Categoría: Categorías

  • Second se pierde para reencontrarse en «Anillos y Raíces»

    Second se pierde para reencontrarse en «Anillos y Raíces»

    Hay música que, cuando se hace desde dentro, desde la raíz, llega hasta límites insospechados. Traspasando fronteras y emocionando a todo aquel que la escucha. Tener en nuestras manos un disco como «Anillos y Raíces» y poder hablar con sus creadores, es una gran fortuna.

    Hace algunos días, estuvimos con Second hablando sobre este último trabajo y sobre su carrera. Además, reflexionamos sobre la situación de la industria musical y sobre todo el talento que hay en Murcia.

    ¿Qué hay detrás de «Anillos y Raíces»?

    Sean. Cuando estamos componiendo las canciones y se te ocurre una idea, no eres consciente. Comienzas a crear sin ningún tipo de plan. Luego arreglas las canciones, las produces y las grabas. Y es entonces cuando te das cuenta de que siguen un hilo conductor. Y nos ha pasado un poco con este disco, era algo que comentábamos, de hecho. Parece que hemos encontrado a un Second del inicio, de la raíz, pero con muchas cosas ya aprendidas por el camino. Aprendizaje que se ha ido sumando a la mochila. Es un Second que bebe mucho de lo que era en su inicio, para actualizarse. Las raíces son la esencia y los anillos son la experiencia, como en el caso de los árboles, que representan la edad que tiene.

    Además, la idea de alejarse durante un año también tenía que ver con la intención de irse lejos, hacia las afueras, hacia la naturaleza. Nos gusta perdernos y encontrarnos a nosotros mismos. Aparte, tenemos varias acciones en mente que van más allá de haber impreso el disco en papel reciclado. Queremos reforestar un bosque que hay en Huelva y otro en Murcia. Todo va muy por ese concepto, por el respeto hacia la naturaleza.

    Nando. También es que una idea te lleva a otra, no sabes si es por casualidad o porque hay algo ahí arriba que maneja los hilos. Cuando comenzamos el encierro en una casa en plena naturaleza, hablábamos mucho sobre las composiciones que íbamos presentando cada uno. Y la verdad es que nos sentimos afortunados por encontrarnos en ese punto, alejados y en calma componiendo. Inspirados por todo ello, quisimos no solo lanzar un disco, si no realizar alguna acción que fuera mucho más allá de eso. Queríamos hacer nuestra pequeña aportación, ya que nos estamos cargando nuestro propio planeta.

    Octavo trabajo de estudio y muchísimo recorrido y experiencia. ¿Qué queda de los Second que comenzaron y en qué ha cambiado?

    Sean. Han cambiado muchas cosas. Por ejemplo, en el ritmo frenético en el que estamos completamente sumidos. Cuando antes publicábamos disco, teníamos demasiado tiempo para mirarlo antes de la primera entrevista [risas]. Ahora apenas lo hemos podido hacer. Por eso también queríamos parar, porque llevábamos 12 años metidos en el bucle de «gira, disco, gira, disco». Necesitábamos descansar y recuperar la ilusión hasta por esto, por explicar nuestras canciones y tocarlas de nuevo.

    Sin embargo, no hemos cambiado en muchas otras cosas importantes. Seguimos siendo los chavales ilusionados que empezaron hace años.

    Jorge. En eso, en encierro que tuvimos en la casa de campo fue fundamental. El pararse, el enfrentarnos de nuevo a nosotros mismos, el volver a hacer música y el divertirnos haciendo canciones.

    Sean. El estar allí relajados y sosegados, nos permitió crear de nuevo. Aquí paramos la máquina y nos encerramos.

    Nando. Es que hay discos que hemos grabado directamente en el estudio, sin apenas ensayar. Al final, no da tiempo a disfrutar de nada.

    Fran. El no parar, no te permite dedicar el mismo tiempo, no te deja mimar las canciones. Con el parón lo hemos notado: todo fluía mucho más y al final, nos plantamos con más de una treintena de ideas de canciones. Y luego a la hora de producir, nos hemos permitido el cuidar los detalles. Creemos que, sin duda, estos temas son los mejores de un amplio espectro y eso se nota. Los diez te llevan por diferentes estadios. En eso hemos ganado, sin duda alguna.

    Es complicado también lo que habéis hecho vosotros. Porque es ir completamente en contra de la industria musical.

    Nando. Sí, la verdad es que es arriesgado. Quieras que no, salir a tocar es nuestra principal fuente de ingresos. Pero tampoco fue un capricho, fue más bien una necesidad de la banda. Considerábamos que la gente también se lo merecía.

    Siguiendo un poco el hilo de este tema, ¿cómo veis el panorama musical actual y qué pensáis del auge de determinados géneros?

    Sean. Dentro de que creo que se valora mucho más la música hecha con el alma, es verdad que ha crecido muchos estilos de música que no tienen alma. Quizás es que no la entendemos.

    Nando. También depende mucho de cómo lo quieras mirar. Porque hay muchos grupos a nuestro alrededor que merecen mucho la pena y tienen mucho talento.

    Sí que es cierto que hay un choque brutal entre el auge de música que no dice nada y bandas con talento que comienzan a emerger.

    Sean. Claro, es que al final hay de una cosa, pero también hay de la otra. Al final, el punto está en poner el foco en el talento. Además, soy de los que piensan que poca gente, consigue cambiar muchas cosas.

    Hablando de talento musical, ¿qué pasa con Murcia?

    Fran. Siempre ha habido una movida musical bastante prolífica y bastante seria en Murcia. Tuvimos una época muy buena de salas de conciertos. También ha habido grupos que han marcado una época. Otras comunidades como Cataluña, han ido más a posteriori con bandas como Sidonie. En Murcia, hay muchos grupos que llevan creando historia desde hace mucho tiempo.

    Sean. Con todo este panorama favorecedor, lo bueno es que todos hemos ido aprendiendo de todos. Creo que todos nos hemos fijado en Farmacia de Guardia o en los mismos M-Clan. Y creo que nosotros también hemos sido ejemplo o inspiración. Ahora las nuevas generaciones, que vienen con mucha fuerza, se fijan en las bandas actuales. De hecho, hay una anécdota muy curiosa, que no sé si he contado. Viva Suecia se me acercaron un día en un bar de Murcia, ellos acababan de empezar. Me dijeron, «hola, ¿qué tal? tenemos un grupo que se llama Viva Suecia». Claro, en ese momento, les dije que no los conocía. A lo que me respondieron: «oirás hablar de nosotros». Y lo cumplieron [risas].

