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Garbayo: «Sonido Forestal es rock and roll sin artificios y pop robusto»

Tras un largo periodo al frente de bandas como Zodiacs, llega Garbayo para presentar su primer trabajo en solitario, «Sonido Forestal». Esta es su gran apuesta, su salto al vacío. Y hace algunos días, pudimos hablar con el propio Ignacio Garbayo sobre su nuevo proyecto y sobre su recién estrenado álbum.

Etapa en solitario, tras un largo periodo liderando Zodiacs. ¿En qué momento decide Garbayo emprender un nuevo camino?

El año pasado, después de un tiempo compaginando dos grupos, pedí consejo musical a un amigo de la industria y me dijo que me enfocara y sacara lo más auténtico y visceral que pudiera, y que me dejara de nombres de bandas tras los que escondo mi personalidad. Así llegó Garbayo. La decisión fue una inyección de energía y motivación y me salieron canciones nuevas. Me daba un poco de corte que pudiera parecer egocéntrico y aunque me sigue sonando raro, me voy acostumbrando.

¿Cómo surge el concepto de «Sonido Forestal»?, ¿hasta qué punto influye en ello el vivir en las montañas de Gredos?

Influye todo. Vivo en medio de un bosque de robles, mi casa casi no se ve porque está completamente rodeada de árboles y es allí donde he compuesto todas las canciones y donde he grabado todas las maquetas. Antes de que se interesara Oso Polita, esas maquetas iban a ser el disco definitivo, con la misma portada que en el disco actual. «Sonido forestal» me parece que transmite con sinceridad todo ese periodo de composición y grabación.

¿Cómo han sido las primeras reacciones al disco, que lleva apenas un mes en la calle?

De momento estoy leyendo buenas críticas de medios bastante dispares que coinciden en puntuarlo con notable. Además, el primer single está teniendo muchas reproducciones. Yo estoy contentísimo. El hecho de haberlo grabado y publicarlo de esta manera, ya es todo un éxito en los tiempos que corren.

¿Cómo fue grabar en los Garate Studios, junto a Kaki Arkarazo?

Una experiencia inolvidable. Kaki ha sabido llevar el sonido al punto exacto a donde lo quería porque es un tío que escucha y se fija en las personas. Es impresionante su habilidad manejando los amplis, la cinta y el editor. Pero hay algo que no se nos olvidará nunca y es cuánto se volcaron, él y Mikel Txopeitia, su socio, para conseguirnos instrumentos para grabar. Y es que la noche anterior a entrar en Garate nos robaron todas las guitarras, platos, cajas y un ampli de bajo. Javi no tenía ni baquetas; y yo no tenía más que una púa. La gente de Rukula, Bap, Anari. Les estamos eternamente agradecidos

Un titular que defina «Sonido Forestal».

Rock and roll sin artificios y pop robusto como un roble.

Una canción del disco.

Para tocar en directo «Te dejaré atrás», la antepenúltima; si te sientes sucio, «Soy un Cerdo». Para mí es muy difícil elegir una.

«Nitroglicerina» fue uno de los adelantos, lanzado con su respectivo videoclip. ¿Por qué este tema y cómo nace la idea del vídeo?

Coincidimos con Oso Polita que es una canción que se pega mucho y además es representativa del disco. La idea del vídeo surgió de manera casi improvisada, gracias a Samantha López. Ella veía a Garbayo en el campo caminando y veía a la chica munición de la canción. Además, quiso mezclarme con Javi en diferentes planos. Pero al final, contra todo pronóstico, conseguimos un plano secuencia que funciona estupendamente. La verdad es que Samantha ha conseguido que no me muera del asco viéndome actuar. Eso es de ser muy grande.

Próximos pasos de Garbayo.

Salir de gira a principios del año que entra, lanzar algún single más de «Sonido Forestal» y grabar las maquetas del próximo disco.

Tienes muchos años de experiencia en la música, ¿cómo ves el panorama musical actual?

En cuanto a bandas, lo veo mejor que nunca. La gente toca con un «nivelazo» impresionante. Hay bandas de todos los estilos sonando increíble. Además, hay mucho más conocimiento de la industria y de los medios. También la industria se ha reciclado y está volviendo a controlar todo aquello que se les escapaba en internet. Los puestos de trabajo han cambiado, la gente sabe de big data y marketing online. Pero creo que no hay que olvidar mantener a gente que sepa mucho de música. Siguen siendo responsables de lo que llega al público masivo.

En referencia también a la situación de la industria, ¿crees que se ha perdido la esencia del disco como discurso?

Pues sí creo que se ha perdido el discurso en los discos y se han convertido en una excusa para salir de gira, pero no creo que sea toda la culpa de la industria. Supongo que es normal por dar prioridad a los directos pero bueno, no estoy de acuerdo en publicar discos sin tener nada que contar. La mayor parte de responsabilidad es de las bandas.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

He dejado dos trabajos y me he cambiado de ciudad. También di una jam de 12 horas en un local de ensayo con los Hash.

10 diciembre 2018
El gran salto al vacío de Uniforms, con su «Polara»

Directas desde Jaén, la historia de Uniforms comienza allá por 2016. Idas y venidas, trabajo duro y mucha carretera a las espaldas. Y el apoyo de quienes han apostado por ellas. Así es como llegan a este 2018, Annie, Natalia y Pan. Además, están de enhorabuena porque con su «Polara» han conseguido hacerse un hueco en la industria.

Sobre todo ello, estuvimos hablando hace algunos días, aprovechando su visita a Madrid, a propósito del Madrid es Ruido.

¿Cómo surge el concepto de «Polara»?

