzo, dio su primer pistoletazo de salida. Y ya no hay vuelta atrás: la estela de Dora Salvatore es imparable, solo puede ir hacia arriba.
Una de las bandas más prometedoras y con mayor talento. Una demostración más de la revolución que está suponiendo el Levante a nivel musical. Se trata de los alicantinos Gimástica, quienes se encuentran presentando las canciones de su nuevo trabajo, «Líquido».
De hecho, el próximo 28 de marzo pasarán por la reconocida Costello Club de Madrid. Un evento que no nos pensamos perder y para el que deberías sacar ya entrada (pinchando aquí).
¿Cómo surge el concepto de «Líquido»?
Juanma: «Líquido» gira en torno al concepto de «vida líquida» de Bauman, que habla del paso del estado de solidez al estado líquido entendido como fluidez, cambio, flexibilidad o adaptación. Los temas tratan sobre ese movimiento, que va desde un estado negativo y evoluciona hacia lo positivo, haciendo que nos desprendamos de los residuos que no nos dejan avanzar. Además buscábamos un nombre que cerrase el ciclo aire con «Paracaidismo» y tierra con «Montaña» y ya cerrar la trilogía.
¿Cómo fue trabajar con Víctor Cabezuelo, Manuel Cabezalí y Dany Richter?
Juanma: Para «Líquido» queríamos probar sonidos nuevos que no estuvieran en los trabajos anteriores de Gimnástica. No queríamos cerrarnos puertas creativas. En el local y en nuestro home studio -también llamado «La habitación de la ilusión» – nos fuimos acercando indirectamente a una mezcla de sonidos orgánicos y añejos -por una parte-, y elementos de electrónica.
Desde un principio sabíamos que Vic era el productor adecuado para proyectar esta mezcla de ideas. Siempre hemos seguido muy de cerca sus producciones y sabíamos que era la persona idónea.
Después él nos propuso trabajar con Manuel Cabezalí y Dany Richter en el estudio El Lado Izquierdo. Fue un lujo trabajar con los tres, estuvimos muy cómodos. Pasar tanto tiempo dentro de un estudio de grabación con tres personas tan creativas es un lujo.
Un titular que defina el disco.
G. Somos una ola que desemboca en las flores. «Líquido» se compuso pensando que podría ser el último disco de Gimnástica.
Una canción del álbum.
Juanma: Para mí «El Viaje del Caracol». Fue un tema que estuvo a punto de quedarse fuera del disco. En pleno proceso de grabación decidimos bajar a Aranjuez junto a Vic, a los locales de los Rufus T. Firefly, para darle una oportunidad -puesto que era un tema que tenía únicamente a guitarra y voz, y no se había maquetado-. Tras unas cuantas horas, terminamos de darle forma y finalizamos la composición junto a Víctor. Salió algo muy mágico de ahí.
¿Cómo han sido las reacciones al disco?
Frank: La verdad es que han sido buenas. Nuestro público ha crecido y evolucionado junto a nosotros, y desde la primera escucha, ha entendido lo que queríamos contar con este disco.
«Líquido» se compuso con cierta incertidumbre con respecto a nuestro futuro como banda. Estábamos solos y con muchas dudas. Es por esto por lo que se yergue con sinceridad y amor por la música como premisas. Como si fuese nuestro último disco; nuestras últimas canciones. Luego llegó el apoyo discográfico de Oso Polita, y cambió todo esto, dándonos la energía para seguir empujando, con más ganas que nunca. Aún así, ese sentimiento inicial sigue ahí, y ha llegado al público. Es muy bonito.
«Caléndula» fue el primer adelanto, que vio la luz además, con su respectivo videoclip. ¿Por qué escoger este tema como avance y cómo surgió la idea del vídeo?
Juanma: «Caléndula» es un tema muy potente y afilado, con mucha energía en las guitarras y un tempo que camina hacia adelante. Pensamos que sería una buena carta de presentación visual de la banda. Un «hemos vuelto» en toda regla. Por estas mismas razones, «Caléndula» es la primera canción del disco.
Luis: «Caléndula» es una canción enérgica que a la vez posee un aura mística concentrando muy bien las cualidades que se presentan en el resto del álbum.
¿Cómo fue trabajar en el videoclip, bajo la dirección de Jaime Massieu?
Frank: Queríamos que el primer videoclip de «Líquido» mostrase a toda la banda tocando y su energía en el escenario. En este aspecto, Jaime es el mejor capturando esa fuerza. Incansable artista del vídeo y la fotografía en directo, supo entender a la perfección las atmósferas y ritmos de la canción. Estamos muy contentos con el resultado.
Y dicho quede, Jaime es un tipo con un gran humor. Grabamos los exteriores del vídeo a las 3 de la mañana en un polígono de las afueras de Madrid, de empalme tras tocar en Granada con Simple Minds. La borrachera de sueño dio mucho juego a la comedia.
Saltasteis a escena en 2012 con «Paracaidismo». ¿Qué queda de los Gimnástica de entonces y en qué ha cambiado la banda?
Juanma: Más que cambios ha habido una evolución tanto en la mentalidad como en lo musical de la banda. Desde 2012 varios componentes han abandonado la banda y otros nuevos han entrado y eso hace que la banda tenga otro enfoque, pero la esencia Gimnástica sigue estando ahí.
