TIRAYA acaba de arrancar el vuelo en solitario. Y es que tras él se esconde Rafa Moout, quien fuera batería y percusionista otras bandas de la escena madrileña como Playa Nevada o Flora Dances. Sin embargo, ahora se sumerge en un nuevo proyecto, más personal que nunca, que explora con nuevas sonoridades. Ritmos contundentes combinados con los sonidos de la música folclórica latinoamericana, fusionados con electrónica, sonidos africanos, percusión orgánica y sintetizadores. «El género evidentemente es la electrónica, me apoyo un poco en el hip hop y en los sonidos de cuando era niño. Me gusta lo contundente y lo crudo, algo que te saque tu lado mas primitivo, que te haga bailar quieras o no. Y sonreír. O al menos esa es mi intención». Sin duda alguna, esta mezcla tan particular, nos comienza a mostrar cuál es el verdadero sello TIRAYA.
De esta manera, tras todos estos sonidos nuevos y frescos, el artista publicó su primer single, «Preto», que vio la luz el pasado 25 de octubre. Un tema que aúna sonidos orgánicos con MIDI y que suena tremendamente salvaje y buenrrollero. Sin embargo, en su afán por seguir dando un paso más, el imparable TIRAYA nos acaba de sorprender. Y es que precisamente hoy, ha lanzado el remix de su primer tema. A los mandos de este remix se encuentra Telemachus, uno de los referentes británicos de la escena del rap. Y ahora lo podemos escuchar en «Preto (Telemachus Remix)» donde, sin alejarse mucho de la esencia del tema, hace una versión muy interesante y nos transporta mucho más al terreno de la música urbana.
Sin duda alguna, una nueva bomba para nuestros oídos. Una nueva bomba que nos sirve como adelanto del que será el primer EP, el debut, de TIRAYA. Así que no podemos estar más ansiosos por la nueva música que se avecina de este nuevo proyecto que acaba de emprender su camino.
Artista de los pies a la cabeza, de esos que emanan letras a cada paso que dan, que no pueden vivir sin la música, pero tampoco sin las letras. Hablamos de Dani Flaco, quien recientemente ha publicado su último trabajo, «Al Alimón». Un álbum en el que repasa sus mejores canciones, pero en esta ocasión, acompañado de artistas de lujo. Una vuelta de tuerca, un paso más del que pudimos hablar con él hace tan solo unos días. ¿Quieres saber todo lo que nos contó?
¿Cómo surge el concepto de este nuevo disco, «Al Alimón»?
Pues nunca había hecho un disco de estas características y me hacía mucha ilusión lanzarme de lleno y hacerlo. Me encantaba la idea de contar con personas a las que siempre había admirado y que cantasen mis canciones. Me apetecía darle una vuelta a los temas y cantarlos de manera diferente. Además quería buscar un lugar diferente en el que yo continuara siendo Dani Flaco, pero estuviera acompañado de artistas de lujo. Y todo ello, manteniendo una homogeneidad en el disco. Y lo hemos conseguido: las canciones suenan a mí, pero también suenan al artista invitado que las interpreta conmigo.
¿Cómo fue la experiencia de cantar junto a artistas como Andrés Suárez, M-Clan, Santi Balmes, Javier Ruibal, Manolo García, Ismael Serrano, Rebeca Jimenez, Las Migas, Álvaro Urquijo, Pedro Guerra o Marc Ros?
La verdad es que fue una sensación increíble y una experiencia impagable. Imagínate, por ejemplo en el caso de Manolo García: el primer concierto al que yo fui fue de El Último de la Fila en el año 1990 en el Estadio Olímpico de Montjuic. O incluso el primer disco que me compré, también fue de ellos. Así que ver a esa persona que llevo escuchando 30 años, cantar una canción mía…es inexplicable e impagable. Lo mismo pasó, exactamente, con Álvaro Urquijo de Los Secretos. Con Andrés Suárez fue un poco diferente porque es amigo mío desde hace mucho tiempo.
Lo cierto es que colaborar con todos y cada uno de ellos fue un regalo y fue algo emocionante, porque al final, la canción permanece. No es como un concierto que lo vives y se queda ahí. El tema lo puedes volver a escuchar una y otra vez. Sin duda, una experiencia muy grata.
Precisamente con Andrés Suárez actuaste en la presentación del disco en Madrid, ¿cómo viviste ese día en la Galileo Galilei?
Bueno, Andrés y yo somos amigos desde tiempo y la verdad, es que es un placer coincidir con él siempre, además de divertido. Es increíble compartir con él, ya sea la letra de una canción o actuación sobre el escenario. Siempre me lo paso bien con él y es una alegría verle. Así que actuar junto a él en la Galileo Galilei fue un verdadero placer.
Este trabajo vio la luz a finales del mes de octubre, ¿cómo ha sido la acogida del disco por parte del público?
Pues la verdad es que el feedback ha sido muy bueno, han acogido el disco con mucha alegría y simpatía. A mucha gente le ha sorprendido que haya grabado con este elenco de artistas tan grandes. También he recibido algún comentario de personas que quizás prefieran la canción original, pero eso es completamente normal. En general, a todo el mundo le ha gustado mucho y eso me hace muy feliz.
¿Cómo ha evolucionado Dani Flaco desde sus inicios en el mundo de la música?
Bueno, yo creo que la evolución principal es que cada vez intento hacer mejores canciones, intento superarme a mí mismo: desde grabarlas mejor hasta ser más cuidadoso con todo el proceso de edición del disco. Intento hacerlos siempre lo mejor posible, para luego arrepentirme lo menor posible [risas].
¿Y qué queda de ese primer Dani Flaco?
Pues la ilusión, que creo que ahora es más grande que la de antes. Porque justo en este momento, creo que tengo una mayor capacidad para disfrutar las cosas que estoy viviendo. Creo que es un elemento primordial, el mantener la ilusión. El día que la pierda, probablemente deje de hacer discos.
De manera paralela a la música, tienes también «Uni-versos Silvestres», tu primer poemario. ¿Cómo surge?
El poemario es un proyecto que tenía en mente desde hace bastante tiempo, pero nunca me había atrevido a sacarlo adelante hasta hace un año. Y es una experiencia nueva, aunque la poesía y las canciones son primas hermanas, siguen metodologías de trabajo distintas. Con las canciones, al final, tienes melodía de fondo que te ayuda y te facilita desarrollar el mensaje. Con la poesía solo tienes las palabras. Pero fue todo un reto y una experiencia muy positiva.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Dani Flaco?
Pues estamos ya pensando en la próxima gira, para seguir presentando las canciones de este trabajo. Al final, el libro sigue un camino y un ciclo diferentes al del disco. Así que la idea es seguir rodando con el álbum, de los que tengo muchas ganas ya. Afronto los directos con mucha ilusión.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Dejar un trabajo fijo para dedicarme a ella [risas]. Que al final me salió bien la jugada, pero el reto era muy complicado.
