Cuando la música se convierte siempre en el mejor regla, terminamos encontrando perlas escondidas en forma de canciones. Ejemplo de ello son los valencianos Bangoo que, el 12 de diciembre, irrumpieron con su tema «Runaway», el primero de muchos otros que están por llegar. Y es que, a pesar de la juventud de la banda (pues se formó en 2018), apuntan maneras: el talento es más que innegable y así lo han demostrado en esta primera canción. Canción que es antesala de su trabajo «Strengths, Fears and Truths». Canción que desprende una magia y un sello muy particulares y únicos. Todo un mensaje y un poderío que se ven reforzados por el videoclip, que nos transporta, que nos hace viajar por diferentes estados. Un encanto, un clip muy visual, dirigido por Txema Lirón de Robles; y producido por Plastic Salad Films.
¿Quiénes son Bangoo?
Valencia fue testigo de la creación de esta banda que, se conformó allá en 2018. Robin Sapena (teclados, guitarra, voz), Coke Stuyck (teclados), Víctor Gaspar (bajo) y Víctor de Nalda (batería) daban inicio a esta aventura que, poco a poco, va tomando forma. De hecho, en 2020 presentarán su primer trabajo y no han podido elegir mejor tema para saltar a escena. «Runaway» es una declaración de intenciones en toda regla: y es que Bangoo ombina a la perfección la electrónica con el pop más bailable y letras en inglés, ya que el vocalista Robin Sapena es originario de Reino Unido. Un álbum debut con el que marcarán un antes y un después, y que verá la luz en el inminente 2020. Un disco que llevará por título «Strengths, Fears and Truths» y del que pronto conoceremos muchos más detalles.
Nerviosismo y emoción a partes iguales. ¿Y vosotros?, ¿estáis preparados para desvelar el misterio que se esconde tras el primer trabajo de los valencianos Bangoo? El viaje acaba de comenzar.
La época de festivales comienza a acercarse de manera inexorable. Con el buen tiempo, la música comienza a aflorar, llenando todos los rincones posibles. Confirmaciones y más confirmaciones empiezan a llegar. El WARM UP ha sido uno de los últimos en sumar más nombres a su carte. y, ¡ojo! porque menudo line-up se está quedando. ¿Quieres conocer a los artistas que pasarán por Murcia y que se subirán al escenario del festival?
WARM UP, festival de grandes nombres, en el corazón de Murcia
El primer nombre en aparecer fue el de Modeselektor, dúo alemán de música techno que seguro arrasará con todo el festival, con sus hits más cañeros y más fiesteros. Unos artistas a los que, muy pronto, se sumaron otros como Mando Diao, quienes regresan a territorio español para presentar los temas de su último trabajo «Bang», que nos traslada directamente a los setenta con esos ritmos indie-rock y garage. Justo a la par, WARM UP confirmó a Viva Suecia y a León Benavente, dos de las bandas más potentes de la escena nacional. Y es que ambas, han lanzado nuevo disco recientemente: «El Milagro» en el caso de los suecos y «Vamos a volvernos locos», en el de los leones. Asimismo, también llegaron para quedarse, bandas y artistas como el británico Johnny Marr (quien fuera guitarrista de The Smiths), que llega dispuesto a dar a conocer su trabajo «The Bright Parade»; o los mismísimos Dorian, que imparablemente, no han dejado de llevar su música por cada rincón del planeta, especialmente desde que viera la luz su reciente álbum, «Justicia Universal». Y, por supuesto, en cualquier festival que se precie, no puede faltar él, uno de los representantes del indie pop: directamente, desde «Isla Morenita» hasta el WARM UP, llegará Carlos Sadness.
Sin embargo, los dos platos más fuertes del festival se han desvelado hace apenas unos días. Por un lado, los reyes de la indietronica aterrizarán en Murcia el próximo mes de mayo, desde Londres: Hot Chip, mentes creadoras de temazos como «Ready For The Floor», «Over and Over», «Boy From School» o «The Warning». Aunque también aprovecharán para presentarnos en directo, los temas de su estrenado álbum: «A Bath Full Of Ecstasy».
Así y todo, probablemente, una de las grandes sorpresas (y una de las bandas que no nos perderíamos por nada del mundo) ha sido la de Kraftwerk. Los alemanes vuelven a visitar España, con un espectáculo único, con el que ya llevan girando un tiempo por todos los rincones del planeta: «Kraftwerk 3D». Sin duda alguna, fueron los pioneros de la música electrónica, allá en los años 70. Supusieron una auténtica revolución que, poco tiempo después, ya había alcanzado reconocimiento mundial: por su música renovadora, por su gran capacidad de experimentación y por la innovación en las nuevas técnicas que implementaron. Kraftwerk han marcado un antes y un después, creando así, la banda sonora de todo el panorama electrónico del siglo XXI. Y, ahora, volverán a poner la escena patas arriba con su nuevo show en 3D.
Pronto, os hablaremos también de los talentosos grupos que, a priori, pueden parecer más desconocidos, pero que son verdaderos diamantes en bruto. En próximas publicaciones, os traeremos a Georgia, Dorian Electra, Rufus T Firefly, Nunatak, Yana Zafiro y AA Mamá.
Lo que está claro es que, aunque todavía quedan artistas por sumarse al festival, se está quedando un auténtico cartelazo. Por lo que os recomendamos comprar ya vuestras entradas, disponibles en la página web del festival (aunque también las puedes conseguir pinchando aquí).
Directamente desde Galicia y cantando en portugués, llegan Bifannah para sorprendernos con su garage pop tropical, que también mezcla lo mejor de la psicodelia. Así, sin florituras, sin miramientos y mostrando su esencia más pura, llegarán el próximo 11 de enero a la mítica Sala Moby Dick de Madrid. Y lo harán para presentar su último trabajo, que vio la luz el pasado mes de octubre y que lleva por título «Danças Líquidas».
Conociendo a Bifannah
Gallegos, cantan en portugués, pero se encuentran a medio camino entre Londres y Madrid. Bifannah se alzan, indudablemente, como la mejor y la particular respuesta a la nueva oleada musical, que lleva por bandera la psicodelia anglosajona. Un estilo al que le han sabido dar la vuelta de manera maravillosa, al que han introducido tintes pop de la costa oeste y diferentes ritmos, tanto tropicales como los latinos, clásicos de finales de los setenta. Guillermo V. Zapata, Antía Figueiras, Antón Martinez y Pablo Valladares son quienes se esconden tras el nombre de Bifannah, defendiendo a capa y espada la influencia e importancia del pop caleidoscópico.
Irrumpieron, sorprendieron y revolucionaron todo el panorama musical con su debut, «Maresia» (The John Colby Sect, 2017). Una primera carta de presentación increíble, que los hizo situarse en un primer plano de la escena retro a nivel europeo. De ahí, que abrieran para grandes bandas como Allah-Las y Mystic Braves. O que participaran en festivales como Atlantic Fest, Mad Cool, SXSW (Austin), Barcelona Psych Fest, Festival MARVIN en Ciudad de México o FIB Benicassim.
Su segundo trabajo, «Danças Líquidas» (The John Colby Sect, 2019), llegó hace apenas un par de meses. Y es con el que se encuentran girando a día de hoy. Grabado en Estudio Brazil, bajo la producción de Frank Maston y el master de Jasper Geluk (en Tone Boutique de Holanda). Un disco revolucionario y 100% analógico. Es la fórmula perfecta, la «mistura» ideal entre el tropicalismo y los ritmos latinos, que toman el relevo a las influencias más clásicas y evocadoras del garaje psicodélico a-la-West-Coast de su primer largo. Lambada, sol y picante para un nueva comunión llena de baile y movimiento.
