Verdadera Locura

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Milongas Extremas o cuando el folclore rioplatense atraviesa fronteras

Directamente desde Uruguay, llegan Milongas Extremas, banda en la que el folclore rioplatense y el rock se mezclan y resurgen. Ayer actuaron en la capital, pero es que la gira por España aún no ha terminado. De hecho, está en pleno apogeo. Y es que aún quedan fechas por Bilbao, Barcelona y Sevilla. ¿Listos para re-descubrir las canciones de Extremoduro, mezclado con el más puro estilo milongas?

¿Cómo surge la idea de rendir homenaje a Extremoduro?

Nosotros tenemos dos discos. En el primero, quisimos reunir todas esas canciones que ya tocábamos y versionábamos, con guitarras criollas. Un formato típico del Río de la Plata. Había como unos 20 temas, que llevábamos a los directos. Y como la banda ya quería crecer, decidimos grabar ese primer disco, que eran todo versiones de Extremoduro. Eso fue en 2012. Y en 2016, vio la luz el segundo disco, que ya son temas propios y colaboraciones con algunos amigos. En él, quisimos volcar todo lo que veníamos haciendo, pero con otras composiciones.

¿Por qué llevarlo todo al lado del folclore rioplatense?

Es algo que se hizo siempre en Uruguay. Hay muchos artistas que lo hacen con muchos estilos. Al final, todos ellos se mezclan. Lo que nos pasó a nosotros es la posición desde la que el cantor de milonga canta, es muy similar a la de Robe de Extremoduro. Entonces, al probar, nos dimos cuenta de que sonaba bien y de que el mensaje llegaba. Para nosotros fue muy interesante y lo vivimos de una manera re-linda. Aún con cuatro guitarras criollas, hay mucho de Extremoduro en lo que hacemos.

En su momento, Robe Iniesta dijo que erais el único grupo de versiones, capaz de aportar un sello diferente.

Capaz que antes nadie los versionaba. Porque para nosotros, la versión muestra otra perspectiva de los temas, es como agarrar algo y llevarlo a otro terreno. Entonces capaz que no haya ningún otro grupo que haga lo que hacemos nosotros con las canciones de Extremoduro, a las que damos nuestra propia personalidad. Y suenan completamente diferentes, porque somos cuatro guitarras, pero también cuatro voces.

Además, Extremoduro no es una banda hiper conocida en Uruguay. Ahora sí que empiezan a sonar más. De hecho, comenzaron a vender discos en Latinoamérica, a partir de 2014. Antes llegaban algunos, pero muy pocos. Nosotros en 2008, empezamos a tocar canciones de ellos y la gente apenas se las sabía.

¿Y cómo llegan Extremoduro a vuestras vidas?

En realidad, por conocidos y amigos, que comenzaron a escuchar a Marea y Extremoduro. Al principio, no nos gustaban mucho, porque estábamos acostumbrados a escuchar rock en inglés o rioplatense. Y nos parecía raro al principio, escuchar rock con el acento de acá. Pero nos terminaron gustando. Al final, con el boca a boca, la gente comenzó a escucharlos más por allá.

¿Cómo han evolucionado Milongas Extremas en esta década?

Seguimos siendo los mismos, en realidad. Pero cada vez, con desafíos más grandes y con proyectos más difíciles de encarar, ya que eso es lo que al final te hace crecer. Al final, la idea es viajar más, recorrer más escenarios y más grandes.

Hemos girado mucho por Uruguay. Y, al final, Montevideo tiene millón y medio de habitantes; y el resto de país, otro millón y medio. Así que tenemos que esforzarnos mucho en cambiar nuestros espectáculos. Porque no vamos a tocar todos los meses, las mismas cosas. Así que procuramos publicar cada dos años material nuevo. Y eso es lo que hemos hecho hasta el momento. Aunque no hemos dejado de versionar temas de Extremoduro.

¿Cómo afrontáis la visita por España?

Lo vivimos minuto a minuto, como un verdadero desafío. También venimos con mucha menos incertidumbre que la vez anterior. La verdad es que estamos re-contentos de volver, se nos pasaron tres años. Cuando vinimos en 2015, queríamos regresar prácticamente al año siguiente.

De todos modos, estuvimos trabajando mucho por allá, porque es mucho más sencillo que alguien empatice con nosotros allá, aún sin conocer a Extremoduro. Nosotros sabemos que las letras de la banda son profundas y llegan, pero por nuestra manera de llevarlas al escenario, con un cuarteto de cuerda, es más fácil que el público uruguayo, argentino o brasilero conecte con nosotros. Porque el sonido es mucho más familiar. Venir acá a tocar canciones de Extremoduro en formato milonga, es un desafío. De hecho, en 2015 creíamos que el experimento no iba a funcionar, pero no fue así.

Esta vez venimos sin expectativas, pero con muchas menos incertidumbres. Venimos para volver a insistir en ciudades en las que ya estuvimos y para descubrir nuevas. Lo bueno, es que siempre hay gente que agita y nos pregunta que cuándo volveremos.

Un titular que defina este último trabajo.

Temprano. Es «electric feel». La verdad es que salió muy rápido y quedó muy fresco. Casi todas las canciones eran «nuevitas». Aunque lo cierto es que venimos más a presentar el nuevo espectáculo.

Un titular que defina el espectáculo.

«Vení» a verlo. Es algo que no se puede explicar, solo se puede vivir.

Es, quizás, un problema nuestro. El no saber grabar los discos tal cual sonamos en los directos. Aunque en realidad, son dos mundos paralelos. Nosotros escuchamos los discos y nos encantan, pero luego los vivos no tienen nada que ver. La tensión es diferente. Además, hay mil cosas por medio. En los conciertos, siempre hay una electricidad que en los discos no se percibe.

¿Qué es lo más loco que os ha pasado siendo Milongas Extremas?