Irrumpió en el mundo de la música con la que fuera su banda, Calocando. Momento en el que tendríamos que echar la vista unos diez años atrás. Una etapa que llegó a su fin, pero que impulsó a Samuel Castela a iniciar su nuevo proyecto, el más personal, el más especial. De esta manera, es como ha llegado a nuestras vidas Castela. Y, en consecuencia, su primer EP, llamado «Siempre». De hecho, hace apenas unos días pudimos hablar con él y esto es lo que nos contó sobre este nuevo camino que ha emprendido.
¿Cómo se lanza Castela en solitario en el mundo de la música y por qué?
Surge un poco por una necesidad y por las circunstancias que se dieron. Hace ya unos cuantos años formamos una banda, Calocando, banda en la que estuvimos trabajando cerca de ocho años. Sin embargo, por circunstancias de la vida, llego un momento en el que decidimos separarnos porque, al final, cada uno tenía también otros proyectos personales. Así que no decidí seguir como Castela, ya que hace bastante tiempo que tomé la decisión de que la música sería mi camino. Empecé a componer y cuando ya hubo un buen grupo de canciones que me identificaban, me metí de lleno en la grabación. Ese fue un poco el por qué. Y el cómo, ha sido a base de eso, de trabajo y de esfuerzo. Metidos de lleno en un proyecto que, poco a poco, va creciendo y que comenzó hace un año y medio cuando, después de componer todas las canciones, hablé con Ángel Luján para que me ayudara con la grabación y producción de este EP de cinco canciones.
¿Cómo ha sido trabajar con él, con Ángel Luján?
En la etapa anterior, como éramos tantos, trabajábamos de manera diferente, por lo que no estaba acostumbrado a trabajar de otro modo, a hacerlo con un productor externo. Sin embargo, esta experiencia con Ángel Luján ha sido enriquecedora, he aprendido un montón, con una nueva metodología. De hecho, hemos dedicado mucho tiempo a la fase de pre-producción, en la cual llevábamos 14 canciones y escogimos 4, porque hay una del EP que se ha ido componiendo durante el proceso. Ha sido un trabajo diferente, con tiempos más apretados a los que estaba acostumbrado, pero mucho más focalizado en los objetivos que queríamos conseguir y más intenso.
¿Cómo surge el concepto de este EP, de este «Siempre» y qué titular crees que lo definiría?
Me imagino que es algo que decimos todos, que el tema de las etiquetas no es demasiado lo nuestro. Puede que en otros casos esté más claro. Sin embargo, en este se mezclan muchos más géneros, aunque un poco el germen está en el flamenco, porque durante una etapa muy larga de mi vida he estado dedicado a ello profesionalmente. Pero, al final, este «Siempre» también bebe un poco de otros estilos. Creo que es un EP bastante ecléctico. Si tuviera que poner un titular diría que son cinco temas aflamencados, con influencias del rap y de la música electrónica. Aunque, ante todo, creo que es un trabajo muy personal.
«Siempre» vio la luz el pasado mes de octubre, ¿cómo ha sido la acogida del mismo?
En general, el feedback ha sido bastante bueno. Sí que es verdad que en mayo, antes de que saliera en plataformas digitales, hice un preestreno en el Café La Palma y la sala estuvo a reventar. Por las opiniones que fueron llegando en ese momento y por las posteriores, la acogida ha sido buena, aunque este no sea un género muy de masas. Desde que salió el pasado 25 de octubre, por lo que he visto en plataformas digitales, también ha ido muy bien.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Siempre» y cómo ha volcado Castela en él toda su experiencia previa en Calocando?
La experiencia ha sido total, porque como aquel que dice, yo aprendí a ser músico en Calocando. Mi historia es que creo que diferente, porque antes de la banda, casi que no tuve contacto con la música: no tuve ningún otro grupo antes, no había tocado una guitarra en mi vida y nunca he tenido un ambiente muy musical en casa. Sí que es verdad que desde pequeño, hemos escuchado mucho flamenco pero poco más. Al final, todo comenzó con 18 años, cuando dije que quería aprender a tocar la guitarra. Ese fue un poco el germen. Y ya con 26, montamos Calocando. Aquí es donde aprendí sobre este mundo, donde lo aprendí todo. Así que todo eso, ha tenido su reflejo inevitable en Castela.
El proceso creativo ha sido a base de tiempo, tiempo, tiempo, hasta dar con las canciones que verdaderamente sentía y quería que vieran la luz. Lo demás vino un poco más rodado: por ejemplo, ya conocía a Luján y sabía que quería trabajar con él. Y la verdad es que fue un acierto: me dio una visión muy profesional de los temas, y fue quien estuvo apoyando en cada uno de ellos con sus guitarras. Ha sido un proceso largo, de darle muchas vueltas, trabajar mucho y ponerle mucho cariño a lo que estábamos haciendo.
¿Qué importancia tiene la imagen para Castela, más allá de las propias canciones?
Pues es algo muy importante, cuidar al mínimo detalle no solo la música, sino todo lo que la rodea, porque es algo en lo que la gente también se va a fijar mucho. Además, te ayuda a desmarcarte de lo que hacen otros y permite darle aún más personalidad al proyecto. Que, en este caso, ya es personal porque es mi propia apuesta y porque lleva mi apellido. Lo cual ha hecho que me rodee de profesionales de primer nivel, de los profesionales que yo he considerado mejores. He estado con Luján trabajando mano a mano en la producción. Y en cuanto a la imagen, he optado por hacer una portada de todos los singles, de todas las canciones para personalizarlo aún más. Justo para este tema, decidí contar con mi amiga Sonia Franco, que es bailaora en la compañía de Sara Baras, pero que también hace un trabajo impresionante a nivel visual. Desde el principio, sabía que el grafismo lo hiciera ella. Y fue un total acierto.
¿Cuáles son los próximos pasos de Castela?
Creo que tengo un producto en el que tengo plena confianza y con el que me siento muy cómodo. Así que el principal objetivo será hacerlo ver. Y, por supuesto, tocar, tocar y tocar. De hecho, ya estamos trabajando en el tema de la búsqueda de bolos. Además, el próximo mes de marzo tengo presentación de este EP en la Sala Galileo Galilei de Madrid. Así que estoy preparando esa fecha: como lo más próximo y especial.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
El punto de inflexión fue decidir dedicarme a la música. Una aventura que empezó con Calocando, con la que viví uno de los momentos más especiales. Yo llevaba tiempo dedicándome a la arquitectura, pero cuando tuvimos el primer concierto con la banda en la Sala Juglar de Lavapiés y me subí por primera vez a un escenario, supe que era lo que quería hacer yo en esta vida y para lo que había nacido. O esa sensación tuve. Así que, a partir de ese momento, decidí dejarlo todo para dedicarme a la música. Y han pasado más de diez años y lo he conseguido: vivo completamente de la música. Aunque mi próximo objetivo es conseguir vivir solo de mi música.