Luis: Al ser el último músico que se incorporó al proyecto, he visto y sentido muy de cerca toda la evolución de la banda desde una perspectiva privilegiada, antes como seguidor y ahora como miembro del proyecto. La Gimnástica de hoy es el resultado de muchos años de esfuerzo y amor por la música. La joven intuición e inocencia han pasado a transformarse en precisión y pasión. Líquido es un salto evolutivo que canaliza el crecimiento de la banda durante todos estos años.
Sois de Alicante, zona en la que hay mucho movimiento musical y mucho talento emergente, junto a Murcia. ¿Qué está pasando?, ¿cómo estáis viviendo toda esta situación?
Lucas: La verdad es que nos gusta mucho lo que está ocurriendo con esta zona. Cuando nosotros empezamos con los primeros proyectos que teníamos éramos «cuatro gatos», pero ahora hay mucho movimiento. Antes era muy difícil salir desde aquí, porque generalmente los grupos salían de ciudades como Granada, Madrid, Barcelona, Bilbao. Pero hoy en día ya hay una escena potente en el Levante español, con claras influencias del indie patrio pero con una personalidad distintiva.
Con el auge de tanta banda emergente, ¿cuál creéis que es la clave del éxito?, ¿qué hacer para diferenciarse del resto y destacar?
Lucas: Nosotros creemos que la única forma de destacar, en esta jungla de competitividad, es ser uno mismo. Porque nadie tiene la clave del éxito, y para estar sufriendo por competir, mejor disfrutar siendo quién eres, luchar por ser tu mismo y si llega el éxito, será fácil mantenerlo.
Luis: El éxito no se encuentra, es él el que te encuentra a ti. No tiene sentido ir en busca de una fórmula que realmente no existe. Día tras día nos sorprendemos de los artefactos exitosos y de todos aquellos proyectos que caen en el olvido incomprensiblemente. Ante este panorama, sólo nos queda trabajar para mejorar día tras día, transmitir nuestro proyecto y enamorar al mayor número de personas mientras disfrutamos del camino.
Centrándonos de nuevo en Gimnástica: ¿cuáles son vuestros siguientes pasos?
Lucas: Estamos produciendo el directo con mucho trabajo y mucha investigación para que el público que venga a nuestros conciertos de la gira que hay programada para 2019, disfrute de un show de calidad. Nuestra m
úsica en su puro estado. A principios de año, salió el segundo videoclip de «Líquido» y ya empezamos con la promoción antes de la gira. Y para el verano, nuestros Oso Polita y Last Tour están trabajando para que os acompañemos en muchos de los grandes festivales.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música, siendo Gimnástica?
Lucas: La mayor locura ha sido crear nuestras vidas alrededor de Gimnástica, que ha pasado desde buscar y encontrar un trabajo que nos permita siempre seguir con la banda al 100%, hasta la última anécdota, que fue cambiar la fecha de mi propia boda para poder sacar adelante el último disco.
La gira de Gimnástica (Todas las entradas en Wegow)
La Otra llega a la mismísima Almería el próximo 16 de marzo. Un concierto, enmarcado dentro del IV aniversario de Bella Ciao, y que tendrá lugar en la mítica sala Madchester de la ciudad. La cantautora madrileña aprovechará para presentar los temas de su «Creciendo», LP lanzado en 2018. Además de recordar otros de sus trabajos previos, «Pa’ Fuera y Pa’ Dentro» y «Amanecer Luchando» y recorrer algunas de las versiones más míticas, como «Se Quemó» o «Te Recuerdo Amanda».
Pero, ¿quién se esconde tras La Otra? Puede parecer una gran desconocida. Pero en redes sociales acumula multitud de seguidores y «likes». Y es que se dio a conocer allá por 2011, con aquel primer trabajo. Era el momento de «Amanecer Luchando». Desde ese momento, no ha dejado de crecer, a base de esfuerzo. Y no ha dejado de trabajar de manera auto-gestionada: desde los propios discos hasta las propias actuaciones.
¿Cómo comenzó su andadura La Otra?
Tal y como asegura la propia artista, «empecé a escribir por necesidad hace unos cuantos años, con ocasión de alguna crisis de soledad. Me dí cuenta de que me servía para sanarme, y desde entonces fui cogiendo la costumbre de limpiar las heridas con música».
Así se presentaba La Otra cuando tras esa primera maqueta que llegó en 2011, se dio a conocer tres años después. ¿El motivo? El lanzamiento de su campaña de crowdfunding, para publicar su nuevo trabajo. Llegaba así «Pa’ Fuera y Pa’ Dentro».
Su música y ella son especiales. Con mucha pasión y con unas letras que van de lo irónico a lo crítico, de lo intimista a lo personal. La Otra llega pisando fuerte el género conocido como la canción de autor. Viene para dejar su propio sello, su propia marca personal. Y es que su sensibilidad es diferente. Su sensibilidad la ha llevado a recorrer multitud de escenarios, a la par que dispares. Ha pasado por festivales como Barnasants, Bioritme, Rabolagartija, Juergas. También se ha recorrido otros países como México. Y ha colgado el cartel de «sold out» en distintas ciudades: Madrid, Valencia, Zaragoza, Murcia, Málaga, Granada, Sevilla, Córdoba y Donosti entre otras.
Ahora es el momento de presentar las canciones de su segundo álbum, grabado en 2018 en El Tercero Studios (Barcelona). Es el momento de que «Creciendo» inunde todos los rincones de la Madchester de Almería. Y todavía quedan entradas para este gran evento. No te pierdas la oportunidad de ver en vivo a La Otra. Consigue tu ticket, pinchando en el siguiente banner.
Descubriendo «Desafiando al destino»
¿Dónde crees que está el fallo?