«Polara» es el nombre de una pedal de reverb que llevamos y que, además, es muy característico del disco. El nombre también nos gustó porque nos parece muy evocador, sugiere un poco todo lo que es la luz polar. En sí, no es un trabajo conceptual. Había que ponerle un nombre y le pusimos ese, que sonaba muy bien [risas].

¿Cómo fue todo el proceso de grabación?

Fue todo con bastante prisa, la verdad. Porque grabamos el EP y al poco, nos ficharon desde Oso Polita. Justo después, llegaba el momento de grabar el largo. Y aunque al principio, no teníamos mucha prisa, tuvimos que acelerar y entrar a estudio. Ya teníamos las cuatro del EP, pero además incluimos seis más.

Un titular que defina «Polara».

¡Qué difícil! [risas]. Podríamos decir que este disco nos define, aunque todavía estamos buscando nuestra propia identidad.

Una canción.

Va por días, la verdad. Y cada día va cambiando. Al final, nos identificamos con todos los temas del disco.

¿Cómo han sido las primeras reacciones?

Nuestras sensaciones han sido muy buenas. Mejor de lo que esperábamos. De hecho, está teniendo buenas críticas y la verdad es que estamos muy contentas. Aunque creemos que todavía es pronto para analizar todo ese feedback que está generando el disco.

¿Cómo estáis viviendo el panorama musical actual?

Nuestra generación muy bien. Las venideras, no sabemos [risas]. En realidad, cada una de nosotras es de una generación. Pero con la generación actual, con los millenials, nos damos cuenta de que todo es muy sistemático, que va todo por modas. Es muy complicado destacar dentro de ese panorama, porque se lleva un determinado estilo y todo lo que se haga fuera de él, parece que no existe.

Lo que nos está pasando a nosotras ahora mismo es genial. Porque tenemos un conglomerado de géneros que, actualmente, no están en auge y que la gente cultive su oído, lo aprecie y lo escuche, para nosotras es maravilloso.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Uniforms?

Prácticamente, hemos terminados con los conciertos de este año. Y hace poco, grabamos nuestros segundo videoclip, que tenemos muchas ganas de verlo. La idea es seguir girando y promocionando «Polara». La verdad, es que poco más.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

Meternos en la música es una gran locura [risas].

8 diciembre 2018
Tras «Cuentos de Roble y Sal», Olivia prepara su próximo asalto

Con «Cuentos de Roble y Sal» han conseguido hacerse hueco y que su nombre comience a resonar dentro del circuito musical. Desde Elda, desde lo más profundo de «la terreta», llegan Olivia. Y muy pronto, resonarán con su nuevo trabajo. Un trabajo que comenzarán a grabar en breves y que los llevará de nuevo a los Estudios Neo, a Aranda, al Sonorama Ribera.

¿Cómo surge el concepto de «Cuentos de Roble y Sal»?

Era por hacer referencia un poco al momento que estábamos viviendo, como entrar al Sonorama, entrar a Aranda, entrar a lugares en los que no habíamos estado antes. El roble era un poco por el tema del vino, al que tanto nos tienen acostumbrados allí; y la sal, por la plaza en la que tocamos en Sonorama 2017.

¿Cómo fue ese momento Sonorama?

¿Qué parte del Sonorama, el momento de tocar? [risas].

La experiencia en sí del festival.

Tocamos domingo y fue un momento muy breve, para todo lo que dura el Sonorama. Además, que algunos de nosotros llevábamos allí desde el miércoles por la noche. La fiesta que tienen montada es muy grande y se pasa demasiado rápido. Y tocar en la Plaza de la Sal, para nosotros fue todo un hito.

De hecho, la experiencia del Sonorama ha tenido continuidad, ya que tocasteis este año en la fiesta de presentación.

La idea es que se cansen de nosotros, que nos tengan que echar o tirar de alguna manera [risas]. La verdad, es que es una sensación brutal tener a gente que nos apoya y confía en nosotros. Es lo mejor que nos puede pasar en este país, es el mayor reconocimiento que podríamos tener.

Volviendo un poco al tema del disco, ¿cómo fue la acogida?

Al principio, no sabíamos muy bien. Porque cuando lanzamos el single, «Azul Eléctrico», era el tema que más apuntaba a adelanto, pero quizás era el que menos tenía que ver con el resto de disco. La verdad es que ha estado guay, pero no ha sido un hit, porque la gente sigue descubriéndolo. Y en ese sentido está bien. Aunque estamos ya pensando en el siguiente trabajo. De hecho, será disco, disco, no EP.

¿Se puede avanzar algo más sobre eso?

De momento, no hay mucho más que decir [risas]. Simplemente, que grabaremos en el mismo lugar, en los Estudio Neo de Aranda; y con la misma persona, con José Caballero.

Lo cierto es que nosotros estamos ya casi en otro mundo, porque estamos ya concentrados en el nuevo trabajo. Parece que hayan pasado diez años desde «Cuentos de Roble y Sal» y tiene nada de tiempo. Pero es que estamos ya metidos de lleno en el nuevo.

¿Cómo es trabajar en nuevo disco, en mitad de la gira?

Eso es, quizás, lo más estresante. Y eso que para nosotros es todavía «fácil», ya que no tenemos tantas fechas, en comparación a otras bandas más grandes. Aún así, nos ha costado.

Sí que es cierto que, este año con José, hemos cambiado un poco el método de trabajo. Y es que, a pesar de haber lanzado EP, no hemos dejado de componer. Es una dinámica en la que él nos ha insistido mucho. Al final, es algo que luego, a la hora de la grabación, ahorra mucho trabajo.