En el mes de marzo, irrumpieron como una flecha dentro del panorama musical. Se trata de los madrileños Atraco que, en ese momento, presentaban su álbum debut, llamado como ellos. Una primera carta de presentación redonda, enérgica. Un trabajo formado por once canciones, que fueron grabadas en los Estudios Chiloe. Un primer LP cargado de rock & roll, que cuenta con grandes colaboraciones de lujo. Y es que por este primer «Atraco», han pasado músicos de nivel como Ariel Rot, Alejo Stivel, Julian Kanevsky o Juanse (Ratones Paranoicos). Un disco tan real que supuso un éxito su presentación y es que el pasado 22 de marzo, la sala Cool Stage de Madrid consiguió arder totalmente.
Precisamente en este trabajo, los madrileños han demostrado que juventud y profesionalidad no están reñidos: su intenso trabajo ha hecho que viajaran a Argentina, país en el que realizaron varios conciertos. De hecho, han querido preservar todos estos recuerdos en un videoclip, que ha visto la luz recientemente. Se trata de la canción «Amigos de poca monta», tema incluido en este álbum debut. Una canción que recoge la más pura esencia de Atraco: y es que Jay, Menkes, Javi y Diego tienen la capacidad de ponernos a bailar sin descanso.
Además, las noticias frescas sobre ellos no terminan aquí. Y es que no han dejado de girar durante todo este año, presentando de este modo su «Atraco». Desde el mes de octubre, que arrancara su gira de otoño, han pasado por Madrid, Almazán, Badajoz, Orihuela, Murcia y Barcelona. Sin embargo, todavía les queda unas cuantas fechas, nuevas oportunidades para verlos disfrutar en directo. Así que, apuntadlas para que no se os escapen. Así y todo, estamos seguras de que el tour de Atraco seguirá quemando escenarios mucho tiempo más. Esto solo acaba de empezar.
Con un estilo tan personal como original, Pablo Lesuit llega directamente desde Galicia para revolucionar toda la escena musical. Y es que, a principios de 2020, verá la luz su nuevo álbum. Un trabajo que se alza como el tercero de su carrera y que desprende el aroma de un viaje. Un viaje que lo llevó hasta Sudamérica, lugar en el que lo grabó y en el que nació, a la par que se movía de un lugar a otro. Un viaje que habla de lo efímero que tiene la noche. Un viaje que nos invita al baile. Un viaje que mezcla a la perfección música electrónica, con guitarras eléctricas e instrumentos acústicos, todos ellos con raíz latinoamericana.
Sin embargo, para ir preparándonos, Pablo Lesuit nos ha presentado el que será el primer single de este inminente trabajo, «Cuerpos». Una canción muy especial, que ha llegado acompañada de su increíble videoclip, que se realizó empleando la técnica del collage digital. De esta manera, ha aumentado esta incesante sensación hipnótica y nocturna en la que ya nos sumerge la canción. Para ello, ha contado con la colaboración de la artista mexicana Yazmín Huerta y de todo su equipo en Pachuca (México). El escenario y videoclip perfectos para esta cumbia de madrugada con influencias de la psicodelia.
Pero, ¿quién es Pablo Lesuit y de dónde viene?
Corría el año 2013 cuando el músico, cantante y compositor publicaba su primer EP, «Ocho Horas». Un primer paso que fue encadenando con multitud de conciertos y, por supuesto, nuevas canciones. Así es como llegó dos años después «Tiempo», trabajo en el que colaboró con Jorge Drexler y con el que ha recorrido centenares de escenarios de España y de Latinoamérica.
Sin embargo, el año 2017 fue el que marcó un antes y un después. Y es que, entusiasmado por el movimiento de la canción latinoamericana, Pablo Lesuit comenzó su viaje iniciático por toda Sudamérica. Con muy poco equipaje y la guitarra bajo el brazo, se marchó decidido a encontrarse con las músicas de raíz, con el folclore. Allí es donde, de manera itinerante, se fraguó y se grabó este nuevo trabajo, que verá a principios de 2020. El disco del cual, «Cuerpos» es el primer adelanto. Una canción con olor a cumbia de madrugada, pero repleta de influencias psicodélicas.
El próximo 25 de noviembre, se conmemora el Día Internacional de la Violencia de Género. Y con motivo de este día, desde la Asociación Generando Igualdad, se celebrará un concierto de lo más especial en el Teatro Lara de Madrid. La misión y el objetivo son claros: contribuir, a través de la música, a la consecución de la recuperación integral de las mujeres víctimas de violencia de género. Es por eso por lo que el próximo lunes, en la mítico teatro madrileño, se reunirán artistas de la talla de Olga Román, Ricardo Marín, Sandra Carrasco y Rafa Sánchez, propulsor de este proyecto tan especial, Rozalén, El Kanka, Lamari de Chambao y María Pelaé, entre otros por confirmar.
Un proyecto especial, propulsado por Generando Igualdad
Generando Igualdad es la asociación sin ánimo de lucro que ha impulsado este proyecto, con la finalidad de ayudar a todas y cada una de las mujeres víctimas de la violencia de género, tanto psicológica como jurídicamente. De esta manera, y con la idea de apoyarse en la música como motor para la recuperación, se ha llevado a cabo un proyecto muy especial y que tendrá su mágica puesta de escena el próximo lunes 25 de noviembre.
Un proyecto que comenzó a tomar forma con un taller musical. Unas sesiones dirigidas por el cantautor Rafa Sánchez y en las cuales, las mujeres podían crear, componer y cantar sus propias canciones. Unas canciones que sirven como altavoz, como denuncia contra el maltrato y como mensaje positivo, demostrando que se puede salir de esas situaciones y animando a que otras mujeres en situaciones similares, pidan ayuda.
Un primer paso en este proyecto que continúo adelante con la selección de once de estos temas y su posterior grabación. Y es que la idea es realizar un disco con todos estos temas de superación, de lucha, de sufrimiento, pero sobre todo, de esperanza. Temas interpretados en el estudio por artistas como Rozalén, El Kanka, LaMari de Chambao, Luis Eduardo Aute, Clara Montes, Olga Román, Ricardo Marín, Amparo Sánchez, Sandra Carrasco y Rafa Sánchez.
Un primer paso que culminará el lunes día 25 de noviembre. Este es el día señalado para que se celebre uno de los conciertos más especiales de los últimos meses, ya que reunirá sobre el escenario a las creadoras de todas y cada una de estas canciones de superación, y a todos los artistas que las han interpretado en el disco recopilatorio. De esta manera, se visibilizará la realidad de la violencia de género, se concienciará a la sociedad de la necesidad de que se involucre y busque soluciones, y se trasladará a otras mujeres que atraviesan situaciones similares, que no están solas.
Un concierto que no nos podemos perder, porque esta causa nos afecta a todos, requiere de nuestro apoyo y de nuestra ayuda. Desde Verdadera Locura, os animamos a que participéis en dicho concierto. Todavía quedan entradas disponibles, que podéis conseguir a través de la página de Teatro Lara (o pinchando aquí).
Trabajo, amplio recorrido, esfuerzo y buena música. La fórmula perfecta para que un proyecto funcione, para que eche a rodar, para que crezca, para que se expanda. El caso de LAVIDA es único. Pura energía y potencia, que viaja a través de las ondas, a lo más profundo de todos y cada uno de nosotros. Con un magnetismo brutal, nos han conseguido enganchar: ya no solo con su música (y con este debut homónimo), también con esa forma que tienen de hablar y de expresarse. Y es que la entrevista que les hicimos hace algunos días, no tiene desperdicio.
