Por un momento, hemos dudado. Pero cuando hemos comprobado que todo seguía en orden, nos hemos vuelto a relajar. Y es que somos un poquito más felices al descubrir que, a pesar de todas las preguntas recibidas por la banda, el concierto de Califato ¾ en Madrid, en el ciclo de Sound Isidro, sigue en pie. Eso sí, ha cambiado de ubicación. Apuntadlo bien para que no se os pase por alto: será el próximo jueves 19 de noviembre en el Teatro Coliseum. Y mucha atención, porque tal y como ha asegurado la banda hoy en sus redes sociales, este mismo viernes anunciarán todos los detalles y activarán la venta de entradas a través de SON Estrella Galicia.
La meteórica carrera de Califato ¾
Califato ¾ es una de esas bandas que no teníamos fichadas hasta hace muy poco. Sin embargo, tienen un algo que hace que todo el mundo esté hablando de ella a día de hoy. Y es que su estilo es de lo más particular, ya que mezcla perfectamente la electrónica futurista con músicas enraizadas en la tradición popular andaluza. Todo ello, dando como resultado un folclore de lo más personal, capaz de mirar tanto al pasado como al futuro. Una visión disruptiva de lo que es la tradición y de cómo la podemos llegar a día de hoy. Ayer, hoy, mañana. Dejar lo puro y lo exacto de lado, para poder experimentar y dar ese toque festivo tan de ellos. Tal es así que en 2019 parieron su primer álbum, su gran debut, su auténtica declaración de intenciones, «Puerta de la Cânne». Un trabajo de memoria y de inclusión, una canto a la Andalucía diversa, mestiza, repleta de culturas, de vida.
Un disco convertido en escucha obligatoria, para quien no lo haya hecho ya. Simplemente, no esperes nada. Cero expectativas y varias escuchas si así lo necesitas. Toca ir preparándonos para pillar entradas este viernes. ¡Toca ser rápido!
Por separado, los hemos escuchado en otras bandas como Escuela Moderna, Coraje, Los Punsetes, Los Claveles o Fabuloso Combo Espectro. Pero juntos, son La Gracia y acaban de publicar su primer EP debut. Y, por supuesto, hemos podido hablar con ellos. En este caso, ha sido Jordi Jiménez quien ha respondido a nuestras preguntas.
¿Cómo nace el proyecto de La Gracia?
La Gracia nace después de La Escuela Moderna y anteriormente, Coraje. Yo había estado tocando con Luis de Sonido Muchacho, durante la época de Coraje. Así que decidimos poner en marcha este proyecto juntos. Llevaba meses con algunas canciones hechas, y como vivo a caballo entre Málaga y Madrid, Luis me propuso quedar para poder ver los temas. Por aquel entonces, estábamos con un batería con el que habíamos tocado antes y que parecía que quería sumarse, pero al final no cuajó. Pero precisamente, Chema le había comentado a Luis que tenía ganas de meterse de lleno el otros proyectos, más allá de Los Punsetes. Así que, aprovechamos para hacer algún ensayo de prueba y la cosa funcionó muy bien. Y eso fue 2018, más o menos.
Precisamente ha sido este año cuando ha visto la luz vuestro primer EP homónimo. ¿Cómo surge el concepto de este trabajo?
La verdad es que nos costó, porque teníamos maquetas previas, pero hasta que conseguimos dar con cuatro canciones que tuvieran una unidad, un tono, me tuve que comer mucho la cabeza. Queríamos que todas ellas supusieran una declaración de intenciones. Una vez dimos con ellas, fue todo relativamente rápido, ya que fue cuando decidimos ir a grabar con Paco Loco.
Al hilo de la pregunta, ¿cómo fue trabajar con Paco Loco?