¿Cómo ha cambiado Olivia desde «Cuentos de Roble y Sal»?

Creemos que se va a ver el cambio y la evolución, porque con este nuevo trabajo hemos tenido más tiempo a la hora de componer. Y el proyecto se ha pensado mucho más. Ahora también tenemos más ayuda. En esto último, nuestro manager Kike del Toro ha sido clave.

Siguientes pasos de Olivia.

Principalmente, grabar. Sí que tenemos un par de fechas a principios de 2019, pero todo el esfuerzo lo vamos a invertir en el estudio. Queríamos ver si nos daba tiempo a grabar casi todo antes de Navidad. Después, ya es esperar y ver cuándo sale. Aunque no tenemos mucha prisa.

¿Cuál es la mayor locura que habéis hecho por la música?

Trabajar por y para la música es una locura muy grande, es lo que más caro nos sale [risas]. Lo cierto es que lo es. Y cuanto más subes, más caro sale este hobby. Eso sí, es una locura genial.

6 diciembre 2018
El momento en el que Artabe materializó su «Soñé con Bicicletas»

A finales de junio, Artabe se despedía de «Punto Cero», el álbum que lo ha acompañado estos dos últimos años. Pronto, comenzará a trabajar en su siguiente trabajo de larga duración. Sin embargo, su mente inquieta y sus ganas de seguir haciendo cosas, no le han permitido parar. De ahí, que saliera adelanto su proyecto «Soñé con Bicicletas». Sobre él y sobre sus siguientes pasos, estuvimos hablando con el artista.

¿Cómo surge el concepto o la idea de «Soñé con Bicicletas»?

La idea surgió de un viaje que hice a Francia y Berlín, en julio del 2017. Allí nacieron nuevas canciones. En Berlín me estuve moviendo todo el tiempo en bicicleta, de un lado a otro, me recorrí la ciudad, literalmente en movimiento. Y, como en otras ciudades europeas, hay bicis por todas las calles, cientos, miles. El título surgió después, ya en Madrid, grabando las demos de estas canciones. Recordé aquella sensación y lo que me gustan las bicis y así, sin querer, salió «Soñé con Bicicletas». Y me pareció muy acertado.

¿Por qué, precisamente, esa alusión a las bicicletas?, ¿qué simbología tienen para ti?

Además de la relación emocional con lo vivido en ese viaje, simbolizan el acto de viajar, de cambiar de lugar, de moverse, de no estancarse.

Cuéntanos un poco sobre este proyecto.

En realidad, hace más de un año que venía queriendo grabarlo pero no se dieron las circunstancias y tuve que esperar. Llevaba tiempo pensando en grabar estos nuevos temas en directo, en lugar de grabar un EP, en un local bonito de Madrid y que entonara con el aire de las canciones. Lo que ocurrió es que, en verano conocí a Omar de OmcEstudios y me enteré de su iniciativa en «Live in los Carmenes». Y me pareció que podría hacerlo allí perfectamente. Además es en el propio estudio donde se graba, con lo que se consiguió un sonido muy bueno. Quedé muy contento. Y en cuanto a los músicos y colaboraciones lo tenía fácil. Junto a Juan Barrios, Manu Clavijo y Marta Mansilla estuve dando algunos conciertos, y ya habíamos tocado algunos de estos nuevos temas, con lo que ya tenía una banda algo rodada de atrás. Tuve muy claras también las colaboraciones, todo personas amigas y allegadas, tanto Luise, porque me encanta su voz, Aitor Flamingos por su guitarra, Manu Míguez para «Grillos», porque empastamos de la «hostia» y Kamala para «Hojas» porque la clava, está hecha para ella.

¿Por qué darle una nueva dimensión a los temas y decidir grabarlos en directo y con público?

Un poco por lo que contaba antes. Junté dos cosas, uno, las ganas de dejar grabado lo que estuve haciendo con Juan, Manu y Marta, que fue darle un nuevo aire, con piano, violín y flauta, a algunos temas de mi primer disco, Canciones de Pan. Y otro, grabar esas nuevas canciones del viaje, aprovechando ese formato. Todo encajó. Podía haberlas grabado de otra manera, con otra instrumentación, pero me gusta que haya sido así.

¿Cómo fue el evento?

Los días anteriores fueron de mucho ajetreo para mí. Y los momentos previos también, así que llegué un poco estresado al evento. Pero, al llegar, me empecé a sentir cada vez mejor. Son muy profesionales, tanto Omar como su equipo de sonido y de vídeo. Y juntarme allí con «musicazos» y amigos, fue muy emocionante. Todos salimos contentos, nos quedamos con muy buen sabor de boca. Fue un público muy atento y caluroso. Se hizo todo muy fluido. Además, Omar colocó una rueda de bicicleta con unas luces y una flor que le quedó genial al escenario y la música. Hubo tiempo a compartir antes y después del concierto.

¿Repetirías experiencia?

Sí, la repetiría una y mil veces, cambiando de vez en cuando de canciones, claro [risas].

¿Cuáles son los siguientes pasos de Artabe?

Justo ahora, estoy enfrascado en muchas colaboraciones con amigos que admiro y comenzando la distribución de «Soñé con Bicicletas», en redes y a los mecenas que vinieron a vivirlo. Y, además, preparando un EP que saldrá a principios de año, del que pronto hablaré.

5 diciembre 2018
Conexión Valladolid sigue desvelando el cartel de su segunda edición

Ángel Stanich fue el primer artista confirmado para la segunda edición de Conexión Valladolid. Lo mejor es que tras él, se han ido sumando nombres, de esos de primera división. De esta manera, es como se unen los artistas Beret, Depedro y la banda madrileña Carolina Durante. Todos ellos y muchos más por confirmar, se darán cita los próximos 21, 22 y 23 de junio en la Antigua Hípica de Pinar de Antequera (Valladolid).