¿Todavía sigues sin entrada para el concierto del próximo 11 de enero en Madrid? ¡Tenemos cita en Moby Dick Club! (Pincha aquí).
Con un primer disco en la calle y con una fuerza atronadora, desde el País Valencià, llega Apologia con su primer álbum homónimo. Poco a poco, pero sin pausa, están cosechando toda una increíble lista de éxitos. Y es que. aunque no existe una clave del éxito clara, el trabajo duro te abre muchas puertas. Hace algunos días, tuvimos la opotunidad con ellos y esto es lo que nos contaron sobre su proyecto.
Com sorgeix «Apología», l’àlbum?
En principi Pablo, qui va començar el projecte, tenia la idea de fer quelcom molt personal, gravar un parell de cançons i au. Una vegada a l’assaig vam connectar de seguida, van començar a eixir idees i, com si de màgia es tractés, vam donar vida als 10 temes que conformen el disc.
Com va ser tot el procés creatiu i compositiu?
La manera de treballar era pareguda a la que ja teníem en projectes anteriors. Normalment, Pablo porta una idea a local i és allà on la desenvolupem entre tots. Ha estat molt fàcil, ja que Alberto, Hèctor i Pablo ja ens coneixem de Tirant lo Rock i portem tota la vida tocant junts. Per la seua part, «Pinya» fa molts anys en el món de la música i ens uneix una relació i una militància de molt temps. Això fa que, per exemple, amb una mirada sabem que vol dir i que és el que vol plasmar l’altre, i eixe fet facilita tota faena.
Com ha estat l’acollida en aquestes setmanes des de que va veure la llum?
Pensem que molt bona, de fet, estem flipant encara, no ens ho esperàvem. Més de 35.000 reproduccions, i creixent cada dia més, molts comentaris positius a tot arreu, fins i tot, d’altres músics a les que admirem. Sols podem donar les gràcies a tota eixa gent i esperar a estar a l’altura en els directes.
Com va ser treballar en aquest àlbum amb Pedro Martínez a la producció i Sam Ferrer?
Un privilegi. Pedro es un dels millors compositors de punk-rock de l’estat i nosaltres ens hem criat amb EUKZ, així que ja podeu imaginar. Ha sigut però, un treball molt dur. Hem intentat cuidar amb ell cada detall, aprenent d’ell moltíssim (no sols musicalment, també com a persona). Sam, a l’igual que Pedro, s’ha implicat en el projecte com si fos propi. Sabia el que voliem, com ho voliem i com havíem de sonar i, no sols ho ha fet, ho ha millorat.
Com vau viure la nominació als Premis Ovidi en la categoria de millor àlbum de rock?
Més o menys, com tota la rebuda del projecte, de manera inesperada i molt agraïts. Per nosaltres va ser un somni amb un primer disc: estar assentats a la gala, rodejats de músics a les admirem, escoltem i que porten tants anys de carrera. Va estar molt guai.
En aquest treball es barregen el hardcore, el punk, el rock i el pop. Per què aquesta barreja i com encontra Apología el seu segell personal amb ella?
Doncs, realment nosaltres ens definim com a punk rock, ja que creiem que és on sempre anem a parar. Cada membre del grup escolta música diferent, però amb un nexe comú i és allà on cuinem tots els ingredients per a fer la nostra música. Influències? Moltes, però Berri Txarrak, EUKZ o Desakato són tres grups que referents per a tots.
Vau irrompre amb «Amb Pluja i Amb Fred», cançó que va eixir amb la col·laboració de Xavi Sarrià. Una manera molt potent de sortir, no? Com va ser treballar amb ell?
Sí, Xavi és un referent per nosaltres, a nivell musical i polític. A més, tenim la sort de ser amics de fa molt temps i quan li vam dir no va dubtar en pujar a Borriol a gravar la col·laboració, tot i que el vam pillar a meitat de gira. Des de que la vam tocar el primer día al local, sentiem que la cançó demanava la veu de Xavi i va ser tot un orgull fer-ho realitat.
A més, el disc també compta amb la participació Maluks i Tatiana Javaloyes. Com sorgeixen aquestes col·laboracions?
Doncs, quan vam entrar nosaltres a l’estudi, Maluks encara no havia publicat cap cançó, però havien estat gravant també amb Sam Ferrer i ell estava ultimant les mescles i ens va ficar una cançó d’elles i ens vam quedar enamorats. És en eixe moment ln vam pensar que ens encantaria col•laborar amb elles. «Antifeixistes» era una cançó que, en principi, volíem que participen companyes que tingueren més flow que nosaltres i vam pensar amb elles. Quan van vindre a gravar ens van deixar amb la boca oberta, són unes cracks! Pel que fa a Tatiana, és una de les millors veus de la nostra comarca, de fet, ha estat un parell de vegades a punt d’entrar en algun programa de la tele de molt de renom. Pedro volia uns cors molt concrets i difícils, que requerien de molta tècnica, pel que encontrar a una persona que ho pogués fer, era una tasca molt complicada. Un dia va vindre a cantar al Casal Popular de Vila-real i vam dir: «és ella».
«Desperte» va ser el darrer single, per què escollir aquesta cançó i com va ser treballar amb Alma Batalla?
Escollir «Desperte» era una manera de baixar les revolucions i mostrar la cara més personal d’Apologia, eixa que no havíem ensenyat en els altres dos singles: més rockers, més ràpids i amb lletres combatives. Treballar amb Alma ha sigut molt fàcil, és molt bona professional, a banda de ser amiga, pel que ha fet que la implicació encara siga major. Vam quedar amb ella un dia, li vam contar que teniem pensat i va començar a traure idees super xules de seguida. Li hem fet treballar molt i sempre a contracorrent, i la seua resposta sempre ha sigut espectacular.
Quina importància té el missatge per a Apologia?
Molta, el propi nom del projecte ho diu. Fer Apologia és fer defensa de quelcom i per nosaltres fer música és fer defensa d’allò que sentim i creiem, de treure tot el que tenim a dins. Tota la música té missatge, sols has de saber buscar-lo.
Com veieu el panorama musical al País Valencià?
Creiem que està més fort que mai i això és evident en quant a grups, públic, treballs de qualitat i amb estils diferents. Tot i això, queda molta feina, especialment a les comarques del Nord d’on venim. Tot i ser, on més catalanoparlants hi ha de tot el territori és on menys grups que canten amb llengua pròpia hi ha, però sempre hi ha esperança.
Propers passos de la banda.
Tocar, tocar i tocar. Rodar el disc, fer un directe fort i seguir creixent. Tot i que ja estem treballant amb noves cançons, no volem fer parar la roda.
Quina és la major bogeria que heu comès per la música?
A nivell de grups, passar hores i hores, durant dies al local d’assaig, després de treballar les 8h de cortesia. A nivell més personal, un membre del grup ha seguit a Berri Txarrak en 19 concerts per tot l’estat dins la seua gira de comiat, creiem que han estat a punt de denunciar-lo i tot [rises].
¿Cómo surge «Apologia», el álbum?
En principio Pablo, quien comenzó el proyecto, tenía la idea de hacer algo muy personal, grabar un par de canciones y au. Pero una vez en el ensayo, conectamos enseguida, empezaron a surgir ideas y, como si de magia se tratara, le dimos vida a los 10 temas que conforman el disco.