Pues muy bien. Yo no lo conocía, pero sí que sabía de gente que había estado grabando con él. De hecho, Los Punsetes estuvieron ese año en su estudio. A mí me habían contado cosas, pero como no había grabado antes con él, no sabía lo que me iba a encontrar. Y lo cierto que yo quedé sorprendido, porque es un tío bastante infatigable en el trabajo y se involucra mucho, actúa muy bien como catalizador, pilla mucho la esencia de las cosas, habla mucho contigo y estás allí muy concentrado con él. Además, lo hicimos todo muy rápido, fueron apenas dos días lo que estuvimos allí: un día grabamos bajo y batería, y otro, voz y guitarra a la vez. Lo que tiene muy bueno Paco es que busca un poco tus límites. Y que al final, tú tienes algo pensado con las canciones y al final, todo va cambiando, todos los temas se van cocinando poco a poco y van evolucionando; y todo es gracias a él, que es capaz de ir sacando cosas.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo del EP?
Hubo un par de canciones, cuyas letras ya estaban hechas desde hacía un tiempo. Sin embargo, hubo otras que no terminé prácticamente hasta el día de antes de grabar. No sé decirte. Es como que cada tema parte de diferentes estructuras, como que tienen un esqueleto distinto que ya, más o menos, tenía. Lo difícil de todo eso es como ver qué letra, te pide ir con cada traje musical. Unas partían de un rifa, había otras que tenía la letra y la melodía nació después. Una vez pensada la estructura, montarlas en el local con Luis y con Chema fue rápido, luego era cuestión de que cogieran consistencia. Pero bueno, de esas cuatro canciones, hubo dos que me costaron especialmente.
Hemos hablado un poquito del proceso creativo y de la construcción del sonido, pero ¿qué peso tiene la letra, el mensaje de las canciones y cómo encontráis el equilibrio entre ambas?
Pues tienen la misma importancia, son un 50-50. Para que todo vaya como un guante, las canciones tienen que tener la combinación perfecta entre ambas. Al final, es lo que comentaba, que es cuestión de ver qué es lo que te pide el tema, qué traje necesita para que salga redondo. Con el tema letra, sí que es verdad que es más complicado de cuadrar, es como un encaje de bolillos. Al final te toca jugar mucho con el lenguaje y con la sonoridad de las palabras, y saber adaptar a la música, porque muchas veces tienes un texto demasiado largo y te toca ir readaptando todo.
¿Cómo ha sido la acogida del público?, ¿cómo han sido las primeras reacciones?
A ver, la pena es que todavía no hemos podido presentarlo en directo. Pero el feedback que hemos tenido por redes e incluso por parte de los medios, parece que está siendo bastante positivo. Estamos bastante contentos. Luego queda ver cuándo podemos salir a la carretera y presentarlo sobre los escenarios. Pero de momento, estamos muy contentos.
Estamos atravesando ahora una situación un poco complicada para todos, y justo en medio de todo esto, vio la luz vuestro EP. ¿Cómo lo vivisteis y cómo ha afectado todo esto a La Gracia?
Fueron unos momentos complicados, de aguantar ahí con el estómago frío. El trabajo lo tienes en caliente, lo estás empezando a sacar, a presentar y nunca se había dado una situación como esta, con la que al final, terminas un poco sobrepasado con ese limbo, con esa incertidumbre. Sí que lo estuvimos presentando de manera digital, pero claro, cero contacto humano, presencial incluso entre nosotros mismos. A mí, por ejemplo, el confinamiento me pilló en Madrid, pero justo en el momento en el que me iba a Málaga, y ya no volví. Pero Rober y Chema están ahora mismo en Madrid. Estamos continuamente en contacto a distancia, hasta que pueda llegar el día en el que podamos ensayar. Y esperando, simplemente esperando.
Dentro de las posibilidades que tenemos, ¿cuáles serán un poco los próximos pasos de La Gracia?
Pues tenemos intención de hacer un concierto de presentación del EP en febrero, a ver qué lugares de Madrid están disponibles. Estamos barajando la posibilidad de hacerlo en La Palma o en Maravillas. Tenemos, de hecho, fecha en mente, pero a ver cómo evoluciona todo. Y a partir de ahí, ver qué opciones tenemos, qué otros conciertos podemos hacer. Pero no sabemos a ciencia cierta todo. De manera paralela, yo ya estoy escribiendo cosas, maquetando algunos bocetos para poder mirar con ellos en tener oportunidad. Pero a ver qué pasa, toca ir al día.
