Ya podemos gritar bien alto que Fulcanelli están de estreno, y es que «El Universo Observable» acaba de irrumpir en nuestras vidas como un verdadero ciclón. Un nuevo y ansiado álbum, compuesto por diez temas que nos prometen viajar a través del particular cosmos de la banda barcelonesa. Ya el propio título indica esa enorme dimensión que abarca este trabajo: desde ese universo que lo engloba todo, hasta la palabra observable que no hace más que poner en evidencia las limitaciones de nuestra mirada. «La única manera de ampliar el horizonte es a través de la curiosidad, esa pulsión innata que nos empuja a buscar respuestas que nos llevan hasta nuevas preguntas. Lo que somos capaces de ver (conocer) a día de hoy es más que lo que veíamos ayer y menos de lo que veremos mañana».
Pues «El Universo Observable» es la síntetis de estas diez complejas preguntas, en forma de canción. Intentar saber quiénes somos a través de ciertos lugares comunes: las relaciones, los desengaños, los objetivos alcanzados, los sueños aún por cumplir. Y a la vez imaginar quien queremos ser, a través del deseo innato de conocer, para poder afianzar lo verdadero y desterrar las cosas que una vez creímos pero resultaron ser falsas.
Un disco de lo más especial que ya tuvo su primera toma de contacto el pasado 15 de mayo en Barcelona, pero que seguirá recorriendo ciudades y escenarios como la Sala Siroco de Madrid (5 de junio), la Sala Creedence de Zaragoza en el Día de la Música (19 de junio) y el Café del Teatre de Lleida (18 de septiembre), a falta de más fechas por confirmar.
Hace algunos días, pudimos hablar con ellos, para que nos dieran todos los detalles que se esconden tras el proyecto y tras este nuevo disco. Además de avanzarnos los próximos pequeños pasos de Fulcanelli. ¿Os atrevéis a adentraros en su particular universo sonoro?
Tras una larga trayectoria como músico y artista en bandas de la talla Brighton 64, Matamala o Top Models, Ricky Gil emprendió su carrera en solitario, publicando recientemente su primer álbum, «Infinites rutes invisibles». Un disco en el que se ha rodeado de una formación de lujo, como son los Biscuit. Tal es así que el próximo 22 de mayo presentará el debut de su estrenado proyecto personal en la sala La Nau de Barcelona.
Aprovechando, hablamos con él hace algunos días y esto es lo que nos descubrió de este «Infinites rutes invisibles».
¿Cómo nace el concepto de «Infinites rutes invisibles»?
Nace de la necesidad que siempre he sentido de expresarme a través de la música y de las canciones. En esta ocasión, surgió de una manera muy especial porque, debido al confinamiento, tuve tiempo para concentrarme en la composición.
¿Cómo recuerdas todo el proceso creativo y compositivo?
Al principio fue un proceso solitario, fui madurando algunas ideas y melodías que se me ocurrían y fui terminando las canciones con la guitarra acústica y con el piano. Mi equipo de grabación de estas primeras maquetas fue el teléfono móvil. ¡Nada sofisticado! Estas grabaciones son las que envié a la banda para que escucharan las canciones.
¿Cómo ha sido la acogida de este primer trabajo en solitario?
Estoy muy feliz por la reacción de la gente, parece que está gustando mucho. También han salido buenas críticas en la prensa. De todos modos, aún es pronto para hacer una valoración porque el disco acaba de salir.
Para este nuevo proyecto musical, te has rodeado de una banda de primer nivel, los Biscuit. ¿Cómo ha sido trabajar con ellos?
La ventaja de hacer un proyecto en solitario es que puedes rodearte de músicos mucho mejores que tú, ¡no tendría sentido buscarlos peores! Pero luego necesitas que te digan que sí, y yo tuve la suerte de que los Biscuit enseguida se involucraron. Trabajar con ellos ha sido muy fácil, tenemos los mismos referentes musicales y sobre todo compartimos el enfoque a la hora de afrontar los ensayos, los arreglos, las grabaciones y los directos.
Has formado parte de bandas como Brighton 64, Matamala o Top Models. ¿De qué manera has volcado toda esa experiencia previa en este proyecto?, ¿cuál es el mayor aprendizaje que te llevas de todo ello?