¿Cómo empieza LAVIDA en el mundo de la música?
LAVIDA comienza cuando cuatro músicos deciden dar otra oportunidad a la música, esta vez sin complejos y sabiendo lo que más debíamos proteger, la libertad y poder compartirla con la gente que queremos.
¿Cómo surge el concepto de «LAVIDA», el álbum?
Pues básicamente, al ser el primer álbum, nace de la idea central de la respuesta a la anterior. Es el resultado de ser lo más honestos posible con nosotros mismos, humildes a la hora de trabajar y sobre todo, de hacerlo mucho trabajo y mucha verdad.
Este trabajo lleva unos meses en la calle, convirtiéndose en una auténtica revolución. ¿Cómo habéis vivido esta buena aceptación?
Estamos realmente contentos y también sorprendidos. Era una apuesta muy alta tirarse a la piscina con un álbum tan sincero y personal, y cuando hemos visto la gran aceptación que ha tenido, la verdad, ha sido una buena inyección de combustible para seguir adelante con el proyecto.
¿Cómo fue grabar en Sandman Studios junto a Carlos Santos?
Para algunos de nosotros era ya la cuarta vez. Estar en Sadman Studios es casi como estar en casa, aunque suene a tópico. Con Carlos y Alex todo fue sobre ruedas, les conocemos y les entendemos como ingenieros y ellos a nosotros como músicos, así es que fue todo rodado, en cinco sesiones, disco completo.
¿Cómo surgen las colaboraciones con Sean Marholm y Gabriel de la Rosa?
Llevamos muchos años en la música y hemos conocido a muchísimos músicos, y cuando escuchamos esas dos canciones, pensamos en ellos porque sabíamos que les iban a ir como anillo al dedo, les invitamos y no se lo pensaron dos veces. Fue de lo más natural, lo más complicado fue cuadrar agendas, pero había predisposición e ilusión máximas, y eso creemos que ha quedado perfectamente reflejado en el resultado final.
«Funambulista» y «Modo Zen» fueron los adelantos de este trabajo, que vinieron acompañados de sus respectivos videoclips. ¿Por qué estas canciones y cómo surgen las ideas de los videoclips?
«Modo Zen» supuso cierre de un ciclo y la apertura de otro, es el último tema que compusimos y con el que encontramos el equilibrio perfecto, y quisimos mostrarnos con él, para invitar a los oyentes a escuchar y entender todo el periplo hasta llegar a ese estado escuchando también el resto de canciones.
Sobre «Funambulista», tuvimos la suerte de que Sean volviera a colaborar con nosotros en el directo de la presentación del disco en la Sala El Sol y nos encantó como quedó, pues además grabamos el concierto completo en vídeo, y con las imágenes decidimos hacer el videoclip. Creemos además que con ese vídeo la gente podrá ver como nos las gastamos y cómo funcionamos en directo.
Al hilo de esto, ¿qué importancia tiene la imagen para LAVIDA?
LAVIDA es un todo, empezando por la música claro está, pero no dejando ningún detalle sin cubrir. Hemos tenido la suerte de tener una serie de artistas cerca (cada uno en su disciplina: ilustración, vídeo, foto…), que se han enamorado del proyecto y han querido aportar con su arte, formando un equipo perfecto, lo cual creemos trasciende en la sintonía alcanzada entre música, el artwork, las fotos, el vídeo e incluso en la manera de expresarnos a la hora de hablar del proyecto.
¿Y qué relevancia tiene para vosotros el mensaje en sí de las canciones?
Muchísima, al fin y al cabo es sacar afuera lo que llevamos dentro. Pensamos que la musicalidad y la composición es muy importante, pero cuando va acompañada de una letra bien trabajada e interpretada con personalidad propia elevas la canción a un nivel mucho más alto. Tratamos de conseguir siempre en la composición de cada canción una armonía, un sentido y un equilibrio entre música, voces y letras.
¿De qué manera busca ese sonido tan propio LAVIDA?
Dejamos que nuestras propias canciones nos hablen y guíen en dirección a su su propia sonoridad, intentando huir de modas pero sin dejar de atender a las nuevas producciones que nos llegan. Buscamos la sonoridad que nos pide cada canción para dotarlas de alma y personalidad propias, y eso se hace con paciencia, trabajo y un buen par de orejas «limpias».
¿Cómo es todo el proceso creativo y compositivo de la banda?
Igual partimos de un riff de guitarra y lo desarrollamos en nuestro estudio, o de una melodía de voz que nos pueda sugerir un cadencia de guitarras o unos acordes y empezamos a trabajarlo. No hay una metodología clara ni cerrada, cualquier idea, provenga de quien provenga, merece una oportunidad, aunque la mayoría de las veces acaba en la carpeta de «Ideas Desechadas», somos muy autoexigentes en la composición.
Tenéis más de 15 años de experiencia en la música, pasando por otras formaciones. ¿Cómo habéis evolucionado desde entonces?
Algunos incluso 25 [risas]. Pues la evolución ha sido natural. Somos gente que nos gusta la música en general, cualquier estilo, siempre y cuando tenga algo interesante que mostrar. Nuestra evolución ha ido en paralelo como músicos y como personas, madurando y perfeccionando a la vez que nos quedábamos con la esencia de cada experiencia, haciéndolo fácil aunque en algunos casos no lo sea.
¿Y cómo creéis que ha cambiado la industria musical?
Música y sociedad cambian a la par. Vivimos en la era de las redes sociales, el impacto ha sido brutal a todos los niveles, en la forma comunicarse, de relacionarse, e incluso de consumir o comprar. No se le pueden poner puertas al campo, y te adaptas o caducas, y la industria no ha tenido más remedio que hacerlo, para bien y para mal. Con sus virtudes y sus defectos, solo hay que entender esa evolución y utilizarla a tu favor, pero al final, para el músico, que es lo que somos nosotros, lo importante debe ser la materia prima de la que se nutre esa industria, la música, componer y hacer buenas canciones, disfrutar haciéndolas, compartiéndolas e interpretándolas en directo.
¿Consideráis que se ha perdido el poder del disco como discurso, tras todos los cambios que se han experimentado a la hora de consumir música?
La forma de consumir música ha cambiado, ahora se acude a YouTube o a las playlist de Spotify. Está claro que el concepto «disco», atendiendo a esta forma de consumir música, puede que tenga menos sentido. Sin embargo seguimos apreciando el conjunto de una obra: el disco, pues creemos que contextualiza una canción, aunque solo sea a nivel conceptual, y cobra todo su sentido dentro de esa obra, aunque vayas lanzando, como estrategia comercial, canción a canción. Llámanos románticos, pero nos encanta el renacer del vinilo, aunque sea una moda. Larga vida, spin the black circle.
¿Cómo veis la nueva escena musical emergente?