¿Cómo fue el proceso creativo y compositivo?
La manera de trabajar era parecida a la que ya teníamos en proyectos anteriores. Normalmente, Pablo trae una idea al local y es allí donde la desarrollamos entre todos. Ha sido muy fácil, ya que Alberto, Héctor y Pablo ya nos conocíamos de Tirant lo Rock y llevamos toda la vida tocando junts. Por su parte, «Pinya» lleva muchos años en el mundo de la música y nos une una relación y una militancia de muchos años. Eso hace que, por ejemplo, con una mirada sabemos qué quiere decir y qué es lo que quiere plasmar el otro. Y eso facilita el trabajo.
¿Cómo está siendo la acogida del álbum?
Creemos que está siendo muy buena, de hecho, estamos flipando todavía, no nos lo esperábamos. Más de 35.000 reproducciones y, cada día, va creciendo aún más. Tenemos muchos comentarios positivos por todos lados, especialmente, de otros músicos a los que admiramos. Solo podemos dar las gracias a toda esa gente y esperar estar a la altura en los directos.
¿Cómo fue trabajar con Pedro Martínez a la producción y con Sam Ferrer?
Un privilegio. Pedro es de los mejores compositores de punk-rock del estado y nosotros nos hemos criado con EUKZ, así que podéis imaginar. Sin embargo, ha sido un trabajo muy duro. Intentamos cuidar con él cada detalle, aprendiendo muchísimo (no solo musicalmente, también como persona). Sam, al igual que Pedro, se ha implicado en el proyecto como si fuera propia. Sabía lo qué queríamos y cómo. Además de saber cómo debíamos sonar. No solo lo ha hecho, lo ha mejorado.
¿Cómo vivisteis la nominación a los Premis Ovidi?
Más o menos, como todo el recibimiento del proyecto. De manera inesperada y muy agradecidos. Para nosotros fue un sueño conseguirlo con un primer disco: estar sentados en la gala, rodeados de músicos a los que admiramos, escuchamos y que llevan tanto tiempo de carrera. Estuvo muy guay.
En este trabajo mezclais hardcore, punk, rock y pop. ¿Por qué?, ¿cómo encuentra Apologia su sello personal con esta mezcla?
Nosotros nos definimos como punk rock, ya que creemos que es donde vamos a parar siempre. Cada miembro del grupo escucha música diferente, pero con un nexo común y ahí donde cocinamos todos los ingredientes para hacer nuestra música. ¿Influencias? Muchas, pero Berri Txarrak, EUKZ o Desakato son los tres referentes.
Irrumpisteis con «Amb Pluja i Amb Fred», junto a Xavi Sarrià. ¿Cómo fue trabajar con él?
Xavi es referente para nosotros, a nivel musical y político. Además, tenemos la suerte de ser amigos desde hace mucho tiempo y cuando se lo dijimos, no dudó en subir a Borriol para grabar, aunque lo pillamos a mitad de gira. Desde que la tocamos la primera vez en el local, sentíamos que la canción nos pedía la voz de Xavi y fue un orgullo poder hacerlo realidad.
En el disco también colaboráis de Maluks y Tatiana Javaloyes. ¿Cómo surgen?
Cuando entramos en estudio, Maluks aún no había publicado ninguna canción, pero habían estado grabando también con Sam Ferrer, que estaba ultimando las mezclas. Nos puso una canción de ellas y nos enamoramos. Fue en ese momento cuando supimos que queríamos colaborar con ellas. «Antifeixistes» era una canción en la que queríamos que participaran compañeras con más flow que nosotros y pensamos en Maluks. Cuando vinieron a grabar, nos dejaron con la boca abierta, ¡son unas cracks! En cuanto a Tatiana, es una de las mejores voces de nuestra comarca. De hecho, ha estado un par de veces a punto de entrar en algún programa de la tele de mucho renombre. Pedro quería unos coros concretos y bastante difíciles, que requerían de mucha técnica, por lo que encontrar a una persona que lo pudiera hacer, era tarea complicada. Pero un día, actuó en el Casal Popular de Vila-real y dijimos: «es ella».
«Desperte» fue vuestro último single. ¿Por qué esta canción?, ¿cómo fue trabajar con Alma Batalla?
«Desperte» era una manera de bajar las revoluciones y mostrar la cara más personal de Apologia, esa que no habíamos enseñado en los dos anteriores singles: más rockers, más rápidos y con letras combativas. Trabajar con Alma ha sido muy fácil, es muy buena profesional, además de ser buena amiga, por lo que la implicación ha sido aún mayor. Quedamos con ella un día, le contamos lo que teníamos pensado y, enseguida, empezó a lanzar ideas super chulas. Le hemos hecho trabajar mucho y siempre a contracorriente. Y su respuesta ha sido espectacular.
¿Qué importancia tiene para vosotros el mensaje?
Mucha. El propio nombre del proyecto lo dice. Hacer Apologia es defender a todo el mundo y, para nosotros, hacer música es defender todo aquello que sentimos y creemos, de sacar todo lo que llevamos dentro. Toda la música tiene mensaje, has de buscarlo.
¿Cómo veis el panorama musical del País Valencià?
Creemos que está más fuerte que nunca y eso es evidente en lo que respecta a grupos, público y trabajos de calidad. Aún así, queda mucho trabajo, especialmente en las comarcas del Nord, de donde venimos. A pesar de ser una de las zonas con mayor catalano-parlantes, es donde menos grupos cantan en la lengua propia. Pero hay esperanza.
Próximos pasos de la banda.
Tocar, tocar y tocar. Rodar el disco, hacer un directo fuerte y seguir creciendo. Aunque ya estamos trabajando en nuevas canciones, no queremos que pare la rueda.
La mayor locura cometida por la música.
A nivel de grupo, pasar horas y horas, durante días en el local de ensayo, después de trabajar las 8 horas de cortesía. A nivel personal, un miembro de la banda ha seguido a Berri Txarrak en su gira de despedida por todo el estado: en total, 19 conciertos. Creemos que han estado a punto de denunciarlo y todo [risas].
Corría el año 2017 cuando comenzaba a surgir el germen de lo que es a día de hoy Vuelve Zinc. Casi 3 años después y un álbum debut titulado «Entropía Propia», la banda afincada en Barcelona, nos desgrana todo lo que esconde este trabajo. Con una profundidad que asusta, este disco nos acerca a los Vuelve Zinc más personales, que no hacen otra cosa que enamorar a todas y cada una de las personas que los escuchan. Chisco Sanchís (guitarra y voz) es quien se atreve a responder nuestras preguntas.
¿Cómo se inicia Vuelve Zinc en el mundo de la música?
Pues todo surgió un poco a raíz de Pol, el batería, y yo. Los dos nos conocimos a través de redes, porque yo estaba recién mudado: acababa de llegar a Barcelona desde Galicia y llevaba bastante tiempo sin tocar, por lo que tenía ganas de retomar un poco el tema de la música. Así que puse anuncios en diferentes plataformas para músicos y, tras leer las referencias, respondió Pol. Inicialmente, comenzamos a armar y componer temas como dúo enfocado a la electrónica y a los sonidos más orgánicos. Eso fue a finales de 2016 o principios de 2017, y muy poco tiempo después ya se incorporaron André, al sinte y Ricky, al bajo. Entonces ya entramos un poco en el proceso ese de conocernos los cuatro. Así fue un poco cómo empezó.