Pasaron cosas muy locas [risas]. Hay una cosa muy loca y muy linda, también. En Buenos Aires, la gente es muy sentimental. Este año tocamos allá y vino una familia, con un bebé pequeño. La cuestión es que la mamá nos contó que tuvo el parto en su casa, escuchando a Milongas Extremas. Y esa gente nos va a ver, con la niña muy chiquita.

28 octubre 2018
La Raíz se despide de Barcelona, al grito de «Nos Volveremos a Ver»

Hay conciertos por los que merece la pena pegarte cientos de kilómetros. Hay conciertos por los que merece ir a lo loco, sin saber hasta última hora si vas a entrar o no. Porque hay conciertos que saben a despedida y sabes a ciencia cierta que no se repetirán jamás. Da igual que sean en Madrid, Bilbao, Valencia o Barcelona. Como si hubiera sido otro país. Con esa sensación de melancolía, tristeza y ganas de disfrutar de uno de los últimos coletazos de La Raíz, nos plantamos el pasado 20 de octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona.

Era la última cita en Cataluña. Y no estaban solos, porque la banda de rap Tribade los acompañaron, siendo las encargadas de abrir este espectáculo tan especial. Con una alta carga social, Bittah, Sombra Alor y Masiva Lulla, nos cantaron temas como «Hija de la luna», «Mujeres», «La Purga» o «Gaupasa». Gran descubrimiento el de la banda barcelonesa que, con su gran puesta en escena y su lucha, nos acabaron ganando por completo.

Y, al fin, llegó el gran momento. Apenas pasaban las 10 de la noche, cuando los primeros acordes de «La Miseria de sus Crímenes» empezó a sonar y la voz de María Medina «La Morronga», recitó aquello de:

«Quisiera saber por qué estoy
en esta cárcel metido
tratado como un bandido
que no quiero ser ni soy».

Emoción por las nubes, gritos y ganas de vivir una de las grandes despedidas de la banda. Uno a uno, los miembros de La Raíz comenzaron a salir sobre el escenario. Era el momento de «Entre Poetas y Presos». Los valencianos estaban por la labor de demostrarnos que «Así en el cielo como en la selva», siempre estaremos en «El lado de los rebeldes».

Poco a poco, fueron llegando canciones. Con «Borracha y Callejera», dieron el pistoletazo de salida a «La voz del pueblo». Un pueblo que, incansable, no dejaba de cantar y que, inevitablemente, comenzó con los pogos justo cuando llegaba «Muérdeles». Intensidad que se acentuó cuando, convertidos en cazadores, atrapamos a todos los «Jilgueros» que, en esos momentos, nos acechaban a lo largo y ancho de esta «Selva Asesina».

Momento de bajar de esa noria emocional, cuando llegó «El Tren Huracán», tema dedicado a El Cristo. Vecino de Gandía y amigo de la banda que falleció hace ya una década, «por querer llevar una vida muy parecida a la de muchos artistas».

Y tras este merecido y emblemático homenaje, llegó el turno de hablar de «Nuestra Nación», la misma en la que siempre «Llueve en Semana Santa». Pero como todo, cada canción nos preparaba para la siguiente y las emociones siempre a flor de piel. «Por Favor» dio paso a uno de los temas más emocionantes. Con Sandra Monfort y su guitarra, llegaba el turno de «Suya mi Guerra», ese particular grito para recordar a los combatientes que cayeron en defensa de la República. También hubo tiempo para que desfilaran «El Circo de la Pena», «Elegiré» y «Radio Clandestina». Con un paréntesis muy especial, para tocar «L’Empordà», de Sopa de Cabra.

Quedaba muy poco tiempo de concierto. Las primeras lágrimas comenzaban a asomar, aunque nada quitó las ganas de hacer el último pogo. Todos juntos en «La Hoguera de los Continentes», cantamos «El Mercurio» y alzamos aún más la voz en «Rueda la Corona», mientras nos resguardábamos a «La Sombra de la Sierra».

Sin duda, fue una de las noches más emotivas que jamás habré vivido. Tiempo para cantar como si no hubiera un mañana, tiempo para echar los restos y tiempo para recordar, con emotividad, todo lo que La Raíz nos ha regalado como banda en estos 12 años de carrera. De hecho, el propio Pablo Sánchez fue quien recordó que, a pesar del parón, siempre seguirán siendo los mismos. Precisamente eso es lo que los hace únicos. Así que ojalá sí, ojalá eso de «Nos Volveremos A Ver».

27 octubre 2018
Molina Molina: «La Gran Esperanza Blanca nace como disco de grandes éxitos»

Molina Molina está de enhorabuena, «La Gran Esperanza Blanca» está en la calle, desde el pasado mes de septiembre. Magia, luz y energía positiva a raudales es lo que transmite este álbum. Es lo que transmite él cuando lo entrevistamos. 30 minutos de conversación que parecieron 2 segundos. Por fin os podemos mostrar todo lo que nos contó sobre su nuevo trabajo y sobre la situación actual de la industria de la música.

El próximo 16 de noviembre, el artista presentará el disco en la capital, en la reconocida Sala Búho Real.

¿Cómo surge el concepto de «La Gran Esperanza Blanca»?

¿Como disco o como título? Porque el título tiene una intra-historia detrás, que me reservaré para mi libro, porque es una movida muy «tocha». Es una especie de cuento de hadas, tiene algo muy mágico detrás. Para mí fue muy especial.

El concepto del disco en sí, surge como álbum de grandes éxitos. Todas las canciones han salido como singles, excepto dos, que verán la luz pronto. Entonces es muy curioso que el disco haya salido después de que casi todos los singles hayan visto la luz. Es más una compilación de grandes éxitos, que un disco con temas inéditos. Ha sido el resultado del trabajo de estos dos años y medio.

¿Y no crees que al publicar single por single, se pierde un poco la historia y la magia del disco?

