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  • Funicular: «Hemos afrontado este Tras los impactos como una evolución»

    Funicular: «Hemos afrontado este Tras los impactos como una evolución»

    Con apenas unos días de vida, «Tras los impactos», el segundo álbum de los murcianos Funicular, ya es nuestro. Un disco fresco, con fuerza, que nos muestra quiénes son y cómo viven la música Toni Bastida, Lolo Paredes, Álvaro Sánchez y Adrián Llor. Además, al hilo de esta inminente presentación (que no nos puede hacer más felices), pudimos hablar con la banda. Y esto es lo que nos contó. no tiene desperdicio.

    ¿Cómo surge todo el concepto de «Tras los impactos»?

    Por ser una frase de una de nuestras canciones («Nexo») y por lo que ella significa para nosotros, quisimos reflejar en el desarrollo de este EP cinco impactos que nos han llevado a la composición del mismo, entendiendo como impacto aquella situación o experiencia creadora de identidad y personalidad. Al final nos gustó y nos quedamos con él

    ¿Cómo ha nacido este trabajo y cómo ha sido todo el proceso creativo?

    Realmente en el devenir de un grupo van surgiendo acontecimientos, tanto buenos como no tan buenos. Eso influye mucho en la composición. Nosotros hemos afrontado este segundo EP como evolución o como «colchón» de la aceptación que ha tenido el primero. Los sentimientos que hemos tenido con el primero se han reflejado en el segundo. Creemos que ha sido muy bonito poder hacerlo así.

    Este trabajo verá la luz el próximo mes de noviembre, ¿cómo lo definiríais en un titular? Para que la gente se pueda hacer una idea.

    Toni Bastida: Funicular vuelve con 5 nuevos impactos para presentar su segundo EP.

    Álvaro Sánchez: Funicular completa este 2019 con un «Año de Impactos».

    Lolo Paredes: Funicular madura «Tras los impactos».

    Adrián Llor: Lo nuevo de Funicular: «Impactante».

    ¿Cómo ha sido grabar junto a José Caballero en los Estudios Neo Music?

    Una gozada. Nos gusta que nos digan las cosas y que nos ayuden a funcionar. Aprendimos mucho acerca de este mundo a parte que es la música, de la esencia de las canciones y pistas para encontrar la fórmula de la canción perfecta. La realidad es que siempre decimos que lo importante, además de la música que hagas, es estar cómodo y aprender. Fue un tiempo invertido muy intenso y productivo.

    «Ya no me importan» ha sido el primer single, ¿por qué escoger este tema?

    Realmente teníamos un par de canciones en el tintero para hacerlas single, pero lo que quizá determinó que la quisiésemos como single fue el hecho de que es más directa, envolvente y marchosa. Las demás también lo son, conste en acta, pero había que elegir una y creemos que no nos hemos equivocado demasiado. No obstante, el single de un disco no lo es todo. Cuando lo escuchas en profundidad y le das un par de vueltas, siempre hay una canción al margen de dicho single que te dice algo, que te da más de la cuenta… y eso también es importante: que cada oyente descubra su trocito de canción favorita.

    Este verano, entre otros muchos escenarios, habéis actuado en el del Sonorama Ribera. ¿Cómo vivisteis la experiencia?

    Fue flipante. Nos trataron súper bien, tocamos por primera vez en un escenario de esa magnitud, hubo miles de personas escuchándonos (incluido Sean Frutos de Second, que se quedó un rato a vernos), algunos nervios, hacía buenísimo tiempo, sacamos un dinosaurio al escenario, nos lo pasamos genial, y luego por la noche estuvimos por primera vez en un backstage con gente a la que adoramos. Es que no hay pegas. Deseando poder volver a vivir algo igual.

    Funicular nace a principios de 2018, ¿cómo habéis vivido todo este crecimiento meteórico?

    Realmente no tenemos tanta percepción de que sea algo tan meteórico. Lógicamente empezar no es tan fácil. Nos juntamos en Enero/Febrero del 18 para empezar a tocar y con el firme proyecto de grabar y empezar a hacer cosas a un nivel un poco superior a las pretensiones de «Amigos que se juntan y tocan». Sin casi darnos cuenta estábamos grabando un single y un EP y no es hasta el ’19 cuando empezamos a rodar más en serio, ya con disco, un poco más de imagen y directos que a nivel de asistencia de público estaban funcionando bien. Casi sin darnos cuenta estábamos temblando en las escaleras del escenario de la Plaza de la Sal en Sonorama este verano a punto de subirnos para estrenarnos en un festi grande. Como ya decimos, más que meteórico vemos que está siendo progresivo y que nos seguimos divirtiendo viviendo estas pequeñas cosillas, que es lo que más nos interesa por el momento.

    ¿Cómo ha evolucionado Funicular en estos casi dos años y, en especial, desde su primer EP?

    Antes nos limitábamos a la música, ahora sabemos que siempre hay algo más detrás. Se podría decir que esa industria tiene muchos recovecos y estamos en cierto modo en periodo de aprendizaje al respecto. No obstante tampoco nos hemos desviado demasiado del principal propósito que tenemos, que no es otro que seguir con los conciertos y sacando canciones. Aunque aparentemente estemos más consolidados, el seguir sacando música te genera la pseudo presión de que lo siguiente que saques tiene que ser mejor que lo anterior y al final es la gente la que lo tiene que escuchar y valorar. De momento, siempre decimos que estamos teniendo la suerte de que la mayoría de los que vienen se están quedando, y eso mola bastante.

    Y siguiendo esta línea, ¿cuáles son los principales problemas que os habéis podido encontrar vosotros al empezar en este mundo?

    Problemas siempre hay de todos los colores en todos los ámbitos pero nosotros los pintamos del color que más nos guste. Quizá lo más problemático es tratar de encontrar conciertos fuera de nuestra Región ya que no hay ninguna agencia ni ningún representante detrás de nosotros. No obstante, por ponerle el adjetivo de problemático lo llamaremos así, ya que moviéndonos por nuestra cuenta estamos sacando bastantes cosas y se nos están abriendo muchas puertas. De momento lo vemos como algo que todo grupo emergente debe sortear.

    ¿Cómo ves la nueva escena musical emergente?

    Con una calidad media/alta. El nivel de imagen, producción, composición, audiovisuales, puesta en escena y backline de los grupos está muy muy alto. Cada vez nos damos cuenta que incluso en los concursos de emergentes el nivel es altísimo y los grupos que participan ya han sonado en mayor o menor medida. La competición entre colegas es dura, pero bonita. Siempre decimos que este momento que estamos viviendo con este nivel de grupos emergentes es muy importante y que en unos años, cosas como la movida indie, la escena murciana, o el rollete de festivales medianos/grandes dará de qué hablar. Nos mola muchísimo participar de esto.

    ¿Y qué está pasando en la Región de Murcia que está apareciendo tanto talento?, ¿cómo veis el panorama allí?

    Creemos que es responsabilidad de todos: Surgen medios de comunicación que a pesar de ser pequeños/medianos y con pocos recursos, están cubriendo todo lo que ocurre los fines de semana en Murcia (siempre hay algo y todo funciona); la gente está interesada y se mete en esa dinámica consumiendo información y queriendo cada vez más; los locales y salas se animan cada vez más a abrir sus puertas a la música en directo porque se dan cuenta que con grupos emergentes que suenan bien y lo hacen bien las cuentas les salen porque la gente acude; las instituciones públicas apoyan con concursos, mini festivales, otros festis medianos/grandes, certámenes… y todo ese apoyo tanto visual como económico hace que los grupos emerjan.