¿Cuáles son las principales fuentes de inspiración de la banda?
Pues la verdad es que los temas de este disco son bastantes cotidianos. Lo hemos creado y lo hemos compuesto en un proceso un poco de cambio, tanto social como personal. Y al final, en este álbum abordamos todos estos cambios, afrontamos el que estamos haciendo, el cómo podemos mejorar, el analizar y ser conscientes de que esta sociedad está cambiando y que nosotros cambiamos con ella. Así que, al final, nosotros nos basamos en las reflexiones que hacemos día a día. Por ejemplo, uno de los temas trata sobre la familia. Ya que, en mi caso, durante mucho tiempo veía a mi familia de una manera y, tiempo después, mi percepción cambió por completo. Hay otra canción que habla sobre una crisis de edad de mi madre, una vez falleció su padre, que comenzó a ver como su hueco vacío. Un proceso muy complicado que sufrió y en el que yo también me vi reflejado. Al final, se trata de ir analizando los temas una y otra vez, y exponerlos a través de la música. En definitiva, este álbum no tiene un concepto cerrado, con un principio y un final, pero sí que es cierto, que el orden de las canciones es importante, porque sigue un orden cronológico en lo que a composición se refiere. Ha sido como una terapia.
Al hilo de la respuesta, comentas que «Entropía Propia» sigue una cronología y es como un todo. ¿Crees que este aspecto, el del poder del disco como discurso, se ha perdido un poco?
Es una buena pregunta, la verdad, porque es un tema que nosotros hablamos mucho y que Pol comenta mucho. Porque él es muy de discos conceptuales y de escucharlos de principio a fin. Y sí que es cierto que mucha gente se queda en los dos singles que salen del artista o banda en cuestión, y no tiene tiempo de escuchar el trabajo completo. Que yo soy el primero que pone la lista de reproducción, ¿eh? Pero, bueno, creo que al final lo importante es tratar de llegar a la gente y si lo consigues, lo demás viene solo. Siempre habrá gente que encuentre el momento de escuchar el disco al completo, una vez se enganche a los singles o incluso a otros temas que nunca imaginarías. En nuestro caso, una de las mejores que mejor está calando es la de «Cada Indecisión», que a nosotros nos gusta mucho, pero nunca hubiéramos imaginado que gustara tanto. Así que, por eso decimos que lo importante es llegar, porque siempre es la gente la que te termina midiendo.
¿Cómo está siendo la acogida de «Entropía Propia»?
Pues estamos yendo poco a poco, como ya sabíamos de antemano. La verdad es que es complicado pegar el pelotazo si no tienes una obra súper genuina. Y mucho menos, si este es el primer trabajo. Así que estamos yendo con calma. Así y todo, la acogida está siendo buena y estamos recibiendo muy buen feedback. De hecho, nos hace flipar que se acerque gente a la que no conocemos de nada en los conciertos para felicitarnos o darnos la enhorabuena. Es algo que valoramos mucho, porque nosotros también somos ese tipo de gente que, cuando vamos de concierto, nos acercamos a la banda al final del bolo, por mucha vergüenza o apuro que nos dé. Así que lo tenemos muy en cuenta, nos ponemos muy en el lugar de la persona que se nos acerca y creemos que eso es lo que marca la diferencia.
¿Cómo ha sido trabajar en este álbum conFerran Resines y Christian Pallejà?
Ha sido súper guay, la verdad, porque los conocíamos de haberlos visto tocar con otras bandas. Así que, cuando comenzamos a concebir este trabajo, fuimos a verlos enseguida: queríamos contar con ellos, porque son muy majos y porque habíamos tenido una conexión casi instantánea. Hicimos una reunión inicial, quedamos en pensarlo y volver a hablar más adelante. Pero teníamos clarísimo que queríamos grabar con ellos y así lo hicimos. Congeniamos muy bien desde el principio y ellos enseguida captaron lo que queríamos y lo que necesitábamos. Y aunque veníamos con un disco muy pre-producido, nos faltaba ese color y esa homogeneidad que solo nos supieron dar ellos. Además, supieron cómo darnos caña y cómo animarnos con todo.
También queríamos aprovechar para preguntaros sobre la importancia para Vuelve Zinc de toda la parte visual y artística.
Para mí es una cosa bastante importante. Es cierto que, principalmente, conectas con la gente a nivel musical. Sin embargo, yo me preocupo mucho por cuidar la estética de la banda: desde los videoclips hasta todo el arte del álbum. Además, todos nosotros somos diseñadores, así que nos metemos bastante presión e intentamos cuidar todo esto, porque va todo a la par. Y porque también hay gente que tiene sinestesia y que determinadas canciones le evocan determinados colores, activando así diferentes sentidos. Así que, bueno, nosotros también tratamos de que la imagen y la música vayan acordes, que intenten crear diferentes conexiones.
Un escenario en el que tocar.
En la Sala Capitol de Santiago de Compostela.
Un escenario al que volver.
Tocamos hace poco en la Sala Jazz Cava de Vic y salimos muy contentos, a nivel de sonido y a nivel de gente. No vinieron muchas personas, pero se creó una magia especial. Así que guardamos un recuerdo muy positivo. Me quedé con ganas de volver, sin duda.
Alguien con quien compartir escenario.
A mí me encantaría con holywater, que es una banda gallega con la que creo que compartimos mucho la visión y la manera de componer. Y la llevo un poco en el corazón. Aunque si estuviera aquí André, te diría El Inquilino Comunista.
Una canción de Vuelve Zinc que refleje el momento en el que estáis.
Pues diría «Dudar de ti», por el momento de incertidumbre que estamos viviendo ahora mismo. Pero no, yo creo que mejor «La parte que reconozco de los dos», porque es una canción que nos gusta mucho a todos, tanto escucharla como tocarla. Nos permite dejarnos llevar mucho.
Próximos pasos de la banda.
Pues muy seguramente, volver a bajar a Madrid. Además, nos encantaría montar una pequeña gira, a partir de los meses de marzo o abril. Y a partir de ahí, movernos por toda la Península, aunque nos gustaría ir por la zona de Andalucía y volver a Galicia, porque tuvimos muy buena acogida. También tenemos en mente publicar un nievo single, que seguramente salga por esas fechas. Por supuesto, también quisiéramos entrar en festivales de verano, aunque eso ya no depende tanto de nosotros.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Uf, es complicado. Me gustaría dar una respuesta súper mágica, pero ahora mismo que estamos sufriendo el lapso económico de afrontar la salida de un disco y todo lo que ello conlleva, quizás la mayor locura que podemos estar cometiendo es la de dejarnos todos nuestros ahorros para que este proyecto salga adelante.
Aunque, quizás, la mayor locura que nos haya pasado, nos ocurriera la primera vez que bajamos a Madrid. Y es que André y y nos equivocamos al alquilar la furgoneta: nos dieron una más pequeña que la que en realidad necesitábamos. Inicialmente, creíamos que nos cabrían las cosas, cargamos todo, nos metimos dentro, pero sin apenas tener espacio vital. A punto de arrancar para viajar, imagínate: 6 horas de viaje, alguien tuvo la lucidez de evitarlo. Así que terminamos diviéndonos y yendo mucho más cómodos.
