Sara Curruchich está aquí de vuelta con nuevo tema y videoclip, del tema «La Siguanaba». Una canción que alza la voz en defensa de la mujer, un himno en pro de la igualdad de derechos y en contra de la violencia. Y es que esa es la propia esencia de Sara, es la propia representación de la lucha, del poder. Y más en Guatemala, donde ser mujer es un auténtico acto de resistencia y de rebeldía. Ser mujer maya kaqchikel y artista es, en sí mismo, una declaración política, pero también un gesto radical hacia la vida.
Un acto de empoderamiento que la misma artista traslada a su música, siendo la primera cantautora indígena guatemalteca en llevar sus cantos a nivel internacional en kaqchikel, su idioma materno, y en español. Y bajo este concepto, vio la luz su álbum debut «Somos». Un verdadero tejido sonoro de canciones sembradas e hiladas para aportar luz a la lucha por los derechos de las mujeres indígenas, los pueblos, la tierra y la diversidad del mundo. Un cántico en contra del racismo, la violencia y las injusticias. Un grito de amor, de resistencia y de ternura. Concebido con la inestimable ayuda de Gambeat (productor) y la colaboración especial de Amparanoia, «Somos» baila entre diferentes géneros como el rock, el folk y la música tradicional maya kaqchikel.
Sara Curruchich, artista y referente
Aunque ha irrumpido recientemente con su álbum debut, lo de Sara Curruchich es auténtico talento. Un talento que demostró el pasado mes de marzo sobre el escenario del Zócalo de la Ciudad de México, durante el Festival Tiempo de Mujeres, en el marco del Día de la Mujer. Del mismo modo que también actuó en suelo azteca en el Foro del Tejedor, un popular escenario musical ubicado en la Colonia Roma. Además ya ha sido reconocida como Artista Revelación por la Fundación Dante Alighieri en 2015, y, en la misma categoría, en los Premios Estela en 2017. Carrera extensa, plagada de música y de éxitos.
Es una de las grandes referentes femeninas del panorama musical internacional. Ella es la eléctrica, potente y activista Ana Tijoux, que llega este mismo sábado 17 de octubre directamente desde Chile hasta España. Madrid acogerá uno de los conciertos de la talentosa rapera, compositora, letrista y arreglista chilena. Y es que, para quien todavía no lo sepa, Tijoux actuará en el Círculo de Bellas Artes, en el circuito musical Frontera Círculo.
Ana Tijoux como referente musical
La conocíamos junto a su banda de rap Makiza, con la que luchaba activamente contra el régimen militar chileno. Sin embargo, poco después pegó el salto en solitario. Era el año 2007, y su discurso, su lucha por el feminismo y su activismo permanecían intactos. Una base en la que se ha sustentado toda una carrera que no ha hecho más que cosechar éxitos: cuatro álbumes de estudio, un Latín Grammy (2014) y varias nominaciones en los MTV Awards, MTV Video Music Awards, Indie Music Awards y Premios 40 Principales. Sin olvidarnos de un quinto trabajo discográfico y un primer libro de poesía en camino.
El ciclo Frontera Círculo
Frontera Círculo nace como sello en 2009, con la intención de abrir las puertas del Círculo de Bellas Artes a esa música fronteriza e independiente que transita en paralelo a los canales convencionales de producción, distribución y exhibición musical. Desde ese momento, el sello no ha dejado de evolucionar hasta este momento, generando tras de sí todo un movimiento y todo un circuito que trata de acercar al público a unas propuestas musicales mestizas, fronterizas, variadas. Una especie de festival en patito comité que este año, contará con la presencia de nuestra querida artista chilena o la de Susan Santos.
Así que sin más dilación, recordamos que este sábado 17 de octubre tenemos cita en el Círculo de Bellas Artes con Ana Tijoux. Si no tienes tu entrada todavía, ¡corre! Puedes conseguirla en Eventbrite (puedes pinchar aquí).