La escena con mayor calidad de la historia de este país, así de sencillo. Ni los 60, ni los 70, ni la Movida Madrileña, ni nada. Ahora hay muchísimos músicos con unos niveles de conocimiento, tanto del instrumento como a nivel técnico, muy, muy altos. Y ya si hablamos de producción, ni te cuento. Están apareciendo verdaderas joyas, incluso algunas probablemente ni saldrán del ordenador en la habitación del artista. La tecnología también tiene cosas buenas.
Próximos pasos de LAVIDA.
Ahora mismo estamos cerrando la gira 2020 y empezaremos en enero con ella. De ahí en adelante, bastantes conciertos, algunos de ellos en festivales, pero no podemos anunciar fechas hasta que las promotoras lo hagan aunque nos muramos de ganas, pero en breve tendréis noticias y las anunciaremos todas en nuestros perfiles de redes (@lavidasomos).
Por otro lado, en breve publicaremos un nuevo tema junto a su videoclip. Estad atentos, porque creemos que va a sorprender mucho.
¿Cuál es la verdadera locura que habéis cometido por la música?
Condicionar TOTALMENTE nuestras vidas en TODOS sus aspectos. Maravillosa y verdadera locura. De ahí nuestra bandera, nuestro lema, nuestro hashtag, incluso nuestra web: LAVIDAESMUSICA #lavidaesmusica www.lavidaesmusica.es
Todo buen disco, esconde tras de sí un «behind the scene». Una parte que, de una manera u otra, no se ve, no se siente. Pero cuando, de repente, una banda como Jenny & The Mexicat nos enseña qué se esconde detrás de la sesión de fotos de su álbum «Fiesta Ancestral», tenemos como resultado el videoclip de «El sonido de tu voz». Un clip grabado durante el verano de 2019 en Madrid y grabado por el cámara Antonio Martínez Seco. Por su parte, la animación del mismo ha corrido a cargo del propio Pantera Mexicat.
Un vídeo perfecto para poder echar la mirada atrás y comprobar cómo se fraguó este cuarto disco y todas las fotografías del mismo. Un increíble trabajo que vio la luz el pasado 11 de octubre, convirtiéndose en toda una revolución, especialmente en su posterior presentación en La Riviera de Madrid. Una sala que estuvo abarrotada hasta un límite insospechados, síntoma del éxito de la banda, cuya riqueza musical reside en la mezcla de culturas. Curtidos en interminables tours por cuatro continentes, y siempre influenciados por las cálidas sonoridades latinas.
¿Qué encontramos en este «Fiesta Ancestral»?
«Fiesta Ancestral» se alza como el cuarto álbum de Jenny & The Mexicats. Un álbum en el que han estado trabajando durante más de un año y que vio la luz el pasado mes de octubre, como una buena dosis de buen rollo y con el único objetivo de hacérnoslo pasar bien. Desde siempre y para siempre.
Los Cabos y los míticos Estudios Valenzo de Ciudad de México fueron los dos lugares que fueron testigos de cómo se fraguó esta «Fiesta Ancestral». Un viaje que se inició en 2018 y que, por el camino, ha contado con grandes compañeros. Y es que Vetusta Morla o El Kanka se han sumado a este proyecto, interpretando canciones como «El Telón» o «Bailando con las farolas», respectivamente.
Fruto de «Fiesta Ancestral», tenemos a unos Jenny & The Mexicat que se han dejado llevar, que han explorado con su propia voz, que no han cerrado puertas, que han evolucionado y que, por supuesto, han sido capaces de salir de su zona de confort, pero sin perder ese sello tan particular y característico. De ahí, que apreciemos desde el tributo a Selena, la reina del tex-mex, hasta un increíble recorrido por diferentes ritmos latinos e idiomas.
Lo que queda claro es que lo han vuelto a hacer. Han vuelto a conseguir ser sinónimo de fiesta, dentro y fuera de los escenarios. Imposible no bailar con ellos.
Al más puro estilo rock y directamente desde Colombia, hemos conocido a Tr3sdecorazón. Con cerca de dos décadas de recorrido y siete trabajos de estudio, hace apenas unas semanas, la mítica banda visitó nuestro país, recorriendo de este modo diferentes escenarios y ciudades. Barcelona, Madrid y Valencia fueron testigos de la descarga de energía, watios y potencia que los colombianos gastan en todos y cada uno de sus directos.
Precisamente, tras tres de sus fechas realizadas con éxito y antes de la cuarta en Valencia, pudimos hablar por teléfono con Sebastián Mejía, voz y guitarra de la banda. Y nos contó todo esto, no pierdas detalle.
Esta es la primera vez que estáis en España, ¿cómo os sentís?
Primero de todo, queríamos enviar un saludo a todos los lectores: nosotros somos Tr3sdecorazón.
Sí, esta es nuestra primera vez en Europa, nuestra primera vez en España. En 17 años que llevamos de carrera, apenas tuvimos la oportunidad de «cruzar el charco», como decimos nosotros. Y la verdad es que estamos muy contentos de habernos encontrado todo lo que nos hemos encontrado. Tuvimos unas fechas en Barcelona, Madrid y Valencia y estamos muy felices de haber venido, porque este es un país con mucha tradición rockera, con mucha historia. Ha sido un placer tocar en estos pequeños sitios en los que hay, obviamente, muchos colombianos, pero también muchos españoles dispuestos a escuchar tu música. Es algo que nos alegra mucho.
Ya habéis realizado los conciertos que teníais previstos en España, ¿cómo los habéis vivido y cómo veis al público español?
Estos conciertos han tenido una característica importante y es que, principalmente, ha sido público colombiano el que ha venido a vernos. Y ha sido muy emotivo, la verdad. Porque es gente que, en cierta manera, extraña lo que hay allá en Colombia, en la cotidianidad. Así que fueron conciertos emotivos y la gente estaba muy entusiasmada con el repertorio que hicimos, que básicamente estuvo basado en los clásicos de la banda. Aunque también se nos ha arrimado público español, en Barcelona especialmente. Y en Madrid, pudimos conocer a diferentes artistas y bandas locales, con quienes pudimos compartir experiencias e historias, especialmente sobre el punk radical vasco o la Movida Madrileña, movimientos de los que el rock vasco y nosotros mismos, hemos bebido mucho.
A pesar de estas influencias, vuestra música es un rock con mucho sabor a Medellín. ¿Cómo influye la propia cultura colombiana en ella?
El ser de allá, tener nuestra vida. Todo eso influye, desde el primer momento en el que decidimos dar el salto y hacer música. Pero todo ello, se reinterpreta y se adapta al propio lenguaje y sonido de cada uno. Y Tr3sdecorazón, durante estos 17 años, ha logrado consolidar un sonido propio, que es muy sencillo, pero que tiene también mucho contenido cotidiano y nos gusta darle valor a esas pequeñas cosas de la vida que, muchas veces, tendemos a minusvaloraras. Así y todo, para nosotros estos detalles son muy importantes. Al final, no podemos olvidar que nosotros venimos de una ciudad compleja, con mucha historia y muy marcada por episodios violentos por culpa del narcotráfico, especialmente en los años 80 y 90. Por eso, queremos dar relevancia a las historias cotidianas y bellas de la gente. La manera en la que lo cantas, en la que lo cuentas, le da mucho color a todas ellas.