Sí que creo que se pierde. Aunque yo luego he hecho lo contrario de lo que digo. Aún así, creo que se pierde la magia, se pierde la novedad, se pierde el orden. Porque la selección de temas no es aleatoria. Pero sí que es cierto que vivimos en esa sociedad del consumo rápido, el ponerse el disco se ve como una pesadez. Entonces, no tiene mucho sentido. Aunque en este caso sí, por el formato en el que se ha hecho: se ha publicado en vinilo, bonito y metiendo las canciones que merecían estar. Para mí, ha sido como subir un «escaloncito» a nivel profesional.

Si hubiera sido un disco con canciones inéditas, quizás no habría tenido tanto sentido. Precisamente por eso, porque hoy se escucharía y mañana ya sería un disco antiguo.

El diseño del disco tiene gran peso e importancia. ¿Cómo surge el concepto del mismo?

Yo soy muy obsesivo con muchas cosas y me gusta controlar todo: desde el videoclip, hasta las canciones, pasando por lo que se publica en redes sociales. Yo tenía una idea de portada, pero mi equipo no lo tenía tan claro. Así que decidí que yo no quería participar de ello. Mabel Casas, de Warner, fue la encargada del diseño del disco. La verdad es que es una persona que me conoce a la perfección, con la que trabajo muy mano a mano, me dijo: «no te preocupes, porque voy a hacer la portada perfecta para ti». Y efectivamente, así fue. Cuando la vi, me di cuenta de que había referencias muy evidentes a lo que soy yo y lo que significa este disco.

Una canción del disco.

«Nervio», también «He vuelto a casa» con Iván Ferreiro, por lo que significa. Pero me quedo con «Nervio», porque tiene una cosa especial. Quizás influye que es la última del disco y la última que grabé.

Un titular que defina el disco.

Son canciones chulas. Yo baso todo en las canciones, si te llegan, ya está todo.

¿Huir de las etiquetas en pro de buscar un sonido propio?

Eso siempre. Además, creo que cuando un artista se auto-etiqueta, se está cerrando muchísimo campo. Si yo mañana quiero hacer reaggeton, que hay cosas guays dentro de ese género, ¿ya no lo puedo hacer porque supuestamente soy indie? Me parece una tontería. Por eso decía que lo importante son las canciones. A mí me puede gustar un tema de Camilo Sesto, otro de Fangoria y otro de Rosalía.

Es cierto que yo siempre estaré encauzado en una determinada corriente. No podría hacer heavy metal, porque no tengo el timbre de voz y no soy un virtuoso del género. Pero sí que reconozco que hay canciones heavys que molan.

Lo verdaderamente complicado es encontrar tu sello. Si haga lo que haga, eres capaz de escucharme y saber que soy Molina Molina, es ya un éxito total.

Pues precisamente, hay bandas que parece que sean réplicas unas de las otras. No tienen personalidad y ese sello se pierde.

Quizás porque se suben al carro de la moda, de lo que saben que está funcionando en ese momento. De hecho, salió Supersubmarina, salió Izal y desde entonces, han salido mil bandas siguiendo esa estela. Al final, si analizo, esas bandas no han triunfado no por el estilo que hagan, si no por imitar. Por ejemplo, gente como Raphael, Sabina, Sía, se han creado una marca muy potente. Puedes imitarlos e incluso cantar mejor que ellos, pero como ellos no hay dos iguales. Ellos fueron los primeros.

Cuando yo hablo de «La Gran Esperanza Blanca», aludo a esa diferencia. A esos aspectos que me distinguen de los demás.

¿Cómo se produjeron las colaboraciones con Iván Ferreiro y Alberto Jiménez (Miss Caffeína)?

Con Iván Ferreiro fue un sueño cumplido, porque de hecho, cree la canción solo para que la cantara él. Y le dije que si no la cantaba él, que ese tema nunca aparecería en ningún sitio. Al final, tuve la suerte de que conforme la escuchó, me dijo: «por supuestísimo». Para mí, él era lo máximo, porque he crecido con su música. Fue muy chocante y espectacular.

Y con Alberto fue muy guay también. En ese caso, la canción estaba ya hecha y, en principio, no estaba pensada para ninguna colaboración. Pero una vez escuchándola, me dijeron que recordaba mucho al estilo del último disco de Miss Caffeína. Así que creímos que Alberto sería perfecto para cantarla conmigo. Así que se la mandamos y automáticamente, dijo que sí.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Molina Molina?

Hacer mucha promoción, para que la gente se peleé por ellos, con navajas en la puerta [risas]. Y, sobre todo, hacer presentaciones. Voy a hacer la primera tanda de presentaciones en acústico. Y luego, a partir de enero o febrero, hacerlas con banda. A partir de verano, es empezar con la ruta de los festivales.

¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?

No lo que he hecho, si no lo que estoy haciendo. Que es, simplemente, dedicar toda mi existencia a la música y a sacar el proyecto adelante. Y es que, básicamente, vivo en el Alsa que va de Granada a Madrid. Me pego entre dos y tres viajes a la semana, a cinco horas por trayecto. Así que, con esto, me lo estoy jugando todo a una carta. Y sin una plan B.

La playlist de Molina Molina

25 octubre 2018
Dani Red prenderá fuego a la Siroco este mismo sábado

Dani Red estará en concierto el próximo 27 de octubre en la Sala Siroco de Madrid. El artista llevará al directo su nuevo single, «Esta Llama», cuyo videoclip vio la luz el pasado domingo 14 de octubre. Una canción llena de energía, psicodelia y tintes electrónicos, que habla sobre los miedos infundados y la manera que tenemos de enfrentarnos a ellos. Además, Dani Red presentará en exclusiva, su segundo adelanto, «Creo». Single que lanzará en plataformas digitales próximamente.

No estará solo, ya que los valencianos Ecoband serán quienes abran el espectáculo, presentando de esta manera, su trabajo más reciente: «Un buen sencillo». Un EP con el que reivindican el poder de la sencillez en la música.