Los artistas confirmados de este Conexión Valladolid

Ángel Stanich es un artista que ha ido generando furor con el paso del tiempo, por su personalidad, su carisma y, por supuesto, su música. Hace apenas unas semanas, empapeló toda la ciudad de Madrid, para anunciar su concierto de La Riviera. Concierto que se llenó hasta reventar. Cómo no, si no ha dejado de crear. Hace apenas un año, veía la luz su «Antigua y Barbuda». Un EP al que ha seguido otro este mismo año: «Máquina», que apenas lo lanzó el pasado 16 de noviembre. Sin embargo, esta fecha en Conexión Valladolid marcará el final de esta gira. De hecho, será el último concierto que haga en Castilla y León.

Beret, que se encuentra en plena promo de su trabajo «Ápices», hará un único festival en toda la comunidad autónoma y será el del Conexión Valladolid. Y si algo queda claro es que conseguirá que el escenario reviente. Sin duda, ha sido uno de los artistas revelación del año. Con su mezcla de estilos, que viran desde el pop urbano hasta el reggae, pero pasado por su propio imaginario; ha llenado salas no solo en España, si no también en multitud de países de Latinoamérica.

Depedro es una de las figuras más representativas de la música actual en España. Con ese estilo y esa emoción que caracteriza al artista, ha dado la vuelta a medio mundo. Además de haber colaborado también con multitud de artistas de renombre. De hecho, ha sido en este último trabajo suyo, «Todo va a salir bien», en el que lo hemos visto cantar con otras personalidades, como Coque Malla, Santiago Auserón, Luz Casal, Fuel Fandango, Vetusta Morla, Sanchez y Camilo Lara e Izal. Y es que, qué mejor manera que esta de celebrar diez años en la música.

Y, por último, Carolina Durante. Los madrileños comenzaron a hacer ruido en el momento en el que su tema «Cayetano», se convirtió en un verdadero himno. Y desde entonces, con su arrolladora actitud, han enamorado a más de uno. De hecho, en estos momentos, muy probablemente nadie haya salido ileso de su último lanzamiento junto a Amaia Romero de Operación Triunfo 2017, «Perdona (Ahora sí que sí)». Imparables y sin complejos, continuaremos escuchando a esta banda tan talentosa.

¿Qué más sorpresas nos dará el Conexión Valladolid? No te quedes sin saberlo y hazte ya con tu entrada en Wegow.

4 diciembre 2018
Dorian DJ cierra el cartel de «Lenovo Sounds Different»

Poco a poco, estamos descubriendo el cartel completo del «Lenovo Sounds Different», el concierto solidario de Lenovo que se celebrará a principios de año en Madrid. La cita será el próximo 17 de enero en el WizInk Center.

Ya hablamos de confirmaciones como las de Love Of Lesbian, La Habitación Roja, Elefantes, Neuman, Varry Brava, Maico, Siloé y Ochoymedio DJ’s. Pero es que a este «cartelazo» se ha unido un último fichaje, a la altura de los ya citados: DORIAN DJ. Ellos son los encargados de poner el broche de oro al cartel. Y es que, sin duda, con todos ellos no quedaremos indiferentes.

Además, Lenovo continúa buscando al «Grupo Revelación», que se sumará al cartel ya mencionado. De esta manera, artistas y bandas emergentes de género pop y rock alternativo, tendrán la oportunidad de hacerse un hueco en el cartel de este evento benéfico, a la par que compartirán escenario con artistas ya consagrados.

Los principales proyectos benéficos de «Lenovo Sounds Different»

Como bien se ha mencionado, este concierto es benéfico. Y todo el dinero recaudado se invertirá a diferentes causas, que el propio público elegirá a la hora de comprar la entrada. Por ese motivo, recordamos el nombre y la causa de todas las fundaciones que forman parte de dicho evento:

«Fundación Aladina» y «Fundela», las cuales recibirán de forma integra un porcentaje fijo de la venta de entradas. En el caso de «Bobath», «Cris Contra el Cáncer» y «Menudos Corazones», será el propio comprador el que podrá elegir, en el momento de la compra, a qué proyecto y fundación quiere apoyar en función de sus intereses sociales.

Si quieres saber a qué se dedica cada proyecto, te contamos a continuación. En primer lugar, la «Fundación Aladina» ayuda a niños y adolescentes enfermos de cáncer y a sus familias; mientras que «Fundela» se centra en la investigación de la esclerosis lateral. Por su parte, «Bobath» atiende la parálisis cerebral. «Cris Contra el Cáncer» también lucha contra el cáncer, pero desde la investigación como método para combatir contra esta grave enfermedad. Por último, «Menudos Corazones» centra su labor en la ayuda a niños con cardiopatías congénitas.

30 noviembre 2018
Javier Solo se estrena con su «Mejor solo y bien acompañado»

«Mejor solo y bien acompañado» es el primer trabajo en solitario de Javier Solo. Y hace apenas unos días vio la luz. Poco antes de ese momento, tuvimos la oportunidad de hablar con el artista sobre su trabajo, su trayectoria y sobre este disco tan especial, y esto es lo que nos contó.

¿Cómo surge el concepto de «Mejor solo y bien acompañado»?