    Un titular que defina «Anillos y Raíces»

    Second se pierde para volver a encontrarse.

    Un escenario en el que no hayáis estado nunca.

    El Teatro Circo Price. Siempre lo veíamos muy lejano y nos encantaba. Y por fin, el 26 de enero, cumpliremos el sueño.

    Una banda o artista que acabéis de descubrir

    Steven Wilson, que viene de una banda noventera, llamada Porcupine Tree.

    También hemos descubierto a Villanueva, que no es reciente, porque lo descubrimos hace un año. Pero nos parece impresionante lo que hace.

    Y Claim, que también son geniales y se lo están currando mucho.

    ¿Qué es lo más loco que os ha pasado dedicándoos a la música?

    Bueno, hemos tocado en muchísimos lugares. Llegamos a tocar en la cárcel, de hecho. Es cierto que fuimos con algo de miedo al principio. Pero, al final, fue una experiencia diferente y un tanto curiosa. No dejaban de pedirnos temas rock y nosotros lo que acabamos haciendo, fue acelerar las canciones [risas]. Al final, fue todo bien, ellos lo que necesitaban también era evadirse un poco de todo.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Second?

    Tratar de dormir seis horas, por lo menos [risas]. De momento, tenemos previstas las firmas de discos y acústicos. Y a partir de diciembre, nos metemos de lleno en la preparación del directo en sí. Y ya a partir de 2019, comenzamos con la gira. Eso sí, con la intención de no dejar de aprender cosas nuevas. Y divertirnos mucho.

  • Larkin Poe o cómo revolucionar los cimientos de la música

    Larkin Poe o cómo revolucionar los cimientos de la música

    Directamente desde Nashville y al más puro estilo rock americano, Larkin Poe llegan a España los próximos 1 y 2 de diciembre, para remover los cimientos del blues, del country y del rock, tal y como los conocíamos. En plena gira de presentación de su nuevo trabajo, «Venom & Faith», las hermanas Lovell prometen no dejar indiferentes.

    Y es que, definitivamente, en este trabajo han encontrado su particular camino. Así lo comentaba Rebecca, en una entrevista que concedieron a Guitars Exchange: «El año pasado, Megan y yo hicimos un disco llamado Peach y fue el primero que co-producimos, solo fuimos nosotras dos en el estudio, con un ingeniero. Tocamos todos los instrumentos y fue una experiencia liberadora hacer algo así de básico, así que tomamos ese proceso y lo llevamos a la creación de Venom & Faith».

    Este verano, fueron la auténtica revolución de festivales de la talla de Lollapalooza y Bonnaroo. Y ahora, con nuevo trabajo en la calle, se lanzan de lleno en una gira que las llevará por toda Europa: Inglaterra, Alemania, Austria, Italia y España. Y es que con ese particular sonido, imposible no conseguir adeptos allá por donde vayan. Tratar de encasillar a Rebecca (voz y guitarra) y Megan Lovell (voz y lapsteel) es complicado. Y es que interiorizan lo mejor del country, del blues y del rock, les dan la vuelta y los hacen propios. Y si a todo ello, añades ritmos pop y ciertos detalles en la producción que trasladan al hip-hop, tienes la combinación perfecta.

    La visita de Larkin Poe a España

    Que Larkin Poe visiten España no es casualidad. Tales eran las ganas que tenían sus fans españoles de verlas en vivo que, así lo solicitaron a través de la plataforma Cooncert. Es por eso por lo que el 1 de diciembre actuará en la Sala Cool Stage de Madrid; mientras que el día 2, estarán en la Razzmatazz 2 de Barcelona. 

    Además, no estarán solas. Para la ocasión, han creado vínculo con una de las bandas españolas que más ruido está empezando a hacer, dentro de todo este panorama emergente. Joan Queralt & The Seasicks estarán con ellas, tanto en Madrid como en Barcelona. Los catalanes también aprovecharán para presentar los temas de su reciente trabajo, «Purple Cannon» (abril 2018).

  • Chloé Bird: «The Light In Between es un disco muy realista»

    Chloé Bird: «The Light In Between es un disco muy realista»

    Al fin ha llegado «The Light In Between», como una luz en medio de tanta oscuridad. Es el nuevo trabajo de Chloé Bird que, en contraposición a «The Darkest Corners of My Soul», se muestra como un trabajo mucho más realista. Además, es el primero que cuenta con la producción de Guillermo Quero.

    Hace unos días estuvimos hablando con Chloé y esto es lo que nos contó sobre su nuevo álbum

    ¿Cómo surge el concepto de «The Light In Between»?

    Yo nunca sé que voy a hacer un disco, ni cómo lo voy a hacer, hasta que estoy a punto de terminarlo. Nunca soy muy consciente del proceso de creación. Sí que es verdad que desde 2015 cuando publiqué «The Darkest Corners of My Soul», fui componiendo nuevos temas. Me di cuenta de que todas tenían un denominador común: la luz. Y ya que el disco anterior era muy oscuro y más introspectivo, me pareció buena idea hacer un disco de contraste a ese. «The Light In Between» es más optimista, no tiene letras tan desgarradoras, son más comunales.

    ¿Son un poco la cara y la cruz?

    Sí, aunque quizás no impliquen tantísimo contraste. Porque lo lógico tras lanzar un disco oscuro, habría sido componer uno completamente blanco. Pero quizás sí que sea más bien una evolución. «The Light In Between» es más bien realista, como diciendo que somos capaces de lo peor y de lo mejor. Es como la luz que se cuela entre las grietas. De ahí, también la portada, en la que aparece un pequeño hilo dorado. Está basada en la filosofía kintsugi, arte japonesa basada en la reparación de objetos de cerámica, mediante la reconstrucción.

    ¿Cómo ha evolucionado Chloé Bird desde «The Darkest Corners of My Soul»?

    La forma de trabajo ha cambiado bastante. Es la primera vez que cuento con un productor musical, que es Guillermo Quero. La de los anteriores trabajos la llevaba yo y era una mochila con la que no quería cargar. Así que delegar en otra persona, para mí ha sido un trabajo duro, porque no estoy acostumbrada. Y lo cierto es que estoy muy contenta, porque hemos investigado y experimentado a nivel instrumental con muchas canciones. Esa ha sido la parte más interesante de grabar el disco.

    Un titular que defina el disco.