La meteórica carrera de Dani Red

Tras Dani Red se esconde el artista multidisciplinar Daniel Rojo, músico, cantante, compositor y multinstrumentista. Su música se mueve entre el pop alternativo, la electrónica y textos profundamente reflexivos. Esta combinación crea una atmósfera sonora y visual única en la que queda patente su particular rebeldía. Una rebeldía que, a los 13 años lo expulsó de clase de música para crear su propia banda de punk.

Compaginando desde muy joven sus dos pasiones, arte y ciencia, Dani Red aprovecha para inspirarse en ciudades como Berlín o Londres tomando influencia de artistas como Radiohead y Arcade Fire entre otros. De vuelta a Madrid, se sube en la furgoneta de Ukulele Clan Band, banda punk/folk con la que lanzó dos discos girando por todo el país.

Tras cinco años de aventura con la banda decide comenzar su proyecto en solitario para reinventar su sonido propio: Dani Red. Un proyecto en el que ha volcado toda su experiencia vital y musical. Un proyecto que comenzó con sus dos primeros EPS, “Desaparecer” y “Cada día somos más”. Un proyecto que continúa este 2018 con nuevas canciones y un paso mas en la produccion a manos de Pablo Pulido (Estudio Uno).

Si aún no tienes tu entrada, hazte con ella en Wegow.

25 octubre 2018
Muntz regresan a Madrid, con su nuevo trabajo «Pneuma»

Los descubrimos apenas unos meses, precisamente en Madrid. Y la verdad es que nos ganaron desde el minuto 1 con su arrolladora energía y con su insaciable talento. La nueva promesa del rock alternativo, se llama Muntz y vienen desde un pequeño pueblo de Ciudad Real: Alcázar de San Juan. Precisamente, en mayo, presentaban oficialmente su nuevo trabajo en la capital. Es el momento de «Pneuma». Un momento que permanece tan vivo que, de hecho, tendrá un segundo asalto: este mismo viernes 26 de octubre, en la Sala Alive.

Además, no estarán solos. Ya que se subirán al escenario con ellos, los madrileños Bware. A su cargo, correrá abrir el concierto. Una banda que bebe directamente de los sonidos más indie-rock. Un sonido con el que experimentaron, tras la salida de su primer trabajo autoproducido, «Bware» (2013).

«Pneuma», la gran apuesta de Muntz

Un total de cinco cortes de carácter conceptual, conforman este nuevo EP, que supone un gran salto para la banda alcazareña. A través de «Coming for you», «Sirocco», «Drift», «Delta» y «Light in your eyes», nos sumergimos en los submundos de Muntz, descubriendo a cuatro jóvenes con mucho talento. De hecho, llama especialmente la atención la energía que transmiten en cada concierto y la profesionalidad con la que se desenvuelven sobre el escenario.

Además, este año ha sido muy prolífico para la banda, que ha girado por multitud de lugares de la geografía española. Este concierto en Madrid, forma parte de la segunda parte de la gira en la que han dividido la presentación de «Pneuma».

En su breve pero intenso recorrido, han resultado ganadores del Certamen de Jóvenes Creadores, además de actuar en plataformas de gran relevancia como Basik Sessions.

Sin duda, una fecha marcada a fuego en la que no faltará una buena doble ración de rock. Si todavía no tienes tu entrada, consíguela en Wegow antes de que se acaben.

https://www.youtube.com/watch?v=BJuo8GRC8gE

24 octubre 2018
The Prussians y su buena dosis de «Karma» incendiaron Madrid

Ese momento en el que descubres nuevas bandas en directo y, a pesar de no haberlas seguido desde hace tiempo o escucharlas desde siempre, eres capaz de disfrutar igual. Es lo que nos pasó el pasado 11 de octubre en Moby Dick Club. Era la gran noche de The Prussians. Y de Adam Giles Levy, encargado de hablar el concierto de los mallorquines. Ambos, presentaban en vivo, sus nuevos trabajos. La banda, presentaba «Karma». Y el artista británico, «Península».

Adam Giles Levy tenía la gran tarea de abrir el concierto, un concierto al que la gente fue llegando poco a poco, enganchándose al artista británico. Él solo con su guitarra, acompañado tan solo por el batería Jack Usher. No necesitó más para adentrarnos por las luces, sombras y fantasmas («Ghosts») de su recién estrenado trabajo, «Península». Además, no faltaron temas de su anterior EP, «Unravelled». Nos faltó tiempo con él. Fue inevitable no adentrarnos en su mundo con él. Magia y efectos especiales fue lo que el artista consiguió transmitir durante su concierto. Dejando el listón muy alto, dieron paso a The Prussians.

Con los mallorquines, la sala se estaba empezando a llenar. El calor y la energía se estaban empezando a notar y ellos ni siquiera habían empezado. Pronto, y una a una, fueron apareciendo los temas de este nuevo «Karma». Ni un alma («Soul») saldría con vida de allí. Nos dirigieron,, a todos, hombres y mujeres («Man & Woman»), a través de carreteras peligrosas («Dangerous Road»). El objetivo final era llegar al lugar («The Place») perfecto, al punto álgido de la noche. Ese punto en el que el mundo pareciera terminar («Worlds End»). Aún quedaba noche para que ese momento llegara y nos quedáramos completamente a solas («Alone»). Algo más de una hora de verdadero espectáculo, en el que The Prussians repartieron una buena dosis de «Karma» a todos los asistentes.

23 octubre 2018
Full: «Capadocia tiene la misma cantidad de amor, de misterio y de rabia»

«Capadocia» ya está en la calle desde el pasado viernes 19 de octubre. Y con él, Full han lanzado su disparo más certero y más maduro. Desde ya, la banda sevillana está preparada para llevarlo al directo, primero en acústico y, luego, en eléctrico. La gran fecha en Madrid será el próximo 16 de febrero en la Sala Ochoymedio.

Hace unos días, pudimos hablar con Javi Valencia, vocalista de Full. Y esto es lo que nos contó sobre su nuevo álbum de estudio.