¿Qué canción de La Gracia identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
Pues quizás «Atrás», que es una canción así con mala baba, pero en realidad es bastante valiente. Aunque no se vea el horizonte, no hay que mirar atrás, hay que seguir hacia delante. Esta sería como nuestra canción de resistencia.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
En mi caso, después de hacer muchísimas cosas a nivel de curro e incluso vivir en el extranjero, yo tenía ya claro que quería dedicar mucho más tiempo a la música. Y es eso, quizás la mayor locura cometida por la música, es no poder abstenerte de ella. Es como un buen veneno, que no puedes desengancharte de ella. El intentar encajar el resto de cosas de tu vida con ella, teniendo la música siempre un rango superior.
Un año más, el Madrid Jazz Fest! aterriza en la capital durante todo el mes de noviembre. Una cita ineludible en la que viajaremos a través de los lenguajes y universos sonoros de los propios artistas. Por ello, el CentroCentro se convertirá en el punto de encuentro perfecto para amantes, no solo del jazz, si no de la música en general. Y, por supuesto, en este increíble cartel no podía faltar la violonista Maureen Choi, que el 6 de noviembre arrasará e impresionará a todo Madrid. Tal es así que ya ha agotado todas las entradas para esta fecha de lo más particular.
El virtuosismo de Maureen Choi en Madrid
Es uno de los grandes descubrimientos musicales y es que desde que llegó a España, la violinista norteamericana de origen coreano Maureen Choi no ha dejado de revolucionar el panorama de la música improvisada. Inspirada por los ritmos y sonidos de la diáspora española, la música clásica, y el jazz, describe su música como «jazz español de cámara».
Una intensa búsqueda de sí misma, de su voz, de su música, rompiendo todo tipo de estereotipos de género tomaron forma en «Ida y Vuelta» (2015), el primer disco con su cuarteto actual: Daniel García al piano (España), Mario Carrillo al contrabajo (España) y Michael Olivera a la batería (Cuba). Seis años de trabajo, más de 400 conciertos por toda España, tres giras por Estados Unidos y unas excelentes críticas de la prensa especializada como Downbeat o All About Jazz después, la banda ha conseguido un alto nivel de madurez, interconexión, sutileza y musicalidad. La habilidad de Maureen para conectar emocionalmente con el público a través de su violín no tiene parangón; y su nuevo álbum «THEIA» es el mejor ejemplo de ello, la consecuencia directa de esta evolución musical de la formación.
Sin duda, un concierto de lo más especial, una experiencia extrasensorial que merece la pena vivir, sentir. Así que no faltéis el viernes 6 de noviembre, porque tenemos cita en el Madrid Jazz Fest!, celebrado en CentroCentro. ¿Nos encontraremos?, ¿os dio tiempo a coger vuestra entrada antes de que todo se agotara?
Ya podemos decir que «Cero» está en la calle, ya es nuestro el segundo adelanto de la banda madrileña 51 Grados. Una canción grabada en las entrañas de Estudio Find Us por Kike H, y mezclada y masterizada por José Caballero en Neo Music Box. Una canción que, como agua de mayo, llega que ni pintada en unos momentos convulsos y repletos de incertidiumbre. Y es que «Cero» habla sobre el crecimiento y desarrollo del individuo en un mundo que está patas arriba, reflexiona sobre cómo encontrar el camino correcto para encajar en él.
Una compleja dicotomía entre lo que somos, lo que debemos hacer y lo que se espera de nosotros. Especialmente, cuando el mundo en el que vivimos ridiculiza los aspectos más nobles del ser humano, visibilizando solo los más superficiales. Un mundo que te marca cómo pensar y cómo sentir, cómo no salirte de la norma. Un mundo en el que, inevitablemente, terminas aceptando todo por inercia, pero más por miedo a ser excluido. Una sociedad de autómatas, en vez de individuos libres.
¿Qué ocurre cuando el alma ha perdido su voz y nuestras sensaciones más viscerales controlan nuestros deseos y decisiones? Soñar puede ser la semilla de todo cambio.
2020 comenzó cargado de esperanza y de nuevos planes para la banda. Sin embargo, llegó el mes de marzo y truncó inevitablemente todos nuestros planes. Pero la capacidad de reinventarse siempre es más grande. Eso es lo que hicieron 51 Grados que, en pleno confinamiento, publicando su primer single «Puzzle». Y hasta ahora, que ha llegado el segundo, «Cero». De esta manera, los madrileños irán presentando su inmimente nuevo EP, canción a canción. Un nuevo trabajo discográfico con el que la formación comenzará una nueva etapa y en el que expondrán la madurez y fuerza de este potente proyecto.