    No sabría decir, es muy difícil [risas]. La luz que nos cura, la luz que ilumina nuestras vidas.

    Una canción del álbum.

    La verdad es que es complicado, porque todas son como mis hijitas [risas]. Pero si tuviera que decir una, que es de la que me siento más orgullosa, sobre todo por la parte instrumental, es «The end of the masquerade».Fue una de las últimas que compuse para el disco y fue en la que más desarrollé mi parte «pianística».

    ¿Vas a explorar más esa vía instrumental?

    Pues no lo sé, la verdad. Me gustó mucho hacer ese tema y es uno de los que más disfruto en los directos. Ese puntillo que te da el: «puedo cagarla en cualquier momento». No lo sé, pero quizás sí que siga explorando un poco más el piano, que es la base de mi música. Estoy en un punto en el que me siento más libre a la hora de explorar. Siempre he sido muy auto-exigente, pero poco a poco estoy aprendiendo a liberarme de toda esa presión y de todas esas cargas.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Chloé Bird?

    Todavía quedan por cerrar detalles, pero pasaré por Badajoz y Valencia antes de que acabe el año. Pero irán saliendo poco a poco, porque son cosas que estoy compaginando con una obra de danza con la que estamos girando también.

    ¿Cuál es la mayor locura que has hecho por la música?

    Muchas tienen que ver con la música y la falta de dinero [risas]. Por ejemplo, me he ido a París en coche, solo para ver un concierto. Fueron muchas horas de viaje pero mereció totalmente la pena ver a Damien Rice en vivo.

    También he hecho otras locuras, como llevar un piano de 30 kilos tú sola por la calle. Y obviamente, acabar con el hombro dislocado. O volverte a casa después de un concierto en el que diluvió, porque no podías quedarte a pasar la noche. Luego me pasó que fui a Colombia a tocar y estuve dos días tocando y tres viajando [risas].

  • Cuando tocar 24 horas seguidas se convierte en realidad, con Kitai

    Cuando tocar 24 horas seguidas se convierte en realidad, con Kitai

    Hacer historia, formar parte de los grandes, conseguir algo que ninguna banda española de rock había conseguido de manera previa, obtener el Guiness World Record. Hablamos de Kitai, que el pasado martes 13 de noviembre comenzaban con una de las mayores locuras nunca vistas. Locura que se cumplió satisfactoriamente, justo 24 horas después, el miércoles 14 de noviembre.

    Llevaban tiempo anunciándolo y parecía algo irreal, que quedaba lejos. Por eso, justo cuando el día llegó, más de uno nos acercamos a la sala El Sol con una mezcla de curiosidad y escepticismo. El reto era demasiado arriesgado, lo que muchos no sabíamos es que Alexander, Deiv, Fabio y Edu son unos guerreros con un aplomo increíble y con una personalidad indomable. Precisamente, lo que necesita un buen artista. Además de talento y mucho trabajo. Trabajo que habían cumplido con creces, no solo a nivel musical, también a nivel mental y físico.

    Antes de comenzar, unas cuantas normas tenían que cumplir: no repetir repertorio en cuatro horas, no parar más de 30 segundos entre canción y canción, no descansar más de 5 minutos por hora, que podían ser acumulables, no bajar del escenario en ningún momento salvo en los descansos establecidos. Y así lo hicieron, aunque no fue fácil. Sobre todo a altas horas de la madrugada, cuando estando ellos solos, permanecían sentados en sillas y con apenas un hilo de voz, continuaban cantando.

    Afortunadamente, no estuvieron solos. Y muy probablemente eso les diera las fuerzas necesarias para seguir. Más de 650 almas entregadas bajo el escenario y muchos amigos encima que, con la energía de quien está viviendo una hazaña, quisieron unirse al #RetoKitai24horas. Así fue como desfilaron artistas y bandas de semejante peso, como Def con Dos, Taburete, Sober, Fran Perea, Rubén Pozo, Nikone, Arkano, Dan Millson, Pol 3.14, Amatria o Edu Molina, entre muchos otros.

    Poco a poco, fueron cumpliendo con el gran reto. Justo cuando el gran cronómetro estaba llegando a su fin, Kitai sacó esa fuerza tan arrebatadora que los caracteriza. No solo cumplieron con las 24 horas establecidas, sino que también se atrevieron con los bises. Otra cosa no, pero entregarse se iban a entregar a su público. Fue entonces cuando las palabras del vocalista de la banda, Álex, comenzaron a resonar por todo El Sol: «estamos aquí todos juntos para soñar misiones imposibles».

    Así que de parte del equipo de Verdadera Locura, no nos queda otra que dar la más sincera enhorabuena a Kitai y a todas las personas que han hecho que este reto se convierta en una realidad. Ahora solo toca pensar en el siguiente proyecto: La Riviera, el próximo 8 de marzo de 2019. Y, por supuesto, el Cooltural Fest, festival en el que actuarán el próximo año.

  • Repion: «Donde escapa la luz es un trabajo potente, nostálgico y sincero»

    Repion: «Donde escapa la luz es un trabajo potente, nostálgico y sincero»

    Al fin. «Donde escapa la luz» está en la calle y lo ha hecho con la seguridad de que será un gran disco. El tercer trabajo de la banda cántabra Repion se alza como uno de los grandes descubrimientos de este 2018. Además, es, sin duda, el trabajo más potente, más nostálgico y más sincero de las hermanas Iñesta. Es el trabajo que más las identifica. Y desde ayer, es nuestro.

    Hace apenas unos días hablamos con ellas y esto es lo que nos contaron sobre «Donde escapa la luz».

    Además, el próximo jueves 29 de noviembre actúan en la Sala Siroco. Consigue tu entrada ya en Wegow.

    ¿Cómo el concepto de «Donde escapa la luz»?

    Teresa. «Donde escapa la luz» en realidad es el título de una de las canciones. Pero decidimos trasladarlo al concepto del EP, porque nos pareció una frase muy chula y con fuerza. Básicamente habla de las cosas guays que pasan donde escapa la luz, como en la oscuridad. Son las cosas que no se ven a simple vista.

    Un titular que englobe todo el concepto.

    Marina. Yo diría potencia, nostalgia y a la vez, sinceridad. Porque refleja lo que somos nosotras, sin llegar a dudar. Porque quizás los otros trabajos que hemos editado, han sido una versión de estudio de lo que en realidad somos. Luego, en directo éramos otra cosa. Eran dos mundos, bonitos y nuestros. Pero al final, donde nos sentimos más reflejadas en el directo, porque es donde ponemos más rabia y pasión.