    Al final, como ya decimos, en Murcia siempre hay algo. Ya sea en la capital, en pedanías o municipios. Se ha generado una dinámica importante ya difícil de desarraigar y eso al final se traduce en que se apuesta por la cultura, su gente lo sabe y quiere ser partícipe. Es muy beneficioso para nuestra Región que esté ocurriendo todo esto.

    Próximos pasos de Funicular.

    Molaría decir que nos encantaría ir a la confitería de nuestro pueblo y que nos conozca alguien más que nuestras tías y nuestros primos que van a tomar café después de comer. Pero vamos a ser más realistas.

    Los pasos que tenemos claros son que queremos que pasen un par de años haciendo un par de festivales con nuestro nombre en pequeñito (o medianito) en los carteles; nos queremos sentar a pensar en un LP, siendo conscientes de que primero hay que rodar con los 2 EPs que tenemos (que al final son 11 temas para girar); y por supuesto darle una vuelta a España ya que nos encanta ver sitios nuevos, descubrir pueblecitos y pasearnos por la mañana viendo sus gentes y ambientes.

    Tenemos videoclip a la vuelta de la esquina, además de otros tantos recursos audiovisuales que querremos ir sacando a lo largo del desarrollo de la gira y cosas que, sin más, nos van surgiendo. No podemos quejarnos de nuestros sueños, la verdad.

    ¿Cuál es la verdadera locura que has cometido por la música?

    Toni: Una tarde de enero de 2018, tenía mi guitarra acústica colgada. Acababa de tocar una canción que había compuesto. Era malísima. «Molaría tener un grupo, pensé». Hoy tengo 3 hermanos, unos 100 amigos más, he vestido de gala 11 canciones que comenzaron siendo un silbido en la grabadora de mi iPhone, me he subido a unos 15 escenarios distintos, he tocado para cientos de personas, soy mucho más pobre económicamente pero mucho más rico personalmente y estoy cumpliendo un sueño precioso. Un poco de locos si que es, ¿no?

    Álvaro: Para ser la pregunta 13 no está nada mal [risas]. No sé si es la mayor locura, pero sí de las que más recuerdo. En primero de carrera hice un examen de Bioquímica (incluidas las preguntas de metabolismo) en 20 minutos porque me tenía que ir pronto a otra ciudad a hacer cola para estar en primera fila encaramado a la valla de un concierto. Ese 0,6 que saqué y la vergüenza al ver la peor nota de la clase en las actas mereció la pena, creo. En septiembre saqué un 6,1. Mis padres no se enteraron. ¡¡MAMÁ TE QUIERO!!

    Lolo: Con 17 años pillé mi primer trabajo en los meses de verano, necesitaba dinero para echar una mano en casa. Un día vi la guitarra de mi ídolo en una página alemana, y no me lo pensé dos veces, me gasté todos mis ahorros en ella, y a la semana siguiente se me acabó el contrato de trabajo. Era pobre pero tenía la Red Special de Brian May colgada en mi habitación.

    Adrián: Más que por la música, CON la música he hecho mis mayores locuras, como atreverme a cantar y tocar en público. Y no la batería, que es mi instrumento. Y no cualquier día, lo hice en mi boda (no sé como la gente me dejó cantar. Habría entendido que mis invitados se fuesen en ese momento). Pero la música es parte de mi ser y a veces no puedo contenerla dentro.

  • Vicente Navarro: «Casi Tierra refleja muy bien el momento en el que me encuentro»

    Vicente Navarro: «Casi Tierra refleja muy bien el momento en el que me encuentro»

    Vicente Navarro es sinónimo de tradición y de folclore. Pero también lo es de música moderna y sonidos urbanos. Y es que con esa increíble sensibilidad que tiene, ha conseguido rozarnos el corazón con su primer trabajo, «Casi Tierra». Un debut que estamos seguros, que será un éxito. Porque sí, porque escucharlo cantar es un regalo, igual que lo es escucharlo hablar y responder nuestras preguntas. ¡No os perdáis todo lo que nos contó!

    ¿Cómo surge el concepto de este «Casi Tierra»?

    Yo llevaba mucho tiempo componiendo y me encontraba en un momento en el que también necesitaba saber cómo producir las canciones, para poder presentarlas. Y lo cierto es que estuve mucho tiempo dándole vueltas a este asunto, porque era muy importante para mí qué transmitir y cómo. Quería que esa fuera la manera y no otra. Así que poco a poco, fui conectando con el folclore, tanto de España como de Latinoamérica. Y me di cuenta de que, para que fuera fiel a mí mismo, el disco tenía que mostrar las dos caras: una que tiene que ver con la tradición y el folclore del mundo, aunque con especial hincapié en el español; y otra más relacionada con las músicas urbanas, la electrónica o el rap, que también han formado parte de mi vida.

    Precisamente, el título del álbum es también muy revelador.

    Sí, de hecho, estuve pensando mucho en el título y sabía que, al final, surgiría algo que aunara todo. En realidad, hace mucha referencia al momento en el que me encontraba yo, «Casi Tierra». Un momento de intentar conectar de una manera muy personal y profunda con la gente, de hacerlo con mis letras y con mis canciones. Y, bueno, al final el título apareció cuando estuve leyendo uno de los textos de Francisco Ayala.

    Álbum debut que vio la luz el pasado mes de junio. ¿Cómo ha sido la acogida estos meses?

    La verdad es que ha sido bastante buena. Sí que es verdad que un primer disco tiene que entrar despacito y que hay que ir poco a poco. Pero lo cierto es que los medios de comunicación se han interesado mucho, a la crítica también le ha gustado y, además, algunas de las canciones consiguieron explotar en plataformas digitales, consiguiendo bastantes reproducciones. Así que estamos muy contentos y en camino, tanto con el videoclip como el nuevo vídeo.

    Observamos que este «Casi Tierra» es un trabajo muy cuidado, de principio a fin. Entiendo que para Vicente Navarro es muy importante el conjunto: desde la parte más visual, hasta la parte más compositiva.

    Sí, totalmente. Lo que creo que pasa muchas veces es que vamos muy rápido y no nos paramos a pensar. Entonces yo intenté hacerlo justo al contrario. De hecho, el disco tardó mucho tiempo en ver la luz, porque quería que todo estuviera perfecto y que fuera honesto conmigo en todos los sentidos. Y es que, al final, han sido cuatro años desde que empecé a componer, hasta que todo ha ido tomando forma. Todo ello, porque yo necesitaba pararme y ver qué quería hacer. Vivimos en un mundo en el que la música ya es sonido e imagen. Así que, al final, conseguí encontrar mi camino, ese en el que me siento cómodo y me siento yo, tanto sobre el escenario como con las propias canciones. Y creo que este punto es muy importante, considero que todos los artistas deberían encontrar la vía con la que se sientan bien y ser fieles a sí mismos.

    Cuatro años comentas que has estado trabajando en este trabajo, ¿cómo ha sido todo este proceso creativo?

    Pues ha sido duro, la verdad. Sobre todo, ese momento de plantearme cómo quiero contar las cosas. Fue un proceso largo de trabajo: hubo canciones que compuse tanto en inglés como en español y estuve trabajando el lenguaje de esa manera. Luego hubo una criba de temas y, más adelante, me reuní con Eduardo Figueroa, el productor del álbum, e incluso con los directores de los videoclips para ver las líneas que íbamos a trazar. No es fácil, porque trabajas con mucha gente y tienes que respetar su visión, a la par que intentas hacer entender la tuya.