En medio de todo este caso, seguimos con la radio encendida, dejando que la música nos salve día a día. Y en medio de todo este panorama, ha llegado a nuestras manos un EP de lo más especial: «Some Kind Of Portrait» de Eva McBel. Es curioso porque a la artista aragonesa la conocimos de casualidad hace un par de años cuando las salas de Madrid eran nuestro segundo hogar. La vimos por primera vez en Siroco junto a Dan Millson y, lo cierto, es que flipamos con su voz. Y hasta ahora, momento en el que nos disponemos a explorar su gran debut. ¿Os atrevéis a adentraros en su particular universo?
La llegada de «Some Kind Of Portrait» de Eva McBel
Dos años de intenso trabajo han dado como resultado un EP debut, un EP debut, un EP que lleva por título «Some Kind Of Portrait». Un trabajo que iremos desgranando a continuación, aunque la mejor prueba siempre es escucharlo. Cinco canciones que definen a la perfección quién es Eva McBel y de dónde viene. Y que, por supuesto, ha sido concebido con la inestimable ayuda de Pablo Estrella y David Adkinson, a la producción.
«Little Boy» abre este trabajo, siendo el tema perfecto sobre el que la artista ha construido su sonido, una sonoridad muy particular que en palabras de la artista, le recuerdan a su hermano, persona por la que compuso esta canción.
Seguidamente, tenemos «Two Truths and a Lie» interpretada junto a St. Woods, un gran artista y amigo de la zaragozana: «una canción que trata sobre la poca responsabilidad afectiva a la que me he tenido que enfrentar en mis relaciones personales». El título del tema hace referencia a un juego, en el que tienes que decir dos verdades y una mentira, y la otra persona tiene que adivinar cuál es la mentira.
«Blurry Love» es la tercera y probablemente la más oscura del EP, ya que trata sobre las relaciones tóxicas intrafamiliares, en las que se vuelve muy necesario romper con todos los esquemas preestablecidos, con esa extendida creencia de que todo vale por el simple hecho de ser familia: no, hay comportamientos nocivos que bajo ninguna circunstancia hay que tolerar. Y este tema es el himno ideal.
Después viene «The Top»: nada que decir sobre ella más que lo que podemos escuchar. Simplemente, una joya y, sin duda, el tema favorito de la artista. Finalmente, poniendo punto y final al disco, tenemos «Agua Dulce». Canción sencilla, a guitarra y voz, que nos lleva al pasado, a los inicios musicales de Eva McBel.
Era un concierto de lo más esperado y nosotros no nos lo quisimos perder. Ana Tijoux llegaba a Madrid para acortar distancias entre Chile y España. Y vaya si lo consiguió. El Teatro Fernando Rojas del Círculo de Bellas Artes tembló al son de las canciones de la polifacética artista, que dio un gran espectáculo. Concierto de lo más especial que estuvo enmarcado en el ciclo musical «Frontera Círculo» y en el que no faltó ninguno de sus grandes temas, ya convertidos en himnos.
Ella, que no falla, volvió a dar voz a los invisibles, a todos los sometidos, a todos los callados. Ella, que no falla, volvió a ser la máxima defensora de la mujer y de su lucha por la igualdad. Y, por supuesto, ella, que no falla, volvió a ser el grito que América Latina necesita en su batalla en pro de la libertad. Y es que, sin duda, Ana Tijoux es una de las grandes referentes musicales del siglo XX y del XXI, utilizando el hip hop como herramienta para remover conciencias, su mejor arma para combatir contra las desigualdades, siendo el pueblo el único capaz de cambiar las cosas. Ejemplos de todo ello son sus temas «Libertad» (de la BSO de «Pacto de Fuga»), «Antifa Dance», «No Estamos Solas» (de la serie «La Jauría»), «Cacerolazo», «Somos Sur» y, por supuesto, su último single «Rebelión de Octubre».