7 discos de estudio y 17 años de carrera, ¿de qué manera ha evolucionado Tr3sdecorazón?
Yo creo que, sobre todo, hemos afianzado un sonido. No somos una banda muy experimental, somos lo más orgánicos y espontáneos posibles. Pero hemos logrado pulir la manera que tenemos de tocar las canciones. Eso es algo que hemos procurado mantener durante estos 17 años, disco tras disco. Y, afortunadamente, después de tantos años, creo que eso es algo que hemos sabido mantener y lograr. Creo que cuando escuchas Tr3sdecorazón, sabes que es Tr3sdecorazón. No somos una banda que haya mutado mucho, en lo que a sonido se refiere. Que no es que no nos guste o que no lo hagamos, pero simplemente consideramos que debemos seguir por esta línea y que está bien lo que hacemos, tal y como lo hacemos.
Además, durante todos estos años, habéis compartido escenario con bandas como Good Charlotte, Green Day, Molotov o Juanes, entre otros. ¿Cómo habéis vivido estas experiencias?
Sí, lo cierto es que durante nuestra carrera, hemos tenido el privilegio de compartir escenario con todas esas bandas grandes que mencionas. Y nosotros lo que hemos hecho, ha sido aprender de todos ellos y de todas estas experiencias que hemos vivido. Al final, nosotros somos una banda independiente y, de repente, no tenemos las oportunidades que tienen estas bandas en el mercado, porque al final son bandas impecables, con historia. Nosotros somos una banda que estamos en otro nivel, más underground. Así que lo mejor que podemos hacer en estas situaciones es aprender mucho y admirarlos. Pero sobre todo, observar y ver qué podríamos implementar o qué podríamos hacer por mejorar.
¿Cómo veis el panorama musical en Colombia y cómo de complicado es acceder a la industria allí?
Colombia es un país netamente tropical, donde su mainstream o su gran mercado está en los sonidos más tropicales, mezclados con los alternativos. Se ha convertido en una Meca de la música y la cultura en Latinoamérica, porque hay gran apetencia en el mundo por este sonido colombiano, de la cumbia, de la música andina. Es un país multicultural, en el que podemos encontrar diferentes sonidos. Eso en cuanto a la música colombiana. En cuanto al rock, también es un país que tiene gran público, que tiene muchos rockeros y por el que pasando también muchos artistas históricos del género. Así que hay, en ese sentido, contamos con un gran mercado underground. A lo que nos hemos tenido que adaptar todos, sin excepción, es a las nuevas tendencias y modo de consumir música: a las plataformas digitales, ya que ya no se venden tantos discos físicos; y a las redes sociales, a través de las cuales conectamos con nuestro público. Eso creo que ha facilitado que mercados más pequeños puedan darse aún más a conocer.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Tr3sdecorazón?
Pues tras la gira por España y al regreso a Colombia, publicaremos un nuevo sencillo a finales de mes, que será como el abre-bocas de lo que será nuestro próximo disco, que llegará previsiblemente en febrero. Y nada, inmersos en todo lo que es la producción. Así que estamos con mucho trabajo por delante.
¿Os volveremos a ver en España con disco nuevo?
Qué más quisiera ya [risas]. Ojalá que sí.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Es difícil [risas]. La mayor locura que he cometido yo por la música es haberlo dejado todo y comenzar con esta banda. Pero ha sido una locura fascinante, la verdad
Es su cuarto trabajo y, como una flecha, ha entrado en nuestras vidas inundando absolutamente todo. Un trabajo particular que, con sus luces y sombras, es capaz de conquistar a todas y cada una de las personas que lo escuchen. Se trata del «Electroconfort» de El Capitán Elefante. Al hilo de este lanzamiento, pudimos hablar con Javier Marcos, voz y guitarra de la banda de Bilbao. Mucha atención a lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Electroconfort»?
Pues lo cierto es que surge un poco de la necesidad de seguir componiendo. Al final, somos músicos y no de tener esa mente inquieta. Aunque sí que es cierto que en este trabajo, que es ya nuestro cuarto trabajo, teníamos canciones escritas y creadas desde hacía años, pero que nunca habíamos llegado a publicar. Así que llegados a este punto, era el momento perfecto de darles cabida en este «Electroconfort».
Este trabajo vio la luz el pasado mes de septiembre, ¿cómo ha sido la acogida?
Pues la verdad es que estamos muy sorprendidos. De hecho, el realizar el primer concierto de presentación en Madrid, llegar a Costello y comprobar que el público se sabía las canciones, para nosotros fue algo increíble. Fue una auténtica pasada. Empezar una gira así fue genial. Por su parte, el resto de conciertos que hemos hecho hasta el momento, han ido muy en la línea, lo cual también ha sido una sorpresa. Estamos flipando. Ojalá sean así el resto de conciertos de la gira.
¿Cómo fue el trabajo de producción junto a Pedro J. Monge?
Pues la verdad es que, como músico es increíble. Tiene su propia banda, completamente diferente a nosotros, ya que es el de rock. También está bastante asentado y establecido en países como Japón, por ejemplo. Y eso era algo que queríamos: trabajar con alguien diferente, ajeno a nosotros y que nos pudiera dar una visión completamente diferente, una visión desde fuera.
¿Por qué «Nubes» y «El pie izquierdo de Elvis» como primeros adelantos de este trabajo?
La canción de «Nubes» fue porque fue la última que teníamos hecha y era como la novedad. Además, creo que es la que más redonda nos quedó. En cuanto a «El pie izquierdo de Elvis», creemos que muestra un poco el otro lado de la moneda: como el lado más oscuro. Ambas canciones se complementan muy bien.
¿Cómo ha evolucionado El Capitán Elefante desde aquel primer «Nuevas Coordenadas»?
En «Nuevas Coordenadas» seguíamos con la misma formación de nuestro anterior proyecto, en el que llevábamos más sección de metales, un órgano Hammond…éramos una banda más clásica. Poco a poco, fuimos evolucionando e introduciendo secuencias y sintes, actualizándonos más. Al final, esa es la idea; poder aprovechar todas las facilidades y ventajas de las nuevas tecnologías e ir creciendo. Así que, el resumen perfecto, creo que sería decir que El Capitán Elefante ha evolucionado de unos sonidos más clásicos a otros más actuales, los que tenemos en estos momentos. Pero siempre tomando esa base rítmica rockera, con su bajo, sus guitarras y su batería.
Cuarto trabajo y un amplio recorrido en el mundo de la música. ¿Cómo veis el panorama musical desde vuestra perspectiva y cómo de complicado consideráis que es hacerse hueco dentro de él?
Pues nos da la sensación de que, a día de hoy, está todo demasiado enfocado al circuito de festivales. Y la verdad, es que también hay un circuito de salas muy potente e igualmente importante, con bandas y artistas de gran calidad que, por un motivo u otro, no tocan en festivales.