¿Cómo surge el concepto de «Capadocia»?

Cuando estás componiendo un disco, siempre hay un punto en el que te planteas: «¿y qué nombre le pongo a esto?». Pero me di cuenta de que en el momento en que cree las canciones, cada una de ellas era como una especie de capas internas. Eran como un sitio al que bajar y en el que analizar la situación: el por qué estaban las canciones en ese punto y cómo habían llegado hasta allí. Todos los temas tenían ese punto en común y quería buscar un nombre que recogiera todo ese concepto. Y siempre me ha gustado la arqueología y la historia, sabía del desierto de la Capadocia, conocido por sus ciudades subterráneas y, al final, me vino a la mente. Al final, era como una analogía de todas esas capas internas mías.

¿Digamos que ese es el hilo conductor del disco?

Sí. El disco, en realidad, tiene canciones muy diferentes entre sí, ya que hablan sobre un momento diferente, sobre una cultura diferente, tienen un estilo diferente. Son viajes de profundidades.

Vuestros temas tienen profundidad en las letras y transmiten sensaciones. Pero, ¿piensas que la música en general, ha perdido esos valores?

Sí, por supuesto. De hecho, la música que lleva mucho tiempo teniendo éxito es el reaggeton. Y de profundidad, para mí, tiene poco. Respeto mucho los gustos, pero mi opinión la tendré.

¿Y cómo competir contra eso?

No creo que se trate de competir. Al final, el consumo de la música, es lo que te da el indicativo de cómo funciona todo. Entonces, el problema en sí no es el reaggeton. El problema es la sociedad. ¿Y cómo se arregla eso? [risas]. Es lo que interesaría arreglar. Y tampoco creo que se trate de eso. El punto está en que, para determinados sectores, es mucho más fácil el tenerte controlado, si piensas menos.

Volviendo un poco al disco: un titular que defina «Capadocia».

Es un conjunto de canciones que guardan la misma cantidad de misterio, de amor y de rabia.

«Alfombra Roja», «Historia Perdida» y «Zombies» fueron los primeros adelantos. ¿Por qué?

Creo que muestran mucho la esencia de Full, además de avanzar ese plus que buscábamos, en cuanto a perfeccionamiento en la composición, armonías, sonidos, arreglos. En fin, muchísimas cosas. Además, cada canción es diferente. Son como tres vértices distintos de la banda. Era lo más representativo.

Un canción.

«X».

¿Por qué?

Es una canción, cuyo estilo de música me llama mucho la atención. Además, tiene un color con el que nos gustaría seguir trabajando, que nos gustaría seguir explorando. Tiene su punto de rock, su punto de pop, su punto de soul. Tiene muchos grooves y muchos cambios armónicos. Pasan muchísimas cosas en esa canción. Además, la letra te lleva por lugares muy concretos. Aunque no sepas exactamente el miedo del que se habla, es un tema que te deja entrever esa problemática.

Alguien con quien colaborar.

Como puedo decir a cualquiera, diría a Silvia Pérez Cruz. Creo que es de las voces más increíbles.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Full?

Pues empezaremos con la gira por distintas FNAC de España, presentando algunos temas en acústico y firmando disco. Además, hemos anunciado que el 16 de febrero, arrancamos gira oficial en la Sala Ochoymedio de Madrid. Tenemos más cosas preparadas, pero ya iremos anunciando poco a poco.

¿Qué es lo más loco que os ha pasado, siendo Full?

Cada día hay una. Al final, hay tantas que se te van olvidando otras. Pero creo que la locura más grande, viajar con la primera furgoneta que teníamos. En realidad, nos jugábamos la vida de manera constante. Al final, preferíamos ni pensar en eso y, por eso, creo que no nos llegó a pasar nada. Bueno, una vez nos quedamos tirados, pero finalmente, llegamos a tiempo. De hecho, en el último concierto que tuvimos en Crevillente, la furgoneta llegó en grúa. Y eso que era más nueva.

La carretera es algo con lo que hay que llevar mucho cuidado. Se pasan más horas ahí que en los escenarios. Hay que ser muy conscientes de cómo y en qué condiciones hacer los viajes.

23 octubre 2018
Llorente: «Es la gente corriente la que realmente cambia la historia»

Lo descubrimos hace unas semanas en Galileo Galilei, y sabemos con certeza que Llorente tiene estela y magia. Esta misma semana, regresa a Madrid para seguir presentando su trabajo, «Gente Corriente». La cita será en Libertad 8. Por fortuna, esta no será la única ocasión que veamos al artista en la capital, pues el próximo 10 de noviembre, actuará en Jazzville.

A propósito de este nuevo trabajo, pudimos entrevistarlo y esto es lo que nos contó.

¿Cómo surge el concepto de «Gente Corriente»?

Siempre he pensado que hay grandes historias que contar detrás del común de los mortales pese a no estar en las portadas la prensa.

Adoro los personajes secundarios, lo que ocurre detrás del foco, y detesto los histrionismos y divismos, algo bastante asociado al mundo de la música, por cierto.

¿Por qué esa oda, por qué esa relevancia a la gente corriente?

La gente corriente es muy relevante. Estoy convencido de que más allá de los líderes, es la gente corriente la que realmente cambia la historia.

Melancolía, nostalgia, ¿por qué rescatar todos esos sentimientos en este trabajo?

Son sentimientos que siempre me han acompañado, por lo que más que un rescate es un ejercicio de coherencia. Personalmente, tanto la melancolía como la nostalgia me resultan muy útiles para revisar cosas pasadas, aprender y afrontar el futuro desde un punto de vista renovado y mucho más amplio. Además son ingredientes que mezclan muy bien con la música.

Un titular que defina este álbum.

«Gente corriente» pretende emocionar rebuscando debajo de lo que no se ve.

Una canción de «Gente Corriente».