    T. Y en este disco, todo ello está más conseguido. La grabación mantiene la energía que queremos transmitir en directo.

    En todo ese proceso, Paco Loco habrá tenido que ver.

    M. Por supuesto. Paco Loco nos ha ayudado mucho en todo, incluso a reestructurar algunas canciones. Nos decía: «no, esto es una mierda, quitad esta parte»; y de repente, cogía la guitarra y se metía de lleno. Le dio un punto de vista aún más real.

    T. Nos ayudó a cerrar más el círculo, a que todo tuviera aún más armonía.

    M. Nos ayudó a encontrar nuestro sonido y esa potencia que comentábamos.

    Iba a preguntaros precisamente por esa evolución.

    T. Sí. A ver, es que también empezamos muy pequeñas. Supongo que crecer también nos ha ayudado a encontrarnos.

    M. Es que es justo eso. Llevamos muchos años, pero realmente cuando empezamos a tocar, no teníamos ni idea del mundo en el que nos estábamos metiendo. Ni tampoco éramos maduras. No es lo mismo empezar con 17 años que con 25. Lo nuestro ha surgido sobre la marcha y de manera totalmente improvisada. Hemos seguido nuestra propia evolución natural y personal.

    De hecho, «Los Noventa» salió en verano y marca un poco ese salto generacional. Es un poco un punto de inflexión. 

    M. Sí, que lo produjo otra persona, lo produjo David Baldo. Pero aún así, ya captó la esencia. Y hay gente que piensa que el single de «Los Noventa» pertenece al EP y no es así, aunque sí que lo hemos querido incluir como bonus track.

    T. Y sí, es un poco una reflexión sobre eso, sobre ese salto generacional.

    ¿Cómo afrontasteis la salida de «Las flores de invierno»?

    M. Muy bien, teníamos algo de miedo pero también ganas de que la gente escuchara ya algo nuevo y completamente distinto. Además, no lo hemos machacado mucho en los directos, así que pillaba de nuevas.

    T. Además, como cuesta tanto producir discos, estábamos acostumbradas a tocar mucho las canciones aunque no estuvieran grabadas. Pero con este EP hemos conseguido aguantarnos las ganas y sorprender con temas completamente nuevos.

    Lleváis unos años dedicándoos a la música, ¿cómo veis el panorama musical? 

    T. Estamos viendo que hay mucha mezcla entre música y talento emergente, y lo que es la industria más tradicional. Por un lado mola, pero por otro lado, se ha creado como otra corriente sub-emergente. Nos hemos fijado en eso, sobre todo desde que nos vinimos a Madrid, donde se está moviendo muchísimo la escena. A mí me parece muy guay que estén surgiendo tantas bandas. Creo que la clave está en machacar a la gente y conocer a mucha gente. Al final, llevamos muchos años y parece que acabemos de surgir. Pero tampoco tenemos prisa.

    ¿Y cómo veis el papel de la mujer dentro de la industria de la música?

    T. Lo cierto es que cada vez vemos a más mujeres liderando y es algo que está guay. Aunque choca aún poco, porque parece que en determinados lugares, por ser mujer tienes que demostrar más.

    M. Creo que va a mejor y que la situación está evolucionando, pero aún hay actitudes que no molan y que hay que cambiar.

    T. De todos modos, creemos que la gente se está acostumbrando. A pesar de las reticencias iniciales. Afortunadamente, a día de hoy, creemos que la cosa está mejorando bastante.

    Siguientes pasos.

    T. Sobre todo, vivir el presente, disfrutar de lo que estamos haciendo y continuar creciendo y haciendo música. No tenemos planes muy cerrados, porque así te desesperas. Hace falta mucha paciencia y tranquilidad.

  • Maga se despide de «Salto Horizontal» en Ochoymedio (Madrid)

    Maga se despide de «Salto Horizontal» en Ochoymedio (Madrid)

    Regresaban hace poco más de año y medio, después de seis en silencio. Maga regresaba a los escenarios con su nuevo trabajo, «Salto Horizontal». Miedo inicial de la banda que se transformó en buenas sensaciones al comprobar que el público aún los recordaba, seguía y cantaba. Y es que olvidarse de ellos es prácticamente imposible. Ya llevan más de un año girando con este disco, recorriendo algunas de las salas más emblemáticas del país y actuando en festivales, como Cooltural Fest, que este año celebraba su primera edición.

    Este parón permitió a la banda sevillana, volver con una fuerza abrumadora. Permitió a la banda regresar con un verdadero «discazo», en el que había emoción y un nuevo sonido, producto del trabajo y experimentación.

    «Salto Horizontal» de Maga llega a su fin

    Cerrar gira es uno de los momentos más especiales. De ahí que los sevillanos decidieran montar un espectáculo diferente en las cuatro ciudades en las que «Salto Horizontal» llegaría a su fin. Un final que arrancó el pasado 10 de octubre en Granada, pasó por Sevilla el 18 de octubre y el 16 de noviembre por Barcelona. A falta de Madrid, ciudad por la que pasan este mismo viernes 23 de noviembre. La cita será en la sala Ochoymedio.

    Para estas despedidas tan especiales, Maga ha preparado unos conciertos únicos, cuya finalidad es crear una experiencia totalmente diferente. Un trío de cuerda ha acompañado a los sevillanos en todos los conciertos y Madrid no será una excepción. Además, en cada ciudad ha actuado con ellos un invitado diferente. Como sorpresa o «avanzadilla», en la capital estará Xoel López cantando con ellos.

    Y con el objetivo de implementar nuevas artes, la ilustradora María Hasse también ha acompañado a Maga, con la idea de dibujar en directo lo que las canciones de la banda le inspiraban.

  • Bauer: «Otra vuelta al sol es un disco muy intenso»

    Bauer: «Otra vuelta al sol es un disco muy intenso»

    El tiempo pasa tan deprisa que apenas nos damos cuenta. Así es como han pasado cuatro años desde que viera la luz el primer álbum de Bauer. Se dice pronto. Y, por fin, ya está en la calle el segundo, «Otra vuelta al sol». El regreso y la presentación de este nuevo trabajo de los malagueños, es más que inminente. Así que muy atentos a las fechas que vayan publicando. Pero antes, conozcamos un poco los detalles del disco, de la mano de los hermanos Gabriel y Lucas Bauer.