En cuanto a lo de hacerse hueco, yo llevo en la desde que tengo 14 años. Y, lo cierto, es que si estuviera en esto por triunfar, lo hubiera dejado hace mucho tiempo. Pero, en definitiva, nuestra idea como banda es trabajar, trabajar y trabajar. De esta manera, poder presentar nuestro nuevo trabajo en el mayor número de salas y de ciudades posibles. Si después, como nos ha pasado a nosotros, sale algún festival como el Sonorama, bienvenidos sean. Pero tampoco nos trae muchos quebraderos de cabeza. Mientras podamos seguir llevando nuestra música a salas pequeñas, nosotros felices.
Otro de los aspectos que ha cambiado mucho es el modo de consumir música. En este sentido, ¿crees que se ha perdido el poder del disco como discurso?
Pues, a ver, yo he crecido con los cassettes y con los vinilos. Una situación que cambió un poco con la llegada de los CDs. Pero ahora, es que tampoco se compran tantos discos como hace unos años, porque han llegado las plataformas digitales y parece que se lo han comido todo, ya no es como antes. Con los discos sí que escuchabas de principio a fin, ahora parece que se escuchan las dos canciones famosas y ya está. Es como que todo va más rápido y la gente va corriendo. Y como que ya no hay espacio para seguir el pequeño ritual que se seguía con los discos: el de sentarte, escucharlo completo, disfrutarlo. Ahora es todo más acelerado. Además, hay muchos más grupos, muchos más artistas, muchas más opciones. Así que, en ese sentido, es como que tenemos una de cal y una de arena.
Ya habéis iniciado la gira, ¿cómo la habéis vivido?
Con las primeras fechas lo estamos alucinando, porque irte a Madrid y ver la Costello casi a rebosar y llena de gente cantando tus canciones…fue impactante y emocionante. Nos dio un chute de energía brutal, la verdad. Luego en Toledo y en Bilbao, exactamente igual. En Bilbao fue extraño, porque estábamos en casa: fue fácil y difícil a la vez. Estamos muy contentos y muy satisfechos de cómo hemos empezado.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Pues la verdad es que he cometido demasiadas locuras por la música, no sabría muy bien qué decir [risas]. Pues recuerdo una…un día en el trabajo, me tuve que marchar a mitad, porque tenía que ir a tocar a Barcelona. Y la verdad, es que la escena fue un poco dramática. Avisé tarde de que me había marchado y lo típico: «pues si te vas, no vuelvas» [risas]. Al final, todo eso por mantener el espíritu de tocar y de actuar.
Con «Supremacy» ya en la calle, Juan Saurín está inmerso en la gira de presentación de este nuevo trabajo. Un álbum conceptual que contiene toda una historia detrás. Y trabajo, sobre todo trabajo. Todo ello, queda patente cuando escuchas el disco. De principio a fin.
A raíz de este lanzamiento tan especial, pudimos hablar con el propio Saurín, para descubrir qué se esconde tras este «Supremacy». Y ojo, que hay mucha miga detrás.
¿Cómo surge todo el concepto de «Supremacy»?
Siempre me ha gustado darle un aire conceptual a todos los discos, es algo que personalmente me encanta, para hacer de los discos un «todo», entre música, el diseño gráfico del disco o el orden de las canciones, entre otras cosas. Y en este caso, la inspiración vino al ver, día tras día, la decadencia del ser humano, hasta qué punto se cree un dios para hacer lo que quiera sin tener en cuenta ni su entorno ni sus iguales. «Supremacy» trata sobre esa decadencia que finaliza inevitablemente en la autodestrucción.
¿Por qué darle esta visión conceptual y estructurarlo en dos parte y un epílogo final?
A medida que iban surgiendo los temas, que en el caso de este disco ha sido más natural que nunca, me iban sugiriendo esta estructura. Entre las partes hay sonoridades comunes que te sugieren ser una misma parte de un tema más global pero con diferencias obvias. Fue básicamente lo que me pedía en el momento en el que empecé a trabajar el orden de las canciones, y creo que ha quedado muy bien, con mucha lógica.
Precisamente, «Supremacy» nos hace viajar por diferentes estados, emociones y actitudes del ser humano, como ese afán de superioridad o esa propia autodestrucción. ¿Por qué hablar de estos temas?
Es lo que me inspiró sin duda a hacer este nuevo disco, y dado el momento que estamos pasando, creo que refleja a la perfección hasta qué punto el ser humano vive una decadencia de valores y de respeto por la naturaleza e incluso sus iguales. Son momentos muy tristes la verdad. A pesar de todo este cariz apocalíptico, espero de verdad que «Supremacy» sea más bien una advertencia y no una profecía.
Este trabajo vio la luz el pasado 18 de octubre, ¿cómo ha sido la acogida?
Muy buena, la verdad. El disco se está vendiendo muy bien, y en muchos casos ya lo catalogan como mi mejor trabajo. La respuesta del público y de los medios está siendo genial, tenemos más actos y promo que nunca, y nos han llegado una gran cantidad de mensajes de felicitación. Estamos muy contentos con el camino que está siguiendo este nuevo disco.
Un titular que defina este álbum.
SESENTA MINUTOS DE INTENSIDAD Y EMOCIÓN SIN DESCANSO.
¿Cómo entiende Juan Saurín el metal instrumental melódico?
Pues básicamente sería la fusión de rítmicas propias del metal con sonidos solistas dándole protagonismo a ambas por igual. Lo importante es hacer canciones. No soy muy partidario de hacer temas que parezcan que olvidan la base rítmica, para mí todo debe tener su protagonismo y siempre hay que busca ese equilibrio que haga del tema algo grande y contundente.
¿Cómo se refleja la madurez de Juan Saurín en este trabajo?
Quizás en la naturalidad. «Supremacy» no ha sido un álbum muy difícil en lo compositivo, ha salido todo de forma muy natural. Cuando escucho los temas y veo las estructuras, riffs y solos, y recuerdo la naturalidad con la que salieron, me siento muy orgulloso de haber llegado a un punto donde tanto la composición como más tarde la interpretación, se disfruta tanto. Es una sensación fantástica.
¿Cómo surge toda la idea del artwork junto a Ángel Polo?
Ángel Polo es un grande sin duda de la ilustración. La idea que te comentaba anteriormente, Ángel ha sabido plasmarla en este Digipack Especial de manera sobresaliente. Ha propuesto muchas ideas y básicamente ha dado en el clavo. La ambientación de «Supremacy» le debe mucho a Ángel Polo.
¿Cómo fue trabajar con todo el equipo de profesionales y músicos, como Matt de Vallejo, Andy C, Anti Horrillo y Pepe Herrero?
Como siempre un lujo enorme. Ya son varios discos trabajando con ellos, y el resultado es siempre de diez. No es que tan solo sean unos músicos y técnicos de un nivel impresionante, es que además son unas personas increíbles. Poder contar con ellos es lo que hace que todo vaya tan rodado y que suene de esta forma. Son gente maravillosa en todos los sentidos.
¿Qué importancia tiene la imagen en el proyecto de Juan Saurín?