Todo ese bagaje se nota en lo que haces, aunque en esta ocasión he intentado dejarme llevar por la música, no ceñirme tanto a las pautas definidas que suelen tener los grupos. Tocando en estos grupos lo he aprendido casi todo. El rock’n’roll es como una escuela en la que no solo hay momentos de frenesí y desfase sino que aprendes a relacionarte con los demàs y, si tienes curiosidad por las cosas, descubres el mundo de un modo bastante peculiar.
El próximo 22 de mayo presentarás tu trabajo en la Sala Nau de Barcelona. ¿Cómo afrontas esta presentación y de qué manera te has tenido que adaptar a la nueva normalidad musical?
Tenemos muchas ganas de tocar las nuevas canciones en directo y vamos a presentarlas en Barcelona con la banda al completo y muchísima energía. Las condiciones no son las mejores por las consabidas medidas, pero creo que tanto los grupos como el público agradecemos que se pueda celebrar un concierto. Aunque siempre con el deseo de que algunas cosas puedan ser como antes y haya más libertad de movimientos.
A pesar de la incertidumbre del momento, ¿cuáles son los próximos pasos o planes de Ricky Gil, más allá de la presentación del 22 de mayo?
Continuar con la promoción del disco, tocar en directo y en un futuro tal vez plantearme una nueva grabación en solitario. Para el año que viene habrá muchas novedades con mi grupo de siempre, Brighton 64.
¿Qué canción identifica mejor el momento en el que estás y por qué?
Mi canción favorita del disco es «En una altra vida». Con un tempo algo más lento que las otras, larga y atmosférica, así es como me siento en la actualidad.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Hay muchas. Una vez toqué en un transatlántico anclado en el puerto de Barcelona. Tal vez fue el momento más raro de toda mi carrera. ¡No me preguntes cómo llegué hasta allí porque no me acuerdo!
Desde la tranquilidad que te da el estar en tu habitación, sin ruido externo que te pueda distraer; y con la imposibilidad de salir demasiado a causa del virus. Así es como la música termina convirtiéndose en el gran refugio de muchos de nosotros. Aunque hay quien tiene un talento desmesurado y va más allá, creando y dejando volar su mente. Como resultado, terminan saliendo pequeñas grandes joyas musicales como «Canciones que hice en mi habitación», el esperadísimo álbum debut de Sebastián Cortés.
Ahora, la pregunta que ronda nuestras cabezas es, ¿quién es Sebastián Cortés? Con un estilo DIY (‘Do It Yourself’) y con ganas de comerse el mundo, este joven artista ha revolucionado todas las plataformas digitales, a golpe de música. Y es que sus canciones acumulan ya infinitas escuchas y más de 570.000 oyentes mensuales en Spotify y cifras similares en YouTube. Normal su éxito. Eso es lo que pasa cuando llevas la sensibilidad por bandera y esta consigue traspasar todo tipo de fronteras. Sensibilidad que se refleja en cada nota y en cada letra. Y a todo ello, suma una programación musical detallista e impecable.
Acompañando el lanzamiento del disco, llegó el último single y videoclip «Cuando estabas aquí», tema que refleja esos inicios de Sebastián Cortés en la calle, en pequeños garitos, en múltiples castings. Una canción capaz de atraparnos desde el inicio, al más puro estilo indie pop melódico, con tintes y recursos del reggaeton, pero sin serlo.
Ahora llega el momento de presentar «Canciones que hice en mi habitación» en directo. Así es como el próximo 27 de mayo disfrutaremos de Sebastián Cortés en La Riviera de Madrid; y el 6 de junio en la Sala Barts de Barcelona. Con todas estas cartas sobre la mesa, no hemos querido perder la oportunidad de hablar personalmente con el artista, no solo para saber cómo afronta ambas fechas, también para conocer al detalle cómo nació este álbum. ¿Queréis saber más sobre él?
Tres años después de haber presentado su primer disco, diversos singles y una pandemia después, Ricci Nostra está de vuelta. Y «Fugaces» es la primera prueba de ello. Con este tema, el artista argentino afincado en Barcelona marca el inicio de una nueva etapa, que culminará con la llegada de su segundo álbum de estudio, que llevará por título «La maldición del amarre» y que verá la luz el 18 de junio.