    Hablando un poquito de los videoclips: hace unos meses vio la luz «Esternón», que ha sido un revolución; y hace apenas unos días lo hizo «Un llanto». ¿Cómo te sientes y cómo lo has afrontado, especialmente con este último?

    Pues la verdad es que estamos muy contentos, especialmente con el lanzamiento de «Un llanto», porque ha sido el más reciente. Todo el equipo estamos muy contentos con el trabajo y con todo lo que traslada y transmite este videoclip. Además, tiene una carga muy especial, porque «Esta tierra» lo grabamos en la tierra de mi familia, en Ciudad Real. Entonces estábamos con muchas ganas de que la gente lo viera. Aunque, por otro lado, no quería estar muy pendiente de la respuesta de la gente. Quería lanzarlo y dar un paso más como todo en este proceso. Y así fue.

    ¿Por qué precisamente estas dos canciones para acompañarlas de su videoclip?

    Creo que ya cuando estás grabando, te vas dando cuenta de las canciones que tienen potencial, las que son más personales o las que tienen el sonido más representativo del disco. «Esternón» era una canción clásica, lenta, que tenía un punto de equilibrio entre lo nuevo y lo tradicional. En cuanto a «Un llanto», era un tema que nos gustaba a todo el equipo. Tenía mucha fuerza y nos gustaba esa relación que guardaba con la tradición, cultura y música latinoamericanas.

    Además, teníamos claro que con este trabajo no iba a haber singles, si no que presentaríamos todos y cada uno de los temas poco a poco.

    La canción que mejor defina el momento en el que estás.

    Siempre que me preguntan, digo que es «Toro», porque creo que está muy equilibrada, entre lo urbano y la electrónica, y el folclore y lo tradicional. Entonces creo que es la que más me representa a mí y la que mejor refleja el camino por el que quiero seguir.

    Siendo este tu debut, ¿cómo de complicado ves acceder y hacerse hueco dentro del panorama musical?

    Es un camino complicado, la verdad. Conlleva mucho trabajo, mucho esfuerzo, tener las cosas muy claras y trabajar y rodearte de mucha gente. Además, creo que también hay un componente de suerte. Yo creo mucho en el trabajo, en la perseverancia y en la suerte. No es una industria fácil, tienes que estar ahí, trabajar, conocer gente.

    ¿Cuáles son los próximos pasos de Vicente Navarro?

    Pues en estos momentos, estamos preparando el videoclip del que será el tercer single, que todavía no podemos decir cuál es [risas]. Además, el 26 de noviembre actúo en la presentación de mi sello discográfico, «El Tragaluz». Y a partir de finales de año y principios del próximo, esperamos poder comenzar con una gira de primavera, que enlace con verano. Que, bueno, este punto dependerá un poco también de cómo vaya reaccionando la gente. Mientras tanto, yo me encuentro inmerso en los ensayos, ya de cara a los conciertos.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Buf, es que no lo sé, creo que he hecho mogollón de cosas [risas]. Es complicado, porque pueden haber muchas cosas que se consideren locura, pero al final todo ello, me ha traído al punto en el que estoy. Quizás, y depende desde dónde se mire, puede ser una locura el haber invertido tanto dinero en el proyecto. Que yo estoy contento y lo volvería a hacer. Pero claro, es lo que también corresponde cuando empiezas con tu música, con tu proyecto: debes invertir mucho esfuerzo y también dinero.

  • Black Islands: «Patio de luces cuenta historias de amor, odio y supervivencia»

    Black Islands: «Patio de luces cuenta historias de amor, odio y supervivencia»

    Desde Barcelona llegan Black Islands, dispuestos a presentar su nuevo trabajo «Patio de Luces». Un álbum que ya es el tercero en la carrera de la banda y que nació en las mismas entrañas del estudio de Paco Loco. Una joya que hay que escuchar sí o sí. Una joya de la que pudimos hablar con Dani Rosa, componente del grupo y batería del mismo.

    ¿Cómo surge el concepto de «Patio de Luces»?

    Lo cierto es que surge todo con el propósito de componer y publicar nuevas canciones, que habíamos estado escribiendo en una libreta. Necesitábamos que las ideas y los sentimientos de cada uno de los miembros de la banda, tomaran forma. Y bueno, a través de este «Patio de luces», había diferentes mundos que contar y que descubrir.

    ¿Qué titular definiría este «Patio de luces»?

    Este disco cuenta diferentes historias de amor, de odio y de supervivencia.

    ¿Cómo fue todo ese proceso creativo y compositivo?

    Realmente, quien compone las canciones es Javi, nuestro cantante y guitarra, y es él quien comienza a dilucidar por dónde puede ir la canción, con los primeros acordes. Luego ya llega al local de ensayo, donde entre todos, le vamos dando forma, con las influencias también de cada uno. Y hasta que no la vemos redonda los cuatro, no la damos por terminada.

    ¿Cómo es esa búsqueda de sonido para Black Islands y que creéis que os hace diferentes?

    Lo cierto, es que cada uno de nosotros tiene unas referencias, influencias y estilo diferentes que tratamos de volcar en todas nuestras canciones. Unas canciones que tampoco creo que tenga un sonido muy buscado. Siempre se ha dicho que hay mucho guitarrazo, con tendencia a hacer lo que se hacía en los años 80 y 90. Que también es normal, porque es la música con la que hemos crecido, la que nos ha gustado y la que también nos motivó a tener una banda. Así que decidimos seguir un poco por ese camino.

    ¿Qué importancia tiene el mensaje para Black Islands?

    Pues es un tema relevante para nosotros. De hecho, siempre intentamos, no solo que suenen bien, también que cuenten algo relevante o importante, al menos para nosotros. Si no, creemos que pierden fuerza a la hora de tocar.

    ¿Cómo fue grabar junto a Paco Loco?

    Fue una experiencia increíble, desde el mismo momento en el que llegamos al estudio. El ambiente que se genera en su casa es genial y su estudio es una locura, por toda la cantidad de instrumentos y de equipo que hay. Fue muy gratificante trabajar con él. De hecho, estuvimos una semana trabajando con él, desde la mañana hasta la noche, todos totalmente concentramos. Fue una experiencia muy positiva.

     En este trabajo, además, encontramos la colaboración con All La Glory. ¿Cómo surge?

    En los discos, siempre nos gusta tener en los coros alguna voz femenina porque contrasta mucho con tanto guitarreo. Así que, cuando bajamos para El Puerto de Santa María, lo vimos claro. Aprovechamos que conocíamos a Juano Azagra, para hablar con ellos y comentadles la idea. Enseguida, tanto Juano como  Pilar Angulo dijeron que sí y se vinieron para el estudio a grabar. Fue genial colaborar con ellos.

    Este «Patio de luces» es vuestro tercer trabajo. ¿Cómo ha evolucionado Black Islands?

    La verdad es que ahora que llevamos tiempo trabajando y que ya han visto la luz estos tres trabajos, lo llevamos todo más rodado. Nos entendemos más y mejor, sin apenas decirnos nadas, porque somos una pequeña familia. También todo el proceso es más entretenido, más creativo, más fluido. Así que ojalá siga así mucho más tiempo.

    ¿Cuáles son los próximos pasos de Black Islands?

    De manera más inminente, tocamos el próximo 22 de noviembre en Sabadell. Aunque a partir de diciembre continuaremos girando. Esa es nuestra idea, poder actuar allá donde podamos.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Pues creo que arriesgarnos y hacer música: publicar discos y tratar de llevarlos al directo es la mayor locura que hemos cometido por la música.

    Próximas fechas

    9 nov – Sala Balboa de Sabadell.