Toda una vida de activismo y lucha que comenzó con su banda Makiza y que la llevó a seguir peleando en solitario, alzándose como una de las figuras indispensables de nuestro panorama musical, siendo capaz de traspasar fronteras y océanos, y de convertir sus canciones en himnos comunes. Un intenso trabajo que le ha valido grandes reconocimientos, como un Latín Grammy (2014) o varias nominaciones en los MTV Awards, MTV Vídeo Music Awards, Indie Music Awards y Premios 40 Principales.
Su figura, se ha tornado ya indispensable en nuestra sociedad. Una figura capaz de desprender magia por todos sus poros. Una figura capaz de inundar todo un teatro, en uno de los momentos más complicados y crueles que estamos atravesando. Y es que solo ella pudo hacer vibrar, hacer temblar a todo el Círculo de Bellas Artes.
Su música es el combo perfecto entre el inglés y el español. Su música atraviesa otras artes hasta llegar al cine o a la televisión. Su música es la unión indisoluble entre Yuri Méndez, él; y Pájaro Sunrise, su proyecto. Hace unos días nos adentramos aún más si cabe en el particular universo de este artista, que ha lanzado recientemente sus dos nuevos temas: «Barcelona» y «Madrid». Andéntrate tú también, leyendo la entrevista que le hicimos.
¿Cómo surgen estas dos nuevas canciones , «Madrid» y «Barcelona»?
Pues cada una de ellas surge de una forma. Sí que es verdad que desde hace un tiempo tengo la idea de dejar de hacer canciones en inglés, como todas las de Pájaro, para comenzar a escribir temas en español, por tener opción también de estar aquí y entrar en radios, además de porque es algo que me gusta. Entonces, el año pasado me atreví con ello. Ya durante el confinamiento, me puse a grabar algunas de las canciones. Y hubo un día que, haciendo otras cosas, me acordé de que tenía la canción de «Barcelona» en el ordenador y decidí sacarla, con su respectivo videoclip. Para ello, pedí a la gente que me enviaran fragmentos de vídeo desde sus casas. La saqué justo en este momento porque era una situación extraña y me pareció buena idea, en vez de esperar a tener un disco.
Respecto a «Madrid», este tema forma parte de la banda sonora de una película que se llama «El arte de volver», de Pedro Collantes, que se estrenó hace apenas unas semanas. De hecho, la canción tiene mucho que ver con la temática. Además, me pareció buena idea sacarla ahora al hilo del film, que estaba en el Festival de Cine de Venecia; y porque seguía mucho con la tónica de mis temas, del hecho de usar lugares como inspiración. «Madrid» habla de la ciudad, pero también puede hablar de una persona.
Precisamente quería preguntarte si estas dos ciudades tenían alguna simbología para ti y si escucharíamos alguna canción más en esta línea.
No me gusta mucho interpretar las canciones ni darles una explicación concreta, porque si no no las escribiría. Para mí son como una amalgama de recuerdos, ambientados tanto en la ciudad como de personas que han estado allí o de cosas que me han sucedido en el lugar. Aunque la ciudad es el hilo conductor, lo que intento trasladar son mis propias sensaciones sobre Madrid o sobre Barcelona.
Comentabas que «Madrid» forma parte de la banda sonora de «El arte de volver». ¿Cómo has vivido el hecho de que contaran contigo para ello?
Lo he vivido bien (risas). En realidad, ha sido la segunda película para la que he hecho una banda sonora entera. Y es que, además de tocar con Pájaro Sunrise o de producir, a lo que dedico la mayor parte del tiempo es a hacer música para publicidad o cosas de televisión. Así que en este caso no está muy lejos de eso, salvo por el gusto de hacerlo y por el cariño invertido en el proyecto por parte de Pedro Collantes y por parte de todo el equipo de la película. La verdad es que fue muy halagador participar, porque la música es algo que importa mucho. También es cierto que supone una gran responsabilidad, pero me gusta mucho. Hacer bandas sonoras no lo veo como algo ajeno, es algo a lo que me dedico desde hace mucho tiempo, así que trabajo con mucho placer.
¿Cómo es el proceso de creación y composición de las canciones de Pájaro Sunrise?