«De imposible a posible, de repudio a plausible. Cambia todo en un pestañear, todo depende del cristal. Estaba en plena cuarentena tarareando esa frase guitarra en mano y como un aluvión emocional nace la letra y la melodía. Así la canción nació, y así quedó plasmada como una meditación viva y autobiográfica. Estamos viviendo un momento demasiado histórico y particular como para no aprender nada de ello. Todo pasa demasiado rápido como para gastar el tiempo en cumplir los sueños de otros. Hay que arriesgar, reír, llorar, besar, bailar, cantar, amar, volar, de eso va».
Esta canción reúne lo mejor del southern rock estilo The Black Keys, pero en castellano. Es un acto de rebeldía desenfadada ante todo lo establecido. Una invitación a explorar y reflexionar ante la nueva normalidad que nos ha llegado. El empuje que necesitamos para arriesgar, reír, llorar, besar, bailar, cantar, amar y volar, porque de eso va la vida.
La canción, como todo el disco, ha sido grabada y producida en el estudio La Masia Music Lab por Josep Vilagut y Scarlett, mezclada por Daniel Pernas y masterizada por Yvess Rousell. Y por si fuera poco, cuenta con los bajos únicos de Miquel Sospedra y las baterías inconfundibles de Xavi Molero.
En cuanto al videoclip que acompaña, se alza también como una auténtica joya. En él, Ricci Nostra hace un guiño muy marcado y especial al director Frank Darabont, de «Sueños de libertad». La productora italiana Arcobaleno refuerza la estética sonora del rock sureño, con una fotografía dura, casi cortante, con la que amplifica la potencia del mensaje.
Entre la música alternativa, el techno y el punk-rock. Géneros entre los que baila el trío barcelonés Popkillers ADJ, formado por JPopK, a las voces, letras y guitarras rítmicas; CC como guitarra solista; y DJ AMSS como creador de la música, la producción, live y como DJ. Y es que han irrumpido en nuestras vidas como un huracán, especialmente tras presentar su nuevo álbum, que lleva por título «The Longings of Others». Un regalo, que vio la luz el pasado mes de diciembre, y que fue grabado en diferentes estudios entre Barcelona, New York y Bogotá. Además, este trabajo busca glorificar los mas oscuros encantos de la mujer dándole su lugar en la sociedad y rechazando cualquier tipo de discriminación, abusos y diferencia de género.
Un nuevo paso para la banda catalana, cuyo recorrido y profesionalidad los avalan. Y es que han actuado en salas tan importantes como Kafe Antozokia en Bilbao, Sala MON en Madrid, La Rambleta en Valencia, Sala Apolo en Barcelona, Legend Club en Milan y el grandioso Estragon en Bolonia, compartiendo escenario con grande bandas como Pussy Riot o New Day. Una amplia experiencia en directo que volverán a demostrar en el próximo disco en directo que grabarán y publicarán dentro de muy poco tiempo, tan solo queda esperar. Un disco en el que se apreciará uno de los últimos conciertos que Popkillers ADJ ofreció en la Sala Apolo de Barcelona, espacio en el que colgaron rápidamente el cartel de entradas agotadas.
¿Vosotros los conocíais?, ¿qué os parece la electrónica y potente propuesta musical de Popkillers ADJ? Mucho ojito porque llegan arrasando con todo y pisando muy fuerte. Y estamos seguras de que darán mucho de lo que hablar en los próximos meses. ¿Estáis preparados para sumergiros en su universo tan particular y futurista de la banda?
Llegaron a nuestra vida hace relativamente poco, y es que los descubrimos a finales del pasado año con la llegada de sus dos singles «Live It Up» y «Cowboy Star». Pero es que ahora, Sons Of Med están de vuelta, con la que es su primera canción en castellano, «Greta». Un tema que llegó ayer y que volvió a contar con la producción de Carlos Dueñas (ArcticWave Studio). Un tema que, a su vez, también es el más bailable hasta la fecha del dúo. A ritmo de groove, funk y los sonidos synth pop con los que están empezando a experimentar, los de Barcelona vuelven a enamorarnos con esa personalidad y ese estilo que tantos los caracteriza.