Siempre intentamos que cada disco tenga su imagen, su historia, su sonido, y evidentemente, para este hemos optado por el sonido más oscuro que nunca hemos sacado y la imagen va directamente en esa dirección. En la imagen tiene mucho que ver nuevamente Ángel Polo, y lo ha vuelto a clavar.
¿Cómo fue todo ese proceso de creación, composición y posterior autoproducción?
La composición fue relativamente sencilla e intensa, quizás ha sido el disco más “fácil” de crear a priori, luego la mezcla siempre es un punto crítico y complicado hasta que conseguimos darle el sonido que queremos. En cualquier caso no ha sido excesivamente difícil, poder contar con Andy C en la Grabación y Anti Horrillo en la mezcla y master hace mucho, son enormes profesionales que ayudan muchísimo a la hora de sacar el sonido que buscábamos.
Cuarto lanzamiento de Juan Saurín, ¿cómo has evolucionado?
Creo que la evolución más evidente es haber dejado ya muy perfilado el sonido y el estilo compositivo que empezamos con Génesis y que de alguna manera en «Supremacy» se ve ya muy claro y con más fuerza que nunca
¿Cómo crees que ha cambiado la industria musical, desde que te iniciaras en el mundo de la música?
Bueno, sigue más o menos igual, ya cuando empecé hace cuatro años todo estaba en internet y sigue estando ahí. Creo que lo más importante es siempre ofrecer algo más, no pensar únicamente en la música. El disco tiene que tener un extra que en nuestro caso lo aportamos con lo bien trabajado que esta el digipack para que aun siendo un disco instrumental, tenga su mensaje claro en los textos e ilustraciones que componen este digipack, y además en este caso, incluimos de regalo el EP «Human Sinfónico» que publicamos el año pasado. Todo tiene la intención de ofrecer algo de mucha calidad para que los que compren la edición física, que además es especial y numerada, tenga un plus que lo haga muy atractivo y que vean su inversión muy justificada.
¿Consideras que se ha perdido el poder del disco como discurso, tras todos los cambios que se han experimentado a la hora de consumir música?
Como te comentaba antes, en los tiempos que corren toca darle muchas vueltas a la cabeza y ofrecer algo más, algo de calidad que lo haga más atractivo. Todo tiene que estar muy bien pensado y muy trabajado. Que el público note que es un producto de calidad, no algo hecho deprisa y corriendo.
¿Cómo ves la nueva escena musical emergente?
Es tremenda, hay mucho nivel actualmente. La lástima son la falta de oportunidades y el apoyo de los grandes medios que aún siguen despreciando el rock y el metal sin conocimiento ninguno. Tenemos que seguir peleando y sobre todo darlo todo para nuestro público, que sin duda es el más fiel y apasionado que hay.
Próximos pasos de Juan Saurín.
Ahora mismo preparar los directos, que ya te puedo adelantar que suenan brutales en los ensayos. Tengo la enorme suerte de poder contar con la enorme banda INFERNALE, para los directos, y es algo sencillamente brutal. Hay muchas ganas de empezar a rodar ya. Durante estos meses estaremos de promo y preparando la agenda ya para 2020, que tiene muy buena pinta.
¿Cuál es la verdadera locura que has cometido por la música?
Sacar discos de Metal Melódico Instrumental (risas). Hay que estar muy «chalao» para sacar discos de este rollo hoy en día, pero es una necesidad «biológica», y en mi caso particular no puedo quejarme ni un poco. Hemos conseguido muchísimo en estos cuatro años, y en ese camino seguiremos.
Muchísimas gracias por esta fantástica entrevista y por todo el apoyo a la escena del Rock y el Metal. Sois parte importantísima para poder llegar al máximo de público posible. ¡¡¡Muchísimas gracias!!!
Promover el talento musical, visibilizarlo, abrir una ventana al mundo, exponerlo y hacer que el público se interese y permanezca expectante. Bajo todas estas premisas, nace el «Ciclo Berlanga Debuts», un circuito musical organizado por la misma Fundación SGAE, y que tendrá lugar en Madrid del 14 al 16 de noviembre. Apuntad bien el sitio, porque los conciertos se celebrarán en la misma Sala Berlanga.
Pero, ¿quiénes son los artistas que actuarán?
Los encargados de abrir esta sesión serán los hermanos sevillanos afincados en Madrid, Gentleman Clef. Tras haberse alzado con el Premio Fundación SGAE de la IX edición del festival OJEANDO Nuevos Talentos, el dúo presentará en la Berlanga de Madrid, su primer y aclamado álbum, «It’s all about balance». La cita con ellos será el jueves 14 a las 20:30H y, lo cierto, es que el acústico promete ser todo un espectáculo de folk y buena música.
El viernes 15 de noviembre, a la misma hora (20:30H), será el turno de Lux Naturans y su indie al más puro estilo electrónico. El trío de Zaragoza forma parte de este ciclo, ya que consiguieron alzarse con el galardón del Concurso Talento Ribera del Festival Sonorama Ribera 2019. Precisamente este día, Lux Naturans no estarán solos. Y es que el dúo Volver (ganadores del Concurso BDCODER 2018), se subirán al escenario a continuación de ellos. Un momento muy especial en el cual, aprovecharán para presentar su primer y nuevo EP, «Abril».
Por su parte, poniendo punto y final, el sábado 16 de noviembre a las 20:30H, será el turno de la artista Sandra Bautista, quien fuera ganadora del Concurso Sona9 2018 organizado por la revista Enderrock. Momento ideal para que la joven presente todos y cada uno de los temas de su trabajo, «Trapezista».
Sin duda alguna, el «Ciclo Berlanga Debuts» se plantea más que especial: no solo nos presentará y nos dará a conocer nuevas propuestas musicales, totalmente emergentes. Es que todas ellas, tienen una calidad exquisita. Así que nosotros no nos lo perderemos por nada del mundo. Si quieres acudir y todavía no tienes tu entrada, puedes conseguirla en la página web de Entradas.com. ¿Todavía te lo estás pensando?
Un proyecto que comenzó a tomar forma con un taller musical. Unas sesiones dirigidas por el cantautor Rafa Sánchez y en las cuales, las mujeres podían crear, componer y cantar sus propias canciones. Unas canciones que sirven como altavoz, como denuncia contra el maltrato y como mensaje positivo, demostrando que se puede salir de esas situaciones y animando a que otras mujeres en situaciones similares, pidan ayuda.
Sobre «Funambulista», tuvimos la suerte de que Sean volviera a colaborar con nosotros en el directo de la presentación del disco en la Sala El Sol y nos encantó como quedó, pues además grabamos el concierto completo en vídeo, y con las imágenes decidimos hacer el videoclip. Creemos además que con ese vídeo la gente podrá ver como nos las gastamos y cómo funcionamos en directo.
7 discos de estudio y 17 años de carrera, ¿de qué manera ha evolucionado Tr3sdecorazón?
Por su parte, poniendo punto y final, el sábado 16 de noviembre a las 20:30H, será el turno de la artista Sandra Bautista, quien fuera ganadora del Concurso Sona9 2018 organizado por la revista Enderrock. Momento ideal para que la joven presente todos y cada uno de los temas de su trabajo, «Trapezista».