    22 nov – Sala Vol de Barcelona

    13 dic – Teatre Cal Ninyo Sant Boi

  • El «happy rock» de The Clods llega el sábado 9 de noviembre a Barcelona

    El «happy rock» de The Clods llega el sábado 9 de noviembre a Barcelona

    Los vimos por primera vez en directo a principios de este 2019, junto a Naponia. En ese momento, la Sala Maravillas se convertía en el escenario perfecto para verlos debutar con su primer y recién estrenado EP «Some Times», que vio la luz el pasado año 2018. Y es que, a pesar de la juventud de la banda, nos quedamos sorprendidos por esa energía y sonido tan característicos. Saben lo que quieren y lo demuestran en cada momento y bajo cualquier circunstancia. Se trata de la banda madrileña de indie rock, The Clods.

    Ha pasado cerca de un año de un año desde ese concierto y, lo cierto, es que The Clods no ha dejado de trabajar, haciendo de este 2019 un año muy intenso en lo que a trabajo se refiere. Recientemente, han lanzado sus dos nuevos singles, «Coven» y «Líbido». Y, por supuesto, no han dejado de girar con su «Happy Rock Tour». En Madrid, ya disfrutaron de ellos el pasado 26 de octubre en El Perro de la Parte de Atrás del Coche. Y este mismo sábado 9 de noviembre, toca la ciudad condal: The Clods llegan a la sala Slow de Barcelona, dispuestos a ponerla totalmente del revés. En esta ocasión, no estarán solos, ya que comparten cartel con los igualadinos Naive Nights. Un concierto que merece la pena vivir y para el que todavía quedan entradas. ¿De verdad aún os lo estáis pensando?

    Un 2019 muy fructífero para The Clods

    Con la llegada del nuevo año y tras haber debutado ya con su primer EP «Some Times», los madrileños han continuado imparables, tratando de llevar su música a todos los rincones posibles. De hecho, no han dejado de sorprender, en esta ocasión, con nuevos temas que nos trasladan a su universo más «happy rock».

    «Coven» fue el primero en llegar como una flecha a nuestros pies, para hacernos bailar sin descanso. Además, llegó a nuestras vidas acompañado de su videoclip para hablarnos de la diversidad, para darle el altavoz y la visibilidad necesarias. Una canción que cuenta la historia de todos aquellos que, en algún momento, han sufrido discriminación o rechazo por mostrarse como verdaderamente son.

    Con este mensaje tocándonos y rozándonos el corazón, los madrileños volvieron a hacer alarde de su magia y volvieron a sorprender al mundo entero. En esta ocasión con «Libido», un tema que cuenta todo aquello que se te pasa por la cabeza como si de un «flashazo» se tratara, cuando te encuentras a tu persona especial en una fiesta y de una manera totalmente fortuita. Y es que todos hemos sentido, gracias a nuestra libido, ese hachazo, esa sacudida en nuestro corazón. Un sentimiento que te retuerce el alma y te marca de por vida.

    Dos temas diferentes, pero marcados por esa misma esencia funk y con esas melodías pegadizas. Dos temas que mejor que no perdáis de vista, porque formarán parte de su nuevo trabajo, en el que ya se encuentran trabajando.

  • Fornax arranca el vuelo con su debut, «Herois de Paper»

    Fornax arranca el vuelo con su debut, «Herois de Paper»

    Desde el corazón del Bages, en plena Catalunya Central, Fornax luchan por hacerse un hueco dentro de la escena punk rock. La banda es joven, apenas comenzó a rodar a principios de 2019. Sin embargo, sus miembros (Quim S, J. Alberti, Dani S. y G. Perarnau) tienen años de experiencia. Y es que antes de Fornax, pelearon y recorrieron escenarios con su anterior banda: No Matters.

    Hace apenas unos días, pudimos hablar con ellos y conocerlos mejor. La Stroika se convirtió en el mejor escenario, nunca mejor dicho, para esta charla en la que hablamos de la banda, de su debut «Herois de Paper» y de la nueva escena musical que se está abriendo camino. ¡Todo un descubrimiento!

    ¿Cómo y en qué momento comienza Fornax a alzar el vuelo?

    Fornax comienza a principios de este año, después de deliberar profundamente qué hacíamos con el grupo. Y es que parte de los miembros de Fornax veníamos de otra formación que se llamaba No Matters. Pero decidimos volver a empezar porque los temas que empezamos a hacer eran bastante diferentes de los que ya teníamos. Así que fue como un «re-start», comenzamos de nuevo con todo.

    Precisamente este año, ha visto la luz vuestro primer trabajo «Herois de Paper». ¿Cómo surge el concepto del mismo?

    2019 ha sido un poco el punto de inicio, como empezábamos de nuevo y nadie nos esperaba, decidimos lanzar cuatro de los singles, algunos de ellos estarían en el álbum y otros no. Como somos cuatro miembros en la banda, escogimos cada uno un animal y buscamos la canción que más se adecuara a ellos. Y, bueno, finalmente estos animales se ven en la portada del disco.

    En cuanto al título, «Herois de Paper» viene de una de las canciones, de «Frases buides», que previamente se llamaba como el disco. Pero al final, lo decidimos cambiar y nos quedamos con el actual, a modo de crítica a todos aquellos personajes de los que hablamos: la iglesia, los políticos, los bancos. Todo ello, suele ser objeto de crítica dentro del género del punk rock.

    Hablando de esa crítica, del mensaje. ¿Qué importancia tiene para Fornax?

    Dentro de este género, el del punk rock, la crítica social y la disconformidad con determinados temas, es algo que está implícito y que es importante. Basta con escuchar bandas como Rage Against The Machine para darte cuenta de lo reivindicativas que son. Ejemplos como este también nos sirven a nosotros como inspiración. Y, además, al venir de No Matters también teníamos la idea de cambiar, de experimentar con otras cosas. Que aunque también hacíamos punk rock, las letras eran mucho más cotidianas. Ahora, con más madurez y experiencia, sí que hemos querido mostrar nuestras inquietudes de manera más clara.

    ¿Cómo os ha hecho evolucionar No Matters?

    Continuamos componiendo y, en un punto, la situación nos condujo a otro punto: nos empezamos a dar cuenta de eso, de que estábamos haciendo canciones completamente diferentes a las que hacíamos con No Matters. Suponemos que, al final, maduramos en todos los aspectos: personal y musicalmente. Abrimos nuestra mente, nos alejamos un poco de la música que hacíamos con 16 o 17 años y comenzamos a trabajar aún más las canciones. Aprendimos a no cerrarlas tan rápido. Y a todo esto, se sumó el hecho de que hubo cambios en la formación, uniéndose Dani como bajista, lo cual a nivel musical ha significado un cambio bestial.

    ¿Cómo fue todo este proceso de búsqueda de un propio sonido?

    Precisamente eso es algo que lamentamos no haber podido hacer en un estudio. Porque el sonido es algo que definimos en el estudio, pero vino bastante rodado y puede ser que no le diéramos la suficiente importancia. Sabíamos cómo queríamos sonar, en base a nuestras influencias, pero no nos detuvimos mucho más tiempo. Y es que, al fin y al cabo, durante todo el año estuvimos más centrados en componer las canciones, mirar acordes, crear las letras. Instintivamente,creíamos que eso era algo que terminaríamos definiendo una vez entráramos en el estudio a grabar. Así y todo, pensamos que hemos encontrado un buen punto en el que se encuentran y mezclan diferentes sonidos.

    Viniendo de otra formación y arrancando nuevo proyecto, ¿cómo de complicado veis el acceso a la industria de la música?