En realidad no hay ningún método, depende mucho de las épocas. Es cierto que al principio, era muy sencillo, porque cogía una guitarra y me ponía a tocar, hasta que encontraba algo que me gustaba y seguía por ese camino. Así hasta que me he ido acostumbrando, que he ido tocando otros instrumentos o que he ido experimentando con otros sonidos, ha variado. Si me pilla en un momento en el que estoy obsesionado con las cajas de ritmos, probablemente termine montando canciones encima de ellas. Creo que necesito que vaya cambiando la forma de componer, para no aburrirme. Para mí tiene mucho de juego y al final, se trata de montar y desmontar las piezas de diferentes formas.
¿Y cómo ha evolucionado Pájaro Sunrise desde su primer trabajo en 2006 hasta ahora?
La pregunta es más difícil de lo que parece (risas). Hay algo muy distinto y es que cuando nació Pájaro, empecé con Pepe López. Entonces hay una parte de las canciones que hacíamos entre los dos, además de que cualquier cosa, teníamos que consensuarlas. Sin embargo, poco después continué yo solo con el proyecto, más allá de las colaboraciones en paralelo que pudiera tener. Ya solo dependía de mí qué sí y qué no entraba en los siguientes discos. Algo debería haber aprendido algo desde entonces, porque han pasado muchos años. Pero creo que lo esencial permanece intacto. Es una sensación que, comentándola con amigos, a todos nos pasa, y es que el tiempo pasa por ti, porque pasa, pero tú te sientes igual. Por eso digo que para mí es el mismo proceso y como te comentaba, es como jugar a un mismo juego, pero cambiando las piezas, experimentando. Pero no sé hasta qué punto hay más cambio que el cambio natural de los años. Y es que, al final, la música también cambia y me he ido moviendo un poco al son de eso.
¿Cuáles serán los próximos pasos de Pájaro Sunrise?, ¿podremos escuchar algo nuevo próximamente?
Pues no tengo ni idea de lo que voy a hacer. Sí que habrá canciones nuevas, ya que mi idea este año es escribir y grabar. Sí que voy teniendo cosas, lo que no sé es qué pasará y qué podré hacer tal cual está la cosa por culpa de la pandemia, ya que hay todavía mucha incertidumbre con el tema de los conciertos. Por eso no veo mucho sentido a hacer un plan, si no sabemos lo que podremos hacer ni cuando. Así que mi idea hace un mes, que puede cambiar el mes que viene, era seguir haciendo canciones sueltas sin mucho plan. También creo que eso es un poco lo de menos, también por cómo veía el panorama independiente previamente a la pandemia: al final, da igual que vayas sacando singles sueltos o que publiques un disco. Si ocurren las cosas que tienen que ocurrir para que lleguen al público, seguirán su propio camino. Todo lo demás es independiente. Por eso yo prefiero dejarme llevar y no me preocupa nada.
¿Qué canción de Pájaro Sunrise identifica mejor el momento en el que estás y por qué?
No sé si define el momento en el que estoy yo, pero hay una canción que se llama «This Vision». Es una canción oscura que habla sobre cosas que se terminan y sobre el no saber qué viene después. No estoy en ese momento del todo, porque no me siento oscuro, pero sí que veo oscuro el panorama, que está plagado de incertidumbre.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
¿Por la música? Probablemente invertir toda mi vida (risas). Hubo un momento con 21 o 22 años, que decidí que quería tocar y prácticamente no sabía hacerlo (risas). Pero dejé de estudiar, me marché de León, que es donde nací, y me fui a Madrid sin conocer a nadie. Solo sabía que quería dedicarme a la música. Al final salió bien, pero en ese momento fue una auténtica locura.
Es una de las grandes referentes femeninas del panorama musical internacional. Ella es la eléctrica, potente y activista Ana Tijoux, que llega este mismo sábado 17 de octubre directamente desde Chile hasta España. Madrid acogerá uno de los conciertos de la talentosa rapera, compositora, letrista y arreglista chilena. Y es que, para quien todavía no lo sepa, Tijoux actuará en el Círculo de Bellas Artes, en el circuito musical Frontera Círculo.