La entrevistamos hace poco más de un año en Madrid, cuando cruzó el charco para presentar su álbum debut, llamado «Popular». Se trata de la talentosa artista argentina María Campos, que nuevamente está de estreno. Y es que recientemente ha visto la luz su nuevo trabajo, «Santo Entendimiento». Un trabajo lleno de canciones escritas desde las entrañas, de las propias experiencias de la cantautora que, además, se está alzando como una de las figuras más relevantes de su país. Y es que no solo ha puesto banda sonora y sintonías a una gran multitud de series televisivas; también colaboró con Fito Páez, con quien compartió escenario, convirtiéndose en una de las grandes experiencias de la cantautora.
Mujer fuerte, mujer que canaliza lo vivido en música y papel, mujer que en lugar de llorar ironiza, justiciera emocional, niña y madre, madre y niña. Esencia y personalidad que ha vuelto a volcar en este «Santo Entendimiento», igual que ya hizo en su primer «Popular». Sin embargo, en estas nuevas canciones que presenta se ha atrevido a experimentar con nuevos sonidos, yendo un paso más allá si cabe. De esta manera, en este disco conviven en armonía géneros como el rap, la payada y el folklore. Pero todo ello sin dar de lado ese esencia tan suya: os estribillos melódicos y las letras con ironía. Un disco que merece la pena ser escuchado, aunque de momento no puede sentirse en directo, ya que el coronavirus ha frenado todo el panorama musical. Y más en Argentina, donde aún continúan en pleno confinamiento (desde hace ya más de cinco meses).
Un verdadero ciclón dentro y fuera del escenario. Una artista de los pies a la cabeza, a la que hemos tenido la oportunidad de entrevistar de nuevo. Eso sí, por videoconferencia. Aún así ha sido muy buen punto para acercar, un poquito más, dos países como España y Argentina.
La Sala Rockville de Madrid tembló el pasado miércoles 7 de octubre al ritmo de Cives. No estuvieron solos tampoco, pues compartían cartel con el músico y compositor Marc Wile. Una cita ineludible, un acierto total el haber acudido. Y más en los tiempos que corren, en los que es más que imposible que un concierto salga adelante y no se cancele. Pero ellos salieron adelante, consiguiendo a su vez, enganchar y arrasar con todo el público; además de quemar toda la ciudad.
Pero, ¿quiénes son Cives?
A golpe de rock noventero y ciertos toques pop, Cives nació en el corazón de Madrid en 2018. Era el surgimiento de una nueva banda, pero con la experiencia y el recorrido de quien ya ha estado previamente sobre los escenarios. Mucha carretera y muchos conciertos llevaban ya a sus espaldas todos y cada uno de los miembros de esta nueva formación.
Sin embargo, con Cives ya en marcha, Bea Lacher (guitarra), Jara Carrasco (voz), Carlos Bravo (bajo) y Josu Fernández (batería), comenzaron a trabajar, comenzaron a marcar la incipiente senda de la banda, que dio sus primeros coletazos con los singles que lanzaron a finales de 2018: su particular versión del «Bella Caio» y la canción «No Pido Nada». Primer paso que, poco a poco, fue dando forma a «Incendio», el EP debut de los madrileños. Trabajo concebido bajo los mandos de Diego Gila y que irrumpe, de manera muy potente en el panorama: y es que no solo han tenido oportunidad de presentarlo en diferentes escenarios, con él también han conseguido una merecida nominación en los Premios MIN.
Actualmente, aunque se encuentran trabajando en su próximo álbum, Cives no ha perdido la oportunidad de seguir presentando «Incendio», aún con la complicada situación que está viviendo la música. Y aunque el de la Rockville haya sido uno de los pocos conciertos de 2020, ha sido una auténtica sorpresa.