Hace cerca de un año que veía la luz «Astronauta», el último álbum de Zahara, con el que ha puesto los escenarios del revés. Y es que canciones como «Hoy la bestia cena en casa» o «Guerra y paz» se han convertido en himnos, en clásicos de todos y cada uno de sus conciertos. Escenarios, salas, festivales. Sin embargo, 2020 se aproxima diferente para nuestra querida artista. Al menos, los tres primeros meses del año. Y es que Zahara aparcará la gira de este último trabajo, para presentar un tour de lo más especial: siete conciertos únicos en teatros de diferentes ciudades. Por supuesto, el setlist será también diferente, pues el espectáculo promete mostrarnos la parte más personal e intimista de la ubetense. Lo que sí que sabemos es que estará acompañada de su inestimable banda: Carlos Sosa (batería), Manuel Cabezalí (guitarra, bajo y voces), Emilio Sáiz (guitarra y bajo) y Martí Perarnau IV (pianos, sintetizadores y voces).
¿Qué encontraremos en esta nueva gira?
Tono intimista, recogido, especial, acogedor. Un tour que girará entorno a las canciones más emocionales y melodramáticas, las que se disfrutan mucho más en espacios más íntimos como los teatros. Hablamos, por ejemplo, de «Con las ganas», canción con mayor repercusión de Zahara y una de las que más visitas acumula en plataformas digitales. O «Del invierno», «Olor a mandarinas» e incluso la mismísima «Photofinish». Sin embargo, tampoco faltaran otros temas con carices diferentes, aunque la artista las adaptará al formato y a la emoción que requiere esta gira. Por supuesto, la particular puesta en escena acompañará este ambiente mágico, único y personal. Un auténtico viaje en el que la propia Zahara nos invita a dejarnos llevar, a viajar a través de un sinfín de emociones conmovedoras. Un auténtico viaje en el que la artista se desnudará por dentro, en el que se abrirá y mostrará su parte más personal.
¿Quieres saber por qué ciudades pasará? Pues tomad nota y recordad que podéis conseguir ya las entradas en la página web Zaharamania.
GIRA DE TEATROS ZAHARA 2020
4 DE ENERO – TEATRO VICTORIA EUGENIA San Sebastián
11 DE ENERO – CARTUJA CENTER CITE Sevilla
17 DE ENERO – PALAU DE LA MÚSICA CATALANA
Festival Mil·leni Barcelona
18 DE ENERO – AUDITORIO PALACIO DE CONGRESOS Girona
Primero llegaron «Fiebre en las gradas», «Puede ser» y «A fuego». Pero es que ahora ha llegado el turno de «Es vent s’ho endu tot», el segundo corte en catalán de Matilda Blue. Una canción de lo más especial a la par que evocadora, ya que nos transportan a la querida isla de Menorca de Ernest. Y es que no deja de ser la tierra materna del cantante.
Todos estos singles que Matilda Blue ha ido lanzando, están incluidos en su reciente álbum, «De ayer ya hace tiempo». Un disco que habla del paso del tiempo, que es completamente inevitable, pero que así y todo, no tiene por qué ser negativo. Y es que estas 11 canciones que conforman el álbum son como una maleta que se ha llenado de experiencias y recuerdos, de los cuales te abstraes hasta conseguir mirarlos con madurez, introspección y nostalgia positiva. Unos mensajes que se complementan musicalmente con sonidos que transitan entre el soul, el rock más clásico y una trabajada vertiente melódica, más próxima al pop.
«De ayer ya hace tiempo» fue grabado en los estudios de La Casamurada (Tarragona), bajo la producción de Álex Vivero. Además, durante la grabación, Ernest estuvo acompañado de músicos de primer nivel, como Pere Foved (batería), Enric Gómez (bajo), Arecio Smith (teclados) y Salva Criado (guitarra).
¿Quién se esconde tras Matilda Blue?
Con una amplia experiencia musical, Ernest Armengol comenzó su carrera con apenas 16 años, cuando montó su primera banda, en las que comenzó como batería. Aunque no tardó mucho tiempo en cambiarla por el micrófono.
Incansable e insaciable como él es, en el año 2000 inauguró el estudio de grabación Blind Records, junto a sus amigos Santos & Fluren. Amigos con los que poco después también montó su propia banda. Sin embargo, fue con el Sol Lagarto con quien comenzó a conseguir grandes hitos: abrir para Fito y Fitipaldis en el Palau Sant Jordi y para Whitesnake en La Riviera. Así y todo, con más de 600 conciertos y 4 discos a las espaldas, la banda se disolvió. Fue entonces cuando Ernest arrancó con su actual proyecto musical: Matilda Blue, con el que continúa con paso firme y seguro. Y con el que, por supuesto, no está dejando de girar: mucha atención a todas las fechas del artista, a falta de muchas más por confirmar.
Con un tesón increíble y unas ganas de trabajar inmensurables, Atraco llegó a escena con su debut homónimo y consiguieron revolucionarlo todo de arriba a abajo. Incansables, viajaron hasta Argentina para presentar sus temas y han colaborado con artistas de primera línea en lo que a rock&roll se refiere. Y lo cierto, es que es una auténtica maravilla. Ahora, se encuentran ya pensando en su siguiente trabajo. Hay Atraco para rato.
Hace algunos días, pudimos charlar un buen rato con Diego, vocalista de la banda. Mucha atención a todo lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto del álbum «Atraco»?
Pues el disco, la verdad, es que era algo como lógico, que tenía que llegar, tenía que suceder en algún momento porque llevábamos mucho tiempo con la banda, llevábamos desde 2012. Íbamos haciendo temas, íbamos haciendo temas, y al final, teníamos como esa cosa de querer sacar EPs o maquetas, y nos apetecía sacar un disco con 11 o 12 temas y decir: «bueno, esto es lo que tenemos». Por lo tanto, viene un poco de ahí. Era algo que tenía que suceder.
¿Cómo ha sido la acogido desde que salió el disco?
La verdad es que ha ido in crescendo. Porque nos hemos dado cuenta al sacarlo, que es algo que es un proceso que tiene un largo recorrido. Tú sacas un disco y le va llegando a la gente de una manera muy escalonada. Primero hay una oleada de gente que te va dando su feedback, pasados unos meses hay otra oleada y así sucesivamente. Siempre hay como un goteo de gente que te da su opinión del disco. Y, por suerte, casi todas han sido buenas.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo del disco?
Pues la verdad es que tampoco hubo un proceso como tal, porque eran temas que llevábamos acumulados de hace tantos años, no tuvimos un método concreto. No dijimos: «tenemos que componer un disco, consigamos tener 14 canciones y que después se queden 11». Todo esto, nos pone en un compromiso, porque en el próximo disco sí que vamos a tener que seguir un poco este proceso y decir: «tenemos dos años para componer X temas». Ahora, es lo que se suele decir de que el primer disco es el mejor, porque es para el que has tenido más tiempo y, además, has tenido más tiempo para vivir esos temas.
¿Cuál es el sello identificativo de Atraco?
Pues yo diría que la locura, que se refleja bastante en el disco, pero sobre todo en los conciertos. Esa energía y ese buen rollo, ese sentir y ese querer que todo sea una fiesta, creo que lo transmitimos y queda muy bien reflejado en el disco.
¿Y qué inspira Atraco?
Nunca hemos sido una banda que quisiese cambiar el mundo como premisa principal. Lo que nosotros queremos inspirar es que el tiempo que una persona nos ve sobre el escenario. se olvide de sus problemas. Con nuestros directos y nuestra música, queremos ayudar a la gente a evadirse y a olvidarse e invitar a bailar y a gozar. «Hacemos rock&roll y no vamos más lejos», como decía Leño.