Si tuviera que elegir una me quedaría con «Arrugas». El mensaje del estribillo resume muy bien la esencia del disco: «Para partir no me llevaré nada, salvo las arrugas de mi cara». Creo que lo realmente importante es el mapa que cada uno vamos construyendo poco a poco en la piel con todo aquello que vivimos, reímos, lloramos.

¿Cómo fue grabar en los Estudios Tripolares?

Una experiencia genial. Compartir dos semanas de grabación con gente a la que admiro tanto como Fabián y Juan Marigorta para mí fueron unas vacaciones soñadas en León. Ver cómo crecían las canciones día a día en el estudio fue de lo más emocionante. Lo pasamos muy bien jugando y probando diferentes posibilidades. Estoy deseando volver a grabar con ellos.

¿Cómo se dieron las colaboraciones con Fabián y Jesús Cifuentes?

Son colaboraciones más que necesarias y justificadas.

Fabián colabora en «Aquí». Esta canción está inspirada en su tema «Mis calles de arena». Jesús Cifuentes participa en «Desde el 20 de abril», canción que hace referencia al mítico «20 de abril», de Celtas Cortos. Es un orgullo que hayan querido participar y les estoy muy agradecido por su generosidad y talento.

Te mueves mucho entre el pop rock, el rock, el folk. ¿Una manera de buscar tu propio sonido o de huir de etiquetas?

No es un huida sino un reflejo de lo que me ha acompañado siempre. Me encantan muchos estilos distintos de música, por lo que no es raro que en el disco suenen cosas diferentes. Nunca pienso “voy a hacer una canción de un estilo determinado”. La premisa fundamental es que la canción tenga algo que me emocione. Sea del estilo que sea.

Tres palabras que definan lo que es Llorente, a día de hoy.

Honestidad, búsqueda y calma.

Te descubrimos en directo junto a Nadia Álvarez. Fue un concierto muy emotivo y bonito. ¿Cómo lo viviste?

Tú lo has dicho. Fue una noche emotiva y muy bonita. No era la primera vez que Nadia y yo compartíamos escenario y seguro que vendrán muchas más, pero la noche de Galileo Galilei fue muy especial porque se presentaba el discazo «Mundos sutiles». Nos hizo una ilusión tremenda a toda la banda estar allí, y volvimos a Zaragoza con una sonrisa de oreja a oreja por cómo salió todo y lo mucho que disfrutamos.

Próximamente, pasarás por Madrid. ¿Cómo afrontas el regreso a la capital?

Con mucha ilusión. Estamos preparando dos conciertos muy diferentes para lo que viene.

Este miércoles 24 de octubre, en Libertad 8 haremos algo muy íntimo y acústico, en formato trío, que me apetece muchísimo. Va a ser interesante escuchar las canciones despojadas de casi todos los arreglos. Habrá bastantes sorpresas.

El sábado 10 de noviembre en Jazzville vendremos con toda la banda y queremos que sea una gran fiesta.

¿Siguientes pasos de Llorente?

Tocar, grabar cosas nuevas y seguir disfrutando de todo esto. De momento, no puedo concretarte más cosas.

¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?

Cualquiera que actualmente se lance a autoproducir sus canciones sabe que está cometiendo un acto inevitable y necesario de locura.

Si lo que quieres es una anécdota, aquí va la última: No hace mucho, un lunes por la tarde, después de salir de trabajar, conduje más de seis horas para probar una guitarra de segunda mano que había visto en Internet. La guitarra volvió esa misma noche en el maletero.

La playlist de Llorente

22 octubre 2018
The Music Pill regresa, con The Strokes como protagonistas

El próximo jueves de octubre, llega a la Sala Siroco de Madrid, una nueva edición de Music Pill. Píldora musical en la que The Strokes serán los grandes protagonistas de la noche, aún sin estar directamente presentes. Y todo, a propósito del 15º aniversario del disco «Room On Fire».

Pero, ¿por qué escogerlos a ellos? «El rock había muerto, y entonces llegaron ellos. Ninguna banda ha resucitado la música de guitarras en el nuevo milenio y se ha ganado el título de estrellas del rock como The Strokes». Así surge esta nueva edición, bajo el nombre de «The Strokes Music Pill».

Un evento que estará dividido en dos partes: una más enfocada al arte de la ilustración y otra, a la música. De este modo, inicialmente, habrá una exposición con obras de quince ilustradores, tantos como años cumple el disco anteriormente citado. Originales de diversas técnicas, donde cada artista plasmará su visión de las canciones de The Strokes y el propio grupo. En este sentido, los artistas confirmados son Peeandell, Eva Mez, Isósceles Díaz, Irene Zeta Art, Carmen García, Aarön Arnän, Diebujitos, Laura Fernández Escudero, Anilustrada , Carlos Vicente Punter , Ka, Pilar García, Grisáceos, Nastiplastic y Paula Alconada.

Por otra parte, también habrá una segunda parte con música en vivo. Cuatro bandas de la escena underground influenciadas por The Strokes, se subirán al escenario e interpretarán sus temas favoritos del grupo, bajo su propio estilo y sonido. De tal forma que las bandas invitadas son Flora Dance, The Blue Bell Band, Especialista Mike y Bad Trip.

El nacimiento del circuito «Music Pills»

El ciclo «Music Pills» nace como una nueva iniciativa en la programación de eventos culturales de la mano de la Agencia Demasié. Estas sesiones musicales combinan en una única noche la exposición de obras de ilustradores, música en directo y actividades paralelas, bajo la premisa de homenajear a una banda icónica de la música pop / rock.

Recordad que la cita es este jueves 25 de octubre en la Sala Siroco. Podéis adquirir vuestra entrada en Molar Discos o a través de la Agencia Demasié.

19 octubre 2018
The Amsterdammers: cómo salvar y hacer vibrar a toda una sala

Si algo caracteriza a The Amsterdammers es su inconfundible estilo. Con sus estilismos y sus ritmos al más puro estilo «pop naif», encandilan a cualquiera. Además, si se muestran con la seguridad y comodidad con la que se mostraron el pasado 5 de octubre en la Moby Dick, todo adquiere una nueva perspectiva. Tras haber girado por multitud de salas, era hora de presentar de nuevo en la capital, «Things We All Should Know».