Rock psicodélico con tintes surferos. De esta manera se presentan los barceloneses Sons Of Med, que acaba de lanzar «Summer Dreams», segundo adelanto del que será su álbum debut, tras su aclamado hit «I Was Wrong». Una manera de prepararnos para lo que viene y que verá la luz a principios de el próximo 2021.
¿Cómo nace este último «Summer Dreams»?
Estábamos en pleno confinamiento cuando la banda capitaneada por Ignasi (voz), Kamy (batería y teclados) y Carlos (bajo) empezaron a concebir este nuevo single con el que acaban de irrumpir. Un nuevo golpe con el que demuestran ese nuevo rumbo que están adquiriendo y que baila entre el rock piscodélico al que nos tenían acostumbrados, y un nuevo género al que podríamos denominar surfidelia. Un tema que nace como acto de rebeldía, en medio de una situación en la que nos sentíamos ahogados entre las cuatro paredes de nuestras casas. Un himno que pretende dar una perspectiva positiva a pesar de todo. Y como no podía ser de otra manera, «Summer Dreams» ha adquirido una nueva dimensión gracias a la producción de Carlos Dueñas de Arctic Sessions.
En este nuevo viaje en el que se han embarcado con «Summer Dreams», no han querido perder la oportunidad de presentar el videoclip de esta recién estrenada canción. Un videoclip completamente idílico que plantea esa increíble necesidad de mirar más allá de tus problemas y preocupaciones, frenando y desacelerando el paso en el que estamos sumidos día día. Y es que «los sueños de verano están para eso, para vivirlos, sentirlos y crecer en el camino».
De manera paralela a la presentación de estos avances y de la inminente llegada de su debut, Sons Of Med han tenido la oportunidad de dar algunos pequeños conciertos. Así es como el 2, el 9 y el 10 de octubre actuaron en Madrid, La Roca del Vallès y Barcelona, respectivamente. Mientras que el 16 de octubre pasarán por Oviedo (Lata de Cinc) y el 17, nuevamente por Madrid (en este caso por la Costello).
La Red Bullet está de vuelta con nuevo disco que, a ritmo de post-rock, inundó nuestras vidas el pasado viernes 2 de octubre. «Mariner Eleven» es ya nuestro y, lo cierto, es que esconde una maravillosa historia detrás. Aprovechando todo eso, hablamos con los hermanos Muerza justo el día de antes de que este tercer trabajo de estudio de los de Navarra, viera la luz. Pasad y leed.
¿Cómo surge el concepto de «Mariner Eleven»?
Bueno, te contaré un poco cómo nace la agrupación de estas canciones. El grupo estaba experimentando un parón tras la publicación de nuestro anterior disco, «Origin Of Seeds». Desde ese momento, tuvimos un par de años para darle vueltas a cosas que teníamos en la cabeza, a composiciones que ya teníamos. Todo para darle forma a este nuevo álbum, que en lo instrumental es bastante conceptual. Lo que nos quedaba era darle una forma estética, un empaquetado final. Luego, a nivel de letra, para que todo tuviera un peso, lo que se nos ocurrió fue crear una historia que involucrase a un padre y una hija que viven en la tierra y que se tienen que trasladar, porque el planeta está ya en las últimas. Así que pensamos en ese hilo conductor, para aprovechar y hablar de la naturaleza, de la relación padre e hija y para hablar de lo que nos espera si seguimos por este camino.
De hecho, hablando del hilo conductor de «Mariner Eleven» quería ahondar un poco en el tema crítica, en el hecho de dar un toque de atención si seguimos haciendo lo que hacemos con el lugar en el que vivimos
Sí, sí. De hecho, desde nuestro primer disco, siempre hay una parte en la que aprovechamos para hablar de naturaleza, y de tratar y valorar más lo que tenemos. Y este sigue un poco la misma línea. Las letras, la verdad, es que no son demasiado largas y ninguna tiene un significado muy claro. Pero el contexto que le queríamos dar era ese, que hay que valorar lo que tenemos, ser conscientes de lo que supone hacerlo y saber qué es lo que perderíamos si no lo cuidamos. En este sentido, nos gusta que las letras tengan un poco de ambigüedad, para que tengan una libre interpretación. Creemos que todas tienen una intención concreta y, encima, le hemos dado toda esta historia de trasfondo. Pero nos gusta que estén abiertas todas.