    ¿Cómo surge el concepto de «Otra vuelta al sol»?

    Gabriel. El primer disco «Azul eléctrico» lo grabamos en 2014. Entonces han pasado cuatro años desde la publicación de ese trabajo. Entonces con «Otra vuelta al sol», queríamos mostrar que éramos más viejos [risas], que teníamos más experiencia. Hemos redefinido el estilo y sonido, hemos cambiado componentes de la banda.

    Lucas. Era un poco una renovación. Está hecho también desde una perspectiva diferente. Quizás en el primer disco buscábamos un estilo concreto, pero en «Otra vuelta al sol» ha habido más libertad y hemos hecho lo que queríamos hacer.

    ¿Cómo han sido las primeras reacciones?

    G. Es un poco engañoso, porque normalmente, la gente suele ser buena y te hace comentarios positivos. Pero bueno, parece que de momento, muy bien.

    L. Y en directo también está gustando bastante. Siempre hay gente que al final se acerca y nos da la enhorabuena.

    Una canción del álbum.

    Los dos coincidimos en «Días de lluvia» [risas]. Es una canción que sabes que no va a ser single, igual ni la tocamos en directo. Pero nos parece que es el «temazo» del disco, porque tiene fuerza y transmite mucho.

    Un titular que defina el disco.

    G. Me parece el mejor disco de rock alternativo que hay en España en estos momentos. Parece un poco prepotente, pero escuchando otros trabajos y comparando [risas].

    L. Yo creo que es un disco intenso.

    A propósito de vuestra respuesta, ¿cómo veis el panorama musical actual?

    G. Siempre hay algo en la industria de la música, que en cierto modo te presiona para ir en un lugar o en otro. Ahora parece que la presión está puesta en hacer música de festivales y que todo lo independiente debe ir hacia allá. Lo cual está muy bien, pero cuando la mayoría de los grupos sigue ese criterio, se desvirtúa todo y se pierde un poco el criterio, porque nadie puede estar con el mismo ánimo para componer. Como consumidor, a mí también me gustan los discos variados, en los que se perciben diferentes estados de ánimo.

    Y con el auge de los singles, ¿creéis que se ha perdido la esencia del disco como discurso?

    L. Creo que sí. Ahora salen dos singles y hay poca gente que se escuche el disco entero. Antes la gente compraba más discos físicos, la gente los escuchaba y se detenía en las letras de las canciones. Ahora se escuchan los adelantos y no se pasa de ahí.

    ¿Combatir o convivir con ello?

    G. Yo no sé si hay que combatir contra ello.

    L. No es malo tampoco.

    G. No sé si es bueno o malo, pero es la situación que existe en estos momentos y hay que adaptarse a ello. Y a lo mejor, nosotros también tenemos que cambiar la forma de componer y grabar.

    ¿Qué queda de los Bauer de «Azul Eléctrico»?

    Aún queda bastante, De hecho, en los directos seguimos rescatando temas de ese primer disco que, además, nos sirvió para aprender y curtirnos en los conciertos. De él aprendimos precisamente eso.

    Y a partir de este momento, ¿cuáles son los siguientes pasos de Bauer?

    Defender este disco y hacerlo girar. Que la gente lo conozca y lo descubra por todos los canales que existen. Y, sobre todo, pasarlo bien con él. A partir de enero o febrero, comenzaremos con la ruta de salas y ya en verano, reservaremos los festivales.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis hecho por la música?

    Aparte de seguir en esto después de tantos años, quizás lo más loco es habernos ido al quinto pinto a tocar sMaálagin saber cuánta gente nos va a ver en concierto. Eso sí, como anécdota, quizás lo más loco que hicimos fue irnos a Marruecos a grabar, aprovechando que no está muy lejos de Málaga. Alquilamos una casa, fuimos en coche y, lo cierto, es que fue complicado. Tienes lo que tienes y al final, nos tiramos diez días atascad.os en la magia de Marruecos [risas]. Alguna maqueta salió, pero poco [risas].

     

  • Güs & Los Impostores: «Este trabajo es pura energía, pero sobre todo, cuenta grandes historias»

    Güs & Los Impostores: «Este trabajo es pura energía, pero sobre todo, cuenta grandes historias»

    Justo en el momento del cambio, de la evolución. El proyecto de Gus Guzmán adquiere otra dimensión con la nueva banda y con el nuevo disco como tal. Aquí nos presenta el mismo vocalista, el primer trabajo como grupo. Esto es «Güs & Los Impostores».

    ¿Cómo surge el concepto del disco «Güs & Los Impostores»?

    Yo vengo de tocar en solitario en mi anterior disco. Proyecto en el que cargaba solo con todo el peso, así que en esta ocasión, quise formar un equipo, una banda, para repartir y delegar, y dejar de sentir tanta presión. Al final, hemos conseguido hacer un disco con un sonido que nos define muy bien. Muy rollo rock & roll. Llevamos ya un tiempo tocando juntos y este es el primer álbum, espero que de muchos.

    ¿Cómo fueron las primeras reacciones al disco?

    ¡Tengo sensaciones muy buenas! Los dos primeros sencillos salieron este verano y luego, a raíz de que viera la luz el disco, las impresiones han sido genial. Yo estoy muy contento, para ser el primer proyecto con la banda. Estamos encantados. Y ya no es lo que nos digan, son las sensaciones internas que tenemos nosotros.

    Una canción del disco.

    Es complicado, al final cada miembro de la banda elegiríamos un tema. Pero yo, quizás por la complejidad del tema, me quedaría con «Londres». La compusimos mano a mano, con la artista australiana Lorena Dale, con quien además colaboramos en la canción. Así que para mí es un tema especial.

    Un titular que defina este disco.

    Es pura energía y, sobre todo, cuenta grandes historias.

    ¿Por qué rescatar, precisamente, esas historias?, ¿crees que la música está perdiendo esa esencia de contar?

    Yo siempre he sido muy de canciones y de letras. Así que, en este disco, hemos intentado cuidar mucho las letras. Aunque no sean autobiográficas, la manera de contarlas sí que son muy personales. Y eso en la música, sí que creo que debería primar. El cantar con el corazón y no con otra cosa. En el rock & roll sí que continúa vigente, quizás no tanto en otros géneros.

    A nosotros, al final, lo que nos gusta es contar historias y que la gente las sienta cómo las hemos hecho.