Puntuales a las 21.30 horas, se encargaron de abrir Dharmacide, con su vibrante shoegaze. Con una energía muy característica, consiguieron que todos los asistentes que, poco a poco, iban llegando, entraran en calor. Trinta minutos que, perfectamente, podrían haberse convertido en sesenta o noventa. Sin duda, el de esta banda fue un gran descubrimiento.

Ya pasadas las 22.00 horas, llegaba el gran ansiado turno de The Amsterdammers. Aunque el objetivo era presentar los temas de este último trabajo, no se dejaron tampoco de las canciones de su anterior trabajo, «Early Twenties». Ya desde el inicio se auguraba un buen espectáculo. Seguridad, conexión con el público, buenas energías y muchas, muchas ganas de pasarlo bien y darlo todo. La mención especial se la lleva, sin duda alguna, Santi Matín, teclista de la banda madrileña, que no dejó de bailar en ningún momento. Por estas cosas es por lo que merece la pena dedicarse a la música. Y es que, si el buen «feeling» sobre el escenario, se proyecta sobre el público, ya está todo conseguido. Suficiente, para hacernos sentir como en casa («Home»).

Un concierto del que, de manera rotunda, salimos con un pensamiento claro: nosotros sí que queremos ser como The Amsterdammers, muy al contrario de lo que reza su canción, «Don’t Want To Be Like You». Y es que, como si fueran unos verdaderos «Superman», consiguieron rescatarnos a todos, haciéndonos olvidar todo lo que ocurría fuera de Moby Dick.

Salimos con ganas de un segundo asalto de The Amsterdammers que, por lo pronto, tendrá lugar este sábado 20 de octubre en Basik Sessions.

18 octubre 2018
Artabe inundará Live in los Cármenes, con «Soñé con Bicicletas»

Tras haber cerrado la gira de «Punto Cero» el pasado mes de junio, Artabe trae entre manos uno nuevo proyecto. Este domingo 21 de octubre, a las 19.00 horas, estará en «Live in los Cármenes». Desde los OMC Estudios, el cantautor gallego presentará su «Soñé con Bicicletas». La simbiosis perfecta entre showcase y grabación en el estudio. El objetivo es que el público pueda escuchar al artista en vivo, a la par que la sesión de estudio es grabada.

Esta fecha es muy especial para Artabe, ya no solo por el nuevo formato que ofrece, también por los músicos que lo acompañarán ese día. Manu Clavijo estará al violín, Juan Barrios al piano y Marta Mansilla a la flauta travesera. Además, el artista ha anunciado en redes sociales, que habrá cuatro colaboraciones muy especiales.

Al tratarse de un estudio y no de una sala de conciertos al uso, el aforo para la grabación es muy limitado. Un total de 25 personas podrán acudir al evento. Para ello, se puede participar en el mini crowdfunding activado en la misma plataforma de «Live in los Cármenes». Quedan pocas oportunidades y poco tiempo para disfrutar del espectáculo de Artabe este domingo. Así que si no lo has hecho todavía, participa y vive la música.

Los siguientes pasos de Artabe

A finales de junio, Artabe cerró la gira de su trabajo «Punto Cero». Un álbum con el que ha girado estos dos últimos años y que lo ha llevado por multitud de ciudades, tanto de España como del extranjero. De hecho, hace apenas unos meses, visitaba Berlín para volver a grabar uno de sus temas más emblemáticos, «Átomos». Un viaje que aprovechó para actuar sobre los escenarios berlineses.

Tras los grandes conciertos de despedida en Madrid y Ferrol, Artabe se dispone a seguir tocando, para que su música llegue a todos los rincones posibles. Sin embargo, ya está comenzando a esbozar el que será su próximo álbum de estudio, para el que todavía no hay fecha fijada.

17 octubre 2018
«Gourmet», la nueva dosis de realidad de Veintiuno

Hace apenas unas semanas, veía la luz «Gourmet», nuevo trabajo de Veintiuno. Un regreso cargado de honestidad a raudales. Cerca de un año de trabajo que terminó en parto y que culminará este sábado 20 de octubre en la Sala El Sol de Madrid. Este será el primer directo de la banda toledana, tras el lanzamiento de su gran estrenado álbum.

«Gourmet» está en la calle, pero prácticamente desde el primer single lleva generando comentarios de todo tipo. ¿Qué reacciones esperabais tras su salida?

Diego. Nuestra intención era que gustase. Ninguna más.

Yago. Lo que sí que nos pasa es que ahora todos los días hay un tweet o una Storie de alguien compartiendo una canción y eso es muy guay.

D. Sí, es de lo más guay que está pasando. Hombre, todos los comentarios están siendo desde positivos, en plan: «me encanta el disco que habéis hecho»; hasta cosas más curiosas, como: «antes no me gustabais una puta mierda y ahora me gusta muchísimo». De hecho, respondimos hace poco por redes sociales a un comentario de este estilo. Al final, a la gente lo que le gusta es lo mismo, pero con más presupuesto. Es como a quien le gusta la ropa, pero solo si cuesta 200€.

Pues a mí me parece muy bien que seáis vosotros quienes digáis este tipo de cosas.

Jaime. Tenemos un problema y es que no sabemos callarnos.

Y. Además, creo que es muy fácil ser un mero espectador y decir algo negativo sobre la tele, sabiendo que no te va a contestar. A ver, tampoco te vas a quedar con todo lo malo, pero sí que es cierto que esta es la magia de las redes sociales, que Lil Wayne, Andreu Buenafuente o gente a la que sigues, te puedan responder.

Coincido en lo de las redes sociales. Pero es cierto que, en el caso de las bandas pequeñas, me parece mucho más arriesgado el no tener filtro y no callarse nada. Las grandes ya de por sí, son fenómenos de masas.