¿Creéis entonces en el poder de la música como algo curativo?
Sí, creemos que es una de las grandes cosas que tiene la música. Lo primero, es que es muy capaz de unir a las personas o de hacernos entender muchas situaciones gracias a ella. Pero también es capaz de hacer que la gente se evada o de que recuerde buenos momentos. Es como comerse el cocido de la abuela, que te sana por dentro. Pues tal cual [risas].
Volviendo un poco al disco, hemos podido escuchar algunas colaboraciones como con Ariel Rot o Alejo Stivel. ¿Cómo surgen un poco todas ellas?
La verdad es que ellos conocen nuestro proyecto, tanto ellos como Julian Kanevsky y Juanse. Y creo que, de alguna manera, se sienten identificados con lo que hacemos y se ven un poquito reflejados. Ellos han sido jóvenes, también han tenido bandas y saben lo que es admirar a alguien. Por ejemplo, Tequila colaboraron en el disco «Fiebre de vivir» de Moris. Así que el vivir ese tipo de experiencias al principio de una carrera, hace que a lo mejor, también posteriormente, se vuelquen. Es como un ciclo. Es como que se lo regalas también después a otra persona o a otra banda.
Habéis estado de gira por Argentina también. ¿Cómo vivisteis los conciertos allí?, ¿cómo fue?
Pues la verdad es que es maravilloso. Es un país que trata el rock&roll y la cultura de una manera increíble. Muchas veces, cuando la gente nos pregunta cómo sienten el rock&roll allí, no sabemos cómo contestarle. Porque en Argentina, desde una niña de 7 años hasta un anciano de 107, sabe quién es Juanse de Ratones Paranoicos, sabe cómo es un concierto de ellos y se sabe, mínimo, tres temas. Y, además, lo vive. Y aquí creo que no hay ninguna figura parecida a lo que pueda significar Juanse allí. Para ellos es un sentimiento más. La cultura argentina tiene una cosa muy curiosa y es que consigue coger cosas que no son propias, como el fútbol, y lo hace suyo. Y no solo eso, también lo convierten en un sentimiento y la sociedad palpita con ello. Es curioso y es maravilloso. Ver a la gente vivir nuestro concierto, ver cómo viajaron para vernos, fue increíble.
Precisamente, un poco el homenaje a esa visita a Argentina, lo hemos visto en el videoclip de «Amigos de poca monta».
Sí, es una suerte haber podido reflejarlo en ese vídeo. Nos lo hizo un amigo de allí de Argentina, que se llama Damián Pantaleone y es un verdadero genio. Nos acompañó durante todo el viaje y pasamos muy buenos momentos con él.
¿Qué canción refleja el momento en el que se encuentra Atraco y por qué?
«Sábado en la noche» de Moris. Porque últimamente salimos mucho los sábados en la noche a tocar [risas].
Un escenario en el que tocar.
En el de La Riviera.
Un escenario al que volver.
Jo, qué difícil. Te voy a decir la Sala RockSound de Barcelona.
Alguien con quien compartir escenario.
De nuevo con Tequila.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Atraco?
Pues seguir componiendo el siguiente disco, terminar la gira en la Sala El Sol de Madrid y preparar el verano de 2020, con todo lo que es el tour de festivales, Y, por supuesto, seguir adelante.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido vosotros por la música?
Pues la verdad es que no sé cuál es la mayor locura que he cometido por la música, porque seguramente cualquier cosa que hayamos hecho, para las personas que no estén metidas en esto, sea una locura. Pero sí que te puedo contar algo muy loco que nos pasó por la música. Una vez nos dejamos parte del equipo olvidado en la calle y, claro, las personas que se lo encontraron fliparon. Porque había una maleta entre el material, con pedales de la guitarra, con cables. Y al abrir, encontraron el setlist y leyeron: «Atraco en Cruz Roja», que era donde tocábamos. Pero claro, al seguir viendo los títulos de las canciones: «Carro blindado», «Pólvora Ardiendo», se asustaron aún más. Y llamaron a la policía enseguida, porque pensaron que se trataba de algo grave. Al final, terminamos yendo, explicando y demostrando que todo ese material era nuestro y que, bueno, que éramos una banda y que íbamos a tocar [risas].
De origen italiano, pero afincada en Barcelona, la artista Nora Gali está de vuelta con su nuevo single, «Quiero una vida real», que vio la luz el pasado 22 de noviembre y que nos muestra a una Nora intimista e introspectiva. Y es que en este tema, juega magistralmente con melodías synth-pop y con unos toques electrónicos y muy minimalistas. Todo ello, mezclado también con la dulce voz que la caracteriza. Esta canción tan sumamente especial, reflexiona sobre las falsas apariencias que se crean en redes sociales, en las que se nos muestran las cosas como si de un escaparate se tratara. Unas redes sociales que nos absorben y controlan sin descanso y que nos obligan a dejar de lado el disfrute propio.
«Quiero una vida real» es una muestra más de lo que nos encontraremos en el EP debut de la italiana, en el cual está trabajando y en el que la productora de origen ruso Sealskin la está acompañando. Y, por supuesto, esas atmósferas de base synth-pop e influencias electrónicas y esa formación tan particular en música clásica, acompañarán en este viaje a Nora Gali.
Ya son nuestros los dos primeros adelantos de Nora Gali
Aunque «Quiero una vida real» es el single más reciente de la artista italiana, no es el único. Y es que ha llegado tras el tema «Cogidos de la mano», tema y videolyric que vieron la luz el 28 de septiembre. Nuevamente, ambos temas comparten melodías, intimismo y un mismo universo onírico.
Por el momento, poco más sabemos de Nora Gali, más allá de estos adelantos. Todo lo demás es un misterio, motivo por el cual habrá que esperar. Esperar con ansia a que su EP debut vea la luz y vuelva a sorprendernos. Lo que sí podemos decir es que es una artista única.
Quiero una vida real
Quiero una vida leal
Una vida secreta
Una vida para mi
Quiero una vida real
Comenzó sus andadas en El Delito y ahora, en solitario, continúa con el mejor legado que ha sabido crear: su música. Y es que aunque el rap llegara a su vida por pura casualidad, Tesa ha sabido transformarlo, hacerlo suyo. Ha pegado un golpe en la mesa, convirtiéndose en todo un referente y en una luchadora nata. La lucha por el feminismo, la lucha per la llengua, la defensa del poble y la invitación constante a la fiesta. Todos ellos, son los pilares fundamentales de la rapera valenciana. Unos pilares que se aprecian en todas y cada una de las canciones de «Rural», su último trabajo y del cual hablamos con ella, hace apenas unos días.
¿Cómo surge todo el concepto de este nuevo álbum, «Rural»?
Llega un poco de manera natural, tras el anterior trabajo. Y, la verdad, está muy relacionado con lo que soy yo, que vengo de un pueblo. Además, es un concepto que me gusta, conforme me llegó la palabra «Rural» y empecé a darle vueltas, cada vez me empezó a enganchar más. Y sí que es verdad que el disco bebe de muchos estilos, porque a mí me gusta ir probando, ir experimentando. Pero tiene varios pilares en los que se apoya: feminismo, la defensa de la llengua y la cultura, la crítica social del yo, y como contrapunto, la diversión o la fiesta.
¿Cómo viviste que «Rural» ganara el Premi Ovidi al Mejor Disco de Hip Hop 2019?