    Precisamente hablando del rock. He escuchado en muchas ocasiones que es un género que siempre ha estado «mal» o que ha permanecido un poco en silencio en comparación a otros. ¿Tú lo ves igual?

    Sí, en parte sí, y cada vez más. Aunque cada vez hay más bandas emergentes dentro del rock, pero al final, creo que sobre todos los medios, se hacen eco de otros estilos. Entonces hacerse hueco ahí es complicado. Pero a nosotros no nos queda otra que seguir trabajando y tratar de hacerlo lo mejor posible.

    Volviendo un poco al tema del disco. «Aguas Turbulentas» y «Mi Última Canción» fueron los dos primeros adelantos. ¿Por qué estos temas?

    «Mi Última Canción» la sacamos la primera porque ya la tocábamos durante nuestro gira anterior y, además, fue el primer tema que compusimos para este trabajo. Así que el público ya la tenía más escuchada. Y «Aguas Turbulentas», porque era de los temas que más nos gustaban y define muy bien lo que es nuestro sonido. También la hemos disfrutado mucho en los ensayos.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de la banda?

    Estamos preparando los próximos conciertos y lo que es ya la gira de presentación. Estamos con mucha promo también. Y ensayos a tope.

    ¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

    En nuestro caso, la locura la cometemos un poco en nuestro día a día. Al gastarnos dinero que muchas veces no tenemos, en el proyecto. Sacar disco en estos tiempos, es una locura. Pero al final, hay que apostar.

    La playlist de Güs & Los Impostores

  • La noche en la que Dorian infundió «Justicia Universal» en Madrid

    La noche en la que Dorian infundió «Justicia Universal» en Madrid

    No sé si el azar existe o muchas veces, todo tiene explicación lógica y medida. Lo que sí sé es que hay conciertos que merece la pena vivirlos, porque se anticipan como especiales, únicos, gigantes. Dos años, veinticuatro meses han pasado desde que Dorian se despidieran de Madrid con «Diez años y un día». Desde la misma ciudad y, justamente, desde la misma sala. Y es que el pasado fin de semana regresaron, pero en esta ocasión, para repartir una buena dosis de «Justicia Universal». Era el gran regreso de Dorian. Y no podía ser de otra manera que con casi tres Rivieras al borde del «sold out» (en dos de ellas lo consiguieron, la tercera estuvo a punto).

    No estaban tampoco solos. Rompiendo el hielo se encontraba Betacam que, presentando su nuevo trabajo «Mítico», se salió, consiguiendo captar y hacer bailar a todo el público que allí se encontraba. Poco más de una hora de actuación hasta que a las 22.00 horas, puntuales, llegó el turno de los catalanes. Luces fuera y la breve intro anticipaban lo que estaba por llegar. Uno a uno fueron apareciendo sobre el escenario. Era el momento de presentar una a una las canciones del nuevo álbum, a la vez que recordaban los temas más míticos de la banda.

    «La Isla» fue la primera en aparecer tímidamente, acompañada por la mítica y súper reconocida «Verte Amanecer», con la que el público gritó y cantó hasta dejarse los pulmones. Y era tan solo el principio. Solos o acompañados por «Algunos Amigos», todos fuimos capaces de sentir «El temblor» que estaba teniendo lugar bajo nuestros pies. Justo ese, fue el momento perfecto para infundir una buena dosis de «Justicia Universal», junto a Rayden. Un acto heroico, que nos dejó con cierto encogimiento de corazón que hasta «Duele».

    Y justo entre tantas «Noches Blancas», todos nuestros «Vicios y Defectos» comenzaron a relucir. Miedo y ganas de huir, del que no nos pudimos desprender ni con todas las «Buenas Intenciones» del mundo. Al final, con «Llévame» nos trasladamos directamente al mayor «Arrecife» conocido y por conocer. Y allí permanecimos, cantando, «Hasta que caiga el sol».

    Con «Señales» todo comenzó a acabar. O quizás no, porque Dorian todavía tenía que transportarnos muy lejos de allí. Y es que de camino a «Cualquier otra parte», pasamos antes por diferentes «Paraísos Artificiales». Así es como querían despedirse. O tal vez no, porque como «Cometas» atravesando el sistema «Solar», volvieron a aparecer en el escenario, para rememorar tres de sus temas más míticos y queridos. No podían faltar «La mañana herida», «La tormenta de arena» y «Los amigos que perdí».

    Sin duda, fue un gran espectáculo. Juegos de luces, mucho confeti y globos. Sin duda, fue la gran fiesta que Dorian quería dar. Fue la gran fiesta que nos querían regalar. Y nosotros, supimos disfrutarla. ¿Si se quedó algo en el tintero? Quizás algún tema, como «Tristeza». Aunque para tristeza, la nuestra nada más salir de la sala.

  • Zirconita: «Amago ha supuesto un giro, el inicio de una nueva etapa»

    Zirconita: «Amago ha supuesto un giro, el inicio de una nueva etapa»

    Anteriormente conocidos como Several Prices. Ahora se hacen llamar Zirconita. Misma esencia, pero distinto proyecto. Eso sí: con las mismas personas. Su primer trabajo con el nuevo nombre, ya está en la calle. Es «Amago» y la propia banda, nos descifra el EP.

    ¿Cómo surge el concepto de «Amago»?

    Este EP surge a raíz de la evolución de la banda. Previamente, teníamos otro grupo, que se llamaba Several Prices. De hecho, somos los mismos. El concepto del disco nace de las ganas y la necesidad que teníamos de expresar en español, todo aquello que queríamos decir en las canciones. Pasa que si un idioma no es nativo tuyo, es complicado encontrar cómo definir ciertos aspectos. Así que el concepto de «Amago» viene un poco del cambio del inglés al castellano, sobre todo. Y de la forma que tenemos de enfocarlo con nuestro productor, Manuel Cabezalí. Todo esto, se reduce a un sonido que no es muy común en las bandas de nuestro género, que cantan en español. Es distinto a lo que hacía Several Prices, ahora somos más «bailongos», además de que las estructuras está mucho más trabajadas y pensadas. Se nota la evolución.

    Habláis de las diferencias respecto a Several Prices. Pero, ¿qué queda de ellos en Zirconita?

    Creemos que sigue quedando bastante, Sobre todo en lo que respecta al tema del sonido, porque es un sonido que llevamos trabajando desde el segundo álbum de Several Prices. Además de la forma en la que trabajábamos cada canción. Hemos ganado en ciertos detalles, que ahora cuidamos muchísimo más.