Ana Tijoux como referente musical
La conocíamos junto a su banda de rap Makiza, con la que luchaba activamente contra el régimen militar chileno. Sin embargo, poco después pegó el salto en solitario. Era el año 2007, y su discurso, su lucha por el feminismo y su activismo permanecían intactos. Una base en la que se ha sustentado toda una carrera que no ha hecho más que cosechar éxitos: cuatro álbumes de estudio, un Latín Grammy (2014) y varias nominaciones en los MTV Awards, MTV Video Music Awards, Indie Music Awards y Premios 40 Principales. Sin olvidarnos de un quinto trabajo discográfico y un primer libro de poesía en camino.
El ciclo Frontera Círculo
Frontera Círculo nace como sello en 2009, con la intención de abrir las puertas del Círculo de Bellas Artes a esa música fronteriza e independiente que transita en paralelo a los canales convencionales de producción, distribución y exhibición musical. Desde ese momento, el sello no ha dejado de evolucionar hasta este momento, generando tras de sí todo un movimiento y todo un circuito que trata de acercar al público a unas propuestas musicales mestizas, fronterizas, variadas. Una especie de festival en patito comité que este año, contará con la presencia de nuestra querida artista chilena o la de Susan Santos.
Así que sin más dilación, recordamos que este sábado 17 de octubre tenemos cita en el Círculo de Bellas Artes con Ana Tijoux. Si no tienes tu entrada todavía, ¡corre! Puedes conseguirla en Eventbrite (puedes pinchar aquí).
La Sala Rockville de Madrid tembló el pasado miércoles 7 de octubre al ritmo de Cives. No estuvieron solos tampoco, pues compartían cartel con el músico y compositor Marc Wile. Una cita ineludible, un acierto total el haber acudido. Y más en los tiempos que corren, en los que es más que imposible que un concierto salga adelante y no se cancele. Pero ellos salieron adelante, consiguiendo a su vez, enganchar y arrasar con todo el público; además de quemar toda la ciudad.
Pero, ¿quiénes son Cives?
A golpe de rock noventero y ciertos toques pop, Cives nació en el corazón de Madrid en 2018. Era el surgimiento de una nueva banda, pero con la experiencia y el recorrido de quien ya ha estado previamente sobre los escenarios. Mucha carretera y muchos conciertos llevaban ya a sus espaldas todos y cada uno de los miembros de esta nueva formación.
Sin embargo, con Cives ya en marcha, Bea Lacher (guitarra), Jara Carrasco (voz), Carlos Bravo (bajo) y Josu Fernández (batería), comenzaron a trabajar, comenzaron a marcar la incipiente senda de la banda, que dio sus primeros coletazos con los singles que lanzaron a finales de 2018: su particular versión del «Bella Caio» y la canción «No Pido Nada». Primer paso que, poco a poco, fue dando forma a «Incendio», el EP debut de los madrileños. Trabajo concebido bajo los mandos de Diego Gila y que irrumpe, de manera muy potente en el panorama: y es que no solo han tenido oportunidad de presentarlo en diferentes escenarios, con él también han conseguido una merecida nominación en los Premios MIN.
Actualmente, aunque se encuentran trabajando en su próximo álbum, Cives no ha perdido la oportunidad de seguir presentando «Incendio», aún con la complicada situación que está viviendo la música. Y aunque el de la Rockville haya sido uno de los pocos conciertos de 2020, ha sido una auténtica sorpresa.
Malos tiempos para la música en directo, a la que le cuesta levantar cabeza tras la crisis provocada por el coronavirus. Y es que no hemos dejado de ver cómo caían conciertos o se posponían giras. Entre ellas, la de Larkin Poe, a las que deberíamos haber visto este mismo 2020 o, a las malas, a principios de 2021. Sin embargo, este acontecimiento finalmente tendrá lugar a finales del próximo año. O al menos esperamos que así sea y que nada más lo termine impidiendo.
De esta manera, las nuevas fechas en las que podremos ver a las reinas del blues-rock, serán las siguientes: el 12 de noviembre en la Sala Apolo de Barcelona, el 13 de noviembre en la Sala Cats de Madrid y el 14, en la Sala Jerusalem de Valencia. La mala noticia es que el concierto previsto en la ciudad de Santander queda suspendido, por lo que el importe de las entradas se devolverá automáticamente.