    Es muy complicado, la verdad. Tampoco sabemos hasta qué punto otras bandas que arrancan tienen apoyo detrás, de estudios, de agencias; o tienen mucho talento; o le echan muchas horas de trabajo. Creemos que ahora hay mucha más oferta y que el acceso es también mucho más sencillo. Es como el universo de YouTube: ahora les preguntas a los niños y todos quieren ser YouTubers, no astronautas o bomberos. Todo porque el acceso a la red es mucho más sencillo.

    En cuanto a nosotros, respecto al proyecto anterior, sí que creemos que estamos haciendo las cosas mejor. Se nota en el trabajo y en el interés por formarnos. Por ejemplo, intentamos ir a todos los cursos organizados por Casa de Música Manresa y aplicar después los conocimientos a nuestro proyecto. Aunque sí que es verdad que es complicado, ya no tanto a la hora de grabar, pero sí a la hora de buscar conciertos, de moverte, de venderte. Pero el punto, el equilibrio creemos que está en buscarte un buen espectáculo, para poder diferenciarte de los demás.

    ¿Y cómo se prepara Fornax el espectáculo?

    Eso también es un tema en el que estamos trabajando. Es cierto que con la anterior banda, nos dieron una beca que nos sirvió mucho, porque Abel Coll nos ayudó mucho con el tema de los directos. Pero ahora intentamos aplicar todos los conocimientos que nos dio, al nuevo setlist y a la nueva formación. Así y todo, estamos dándole vueltas a este tema. No sabemos si pedir ayuda a algún productor escénico, si introducir elementos que nos sirvan para distinguirnos. Estamos haciendo brainstorming.

    Sí que es cierto que nosotros venimos de un momento en el que nos podía el ímpetu por tocar. Y ahora, ha cambiado todo: el momento, el público. Ahora es importante darle una vuelta a todo, sorprender y distinguirse sobre el escenario. Por ejemplo, Smoking Souls siempre tiene en sus conciertos un juego de luces muy característico, que sabes que es de ellos. Así que, el punto nuestro sería también buscar algo que destacar sobre el escenario, ya que el punk rock seguirá siendo punk rock, pero si te muestras igual que los demás, no podrás sobresalir. Encima, este género ha vivido tiempos mejores, porque no tiene nada que ver con lo que se escucha ahora. Aunque aquí en Cataluña, cada vez hay un panorama más potente en lo referente al punk rock en catalán.

    Hablando del tema de los directos, hace muy poco estuvisteis tocando en Stroika. ¿Cómo lo vivisteis?

    Pasar por el escenario de la Stroika es un verdadero placer, porque suena genial y, la verdad, es que desde que abrió la sala, siempre hemos querido tocar aquí. El fin de semana que tocamos fue un poco complicado, porque coincidió con el Mercat de Música Viva de Vic y con La Mercè. Pero aún así, fue impresionante. Te cuidan mucho y suena genial. Imposible decir que no a tocar aquí.

    ¿Cuáles son los próximos pasos de Fornax?

    Promocionar aún más el disco en redes sociales y en los directos, porque estamos muy contentos con la repercusión que ha ido cogiendo en plataformas digitales. Y, bueno, seguir trabajando en nuevos temas e ir publicándolos. Al final, la música no para y hay que ir generando contenido continuamente, para no ir cayendo. Aunque no somos máquinas de hacer canciones. Pero el objetivo es seguir trabajando al detalle y seguir estando ahí.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    G.Perarnau. Pues probablemente cobrar y gastarme el sueldo en una batería. O pelearme con la que era mi pareja por salir a tocar fuera.

    Alberti. Viajar para ver conciertos. Aunque lo que más recuerdo es cuando descubrí a Berri Txarrak, que traté de convencer a toda Manresa para ir las Barracas de Santa Coloma de Farners, pero nadie se quiso venir y terminé yendo solo. Llegué allí a las 21:00h, porque empezaban en teoría a las 21.30h. Pero una vez allí, me enteré de que no salían hasta la 1.00h. Así que allí me quedé esperando [risas]. Además, los 12 únicos euros que me quedaban, me los gasté en el disco. Probablemente, no sea lo más loco que hiciera, pero sí de lo que más orgulloso me siento [risas].

  • Presumido: «Cuatro Estaciones  nos ha permitido probar nuevas fórmulas»

    Presumido: «Cuatro Estaciones nos ha permitido probar nuevas fórmulas»

    Los conocimos a principios de este año, cuando «Invierno» acababa de ver la luz. Y justo ahora, acaban de terminar ciclo. Al hilo del lanzamiento de «Otoño», hemos comprobado cómo también veía la luz el álbum que reunía y aunaba estos cuatro EPs tan estacionales. «Cuatro Estaciones», de Presumido, es ya una realidad. Y no podemos estar más contentas de poder hablar de él, nuevamente.

    Precisamente, Tarci Ávila y Nacho Dafonte se han prestado de nuevo a hablar con Verdadera Locura, y este ha sido el maravilloso resultado.

    Ahora que «Cuatro Estaciones», por fin, está en la calle. ¿Cómo estáis viviendo toda su salida y cómo lo afrontáis?

    Tarci. La verdad es que ha sido un año de auténtico infarto. Contándolo el otro día, llevábamos unos 354 días sin un solo día libre, porque lo hemos estado haciendo todo nosotros. Además, también ha sido una locura el tener que ir a grabar cada tres meses un nuevo trabajo. Todo ello sin una pizca de drama. Lo hemos conseguido todo a base de trabajo y, la verdad, es que estamos muy contentos, porque lo hemos conseguido. Ya está el disco en la calle y tenemos ya toda una gira montada.

    De hecho, el álbum salió gracias a una campaña de crowdfunding, que fue breve pero fue todo un éxito. ¿Cómo la vivisteis?, ¿repetiríais con esta fórmula?

    Nacho. Realmente, sí. Si nosotros estamos aquí es gracias al crowdfunding. A nosotros nos gusta conseguir cosas o avanzar, gracias a métodos diferentes, y este nos ayudó: en el momento en el que lo llevamos a cabo, fue perfecto. Aunque no sabemos si lo repetiremos o si nos encontraremos, de nuevo, ante una situación similar. En este caso, fue una pequeña prueba a ver si los fans nos apoyaban y, lo cierto, es que fue una pasada: conseguimos lo que necesitábamos en menos tiempo del que era, antes de que se cumplieran los 40 días. De hecho, lo conseguimos en apenas dos semanas y paramos el crowdfunding porque no queríamos lucrarnos con ello, simplemente queríamos recuperar los instrumentos. Esta campaña fue para nosotros como nuestro Ave Fénix, es lo que nos ha permitido estar donde estamos ahora.

    Tarci. De hecho, con la campaña matamos dos pájaros de un tiro. Recuperamos nuestros instrumentos y pudimos recuperar esa libertad que llevábamos tiempo buscando. Aunque cuando la recuperamos, nos quedamos con una mano delante y otra detrás. Nos encontramos que teníamos nuestro nuevo proyecto, «Cuatro Estaciones», pero no teníamos nada para invertir y formar un equipo alrededor nuestro. Lo que sí que nos dio fue voz en los medios de comunicación, tanto grandes como pequeños. Y es que, al final, teníamos una historia muy bonita que contar. Precisamente, creemos que gracias a ello, conseguimos tocar en Costello y participar en todos los festivales en los que hemos participado este año.

    En la anterior entrevista, comentabais que este disco surgió un poco como una liberación. ¿Podéis afirmar, ahora que está ya en la calle, que efectivamente lo ha sido?