    Ha habido cierta evolución, pero el poso queda. De hecho, Zirconita no existiría, si no hubiera existido previamente Several Prices.

    ¿Por qué «Inmortal» y «Fantasmas» como adelantos?

    Realmente, yo creo que la canción que más nos identifica es «Fantasmas», pero se decidió lanzar antes «Inmortal». Consideramos que era un tema que atraería más público y mucho más diverso. Luego, llegó «Fantasmas» porque era un poco la que nos gustaba y unía. Era la que tenía un poco la mezcla de todos los sonidos que conforman a Zirconita.

    Un titular que defina el EP.

    Nueva etapa. Es un giro, un cambio, una evolución. Partimos de cero, pero con el bagaje de Several Prices.

    ¿Cómo ha sido trabajar de nuevo con Manuel Cabezalí y Dani Richter?

    Ha sido genial. Los dos son unos pedazo de profesionales y son unas persona excelentes. Con Manuel nos ha pasado que no es el típico productor que nos dice: «las canciones tienen que ser así». Sabe cómo aconsejarnos y guiarnos. Además, podemos explorar con él multitud de posibilidades y al final, entre todos, escogemos la mejor. Tanto como personas como profesionales, es una gozada trabajar con ellos.

    Lleváis bastante tiempo dedicándoos a la música, ¿cómo veis el panorama actual?, ¿creéis que ha perdido esa esencia de agitadora mental?

    Creemos que sí. Siempre hay bandas que cubren un poco esa parte, pero es verdad que últimamente, no es banalización, pero sí que a lo mejor está perdiendo un poco de fuerza lo que son las bandas de siempre. Mucha gente va con mucha batería pre-grabada. Se le da mucha prioridad al solista, olvidando lo que es la banda. Aún así, seguimos viendo mucha calidad musical, que al final, terminará imponiéndose.

    Además, seguimos viendo que hay cierta mafia, que mueve mucho el dinero y que se sigue priorizando mucho a bandas antiguas y a los cabezas de cartel de festivales.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Zirconita?

    Ahora toca presentar el EP en el mayor número de lugares posibles. A Madrid volvemos en febrero, a Café La Palma. E ir saliendo, poco a poco, de la ciudad. Y a ver qué pasa.

     

  • Jupiter Lion regresa con «We Will Lose Gracefully»

    Jupiter Lion regresa con «We Will Lose Gracefully»

    Para el público y los fans de Jupiter Lion han pasado cuatro años desde su último trabajo. Y, por fin, los valencianos regresan con su tercer trabajo de estudio: esto es «We Will Lose Gracefully» y Jose Guerrero, bajista de la banda, nos ha dado todos los detalles de este nuevo álbum, que lleva días en la calle.

    ¿Cómo surge el concepto de «We Will Lose Gracefully»?

    Surge como todos, por las ganas de juntarnos en el local, de querer hacer nuevas canciones y mostrarlas. Pero no nace con un concepto claro. No es un álbum conceptual, simplemente es una colección de temas de Jupiter Lion.

    El disco llega después de cuatro años de silencio creativo. ¿Cómo fue ese proceso?

    Realmente, se grabó en noviembre del año pasado. Vio la luz más tarde por falta de tiempo para mezclar y terminar de dejarlo perfecto. En cuanto a lo de los años, de cara al público parecen muchos más, pero en realidad habrá sido año y medio o dos de silencio.

    El proceso es como todo. Todo viene de la idea de juntarnos y hacer canciones. Con algunas tardas más y con otras menos. A veces, tienes la suerte de tener más tiempo para componer y ensayar. Lo que sí que pasa es que conforme pasa el tiempo, te vuelves más exigente con los temas que haces. Por eso, es preferible tardar más y hacerlo bien.

    Con «Brighter» llegasteis al Low o al Sónar. ¿Qué expectativas tenéis con este?

    Es complicado cuando te preguntan por las expectativas, porque al final lo que quiere el grupo es tocar. Verdaderamente, no hay unas expectativas. Nos encantaría tocar en el Sónar, pero eso al final no depende de nosotros. Las expectativas no hacen que un grupo llegue a determinados lugares. Eso depende de los propios festivales y de las personas que te quieran contratar. Nosotros solo queremos tocar.

    ¿Cómo está  siendo la acogida?

    Pues acaba de salir y, de momento, ha habido muy pocas reseñas. Parece que está gustando. Además, hemos tenido la suerte de que no solo lo ha publicado BCore, también lo ha hecho un sello de Francia, que llevan tiempo siguiéndonos la pista y les hemos gustado. Así que de momento bien.

    Un titular que defina el disco. 

    Dedícale un poco de tiempo y siéntate a escucharlo. Ningún disco se merece que lo escuches por encima, pero quizás este se merece un poco de tiempo.

    Una canción.

    Es difícil, porque todas nos gustan por algo. Y todas están ahí por algo. Es como decir, ¿a quién quieres más, a papá o a mamá? Al final quieres a papá por una cosa y a mamá por otra. Creo que es un disco muy variado y eso es muy positivo.

    ¿Por qué jugar con esa variedad en las canciones?

    No hay ninguna intención, simplemente te salen así, casi sin querer. No hay ni que hablarlo. Y también al final escuchas mucha música y todo eso influye y enriquece.

    ¿Crees que de alguna manera, se ha desvirtuado la música, con el auge de determinados géneros?

    No, qué va. Hay millones de bandas y de artistas que son buenísimos y que, además, son nuevos. En ese sentido, yo no dejo de descubrir nueva música. Al revés, creo que cada vez hay más música.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Jupiter Lion?

    Ahora mismo, tenemos las presentaciones de discos en Valencia, en Madrid y en Barcelona, que serán entre enero y febrero. Luego haremos una gira, más por el norte de España e incluso por Francia. Y a ver si poco a poco, vamos llegando y explorando nuevos lugares. No hay una forma diferente de hacerlo, si no lo haces un mes, lo haces el siguiente.

    ¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

    Pues la verdad es que no lo sé [risas].

    Por último, ¿qué diez canciones meterías en una playlist?

    Eso es imposible. Estoy totalmente obsesionado con la música y no podría meter solo diez. De hecho, estoy constantemente descubriendo nuevos temas y creo que me quedaría corto.