Las ansiadas presentaciones por Europa de Larkin Poe
Si algo va a traer esta nueva gira por Europa de las hermanas Lowell es que aprovecharán para presentar sus dos nuevas creaciones. Por un lado, su trabajo discográfico «Self Made Man», que vio la luz el pasado mes de junio, tras un periodo muy complicado de confinamiento. De hecho, en propias palabras del dúo: «La música es un poder puro que en tiempos difíciles puede galvanizar tu corazón y ayudarlo a elevarse; todo lo que tienes que hacer es cantar a la energía curativa de la música». Un disco increíble que llega a ritmo de gospel y blues.
Por otro lado, también llevarán al directo su primer álbum de versiones «Kindred Spirits», en el que se han aventurado a interpretar temas ajenos, en temas que han formado parte de la banda sonora de las hermanas. Un divertimento que siempre han potenciado en su canal de YouTube y que esta vez ha dado lugar a una colección de covers desnudos y crudos de canciones clásicas y también de nuevas composiciones suyas. «Al grabar ‘Kindred Spirits’ nuestra admiración por los artistas que originalmente crearon e interpretaron esos temas floreció en una reverencia aún más profunda».
Con esta perspectiva, las ganas de volver a ver a Larkin Poe solo pueden ir en aumento.
Una de nuestras bandas favoritas y gran descubrimiento de los últimos años, está de vuelta. Delaporte están de regreso y lo hacen con «Las Montañas», tema que estará incluido en el nuevo trabajo de estudio del dúo, llamado de la misma forma. Trabajo que se materializará el próximo 16 de octubre.
Sin duda alguna, una larga espera que merecerá la pena. Merecerá la pena porque hemos seguido muy de cerca el proyecto de Delaporte, viendo cómo crecía día a día. Y porque con este videoclip, cuyo making off presentamos en Verdadera Locura, se firma una gran vuelta: una manera de irrumpir de nuevo con la mayor de las fuerzas. El videoclip de «Las Montañas» ha significado un gran paso para Sandra y Sergio, en cuanto a calidad y evolución. Experimentación, nuevos sonidos y trabajo de calidad, tanto musical como visual.
Una nueva etapa de Delaporte, se abre paso con «Las Montañas»
Con ritmo lento y oscuro, «Las Montañas» es una canción que está cargadísima de emociones e intensidad. Con miles de matices ocultos, el single denota una maduración latente en el dúo, que experimenta por nuevos pasajes. Además, supone el resumen perfecto del álbum que está por llegar y cuyo objetivo es superar toda forma de opresión que impide construir una identidad libre, amar a quien quieras amar, y desarrollarte como la persona que quieres ser y con la que te identificas. La subida a una montaña como signo de superación y de lucha contra las fuerzas opresoras.
Videoclip de lujo junto a Eduardo Casanova
Calidad insuperable y trabajo de infarto, junto a un director increíble como es Eduardo Casanova, quien ha cuidado al detalle la fotografía del vídeo. El vídeo perfecto, que nos muestra a una Sandra desnuda y liberada, que no duda en pactar con el diablo, para que le ayude a subir a la cima. Todo ello, mientras se desprende de lazos rosas, que suponen la purificación de toda esa sumisión y opresión a la autoridad.
Hoy, tenemos el enorme placer depresentar el making off de «Las Montañas» en Verdadera Locura, grabado por un gran profesional como es Jaime Massieu. ¿Qué se esconde tras las cámaras? Dale al play y disfruta.
Precisamente ha sido este año cuando ha visto la luz vuestro primer EP homónimo. ¿Cómo surge el concepto de este trabajo?
¿Cómo ha sido la acogida del público?, ¿cómo han sido las primeras reacciones?
¿Cómo es el proceso de creación y composición de las canciones de Pájaro Sunrise?
De esta manera, las nuevas fechas en las que podremos ver a las reinas del blues-rock, serán las siguientes: el 12 de noviembre en la Sala Apolo de Barcelona, el 13 de noviembre en la Sala Cats de Madrid y el 14, en la Sala Jerusalem de Valencia. La mala noticia es que el concierto previsto en la ciudad de Santander queda suspendido, por lo que el importe de las entradas se devolverá automáticamente.