    T. Desde luego. De hecho, para nosotros no hay nada más gratificante que trabajar, que es algo que veníamos haciendo desde hace mucho tiempo. Lo único es que no estábamos en sintonía con las personas con las que personas con las que trabajábamos, entonces sentíamos que todo el esfuerzo caía en saco roto. Ahora, estamos viendo que todo nuestro sacrificio, tiene retorno. Y, sobre todo, este disco nos ha permitido trabajar por nosotros mismos y no tener que darle explicaciones a nadie. Sin duda, este trabajo es del que más orgullosos nos sentimos. Hicimos lo que quisimos. De hecho, nos atrevimos incluso a publicar «Verano» en pleno julio, incluso cuando nos recomendaron no hacerlo. Nosotros siempre tuvimos la mosca detrás de la oreja y pensamos: «bueno, si nadie lo hace y nadie lo intenta». Y el resultado fue muy positivo, porque hubo muchos medios que se hicieron eco. Así que, «Cuatro Estaciones» nos ha permitido experimentar y probar nuevas fórmulas: hemos publicado en diferentes días, hemos llamado a distintas puertas.

    ¿Y cómo está siendo la acogida?

    N. La verdad es que estábamos pensando: «a ver qué pasa». Porque veníamos de publicar tres EPs, a falta de «Otoño», en el que hemos experimentado, haciéndolo aún más atmosférico. Pero sorprendentemente, ha tenido una acogida ha sido muy buena y, la verdad, es que la gente está muy contenta.

    T. La verdad es que viniendo de temas como «El rey azotado» o de EPs como «Primavera», las expectativas estaban muy altas. Pero teníamos muy claro que en «Otoño» era donde más íbamos a arriesgar: de hecho, no solo es el más atmosférico, también está hecho solo a guitarra y voz. Lo cierto es que son muy bonitos todos los mensajes que recibimos, tanto de los fans como de la prensa especializada.

    ¿Creéis que el haber publicado el álbum por etapas ha ayudado a generar toda esa expectación y buena acogida?

    N. Lo que pensamos es que ha favorecido la digestión del disco, porque hemos ido publicando por fascículos. Hoy en día, todo el mundo escuchar temas sueltos y va saltando de uno a otro. Aunque nosotros seguimos siendo muy románticos de los discos. Así que nosotros hemos entrado con la suya, publicando poco a poco, pero hemos terminando saliéndonos con la nuestra, al terminar lanzando un álbum completo. Y es que, al final, la gente ha escuchado todo el disco y se le ha quedado bastante bien en la cabeza.

    T. Y luego, no olvidarnos de lo obvio, que es que hemos estado todo un año dando la chapa, en plan: «estamos aquí, estamos aquí» [risas]. Igual hay gente que piensa que hemos sido unos pesados, pero a nosotros nos ha ayudado bastante. Cuando te lo juegas todo a un disco, creemos que agotas un cartucho y lo haces muy rápido.

    Este trabajo está muy cuidado de principio a fin, desde los propios temas, hasta el artwork del mismo. ¿Creéis que falta un poco eso: cuidar la música y ponerle mimo a todo su proceso?

    T. Sí, pero sí entre comillas. Nosotros nos fijamos y analizamos mucho en la música que sale, sobre todo en la actualidad. Nos damos cuenta de que cada producto está muy estudiado, para encajar dentro de unos valores actuales, que están un poco en crisis. Nuestro proyecto también tiene un poco esa reflexión, ese envoltorio, pero con un trasfondo y ese mensaje que va más allá de escuchar los primeros 30 segundos de canción.

    Al escuchar vuestra música, se aprecian ciertas influencias de otras bandas como M83, Billie Eillish, Dorian o La Casa Azul. ¿Hasta qué punto repercuten en la música de Presumido?

    T. Nosotros solemos decir que lo que diferencia a Presumido de otras bandas como Dorian o La Casa Azul, es que nosotros habitualmente, el electropop que hacemos tiene tintes más internacionales. Y hemos aprovechado esa influencia anglosajona y le hemos puesto letra en español. También entendemos que en España se suela comparar con aquello conocido. No nos importa, porque cada persona es libre de comparar con lo que consideren. Lo que podemos decir es que estamos muy agradecidos y contentos de todas aquellas influencias que tenemos, como puede ser Depeche Mode o Kraftwerk. Además, nos sentimos cómodos buscando nuestro propio estilo personal entre esas dos escenas del pop, la moderna y la clásica.

    ¿Y cómo es esa propia búsqueda de un sonido personal?

    T. Creemos que la clave, ya no como Presumido, también en las otras formaciones en las que hemos estado, es hacer lo que verdaderamente queremos, sin intentar gustarle a nadie. Con Presumido, teníamos claro que queríamos hacer canciones pop, acompañadas por toda la «cacharrada» que tenemos. No somos una banda electrónica, somos una banda pop que utiliza diferentes herramientas electrónicas, como los sintetizadores, las computadores, las máquinas.

    De hecho, he leído de Presumido que hacéis «electropop sibarita». ¿Os sentís identificados con esta definición?

    T. Sí, nos sentimos súper identificados y, de hecho, hemos utilizado hace poco esta definición en redes sociales. A nivel nacional, creemos que hemos tendido a la malinterpretar determinados géneros. Aquí en España, se suele asociar el electropop a bandas bastante cutres, a la diversión y al «petardeo», hablando en plata. Nuestra música es electro, es pop, pero abordamos un sinfín de atmósferas, de tempos, de mensajes, de intensidades. Por eso, creemos que ese apellido, el de «sibarita» nos identifica muy bien.

    ¿Cómo afrontáis, ahora, la inminente gira?

    N. Pues estamos muy emocionados, porque es como sacar a nuestro bebé de paseo y de la mejor forma, que es con una puesta en escena muy particular. Hoy en día, la gente suele llevar una escenografía muy pensada, con luces, con láser y con mucha parafernalia. Al contrario de esto, nosotros hemos querido simplificarlo todo y transmitir en los directos, lo mismo que hemos transmitido en el disco. En los conciertos, se traducirá principalmente, en colores y en intensidades. Colocaremos un telón blanco sobre el escenario y a nosotros, no se nos verá la cara en ningún momento. Todo ello, pensado con la intención de que la gente se pueda sumergir en ese trance musical y que no se fije tanto en la imagen. El punto es meterse de lleno en la atmósfera, en la música.

    T. Nosotros estamos intentando reducir este trabajo, al mínimo exponente. Todo ello, buscando, buscando, buscando, hasta dar con la escenografía que verdaderamente queríamos. Y hemos decidido jugar con las luces, los contraluces y las diferentes gamas cromáticas.

    ¿Se puede decir entonces que este «Cuatro Estaciones» ha sido una verdadera locura para vosotros?

    T. Sí que ha sido una auténtica locura para nosotros, por las mismas situaciones de estrés. De hecho, hace poco, hablando con un compañero periodista, tras contarle lo que queríamos hacer con este trabajo, nos dijo: «me parecía una idea muy romántica, pero no daba un duro por vosotros, así que mucho ánimo». Así que, el hecho de haberlo conseguido y encima en los plazos en los que lo hemos hecho, ha sido una verdadera locura. Pero bendita locura.

  • El viaje ha comenzado. Bienvenidos a Ciudad Jara

    El viaje ha comenzado. Bienvenidos a Ciudad Jara

    Cuando en los conciertos de despedida de La Raíz, nos anunciaron aquello de «Nos volveremos a ver», no mentía. Ha pasado cerca de un año desde la banda que nos ha marcado, de una manera u otra, a más de uno, se despidiera en Madrid por tiempo indefinido. Desde ese momento, hemos visto como desde la matriz han ido germinado y creciendo nuevas ramas, nuevas bandas.