Envolviendo toda esta capa de misticismo y personalidad que ya de per se tiene la canción, Sons Of Med también nos han presentado su videoclip. Una pieza audiovisual grabada en plano secuencia en un teatro modernista que cuenta con más de 100 años de historia. Un formato que capta de forma muy original el magnetismo y la fuerza de la canción. Un vídeo increíble, capaz de hacernos sentir todo un cúmulo de sensaciones y que, además, ha contado con todo un equipo de lujo. Desde la productora AfterliVe Films, que ha rodado el videoclip; hasta las actrices Asia Ortega («El internado las cumbres») y Paula Malia («Valeria»), en el papel de la mismísima Greta; pasando por el bailarín Diego Garrido (Izal o Estopa), diseñando toda la coreografía, denominador común, tanto del vídeo como de la propia canción.
«Greta» se presenta como la piedra angular que define a la banda y es el último avance antes de la publicación del esperado disco debut de Sons of Med, que verá la luz el próximo miércoles 13 de mayo. Cuenta atrás activada y deseando que llegue, mientras continuamos bailando a ritmo de esta nueva canción.
Un paso más hacia su nuevo álbum, que verá la luz en el mes de junio. «La misma gente» ya está aquí y We Are Mono vuelven a dar guerra, acercándonos aún más si cabe a las que serán sus nuevas composiciones. Y es que esta es ya la cuarta entrega de la banda, tras la llegada a finales de 2020 de temas como «A punto de estallar», «El genio interplanetario» y «Te sientes bien». Por supuesto, esta nueva pieza que llegó el pasado mes de marzo, ha llegado acompañado de su respectivo videoclip cuyo montaje, guion y realización corre a cargo deJorge Rodríguez. Una mirada atrás, un relato en el que la banda expone una visión nostálgica de cómo era el mundo antes de la pandemia. «Músicos en las calles, el trasiego de la ciudad, en definitiva, todo aquello que echamos de menos en el día a día».
De esta manera, los barceloneses asientan su sonido y nos dan una pista más del trabajo que está por llegar y que verá la luz este mismo verano. Un trabajo concebido poco antes de que estallara la pandemia en La Sextabaja – Blind Records (Barcelona), bajo los mandos de Roger Marín, a la producción; y Álvaro Balaña, quien se ha encargado de la masterización del mismo.
Sin duda alguna, un paso más y muy esperado en la distendida y amplia trayectoria de We Are Mono, que llevan desde 2002 batallando y luchando por este proyecto musical. Proyecto formado por Óscar Moon, Àlex Gutiérrez, Jonah A. Luke, Edwin Cruz, Ricard Monné y Leo Alcaraz, quienes personifican canciones con melodías coloristas, estribillos contagiosos y adictivos con una extraordinaria creatividad. Además, si algo los caracteriza es ese particular sonido Manchester, que tiene como grandes referentes a bandas como Suede, Arctic Monkeys, The Horrors, Interpol, Happy Mondays, Kasabian e incluso David Bowie.
En estas fechas convulsas, en las que celebramos el primer año del confinamiento a causa del coronavirus, también es momento de festejar el nacimiento de una de las bandas que más nos alegró este periodo y que más ha revolucionado todo nuestro panorama musical. Ellos son el trío barcelonés Stay Homas, que estos días han vuelto a la carga, tras anunciar que durante diez días consecutivos, nos regalarán diez temas inéditos. La manera perfecta de volver a sus raíces, a esa manera de hacer las cosas que tanto nos enganchó en su momento. «Una guitarra, objetos cotidianos de andar por casa, optimismo frente a la adversidad y mucho talento». Esta fue, precisamente, su fórmula mágica.
Una propuesta que arrancó el pasado 14 de marzo y finalizará el próximo martes 23. Diez días, diez temas nuevos y colaboraciones de escándalo. Una pequeña gran acción con la que han regresado a sus inicios. La terraza de Klaus, Guillem y Rai ha vuelto a convertirse en el escenario perfecto, el mismo que los encumbró y que los volvió virales, consiguiendo más de 30 millones de reproducciones en YouTube, más de 25 millones de streams en plataformas de audio y 400.000 seguidores en Instagram.