Pues la verdad es que fue un momento muy feliz, porque mola que se te reconozca el trabajo y el esfuerzo. Y es que al final, si echas la vista atrás, publicar un disco supone un proceso muy largo: composición, grabación, producción…Un proceso en el que también están implicadas muchas personas, que trabajan de manera muy intensa. Así que, que te reconozcan de esta forma, es increíble. La verdad es que a mí me hizo mucha ilusión recibir el Premi Ovidi. Ahora estamos pendientes de los Premis Carles Santos, en los que también estamos nominados. A ver qué pasa en la gala, el próximo 12 de diciembre [risas].
Mark Dasousa fue el encargado de la producción en este disco. ¿Cómo fue trabajar con él?
Pues la verdad es que muy bien. Es muy simpático y una persona con la que se puede hablar de todo y es muy accesible. Además, a nivel profesional es un crack, sabe muchísimo y aprendes con él. Lo único es que es un tío muy, muy ocupado [risas].
¿Y cómo ha sido la acogida y la respuesta del público desde que el disco saliera en marzo?
Pues yo creo que está gustando, la verdad. De hecho, con el último tema que publicamos, «La cançó més bonica del món», estamos teniendo muy buenos comentarios. Y la verdad, es que todo esto me hace muy feliz, estoy muy contenta.
A propósito de «La cançó més bonica del món». ¿Qué tiene de especial?
Es una canción muy especial, porque es la que le dediqué a mis padres, que son las personas que me han dado la vida y que han hecho todo por mí. De hecho, el día que la presentamos en Barcelona, hice que ellos vinieran a verme. Pero claro, no sabían que había hecho una canción y, menos, que se la había dedicado. Fue todo una sorpresa para ellos. Mi madre llorando como una magdalena, todos con la emoción a flore de piel [risas]. Pero fue un momento muy guay.
Siendo tan necesaria la lucha feminista y siendo la escena musical tan desigual, ¿cómo se vive desde dentro la escena musical?
Evidentemente, es un hecho que falta paridad y que las mujeres estamos todavía en situación de desigualdad. Por eso es tan importante tomar conciencia, en unos lugares más que en otros. Porque hay mucha calidad y talento musical curtiéndose en conciertos, aprendiendo, evolucionando. Así que es momento de pegar un golpe en la mesa para que toda esta situación empiece a cambiar.
En este sentido, ¿qué importancia tiene tener referentes femeninos y cuáles son los tuyos?
Es importante tener referentes, al final, creo que es una figura súper necesaria. De hecho, cuando yo empecé a rapear escuchaba a muchas otras raperas, con las que me sentía identificada en diferentes aspectos: por cómo eran, por lo que transmitían. Cuando yo empecé, escuchaba mucho a Úrsula o a la Mala Rodríguez.
Otro de los pilares de Tesa es la defensa de la llengua. ¿Crees que queda aún por recorrer, para que se le de al valencià la relevancia que merece?
Pues parece que ha habido una revalorización de la llengua, lo cual es importante. Gente que, a lo mejor, hace diez años no era capaz de hacer el esfuerzo por hablar valencià y ahora sí que lo hace. A nivel popular, creo que se valora y se es consciente del valor cultural que tiene una lengua. ¿Que después haya detractores que les da hasta urticaria? Pues sí, puede haberlos. Pero creo que a nivel general, he visto una gran mejora.
En este aspecto, creo que la música ha ayudado mucho. Cada vez hay más artistas y bandas que cantan en valencià y que fuera lo petan.
Sí, totalmente y es increíble. Aunque claro, toda la vida también hemos escuchado música en inglés sin entender «ni papa» y nos ha gustado igual, la hemos escuchado igual. Así que ya es momento de enterrar completamente el discurso de rechazo a la propia cultura.
¿Cuáles son los próximos pasos de Tesa?
Aunque a «Rural» aún le queda vida y quiero seguir presentándolo, la verdad es que también tenemos en mente algún nuevo tema en mente, en el cual la cultura del yo será la víctima. Lo cierto es que tenía muchas ganas de sentarme a escribir, porque es algo de lo que disfruto y el pasado año apenas tuve tiempo de hacerlo.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Complicado, no sabría qué decir [risas]. A ver, no sé, tampoco lo considero una locura, porque algo que haces con pasión y desde el corazón, locura no es. Sí que es cierto que la música se ha convertido en una de las prioridades de mi vida y es algo a lo que le dedico muchísimo tiempo.
Después de haber sorprendido el pasado año con su «Nunatak y el tiempo de los valientes», con el que nos dieron una lección en toda regla, desde Cartagena regresan de nuevo Nunatak. En este caso, con una aventura nueva: «Nunatak y las flores salvajes». Un cuarto disco en el que evolucionan, se hacen mayores y su personaje da un paso más. Como ellos.
Aprovechando este recién lanzamiento, hace unos días nos sentamos con Adri, vocalista de la banda, y esto es lo que nos contó sobre Nunatak. Mucha atención.
¿Cómo surge el concepto de este «Nunatak y las flores salvajes»?
Pues estuvimos mucho tiempo dándole vueltas, sobre todo a la idea de si hacíamos un disco conceptual o si preferíamos seguir con la trayectoria de los anteriores discos; de si seguíamos un poco con la estela o si nos liberábamos un poco y hacíamos canciones, cada una de una temática. Y al final, hemos hecho un híbrido. Entonces sí que hay un concepto que está presente en el disco, en el nombre y en algunas canciones. Pero el grueso de ellas. no siguen un único hilo conductor. Lo que hemos querido representar con «las flores salvajes» es la idea de buscar la belleza en lo auténtico y en lo imperfecto, sin centrarte tanto en detalles como la foto perfecta de Instagram o el «sold out» en determinada sala. Este disco aboga por la belleza de la mediocridad y de la imperfección.
El amor, la familia o la situación política son algunos de los temas que aparecen en el disco, ¿crees que la música debería rescatar aún más este tipo de temáticas más cotidianas?
Yo siempre lo he visto así, aunque creo que la música no parece demandar eso. De hecho, la música que más se consume habla de cosas muy superfluas y muy banales. Y a nosotros, nos gusta consumir un tipo de arte un poco más trascendental, que tengan más poso, que te hagan reflexionar o que te emocionen. Sí que creemos que la música debería dejar un poco más de hueco y debería invitar más a pensar cómo van las cosas y reflexionar.
El álbum vio la luz en octubre, ¿cómo está siendo la acogida?
La verdad es que está siendo muy buena. De momento, no hemos tenido demasiadas ocasiones de presentarlo en directo, pero por redes sociales, la gente nos está diciendo cosas muy guays, los medios de comunicación nos están diciendo cosas buenas y nuestros colegas también, que eso es muy importante [risas]. Ahora a ver qué tal va funcionando en directo, aunque creemos que la gente reaccionará de manera positiva, porque las sensaciones son muy buenas.
Fotografía: Lourdes Martínez
Hablando un poco del concepto de este disco, observamos mucho la presencia del «Nunatak y…» en los títulos, como si se tratara de una saga muy cinematográfica o literaria. ¿Por qué apostar por esta fórmula?