  • En busca de la gravedad, con «Gravity Tour» de Fizzy Soup

    En busca de la gravedad, con «Gravity Tour» de Fizzy Soup

    Años de trabajo, giras infinitas, tocar, tocar y tocar. Si la fórmula del éxito existe, Fizzy Soup está cerca de conseguirlo. Uno de sus últimos hitos, el gran concierto que se marcaron en el Auditorio de Cuenca, con orquesta e invitados. Y es que con «Gravity Tour» reinciden, insisten y persisten. El nuevo trabajo de los conquenses se está acercando. Esto es solo el principio.

    Hace algunos días, pudimos hablar con Javi y Sonia y esto es lo que nos contaron sobre su nuevo proyecto.

    El disco ve la luz a principios de 2019. ¿Cómo surge el concepto del disco y cómo afrontáis la salida?

    Sonia. El concepto todavía no lo tenemos definido.

    Javi. La semilla está en la tierra. Lo que pasa es que hay que hacerlo rápido. Nosotros, simplemente, vamos regando. Y la verdad es que lo afrontamos con ganas y con estrés.

    S. Sí, la verdad es que el tiempo pasa volando. Lo de los conceptos, para nosotros es importante, pero hasta que no tenemos todas las canciones y no nos sentamos, no atamos bien bien los detalles. Es algo que se nos hace complicado, porque lo pensamos demasiado: la portada, el título, el packaging, etc.

    J. La verdad es que es un disco que está surgiendo un poco entre bolo y bolo. Entre parada y parada. No es lo típico de que paras, experimentas, escribes. Así que muy posiblemente, parte del concepto salga de ahí, de la intermitencia sin descanso.

    De hecho, los dos primeros adelantos «Gravity» y «Diver» ya están en la calle. ¿Por qué estos temas?

    S. Teníamos muchas ganas de enseñarlas y hacerlas sonar en directo. Queríamos probar con esos nuevos sonidos. Porque ha sido año y medio de girar con el disco previo, y teníamos muchas ganas de probar con nuevos sonidos. La verdad es que las queremos mucho.

    ¿Cómo veis el panorama, creéis que la música está perdiendo profundidad en lo que respecta al mensaje?

    J. No sé, mientras no sean los artistas los que pierden profundidad.

    S. Depende, no sé. No todo tiene porqué ser profundo. De hecho, nosotros no sé si lo somos.

    Me refería más bien a que la música como agitador mental.

    J. Nosotros es que somos más de removernos las tripas.

    S. También escuchamos mucha música que nos remueve las tripas.

    J. Hay muchos tipos de grupo. Evidentemente, a Ojete Calor no les pidas profundidad, aunque tomen alguna idea profunda como base, pero siempre van a buscar el sentido del humor, la crítica.

    ¿Cómo fue trabajar en Organic Studio, junto a Iñaki Martínez?

    J. Fue muy guay. Ya hay mucha confianza con él.

    S. Hemos grabado con él todo.

    J. Es alguien con quien nos entendemos, hay esa confianza y esa telepatía de tener la misma idea casi a la vez.

    S. Te mira a los ojillos y sabe lo que quieres [risas]. En el estudio es como uno más. Luego nunca nos hace caso y se viene a tocar con nosotros. Pero en un escenario no quiere subirse con nosotros.

    J. Es la caña y muy resolutivo. Aporta y propone mil ideas. Tiene un criterio que respetamos y valoramos mucho. El papá.

    Un titular que defina lo que se aproxima.

    J. Todavía no me ha dado tiempo a imaginarme esto en titulares [risas].

    S. Es que un titular es mucha responsabilidad.

    J. Los rarunos de Cuenca [risas].

    Alguien con quien tocar.

    J. Llevamos muchas entrevistas diciendo que nos encantaría tocar con Pájaro Sunrise.

    S. Con Rufus T Firefly también nos encantaría colaborar.

    J. Con El Meister, también sería un pepino.

    Un lugar donde tocar.

    S. No tiene porqué ser un escenario, ¿no?

    J. No, yo ya he dicho que me encantaría tocar en una cueva, ya que tiene un sonido especial. Y que sea una experiencia natural y diferente. Se hacen conciertos en cuevas.

    Ya habéis comenzado con la gira de «Gravity Tour», con la que habéis pasado por Madrid y Cuenca. ¿Cómo está siendo esta primera toma de contacto?

    J. Muy bien, la verdad. Está siendo una gira de singles y, lo cierto, es que se nos está yendo un poco de las manos. Una vez al año, cometemos un par de locurones. Como este de tocar en el Auditorio de Cuenca, con orquesta y artistas invitados. Y montar ahí un espectáculo. Se nos fue un poco la pinza.

    S. Estamos bastante sorprendidos.

    J. No siempre se peta.

    S. Pero la complicidad con el público, las reacciones y lo que luego te cuentan. Eso es impresionante.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Fizzy Soup?

    J. Pues ya sabemos gatear, ahora nos falta echar a andar.

    S. Seguir tocando y compaginarlo un poco con la evolución del disco.

    J. Sobrevivir también a la gira del próximo disco. Y que no se nos acaben nunca las ideas. En definitiva, seguir viviendo de esta forma.

    S. A corto plazo, encontrarnos con el disco y hacer algo muy bonito con él. Y otra gira infinita de estas que hacemos nosotros.

    ¿Qué es lo más loco que os ha pasado siendo Fizzy Soup?

    J. Hace un crowdfunding en Navidad.

    S. Grabar «Far». Fue un infierno muy guay.

    J. Con ese tema, nos fuimos a recorrer varios lugares de Cuenca. Y grabamos cada instrumento en un sitio, más lejos que el anterior.

    S. Cogimos la furgoneta y el estudio. A cada lugar que llegábamos, montábamos el estudio y nos poníamos a grabar. Teniendo en cuenta las condiciones sonoras de cada sitio.

    J. Fue un viaje bastante loco que, de hecho, grabamos en vídeo. Nos llevábamos hasta decoración, para esta a gusto en cada lugar. Fuimos a sitios increíbles, con acústicas increíbles. Las voces las grabamos en una antigua iglesia que ahora mismo es un museo. Había un reverb impresionante y no nos escuchábamos nada. Luego fuimos mezclando todos esos sonidos, que en realidad no se notan. Pero la realidad es que se grabó de manera muy loca.

    Esta es la playlist de Fizzy Soup

NEWS-
LETTER

Sin rollos. Sin spam. Solo lo que suena.

NEWS-
LETTER

Sin rollos. Sin spam. Solo lo que suena.

NEWS-
LETTER

Sin rollos. Sin spam. Solo lo que suena.