Por el momento, hemos podido disfrutar de «MF Homas Again», «Sin querer» junto a Rita Payés, «Avui plou» con Wild Front, «Colegas en el río» y «Dos besos» con Juanito Makandé. Pero tranquilidad, porque todavía quedan un par más por descubrir. La excusa ideal para anunciar también las primeras fechas de la que será la gira 2021 de Stay Homas, y que no solo los hará recorrer escenarios nacionales, sino que también los llevará a otros países. Por el momento, sabemos que disfrutaremos de ellos en ciudades como Girona, Mallorca, Valencia, Madrid y Barcelona; festivales como Vida Festival, Canet Rock, Share Festival o Vibra Festival; y países como México, Colombia, Argentina, Chile, Italia, Francia, Bélgica o Reino Unido. ¿Dónde nos encontraremos con ellos?
Había una gran expectación en torno a él. Una expectación, en gran parte, alimentada por los singles que nos han presentado hasta ahora, «Mi festival», «De cine» junto a Sidonie y «La belleza que nos salvará» en colaboración con Julián Saldarriaga, guitarrista de Love Of Lesbian y de Mi Capitán. Pero ahora ya lo podemos decir alto y claro: las puertas del «Bobo Club» ya están abiertas y Conttra nos han invitado a conocerlo desde dentro, desde las entrañas. Así es como, señoras y señores, ¡el «Bobo Club» queda inaugurado! ¿Estáis listos para descubrir todos los entresijos que rodean a esta pequeña gran joya, formada por 10 canciones?
Sin duda alguna, con este «Bobo Club», Conttra inauguran una nueva etapa en su carrera, sumando a su vez un nuevo trabajo discográfico y continuando un poco con la estela que comenzaron a marcar con su álbum debut homónimo, que llegó a nuestra vida en 2016; y, por supuesto, con aquel EP llamado «2050», que vio la luz en 2018. Una nueva era que, más allá de la evolución natural que todos experimentamos, se ha apreciado en un cambio de lo más significativo: el cambio de idioma a la hora de componer. Y es que sí, en este nuevo disco, los podemos escuchar cantar en castellano, en vez del inglés al que nos tenían acostumbrados.
«Un manifiesto de actitud y comportamiento ante la vida. Y no solo ante la vida, también frente a la industria musical, la realidad social o las relaciones personales. Diez canciones que dejan atrás, pero no olvidadas, influencias más rockeras con vocación de llenar estadios, para evolucionar hacia terrenos más bailables, sofisticados y un puntito glam, con vocación de incendiar las pistas del Bobo Club, su nuevo hábitat natural».
Ahora, aprovechando que ya podemos disfrutar largo y tendido del «Bobo Club», hemos charlado un ratito con Conttra. Y nos han contado todo esto: ¿quieres descubrirlo?
Es una de las bandas que el confinamiento nos regaló y desde entonces, no hemos dejado de seguir su estela allá donde van. Se trata de los barceloneses Ocata, a los que conocimos gracias a su trabajo «9 historias y 1 mentira». Un disco especial en el que cada canción del álbum cuenta la historia de una persona que hemos conocido durante los dos años de composición antes de grabarlo, aunque solo una de estas diez historias era mentira. Un disco especial, del que hace unos meses nos contaron lo siguiente: «es el primer disco en el que nos hemos encontrado un poco con el tipo de música y el tipo de letras que queremos hacer. Lo que queremos hacer es música pop, pura y llanamente. Y, sobre todo, contar historias».
Ahora, siguiendo la promesa que nos hicieron de que durante todos estos momentos complicados no dejarían de crear y componer, Ocata regresan y continúan desgranando este fantástico «9 historias y 1 mentira». Es por eso por lo que nos han presentado la nueva versión de «Madrid o Barcelona», un tema con mucha relevancia para la banda y que se alza como el último episodio de este disco. No han querido estar solos en la revisión de esta canción, por lo que han contado con la colaboración de Cala, una joven y talentosa artista, cuya voz empasta a la perfección con la del propio Vicenç.
Si todavía no habéis tenido la oportunidad de escuchar esta canción, vio la luz el pasado 19 de febrero en todas las plataformas digitales. Por supuesto, llegó acompañada de un especial y emotivo videoclip, que reúne diferentes imágenes de ambas ciudades y del proceso de grabación del tema, en el que volvieron a los estudios de Santos&Fluren. Sin duda, un diamante en bruto que con esta nueva revisión adquiere una dimensión completamente diferente, al sumarse en este caso, la voz de Cala.