Nosotros somos muy cinéfilos y seriéfilos, aunque sí que es cierto que somos malos lectores. Pero al final, todo esto viene muy del rollo sagas, que nos encantan. Así que nos imaginamos a Nunatak como un personaje que vive aventuras y, por decirlo de alguna manera, en cada disco pasa por unas diez pruebas, que le hacen cambiar, evolucionar, crecer. Aunque en este disco ya se ha hecho mayor y, como nosotros, se enfrenta a la paternidad [risas], porque en Nunatak han nacido tres niños en el último año.Y, bueno, es un poco el reflejo de nosotros mismos plasmado en Nunatak y una aventura.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Nunatak y las flores salvajes»?
Pues fue todo muy rápido, porque sacamos en marzo de 2018 «Nunatak y el tiempo de los valientes». Después del verano, vio la luz el primer single de las «Sesiones Valientes» y ya en 2019, salió el último de estos singles. Además, coincidieron en el tiempo la grabación de la última colaboración con Carlos Sadness y la de «Creéme», primer single de este nuevo disco. Así que ha sido todo una locura de solapamientos, de ir con la lengua fuera, de correr. Pero estamos muy contentos con el resultado. Aunque pensaba que no llegábamos [risas]. Ahora cuando pase un poco de tiempo, podremos analizar más fríamente.
En este trabajo, habéis vuelto a trabajar con Raúl de Lara. ¿Cómo ha sido la experiencia?
Pues muy bien, la verdad. Con él tenemos ya un vínculo muy especial creado, ya nos conocemos y sabemos por dónde quiere ir cada uno. Así que ha sido muy fácil y muy agradable. Además, trabajar con Raúl es un placer porque es un máquina y siempre tiene soluciones para todo. Se ha sumado al carro y ha estado dándolo todo con nosotros, a pesar de los tiempos tan ajustados que teníamos.
Además, Jorge Guirao de Second también ha colaborado en este disco. ¿De qué manera lo ha hecho y cómo surge?
Pues precisamente hablando con Raúl, le comentamos que queríamos darle más peso a las guitarras. Entonces él nos propuso contar con Jorge, que es el mayor friki del universo en lo que se refiere a guitarras y también de teclados. Pero principalmente de guitarras. De hecho, tiene un arsenal increíble y se lo trajo al estudio. Meterlo todo nos llevó un buen rato [risas]. Así que, bueno, entre él, nuestro guitarrista Gonzalo y Raúl han ido canción a canción, mirando qué efectos se les puede meter. Ha sido un trabajo muy chulo de orfebrería, que creo que se nota y se va a notar.
De hecho, si bien es cierto que seguís teniendo ese sello folk tan Nunatak, pero empieza a observarse un cambio en cuanto a potencia de sonido. ¿A qué se debe eso y cómo surge?
Pues teníamos muchas ganas, la verdad. Sí que es cierto que en el anterior disco ya empezamos a meter un poco más de empaque de guitarras. Y ha sido así porque hemos tenido una evolución muy progresiva: comenzamos de manera muy acústica y, poco a poco, hemos ido derivando a la electrónica. Y en este disco, sí que hemos eliminado un poco lo que son los vientos y las cuerdas, que solo están en un tema, para introducir elementos más eléctricos, para darle más fuerza y más contundencia. Y es algo que se notará en los directos. De hecho, yo que siempre estoy acostumbrado a tocar la guitarra acústica, voy a dejarla más y voy a empezar a coger la eléctrica. En definitiva, estamos muy contentos con este cambio, porque queremos empezar a mostrar una cara nueva de Nunatak.
¿Cómo afrontáis el momento directo?
Pues con muchísimo trabajo, hemos currado como cabrones para llegar. De hecho, los conciertos de Valencia y de Barcelona fueron los primeros de esta gira y aunque estaba la cosa súper ensayada, los nervios se notaban, estaban ahí.
Una canción que defina el momento en el que estáis.
«Ya he ganado», de Nunatak.
¿Por qué?
Porque estamos en un momento en el que hemos trabajado duro, hemos remado muchísimo y aún no ves la luz del camino y te sientes un poco frustrado, porque piensas que no llegas. Sin embargo, últimamente me han pasado cosas en la vida que me han hecho darme cuenta de lo que es verdaderamente importante.Y como esa parte de mi vida está cubierta, me siento tranquilo.
Un escenario en el que tocar por primera vez.
En el de MadCool estaría muy guay.
Un escenario al que volver.
A la Plaza del Trigo del Sonorama. O al BBK, que también es la hostia.
Un artista o banda con el que compartir escenario.
Con Bon Iver o con Foo Fighters.
Próximos pasos de Nunatak.
Pues ahora estamos inmersos con esta nueva gira de salas, con la que paramos en Navidad peri que retomaremos a partir de 2020 con muchísima fuerza y energía.
La mayor locura que hayas cometido por la música.
Pues haber tenido un hijo y estar de promoción [risas].
Tras habernos enganchado con el lanzamiento de su álbum «In The Real World», Álex Serra vuelve a sorprendernos con el lanzamiento de su single «Human», incluido en este último trabajo. Una inspiración de Kampai Dance Co junto con Alex Serra y Anitta Moon, y filmado y editado magistralmente por Marc Costa.
Muy en la línea de este «In The Real World», «Human» nos muestra un profundo mensaje: el de cambiar el foco de atención de la cabeza al corazón. Una manera de silenciar el ruido mental, a la par que se conecta con la danza, un campo primordial que nos une a todos los seres humanos del planeta. De esta manera, Álex Serra continúa con su imparable camino, dando pasos firmes y sólidos gracias a este álbum debut. Y es que este nuevo videoclip vuelve a demostrar que el artista catalán es un artista comprometido y honesto, tanto lírica como musicalmente. Un viaje sensorial a través de la imagen, la danza y el sonido.
El videoclip de «Human» se filmó en la Reserva Natural de Dunas de Maspalomas, en Gran Canaria. Un paisaje que complementa el mensaje y que ha ayudado a plasmar perfectamente la intención de Álex Serra en el momento de hacer la canción. Además, para la creación del mismo clip, ha contado con la participación de todo un equipo de profesionales y de artistas. Dirigido por Alex Serra y Anitta Moon, con la cinematografía de Marc Costa, el arte visual de Na Lua, la producción de Gaby Francisco, la fantasía de los bailarines de Kampai Dance Co:Pau Arnal, Kenya Sauer, Manel Cabeza, Irene Baeza, Guillem Ripoll y Antonio León, y la aparición estelar de Keyo y Oshe los guías de las plantas.
En paralelo a esta lanzamiento, Álex Serra continúa presentando «In The Real World» en multitud de lugares. Y es que el próximo 23 de enero, el catalán visitará el increíble Bardot Madrid, donde una vez más, nos hipnotizará con sus sonidos envolventes y galácticos.
Así y todo, probablemente, una de las grandes sorpresas (y una de las bandas que no nos perderíamos por nada del mundo) ha sido la de Kraftwerk. Los alemanes vuelven a visitar España, con un espectáculo único, con el que ya llevan girando un tiempo por todos los rincones del planeta: «Kraftwerk 3D». Sin duda alguna, fueron los pioneros de la música electrónica, allá en los años 70. Supusieron una auténtica revolución que, poco tiempo después, ya había alcanzado reconocimiento mundial: por su música renovadora, por su gran capacidad de experimentación y por la innovación en las nuevas técnicas que implementaron. Kraftwerk han marcado un antes y un después, creando así, la banda sonora de todo el panorama electrónico del siglo XXI. Y, ahora, volverán a poner la escena patas arriba con su nuevo show en 3D.
Conociendo a Bifannah
¿Qué encontraremos en esta nueva gira?