Yo componía, cantaba y tocaba con Imprudentes. Con la banda, lanzamos un disco y una de las colaboraciones era con Daniel Higiénico. Y justo en el momento en el que teníamos que empezar a girar, nos sentamos los cinco miembros del grupo y nos dimos cuenta de que teníamos diferentes prioridades. Era muy complicado seguir adelante, así que decidimos darnos tiempo y parar un poco. Fue ahí cuando vi la oportunidad de comenzar a girar yo como Javier Solo. Me puse a llamar algunos amigos para ver si querían participar en mi disco en solitario, y al final, se terminaron uniendo 43.

¿Cómo fue todo el proceso de grabación con tantos artistas invitados?

Ha sido difícil, la verdad. Imagínate para grabar diez canciones con tantos artistas. Ha sido un proceso bastante largo, aunque repleto de energía y sinergias. Pero nos ha llevado cerca de un año en total. Además, hemos tenido la gran suerte de contar con Josep Roig de Temps Record, que es donde grabamos. Nos ha dado bastante libertad y flexibilidad a la hora de trabajar.

De cara a los conciertos, ¿cómo vais a plantear el tema de las colaboraciones?

Eso es lo curioso, porque nosotros tenemos que poder defender en directo, todo lo que hay en el disco. Aquí hay solos de guitarra de Pere Mallén o de David Muñoz, o incluso hay baterías de Dani Navarro. Entonces los músicos de la Banda del Vecino lo han tenido que asimilar, hacerlo suyo e interpretarlo lo más parecido posible al álbum. Eso sí, le han dado su toque particular y personal. Por eso, creo que ha quedado un directo muy potente y muy parecido, pero también con esa sensibilidad de la Banda del Vecino.

Un titular que defina este disco.

El título en sí, ya es bastante revelador. «Mejor solo y bien acompañado». Un proyecto así no puede salir adelante estando solo, tienes que rodearte siempre de gente que sepa como tú o incluso más. Yo he tenido la suerte de rodearme de gente increíble. Ha sido una gran aventura.

Una canción.

Es difícil, porque las diez canciones cuentan historias distintas y en ellas, han colaborado músicos diferentes. Pero sí que es cierto que hay una que no debería estar, porque en ella iban a colaborar más artistas de los que han colaborado. Es el tema «Mientras pueda cantarte». Por eso me quedaría con ella. La escogió un músico que al final no pudo participar y tuve que cantarla yo solo. Pero creo que ha quedado muy redonda.

«La guapa y el ciego» fue el primer adelanto, que se lanzó con su respectivo videoclip. ¿Por qué precisamente este tema y cómo surge la idea del vídeo?

Esa canción es una canción especial, creímos que sería la más apropiada, porque tiene un estribillo muy chulo y pegadizo. Y más si tienes la suerte de colaborar con Lichis y Litus.

Casi todas las canciones podrían haber sido posibles singles. Pero de esta ya teníamos el videoclip preparado, así que optamos por ella.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

La música en sí ya es una locura. Yo escribo canciones porque me ayuda a gestionar y canalizar mis emociones. Si escribo es porque me ha pasado algo triste. De hecho, suelo decir que si me pasa algo feliz, lo vivo, no lo escribo.

Así que escribir todos esos sentimientos negativos, no solo me sirve para desahogarme, también me ayuda a buscar esa parte positiva. Y al final, siempre consigo encontrar esa salida o esa respuesta que busca. Así que creo que la música, en sí, es una locura.

29 noviembre 2018
Beluga: «Tiempo de leones muestra nuestra necesidad de reafirmarnos»

Beluga han regresado a escena con su nuevo trabajo. «Tiempo de leones» está aquí para atraparnos bajo su estela. No es para menos: concepto, imagen y disco que dan un paso más en referencia a «Búmeran» y que muestra a unos Beluga mucho más maduros, mucho más ellos.

Hace unos días, hablamos con Carlos Ortega y José Ramírez sobre este «Tiempo de leones». Y esto es lo que nos contaron.

¿Cómo surge el concepto de «Tiempo de leones»?

José. Lo que es el título surgió incluso antes de plantearnos hacer un disco. En este caso, vino de un viaje de uno de nosotros a Mozambique, que es un sitio increíble, un paraíso. Nos gustó y adoptamos un poco ese concepto a la hora de crear el disco. Lo hemos ido amoldando todo a eso.

Carlos. Ha sido como una visión. Se construye todo en base a eso.

José. Exacto. No es que ya tuviéramos los temas y a partir de ahí creáramos el concepto. Ha sido más bien al contrario. De hecho, el título se ha mantenido, pero estuvimos dudando hasta el final, hasta que vimos que efectivamente, el concepto permanecía.

Un titular que defina el disco.

C. No somos de titulares [risas]. Pero quizás, diríamos, la necesidad de ser quien somos. Aunque suena muy ambiguo.

J. Sí, pero quizás podría ir por ahí. La necesidad de reafirmarnos en lo que somos y en lo que queremos comunicar.

Una canción de «Tiempo de leones».

C. Si tuviera que quedarme con una, me quedaría con «El nombre de la naranja».

J. Yo no podría quedarme solo con una. Nosotros concebimos los discos como un viaje, como un ente completo. Así que no podría destacar solo un tema.

Al hilo de esto, ¿creéis que el concepto de disco como historia se está perdiendo?

J. Se está perdiendo un poco, pero creo que al final también, esto viene de estrategias de marketing o de comunicación. Nosotros en ese sentido, seguimos siendo un poco románticas. El concepto disco nos gusta y lo necesitamos. Quizás en otro momento, podamos hacer algo en dos o tres canciones. Pero hasta la fecha, necesitamos el tiempo de un disco para poder soltar lo que queremos.