¿Cómo ha sido el proceso creativo y compositivo de este trabajo?
La parte compositiva siempre suele ser entre todos, ya que cada uno va llevando una idea y la vamos desarrollando conjuntamente. Y somos de los grupos que tiene toda la base melódica y en base a eso, vamos encajando las voces que nos van saliendo. Algunos lo hacen al revés, pero nosotros somos más de ver dónde nos encaja la voz y en función de eso, también vamos creando la letra según lo que nos pida la propia canción.
¿Cómo afrontáis el lanzamiento?
Pues va a ser un poco raro por la situación que estamos viviendo, porque claro, no tenemos en mente hacer gira ni nada. Aunque entre finales de año y principios del siguiente, vamos a intentar hacernos un poco de hueco, a ver si las circunstancias nos permiten hacer alguna presentación. Pero en principio, el lanzamiento de «Mariner Eleven» será en redes. Y en base a eso, llamar a todas las puertas posibles y ser escuchados. Va a ser todo bastante extraño. Pero con muchas ganas, porque hay temas ya muy desarrollado, después de dos años dándole forma al disco.
En base un poco a esta situación vivida, ¿cómo os ha afectado el confinamiento y qué ha supuesto para la banda?
A nivel musical, puede que haya sido hasta positivo en confinamiento. Obviamente, no nos podemos alegrar, pero a nosotros nos ha servido para asentar toda la grabación, que ya la teníamos hecha desde el año pasado, y poder revestirlas, darles una vuelta. Y la verdad es que es la primera vez que presentamos un disco tan trabajado, tan vestido.
También es verdad que el confinamiento ha supuesto una cosa para cada uno. A nivel personal no ha sido fácil, pero está claro que de los reveses personales se aprende. Y a raíz de eso, la creatividad se ha multiplicado, lo cual ha sido positivo para la banda. Nos alimentamos de la tristeza (risas).
¿Y cómo ha sido la experiencia de autoproducir el disco y de trabajar ese aspecto desde dentro?
Pues ha sido brutal la verdad, y lo cierto es que no nos habíamos atrevido hasta ahora. Nos metimos de lleno en crear atmósferas, en hacerle cirugía a las canciones, más allá de lo que tocamos en la sala de ensayo. En ese aspecto, este disco sí que marca un origen: ya no somos cuatro instrumentos, gracias al trabajo, las canciones son proyectos más amplios, en los que te imaginas las atmósferas y las capas que puedan tener los temas. Y los siguientes discos, seguramente sigan por esa estela.
Justo antes de ver la luz el disco, pudimos escuchar dos de los temas: «Black Walter» y «Maybe Out There». ¿Por qué estos temas como avanzadilla?
«Black Walter» era la que más teníamos trabajada desde hace muchos años y era la carta de presentación del disco, porque es donde más tiempo y cariño hemos metido los cuatro. Además, creemos que es el tema que marca un poco la diferencia y la que marca un poco en nuevo camino de la banda, ya que en esta, han tenido mucha más presencia las voces, respecto al disco anterior.
Y «Maybe Out There» la publicamos para que se sepa que todavía mantenemos la esencia del disco anterior: esa progresión y ese post-rock que ya destacaban en «Origin Of Seeds».
¿Qué canción de La Red Bullet identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
Borja. Creo que por un lado está lo que la propia letra cuenta y por otro lo que transmitan. En este momento, yo me quedaría con «There Flor Walls», pero más a nivel instrumental. Pero ahora mismo, es una canción que destacaría y que pondría como DNI de este disco. Luego está «10 Minutes Away», que es la que representa un poco el camino que llevamos y que vamos a continuar.