La primavera de 2021 se alza ya como un pequeño faro de esperanza para todos y cada uno de nosotros. Curiosamente, será el momento en el que se cumpla un año desde que estallara por los aires el mundo tal y como lo conocíamos hasta el momento. Pero ya era hora de que eso pasara y de que comenzáramos a ver la luz al final del túnel, muy especialmente, gracias a la música. Los barceloneses Fulcanelli será una de las bandas salvavidas que nos den un pequeño gran rayito de vida, con el que será su quinto álbum de estudio, que llevará por título «El Universo Observable».
A los ansiosos se nos haría este camino un poco cuesta arriba si no fuera porque la formación catalana ya nos ha avanzado la primera pista de este nuevo trabajo discográfico. Hace apenas unos días vio la luz «Ciencia y ficción», el primero de los singles. Un tema que arranca con un interrogante en forma de bending de guitarra y que finaliza con la firme promesa de que «Te encontraré». El primer y más claro ejemplo de abordar la temática que rodeará al propio álbum, colocando así la curiosidad como el eje central de absolutamente todo. «Esa búsqueda interminable de respuestas que alimenta la naturaleza humana: la exploración, la interacción con el entorno y el aprendizaje». Pero, ¿cuál es el hilo conductor de todo ello? Mediante la historia épica de un ser insignificante que sueña con saberlo todo. Buscando el equilibrio imposible, pero necesario, entre lo tangible y lo espiritual, entre la ciencia y la ficción.
Un tema que huye de todo lo trascendental y que va más allá de lo que somos capaces de ver en nuestro día a día. Que nos ayuda a explorar toda nuestra capacidad sensorial, haciéndonos reflexionar. Un tema que acompaña a Fulcanelli desde el inicio, incluso desde el primer momento en el que escogieron su nombre, haciendo honor al misterioso escritor y alquimista francés. Un alquimia que, por supuesto, define la propia música de la banda, que bebe de fuentes tan dispares como el folk, el rock alternativo, la canción de autor o el post rock, géneros que a su vez se entremezclan con melodías melancólicas y guitarras atmosféricas.
¿Quiénes somos para juzgar qué está bien y qué no a la hora de elegir la forma de reclutar y mantener la compañía afectiva? Dejemos que cada cual encuentre, en ese sentido, su encaje en la sociedad.
Sorpresa la que nos dieron hace apenas unos días Bacon Radars, la banda balearun cartucho de rock libertino con melodías desafiantes que versa sobre las nuevas formas de consumir amor. Esto es «Troublemaker», su gran grito de guerra y primer avance de su primer larga duración «Keep the Lights Off», que verá la luz dentro de muy poquito. Sin duda, una potente canción, perfecta para ir abriendo bocas. Por supuesto, ha llegado acompañada de su respectivo videoclip obra de Cristina Tomás.
«Ese momento al final de la noche, cuando tus pies están en llamas y todo es jarana y diversión en el garito de turno… y van y encienden las luces. No, Bacon Radars se niegan a que llegue esa bajona de telón, la hora de volver a la realidad de tu vida cotidiana y responsable». Y este es, precisamente, el punto de partida de «Keep the Lights Off», el ansiado y gran debut del quinteto.
Un primer álbum que estamos seguras que dará mucho de lo que hablar. un disco que servirá como llamamiento a no darle del todo la espalda al ocio y al placer, porque ya empleamos demasiado tiempo al deber. Y es que en él, despliegan su incontestable tonelaje de guitarras afiladas, voces distorsionadas, y todas sus referencias cruzadas, que van desde el garage de Ty Segall al stoner y al rock progresivo, pasando por influencias como Foals, Cage the Elephant, Deerhunter o The Hives.
Aunque ahora llega el momento de su primer largo, Bacon Radars tienen una dilatada carrera, que los ha llevado a publicar diversos EPs y múltiples singles. Es ahora cuando Roger Abella (voces), Guillem Laborda (guitarra), Lluís Gelabert (guitarra y coros), Marc Fisa (bajo y coros) y Santi Arderiu (batería) culminan su aterrizaje en la escena rock con la llegada de este inminente «Keep the Lights Off».