C. Además, que el diseño del disco en formato físico, también habla de tu obra. Así que solamente hablar de la música, para nosotros se quedaría corto. Yo creo que se seguirá manteniendo. Y coincido con Jose en que todo esto forma parte de la vorágine del marketing. Pero nosotros continuaremos haciendo discos y lanzándolos en físico. Porque al final, nosotros hacemos música para románticos.

Vuestro caso me llama especialmente la atención, porque está todo muy bien hilado: música, imagen, espectáculo. Y la verdad es que eso me gusta.

C. Hay una cosa que digo mucho últimamente. Estamos en un momento de nuestra vida en el que tenemos algo que decir. Para ello, tienes que construirlo muy bien y tener una narrativa muy concreta, de forma que el público lo entienda. Y no solo la música, también el diseño, las letras o la instrumentación. De ahí la importancia de que esté todo tan bien hilado.

J. Y además, todo lo que nosotros publicamos o mostramos, pasa por nuestras manos. Al final, son todo herramientas para completar el mensaje.

Con «Tiempo de leones» creo que habéis dado un paso más en referencia a «Búmeran». ¿Cómo han sido estos años de trabajo?

C. Estos dos años han sido dos años de permiso. De permitirnos indagar, de explorar, de trabajar cuatro meses en una canción. El disco podría haber sido una mierda, pero no queríamos que lo fuera. Han sido dos años, para hacer algo que nos saliera del corazón. Y estamos satisfechos con lo que ha pasado, porque es lo que hoy está al alcance de nuestras manos.

J. Además, desde que salió «Búmeran» ha pasado mucho tiempo. Nos han pasado muchas cosas y nosotros mismos también hemos aprendido mucho. Este disco tiene, de hecho, mucha más profundidad por eso, porque somos personas diferentes. Y que las personas que compusieron «Búmeran», no son las mismas que han compuesto «Tiempo de leones». Hay dos miembros que se han incorporado en este nuevo camino. Además, hemos incorporado nuevas cosas que hemos aprendido.

¿Cómo afrontáis la presentación en la Sala Caracol?

C. Lo afrontamos de puta madre [risas]. Nosotros nos hemos venido un poco arriba, ¿pero sabes qué pasa? Llevamos mucho tiempo sin tocar en Madrid y nos hemos puesto el objetivo de llevar 400 o 450 personas. Si luego nos damos de bruces, ya vendrán los lloros. Pero somos de ponernos objetivos altos. Y creemos que es posible, por todo nuestro trabajo de estos dos años y por todo el público que hemos ido consiguiendo este tiempo.

J. Además, queríamos una sala en la que pudiéramos hacer el show que creíamos que de merecía este disco. Y, evidentemente, teníamos que hacerlo en Madrid porque es nuestra ciudad. Queríamos un punto más. Y también queríamos agradecer a toda la gente que ha participado en el crowdfunding, queríamos darles un gran show.

La mayor locura que hayáis cometido por la música.

J. No somos muy de locuras. Pero quizás, tener que trabajar en otras cosas, porque al final, Beluga para nosotros es una vía de escape. Por lo demás, bueno, lo típico a lo mejor, no dormir [risas].

Siguientes pasos de Beluga.

J. Tocar todo lo que podamos y donde podamos. Al final, creo que esa es la parte más difícil de la música. Es algo muy costoso y en lo que estamos currando mucho.

La playlist de Beluga

28 noviembre 2018
Aitor Flamingos presenta en Madrid su trabajo, «Los males pasajeros»

Aitor Flamingos regresa a escena, para presentar su segundo trabajo «Los Males Pasajeros», que vio la luz el pasado 26 de octubre. Y, al fin, lo presentará en directo. La cita será este mismo jueves 29 de noviembre, a las 20.30 horas en la Sala Sound Stage de Madrid.

«Los Males Pasajeros» llega dos años después de su anterior trabajo, «Olor a tormenta». Durante este nuevo trabajo, hace un recorrido autobiográfico a través de ocho canciones, en las que han participado más de doce músicos. Colaboraciones con gran talento se han querido sumar al proyecto, en el que también ha trabajado la banda habitual del artista (Manu Clavijo, Marta Mansilla, Edu Herrera, Pablo Nadal y José Deza). Este disco ha sido el resultado de varios meses de trabajo, de abril a junio, en los estudios Pull Push de Madrid. Un trabajo que está cargado de sonidos dispares: vientos, cuerdas, guitarras y base de rock. Además de otras influencias que forman parte del imaginario del artista, como el folk o el blues.

El lanzamiento del disco, que es el tercero autoeditado por el artista, ha sido posible gracias a una campaña de crowdfunding, en la que participaron más de 120 personas. Campaña que, además, se consiguió en un tiempo récord. Y es que es mucho más fácil formar parte de algo, cuando tiene tanta verdad detrás, cuando se suelta tanto lastre, cuando eres capaz de encontrarte con el artista y reencontrarte a ti mismo.

Fechas de presentación de «Los males pasajeros»

Este jueves 29 será la gran fecha en la Sound Stage de Madrid. Pero no será la única. Y es que el artista continuará con una mini gira de presentación, que lo llevará por diferentes lugares. De hecho, el 15 de diciembre pasará por Collado Mediano (Madrid), junto a Elenitakatá; el 11 de enero estará en Murcia y el 12 en Valencia, ambas fechas con Esther Zecco; y finalmente, el 25 de enero regresará a la capital. Fecha en la que actuará junto a Eva McBel.