Nacho. En mi caso sería «Deep», por el contraste entre una primera parte de canción más sosegada y tranquila, y una segunda parte más intensa.
Borja. Yo también diría «Deep», porque en este caso es en la canción en la que hemos intentado hacer algo más nuevo o que está menos trillado por nosotros. Tiene algo diferente, porque es la que salió al final y por partes, así que es la que menos hemos podido escuchar.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Pues probablemente coger una furgoneta e irnos al confín de Galicia y tocar en un pueblo perdido, para el dueño del bar y sus 10 habitantes. Para nosotros fue como el punto álgido de la banda, ya que nos regaló muchas experiencias. ¡Un abrazo a Bueu! Bueno, otro concierto que debemos mencionar, es el que hicimos en un búnker en Burdeos. Casi todas las grandes locuras nos las ha dado la carretera. Aunque arruinarnos también ha sido muy loco (risas).
Malos tiempos para la música en directo, a la que le cuesta levantar cabeza tras la crisis provocada por el coronavirus. Y es que no hemos dejado de ver cómo caían conciertos o se posponían giras. Entre ellas, la de Larkin Poe, a las que deberíamos haber visto este mismo 2020 o, a las malas, a principios de 2021. Sin embargo, este acontecimiento finalmente tendrá lugar a finales del próximo año. O al menos esperamos que así sea y que nada más lo termine impidiendo.
De esta manera, las nuevas fechas en las que podremos ver a las reinas del blues-rock, serán las siguientes: el 12 de noviembre en la Sala Apolo de Barcelona, el 13 de noviembre en la Sala Cats de Madrid y el 14, en la Sala Jerusalem de Valencia. La mala noticia es que el concierto previsto en la ciudad de Santander queda suspendido, por lo que el importe de las entradas se devolverá automáticamente.
Las ansiadas presentaciones por Europa de Larkin Poe
Si algo va a traer esta nueva gira por Europa de las hermanas Lowell es que aprovecharán para presentar sus dos nuevas creaciones. Por un lado, su trabajo discográfico «Self Made Man», que vio la luz el pasado mes de junio, tras un periodo muy complicado de confinamiento. De hecho, en propias palabras del dúo: «La música es un poder puro que en tiempos difíciles puede galvanizar tu corazón y ayudarlo a elevarse; todo lo que tienes que hacer es cantar a la energía curativa de la música». Un disco increíble que llega a ritmo de gospel y blues.
Por otro lado, también llevarán al directo su primer álbum de versiones «Kindred Spirits», en el que se han aventurado a interpretar temas ajenos, en temas que han formado parte de la banda sonora de las hermanas. Un divertimento que siempre han potenciado en su canal de YouTube y que esta vez ha dado lugar a una colección de covers desnudos y crudos de canciones clásicas y también de nuevas composiciones suyas. «Al grabar ‘Kindred Spirits’ nuestra admiración por los artistas que originalmente crearon e interpretaron esos temas floreció en una reverencia aún más profunda».
Con esta perspectiva, las ganas de volver a ver a Larkin Poe solo pueden ir en aumento.
Si ha habido una banda que nos haya cautivado este confinamiento, ha sido DELACUEVA, una de las bandas que participó en nuestras «Píldoras Encadenadas». Un descubrimiento que merece ser escuchado. Y ahora, están de enhorabuena, ya que acaba de ver la luz su nuevo single, llamado «Miente». Una canción a ritmo de funk y pop, pero con una actitud muy rock, que nos prepara para el que será su gran álbum debut. El gran regreso de la banda zaragozana tras sus anteriores temas «El Invierno en las Bahamas», «Quisiera Morderte» junto a Matafuego Club y «Estampida».