D. Cuando no tienes aún determinado éxito, decir lo que quieras te viene de puta madre. Porque sea buena o mala, es promo para ti. Nosotros somos conscientes de es tanto un acto de sinceridad, como de promoción. Y no desdeño ninguno de los dos. Que Vetusta Morla o Izal o gente inmersa con gran número de seguidores en redes sociales, se pronuncien sobre un tema controvertido, es mucho más agresivo. La hostia que se pueden llevar esas bandas, puede ser inmensa.

J. Además, nosotros no tenemos tanto miedo, porque la gente que nos puede leer a nosotros es, a lo mejor, un 1% de la gente que puede leer a esos artistas tan grandes. Entonces, la diferencia entre que 500 o 500.000 personas se te echen encima, es brutal. Por eso, su caso es mucho más controvertido.

Volviendo un poco a «Gourmet», ¿cómo os sentís vosotros tras el lanzamiento?

J. «Liberadísimos», ha sido un parto brutal. Desde noviembre del año pasado, teníamos las mezclas hechas. Llevo nueve meses escuchando el disco solo, en mi casa. Ha sido, totalmente, como un parto, porque han pasado nueve meses justos. Doce exactamente desde que empezamos a grabar. Al final, solo hablábamos del disco entre nosotros. De hecho, a la gente a la que le pasamos los adelantos, tras escuchar todo el trabajo, nos han llegado a decir: «¿Pero cómo os habéis podido guardar todos estos temas, durante tanto tiempo?».

Los singles, de hecho, han salido a cuenta-gotas. Y creo que cada cual, superaba al anterior. En el caso de «El Desfile», tanto el tema como el propio mensaje, me han parecido brutales. Creo que es algo que hay que visibilizar.

Y. Tampoco nos queríamos abanderar del movimiento «bullying».

D. Desde luego, del movimiento «bullying» no [risas].

Y. Del movimiento contra el «bullying». Al final, lo que queríamos era retratar una historia.

J. En el vídeo, hemos cogido un porcentaje pequeño de la letra y lo hemos expuesto de una manera objetiva. Pero el videoclip no retrata una sola historia o habla de un solo niño. Tampoco se habla del maltrato constante. Digamos que, a veces, se extrapola y se piensa que la canción es abanderada del movimiento. Pero aunque nosotros mismos sufrimos acoso – y por eso escribimos la letra -, no queremos que sea bandera de nada. Es algo que no está mal de reflejar, pero no queremos ser punta de lanza.

Y. Al final, no todo el disco habla de este tema.

Pero me llamó especialmente la atención, porque por situaciones similares hemos pasado todos. Y es imposible no sentirme mínimamente identificado.

Y. De alguna u otra manera, creo que el colegio es una «mierda», porque a todos en algún momento, no hemos desarrollado toda la empatía que debiéramos.

D. Lo que, particularmente, no me gusta es la palabra «bullying». Camuflar en otro idioma la realidad, me parece un eufemismo. El acoso escolar es acoso escolar. El acoso sexual es acoso sexual. Hay palabras que escondemos detrás de otras, para que no resulte molesto.

Retomando un poco: «Dopamina», «El Desfile», «Tu Nombre» y «Cabezabajo» fueron los primeros adelantos. ¿Por qué estos temas?

J. Creo que eran las cuatro que compartíamos los cuatro. En el resto no coincidíamos.

D. Además, eran las canciones que iban metiendo a la gente progresivamente en la movida del disco. Hay un par de temas del disco que nos gustan mucho, que son «Delicadeza» y «Por si acaso». Pero eramos conscientes de que si hubiéramos salido con ellos, mucha gente no habría terminado de entrar. Pero porque exigen que entiendas previamente el concepto del disco, la lírica, la honestidad y, por supuesto, el estilo. Con estas cuatro, pudimos marcar un poco el camino de lo que es el disco, sin que el resultado fuera un choque demasiado brusco.

Una canción del disco.

D. «Delicadeza»

Y. «Estela plateada»

J. «Gourmet»

Un titular que defina el disco.

D. ¡Escúchalo, joder!

Y. Exclusivo

J. Sin prejuicios.

Este 20 de octubre presentáis «Gourmet» en la Sala El Sol. ¿Cómo afrontáis esta fecha?

D. Con mucha ilusión, la verdad. Es la primera fecha, el punto de partida del disco.

J. Yo lo afronto con muchas ganas, aunque he de reconocer que estoy un poco nervioso. Pero, a nivel colectivo, sí que es cierto que aunque estamos emocionados, estamos trabajando como desgraciados también. Lo vamos a hacer muy bien.

Tras la primera fecha en Madrid, ¿siguientes pasos de Veintiuno?

D. Estamos preparando una gira de salas muy divertida, para estar entretenidos hasta primavera. Y lanzaremos más vídeos.

Por cerrar, ¿qué es lo más loco que os ha pasado siendo Veintiuno?

D. Una locura que recuerdo, un tanto desagradable, fue tener que decirle a un compañero de profesión de quien era fan: «Por favor, si no nos conoces, deja de soltar mierda de nosotros». Me pareció muy triste tener que hacer eso. Me parece increíble que dedicándonos al gremio al que nos dedicamos, en el que todos necesitamos apoyo, haya quien se dedique a poner la zancadilla.

Y. Lo más loco e inesperado que me ha pasado, ha sido encontrar pareja.

J. Yo creo que la anécdota más loca que he vivido con Veintiuno, ha sido ver a Yago «ronearle» a Rihanna, mientras ella apartaba el brazo de Pepe. Mientras, el de seguridad diciéndole que no se acercara [risas].

D. Estábamos en el festival en Lisboa, en medio de una marabunta de gente y creo que todos dimos por hecho que no nos podíamos acercar cuando Rihanna bajó. Pero Yago tuvo un brillo en la mirada y dijo: «yo lo veo» [risas].

17 octubre 2018