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27 noviembre 2018
Cocktail Musical celebra su octavo aniversario por todo lo alto

Hay fechas marcadas a fuego, celebraciones que solo vivirás una vez en la música, conciertos que se quedan para siempre en la memoria, grupos con los que conectas desde el primer instante. Nunca dejaré de decir que la gran fiesta de la música es, precisamente esto. Pero es que cuando estás celebrando el octavo aniversario de un blog amigo como es Cocktail Musical y lo haces con verdaderas «bandazas» como Eladio y los Seres Queridos y Nixon, ya nada importa. Y es que el pasado viernes 16 de noviembre, Moby Dick ardió completamente con la actuación de ambas bandas.

Eladio y los Seres Queridos fueron los primeros en abrir la veda. Sin haberlos escuchado previamente, fueron la gran sorpresa de la noche. Con un directo brutal, los gallegos hicieron un breve pero intenso recorrido por algunos de sus temas más emblemáticos de su carrera. Si «Algún Iluminado» se hubiera atrevido a decir algo negativo de este bolo tan especial,el público habría respondido cantando hasta el final cada uno de las canciones de la banda. Desde «Están Ustedes Unidos» hasta «Tormenta», pasando por «Carlota se fue». Una a una, fueron apareciendo también otos temas como «Los Dinosaurios», «Eternamente», «Non quero perderte» o «Miss Europa».

Demasiado rápido pasó el concierto de la banda liderada por Eladio Santos. Pero no faltó final sin que nos demostraran que cualquier «Tiempo futuro» podrá ser mejor, siempre y cuando actuemos «Con el corazón en la mano».

Nixon pusieron punto y final a la noche. Desde el principio supieron engancharnos y atraernos hacia ellos con «La Fiesta» tan «Tribal» que montaron. Con esa «Fuerza Gravitacional» que los caracteriza, no nos dieron tregua en ni un solo momento. Pero tampoco la queríamos. En cero coma, entramos en calor con ellos. Y es que ese «calorcito» del sur, solo lo podían traer ellos desde Almería. Consiguieron que entráramos en un mundo paralelo, un mundo que no era más que una «Utopía», pero del que no habríamos salido en la vida.

Una hora de concierto que se pasó como un suspiro y que, sin duda, nos hizo entrar en una especie de «Muerte Dulce».

26 noviembre 2018
El gran cambio de Ayer, adquiere una nueva dimensión en «Sed Social»

Hay bandas que desde el inicio, te enganchan. Llámalo magnetismo, llámalo estrella. Cuando el talento va más allá de lo musical y te atrapan también a nivel personal, ya no hay nada que hacer. Esa es la sensación que tenemos con los chicos de Ayer, que recientemente publicaron su nuevo EP, «Sed Social».

Hace algunos días quedamos con ellos y estuvimos hablando sobre su música, sobre la situación de la industria y también sobre el fenómeno Rosalía.

¿Por qué «Sed Social»?

Dani Laporta. ¿Y por qué no? [risas].

Dani García. Era una canción que hablaba de las redes sociales y del ambientillo chungo que hay alrededor de ellas. Empezó llamándose «La Red Social» y luego «La Red». Pero queríamos buscar un juego de palabras. Así que, al ver a todo el mundo adictos a las redes, como si se les fuera la vida en ellas. Así que de ahí vino. De la sed que tiene la gente por la aprobación social, tanto dentro como fuera de las redes.

Rubén. En realidad, salió de milagro, mientras estábamos grabando. Y todo por un chiste que contó Dani. Y al final, nos moló.

Laporta. Y luego el EP vino a raíz de todo ello. Nos pareció que era el tema más relevante.

De hecho, los tres temas del EP son totalmente diferentes entre sí.

Laporta. Sí, sí, cuentan historias completamente distintas. Son muy dispares.

Dani. Nos han dicho, de hecho, que el EP en sí es más introspectivo y oscuro que los temas anteriores. Y quizás sea por el periodo en el que nos encontrábamos. Refleja muy bien el estado de la banda.

Laporta. Además, veníamos de «Salvaje», que refleja mucha más alegría. Y con este EP, queríamos mostrar otra cosa.

Dani. Justo, queríamos mostrar varias facetas nuestras y demostrar que podemos hacer temas más bailables o alegre, otros más potentes y otros totalmente emocionales.

Justo os iba a comentar que el vibrante pop rock, llega a otro nivel en este EP.

Dani. Sí, quizás. En realidad es porque nos gusta mostrar las dos caras.

Laporta. Además, de manera un poco inconsciente, hacemos los temas pensando en el concierto. Los directos siempre tienen que mantener cierta dinámica. De ahí que surgiera una canción potente como es «Sed Social».

Dani. Además, tal y como componemos actualmente, la música siempre llega antes que las letras. Y con «Sed Social», al ver la rabia que transmitía la música, quisimos hablar de algo relevante, de algo de lo que quejarnos.

Extrapolando un poco, ¿creéis que a la música actualmente, le falta esa garra y esa necesidad de hablar de cosas relevantes?

Dani. Yo tengo la sensación de que no se hace música para hablar de temas molestos. Se hace música, para subirse al carro de la actualidad. Es decir, hay una corriente en contra de los políticos y entonces hay grupos que aprovechan el tirón, para hacer ellos algunos temas de corte reivindicativo.

Quien habla de reivindicación, habla de canciones con mensaje, con alma. No tiene por qué ser canción protesta.

Laporta. Es que hay tanta dificultad para entrar al mercado, que nadie quiere arriesgarse. Hay una fórmula pre-establecida y mucha gente va por ahí, siguiendo el convoy. Y al final, si te fijas, es lo que pasa. Bandas iguales o con un estilo muy parecido.

Dani. Que al final, esto no quita que no haya letristas brutales y eso nos encanta.

Volviendo un poco al tema del EP. ¿Cómo surge todo el concepto del arte del disco?