    Precisamente, hace apenas unos días llegó a nuestras vidas Ciudad Jara, el proyecto personal de Pablo Sánchez, el que fuera compositor y vocalista de La Raíz. Y es que aunque ya se intuía, especialmente desde que comenzara de nuevo a publicar misteriosos vídeos en redes sociales, no sabíamos nada de lo que se traía entre manos. Ahora, más allá del nombre, también sabemos que 2020 arrancará con fuerza, porque es cuando verá la luz su primer álbum.

    «Hoy nace, dura como la piedra, una ciudad nueva. Un nuevo lugar».

    ¿Qué sabemos de Ciudad Jara?

    Hacia un nuevo lugar nos transportará Pablo Sánchez con Ciudad Jara y su primer álbum, que está ya comenzando a fraguarse en los estudios de Casa Murada de Tarragona y bajo los mandos de Santos&Fluren y Tato James. De hecho, ya nos han mostrado los primeros vídeos e imágenes de este proceso, en el cual el artista y compositor valenciano, se ha rodeado de músicos de primer nivel.

    Un proceso creativo y compositivo que tendrá como resultado una docena de nuevas composiciones. Todas ellas cultivadas y mimadas al detalle, durante meses. Unas canciones que viajan y nos trasladan desde la poesía hasta la sátira social, y pasando también por la canción popular. Una paleta de colores y sonidos, que se mezclarán con esa sensibilidad y esa carga lírica que tanto caracterizan a Pablo Sánchez. Rock, rap, pop e incluso country y funk conviven y coexisten a la perfección.

    Un paso al frente, la primera piedra de un proyecto que comienza a relucir, a brillar. Y es que poco a poco, iremos conociendo nuevos detalles de esta banda, que comenzará el próximo 2020 con un álbum y una gira bajo el brazo. ¡Mucha atención!

    ¿Dónde estáis?
    No recuerdo ya esas manos, y aquel cielo de banderas.
    ¿Dónde estáis? os echo en falta.
    Hoy nace, dura como la piedra, una ciudad nueva. Un nuevo lugar.
    En ella se levanta el vaso y el puño.
    En ella cabe la locura de remate.
    Todo tenía un por qué.
    Un viaje a un lugar nuevo.
    Un destino del que tú también formas parte.
    Bienvenidos a Ciudad Jara.

    «ÚNETE AL VIAJE. ESTAMOS LLEGANDO»

  • Olivia juega esta noche en casa: «Principio de Incertidumbre» en la Stereo

    Olivia juega esta noche en casa: «Principio de Incertidumbre» en la Stereo

    No hay nada mejor que presentar disco en casa, en la «terreta», bajo el abrigo de todas y cada una de las personas que te quieren y te rodean. Como le pasará hoy mismo a Olivia, quienes presentan su álbum debut, «Principio de Incertidumbre». Noche que augura especial, ya que actúan en la mítica Sala Stereo, referente para todos y cada uno de los alicantinos. Noche que arrancará a eso de las 22.30 horas y que se extenderá hasta el mismísimo infinito.

    «Principio de Incertidumbre», un punto de inflexión

    Después de tres EPs editados, de haber trabajado con Raúl de Lara y después de haber recorrido multitud de escenarios, entre ellos el del Sonorama, Olivia se lanzaba de lleno en la composición y grabación de su álbum debut, «Principio de Incertidumbre». Un trabajo que vio la luz el pasado mes de mayo y que contó con la producción de José Caballero, de los estudios Neo Music Box. Y es que precisamente fue él, Caballero, quien los instó a arriesgarse, a crear un trabajo de larga duración justo en este instante, justo en este momento. Era un aquí y ahora. Apenas unos meses después, tras haber escuchado este gran debut y tras haberlos visto crecer en la manera en la que lo han hecho, podemos decir sin dudar que este ha sido un paso de gigante para la banda que, de manera imparable, no deja de crecer. No es para menos: es, precisamente, lo que se merecen.

    Después de un intenso verano en el que han presentado este «Principio de Incertidumbre» en distintos festivales como el Sonorama, en el que la gente ha vibrado y ha cantado sus canciones y en el que el ascenso de Olivia ha sido aún más meteórico, llega el momento de presentar estas nuevas canciones en las salas. Aquellos lugares en los que adquieren una nueva dimensión y crecen. ¿Y hay algo mejor que empezar en casa? No os olvidéis que esta noche de viernes, 25 de octubre, tenemos todos una cita con la banda alicantina. En la misma Sala Stereo, a partir de las 22:30 horas.

    Sí, quedan apenas unas horas, pero continúa habiendo entradas disponibles en Wegow. Pero sed rápidos, porque seguro que terminan volando.

  • Ya es oficial: «Lo que somos» de Lunáticos, ya es nuestro

    Ya es oficial: «Lo que somos» de Lunáticos, ya es nuestro

    Han sido varios meses intensos de espera, en los cuales solo hemos tenido pequeñas pinceladas de lo que estaba por llegar. Pero, por fin, podemos decir alto y claro que «Lo que somos» es nuestro, es vuestro, es de todos. Y sí, es lo nuevo de Lunáticos. Su debut. Y no podría haber nacido bajo el amparo de nadie mejor: el de José Caballero, de Neo Music Box. Nuevamente, Aranda de Duero se convierte en el mejor escenario para crear, componer y grabar.

    ¿Quiénes son Lunáticos y cómo han ido mostrando sus cartas?

    Hay algo innegable y es que Lunáticos está formado por los cinco locos madrileños Alejandro Gil, Javier Sánchez, Guillermo García, Luis Muñoz y Enrique Moya; y que todos ellos llegan pisando fuerte. Ya lo demostraron sobre el escenario del Sonorama Ribera el pasado 9 de agosto. Y así lo han demostrado en su debut, del que hemos ido recibiendo píldoras estos meses atrás.

    Primero llegó «Deja de pensar», ese single que con una locura desenfrenada, demostró que no era apto para cardíacos. Canción revolucionaria y sin complejos que, de principio a fin, nos invitada a disfrutar, a desatarnos. Una canción a la que, prácticamente de inmediato, siguió el segundo single: «Natural». Y es que al contrario que «Deja de pensar», esta nueva canción se alzó como un cántico mucho más intimista, mucho más atado a la realidad, a lo que sentimos, a lo que vivimos, a lo que somos en esencia. Es el ansia de encontrarse con uno mismo, de mirarnos hacia dentro, de deconstruirnos para reconstruirnos y de ordenar todas esas ideas que se nos terminan escapando.

    Dos canciones tan diferentes como complementarias y que, al mismo tiempo, son un increíble reflejo de las diez canciones que encontramos en «Lo que somos». Un trabajo que muestra la capacidad y versatilidad de la banda. Y que podríamos intentar definir de mil formas, pero que es mejor que escuchéis vosotros, que os dejéis llevar y que os transportéis sin miedo al universo de Lunáticos.