Laporta. Fue un poco una lucha, porque en los anteriores trabajos, era Dani quien hizo las portadas. Pero al final, nosotros tenemos que dedicarnos a hacer música. Así que con «Sed Social» teníamos claro que íbamos a buscar a alguien especializado en diseño. Entonces escribimos a un amigo mío de la infancia, Gus Bozzeti, para que nos ayudara. Él no es diseñador, es más bien artista plástico. Enseguida os dijo que sí y que le comentáramos la idea que teníamos. Pero quisimos dejarle total libertad para crear. Le enviamos los temas para que se hiciera una idea. Creo que captó muy bien la idea de «Sed Social». Con mucho colores, muy multicultural.

Dani. Al final, conceptualmente captó muy bien la idea de «Sed Social» y de las redes sociales. Sobre todo, con el selfie hecho de muchas otras cosas.

¿Por qué apostar precisamente por el formato EP? Recientemente lanzasteis «Salvaje» y «Sed Social» llega muy poco tiempo después.

Laporta. Sí, de hecho, estábamos con la promo del anterior trabajo y ya estábamos grabando este. Y lo cierto es que no nos dio tiempo a grabar más. Nos habría gustado lanzar «Sed Social» antes del verano, pero finalmente, se retrasó el lanzamiento. Es una continuidad del trabajo anterior, porque de hecho, en el formato físico, están también los tres temas anteriores.

Rubén. De hecho, no creemos que hubiera tenido mucha más repercusión si hubiéramos sacado álbum en vez de EP.

Dani. No nos veíamos en el momento de invertir las energías, dinero y tiempo en un disco, que tuviera una repercusión moderada. Preferimos guardarnos las balas para otro momento más propicio. También queremos ir creciendo poco a poco, para que cuando sea el momento, publicar un trabajo más largo.

Laporta. Además, pensamos que el crear un álbum requiere bastante tiempo. Tiempo del que no disponemos cuando entramos al estudio. Allí todo está mucho más limitado.

¿Creéis que con todo este panorama, se está perdiendo el poder del disco como discurso?

Dani. Pues mira, me voy a subir al carro de un tema que está muy de actualidad: Rosalía. Creo que ha hecho un disco brutal, con canciones que no solo tienen su título, sino que están estructuradas en capítulos. Ha puesto el valor del disco sobre la mesa. Haciendo eso, te obliga a escuchar el disco entero y en orden. Está haciendo una cosa muy chula, que hace mucho tiempo nadie hacía. Así que ojalá se mantenga y se revitalice el formato disco.

A nosotros nos gustaría hacer un álbum en el que los 10 o 12 temas, fueran hits. No queremos poner rellenos. Pero claro, a eso hay que dedicarle tiempo. A Rosalía le llevó dos años crear «El Mal Querer».

Rubén. Y es más complicado cuando no te dedicas completamente a la música. Si sacas disco, te quedas sin temas hasta nuevo aviso.

Un titular que defina «Sed Social».

Dani. Para mí, es el comienzo. Es un cambio.

Rubén. Cambio de perspectiva.

Una canción de Ayer.

Laporta. «Eco».

Rubén. «El color y la forma.

Dani. «La herida».

Un escenario donde tocar.

Las Ventas o el Festival de Les Arts.

Artista que acabéis de descubrir.

Rosalía.

Alguien con quien compartir escenario.

Miss Caffeína o Sidonie.

26 noviembre 2018
Penny Necklace y Arena Jara protagonizan el próximo Acoustic Art

Mañana domingo 25 de noviembre, en el día de la lucha contra la violencia de género, llega un nuevo Acoustic-Art muy especial. En el que dos proyectos encabezados por mujeres como Penny Necklace y Arena Jara pondrán la nota musical en estos acústicos, organizados por los compañeros de Intrépida. Además, participará la Asociación MIM (Mujeres de la Industria de la Música) y el colectivo Domingueras Cabronas. La cita será a las 11.45 horas en Superlativo Bar.

El motivo de esta edición de Acoustic Art

La iniciativa promovida por Intrépida, ofrece una serie de acústicos íntimos una vez al mes. En esta ocasión, coincide con el Día de la Eliminación de la Violencia Contra la Mujer.

Ha sido así, porque a día de hoy, la violencia contra la mujer continúa siendo una lacra contra la que ha que pelear. Y no solo se habla de violencia física, también de todas sus vertientes. Por ese mismo motivo, además de las actuaciones de dos grandes bandas como Penny Necklace y Arena Jara, se dará voz a diferentes colectivos que visibilizan el papel de la mujer, además de luchar por sus derechos.

Las artistas invitadas: Penny Necklace y Arena Jara

Penny Necklace fue uno de los grandes descubrimientos de 2017. Con «La Luz» nos ganó completamente y, desde ese momento, no hemos dejado de ver crecer el proyecto. En continuo movimiento, Penny Necklace orbita alrededor de Odette SP, que será quien ofrezca el showcase de mañana domingo, en un formato setsola. Tan solo ella, acompañada de samplers, loops, pedales y guitarra eléctrica. La mejor manera de desnudar las canciones de su álbum, tal cual ella las concibió en su cabeza.

Arena Jara es una joven cantautora, que se encuentra a caballo entre Madrid y Canarias. Con influencias del neo soul y músicas del mundo, junto a su voz dulce y arenosa, ha recorrido grandes escenarios de ciudades como Madrid, Mallorca, Ciudad de México y el festival «Ozora» en Hungría. Y mañana deleitará al público con su particular proyecto.

Si aún no tienes tu entrada, consíguela aquí.

24 noviembre 2018