    Y al hilo de este esperado lanzamiento, los madrileños se sumergen en una intensa gira. A falta de más fechas por confirmar, los podremos ver en las siguientes ciudades:

     9 NOVIEMBRE Sala Filomatic (A Coruña)

     15 NOVIEMBRE Sala Caribou (Albacete)

     16 NOVIEMBRE Sala Euterpe (Sant Joan / Alicante)

     30 NOVIEMBRE Sala Memphis (Gijón)

    18 ENERO Sala Moby Dick (Madrid)

    7 FEBRERO La Ley Seca (Zaragoza)

    8 FEBRERO Alfa En Viu (Barcelona)

    15 FEBRERO Sala Hollander (Sevilla)

    7 MARZO  Moon Music Club (Santiago de Compostela)

    13 MARZO Café Avalon (Zamora)

    21 MARZO Sala Musik (Murcia)

    15 MAYO Tio Vivo (Salamanca)

    16 MAYO Rock Beer The New (Santander)

  • Quinto Elemento arrasa con el videoclip de su tema, «Tengo»

    Quinto Elemento arrasa con el videoclip de su tema, «Tengo»

    En muchas ocasiones, la juventud no está reñida con la profesionalidad. Precisamente, en muchas ocasiones, el atrevimiento y el trabajo constante mueven montañas. Ejemplo de todo ello son Quinto Elemento, una de las nuevas promesas musicales, que acaban de irrumpir en esta bestial escena. Y es que aunque ya dieron que hablar allá en 2017 con su trabajo «Algunas Locuras», ahora lo han vuelto a hacer con «Tengo». Una canción en la que han demostrado, nuevamente, que lo suyo es puro arte.

    Porque sí, porque «Tengo» es especial. Toda una declaración de intenciones que, sin miedo, habla de todas las equivocaciones y errores que cometemos, y de la necesidad de ser conscientes de ellos. Es un grito a esas segundas oportunidades que cualquier persona se merece. A pesar de todo. A pesar de todos. Una madurez que no solo se refleja en las letras o el mensaje, también se aprecia en el sonido de la banda. No es para menos: en dos años han tenido oportunidad de evolucionar, de crecer.

    En sintonía con la canción, llega el videoclip. Partiendo de la base de que cualquier acción, siempre tiene consecuencias, el clip también nos invita a reflexionar, a ser medidos, a ser maduros, pero sobre todo, a ser consecuentes con nuestras propias decisiones. Y es que tal y como reconocen los propios miembros de Quinto Elemento: «Somos jóvenes, nos queda mucho por vivir y esta historia se puede extrapolar a cualquier circunstancia de la vida».

    Sin duda, 2019 se ha planteado cambiante, aunque 2020 lo será más. La primera piedra está puesta. Pero no os perdáis todo lo que está por llegar. Un nuevo álbum se acerca, en el que, además, ha trabajado José Caballero de Neo Music Box. Profesional de los pies a la cabeza que se ha encargado de la producción. Quinto Elemento, Caballero y Aranda de Duero: la fórmula mágica del éxito. Éxito que muy pronto llevarán por los escenarios. Aunque de momento, lo único seguro es que podremos disfrutar de ellos el próximo 8 de febrero en el Café La Palma de Madrid. ¡En breve, encontraréis las entradas disponibles en Wegow!

  • Naponia regresa a Madrid para arrasar en El Perro de la Parte de Atrás del Coche

    Naponia regresa a Madrid para arrasar en El Perro de la Parte de Atrás del Coche

    El talento en Murcia debe ser algo innato, indescriptible. Sobre todo si se trata de talento musical. Y entre todo el cúmulo de estímulos, música y bandas, Naponia llegaron a nuestras vidas, desde Murcia, de la manera más casual posible. Y nunca se han ido.

    Entre idas, venidas y mil historias más, no han dejado de trabajar. Lejos queda aquel 2016 en el que todo empezó, en el que cuatro amigos se juntaban para hacer música. Como una película, acelerada a cámara rápida, llegó «La Habitación de los Espejos» ese mismo año, bajo la producción de Paco Román (Neuman). Conciertos, rodar, quemar escenarios durante todo 2017. Poco después, ya en el 2018, se abrió paso a niveles agigantados, «De miedo y fantasmas», producido por Carlos Hernandez (Viva Suecia o Los Planetas) en los Estudios Uno de Madrid. Un álbum que muestra y presenta a unos Naponia mucho más maduros. Mucho más ellos. Un punto inflexión, sin duda. Un cambio que no solo se ha mostrado en las canciones, también en los directos. O, al menos, así lo vivimos el pasado mes de enero, cuando quemaron la sala Maravillas de Madrid.

    Naponia regresa a Madrid con «De miedo y fantasmas»

    En medio de toda esta vorágine musical, el próximo 25 de octubre, Madrid se convertirá un poquito, en territorio murciano. Y es que Naponia inician su segundo asalto, presentando las canciones de su «De miedo y fantasmas». Y, por supuesto, Madrid no se iba a salvar. Si ya lo hicieron con la Maravillas, en esta ocasión asaltarán el escenario de El Perro de la Parte de Atrás del Coche.

    Por supuesto, esa noche no estarán solos. Porque directamente desde Alcalá de Henares, los acompañarán Super Skinny. Una banda con un talento brutal que cuenta ya con más de seis años de rodaje. El mejor ejemplo de que la juventud no está reñida con la profesionalidad. Y es que a trabajo, no les gana nadie. Tras dos EPs autoproducidos y algunos singles, los madrileños dieron el gran salto con «Limbo» (2016),  grabado en Moba Studios bajo los mandos de Sergio Molina (Sexy Sadie) y Manuel Cabezalí (Havalina). El punto perfecto para asentar y consolidar su sonido y, por supuesto, el carácter de sus letras.

  • Una Vez Medianoche inundarán de magia Madrid con su «Amanecer»

    Una Vez Medianoche inundarán de magia Madrid con su «Amanecer»

    Hace apenas un año llegaba a nuestras vidas «Amanecer», el álbum debut de los madrileños Una Vez Medianoche. Era 16 de noviembre de 2018 y este trabajo llegaba producto de unos intensos meses de trabajo. Encerrados en los estudios Sonobox, junto a Manuel Colmenero, Pascal Chahin y David Cobos le daban forma a estas once canciones, que son once auténticas perlas que van directas al corazón. Por aquel entonces, la sala Hangar 48 se convertía en el escenario perfecto para presentarlas. Una primera toma de contacto, a la que fueron llegando muchas más y no solo en Madrid.

    Casi 365 días después, la banda madrileña vuelve a la capital para celebrar este año de vida de su debut. Apuntad la fecha, porque el 26 de octubre promete ser especial. La sala Tempo Club se vestirá de gala para recibir a Una Vez Medianoche que llegan dispuestos a sorprender a sus seguidores más fieles, ante los cuales presentarán tres nuevos temas. Además, esa magnífica noche no estarán solos, pues De Perdidos al Trío completan este gran cartel. Y es que los vallisoletanos son capaces de hacer bailar a cualquiera que se ponga por delante, gracias a la energía y frescura de su reciente trabajo «Jam-Ñam», que han presentado en distintos escenarios, como el del Sonorama. Con lo cual, se convierten en los compañeros perfectos para Una Vez Medianoche.

    Guardad la fecha: 26 de octubre a las 21:30H. Y si todavía no tenéis la entrada, la podéis conseguir en Giglon.

    «Amanecer», el gran despertar de Una Vez Medianoche

    Meses y meses de trabajo han dado su fruto. Y Una Vez Medianoche no podían tener una mejor carta de presentación. «Amanecer» ha sido el primer álbum de estudio de los madrileños y en él, se muestra a la perfección toda la elaboración, el mimo y el cuidado de los detalles que la banda ha dedicado. Un disco formado por once canciones capaces de envolvernos y sumergirnos en la atmósfera y universo de Una Vez Medianoche. Universo que adquiere nuevas dimensiones cuando ves a la banda en directo, momento en el que se crecen, en el que sacan a relucir toda su magia, en el que demuestran verdaderamente quiénes son.

    Una banda que engancha, que enamora y que merece la pena escuchar. Por todo lo demás, lo único que queda es disfrutar del viaje.

    https://youtu.be/jPKAQtfH9FI

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