El paso al frente de DELACUEVA con «Miente»
«Miente» ha supuesto el regreso de la banda tras la llegada de sus tres anteriores singles. Y, por supuesto, lo han hecho acompañados: y es que no han desaprovechado la oportunidad de aliarse con la cantante, compositora e ingeniera de sonido zaragozana, Erin Memento. Una artista de lo más completa con un gran bagaje: Los Ángeles, España y artistas como Enrique Bunbury, Juan Covarrubias y Revólver Plateado.
Una alianza inquebrantable, cuyo resultado ha sido increíble. Y es que, juntos, han dado forma a esta canción que, en forma de reproche, habla sobre esa amarga sensación de sentirse utilizado, tras un encuentro sexual esporádico. Y, precisamente juntos, han conseguido que este tema adquiera una nueva perspectiva, viajando a través de esa sonoridad funk-disco oscura y fangosa, que a su vez, nos lleva a una atmósfera sexual, densa y pegajosa.
Con este «Miente», DELACUEVA han dado un paso al frente, acercándonos aún más al que será su álbum debut, que verá la luz muy pronto. Un trabajo que empezó a concebirse en noviembre de 2019, gracias al premio con el que se alzaron en el certamen Ambar Z Music. Un disco que sabemos que se convertirá en discazo. Mientras tanto, seguiremos disfrutando de la música de los zaragozanos.
La última de sus irrupciones ha sido con la canción «Ahí estás tú», junto al vocalista de La Pegatina, Adrià Salas. Y precisamente con este nuevo single, Paul Alone ha dado un paso más al frente. Toda una declaración de intenciones en la que ambos artistas han creado un tándem increíble, para contarnos una historia de lo más cotidiana: ¿quién no se habrá sentido identificado en alguna ocasión? Ese momento en el que ves a alguien que te gusta, pero no te atreves a dar el paso. Una colaboración de lo más fortuita, que ha terminado siendo verdaderamente increíble, teniendo como resultado un tema que arranca sincero y tímido, pero va creciendo a ritmo del ya característico sonido de la guitarra rumbera de Paul.
Sin embargo, el talento y la carrera de Paul Alone vienen de lejos. En apenas un año, nos ha sorprendido con sus diversos singles: «Bailao yo voy», «No me rayes» y «Vuela»; y, por supuesto, con su mini EP, que vio la luz en 2019, y que lleva por título «Loca Locura». Además, durante esta cuarentena, lo hemos visto participar en la canción «Quiero abrazarte, cuando todo acabe», enmarcada en el proyecto «Yo me corono», impulsado por su buen amigo, el artista Lucas Colman. Sin duda alguna, Paul Alone es un artista completo, incapaz de reprimir su creatividad ni de esconder sus miedos y curiosidades. Un enamorado de la vida, un cóctel humano atado a la belleza en toda su expresión.
Hace algunos días, tuvimos la oportunidad de charlar un ratito con Paul Alone a través de videollamada. Lo cierto es que fue un auténtico placer, ya que pudimos conocer un poco más al artista. Precisamente, la charla ya la tenemos subida en nuestro canal de YouTube. Así que si quieres saber lo que nos contó, solo tienes que darle al botón de reproducir.
Macaco y Babi se alían, para dar banda sonora a la película «No Matarás», protagonizada por Mario Casas. Y lo han hecho de la mejor manera posible: publicando el tema y el videoclip de la canción «Me Matarás». Se trata de pieza original escrita especialmente para la película y producida con sonidos retro-actuales, un downtempo oscuro y épico para amplificar el ambiente perturbador del metraje. Tema de lujo, para una película de lujo, que llegará a todos los cines el próximo 16 de octubre, tras su exitoso paso por el Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya (Sitges).
¿Qué encontraremos en el film «No Matarás»?
Dani, un buen chico que durante los últimos años de su vida se ha dedicado exclusivamente a cuidar de su padre enfermo, decide retomar su vida tras la muerte de éste. Justo cuando ha decidido emprender un largo viaje, conoce a Mila, una chica tan inquietante y sensual como inestable, que convertirá esa noche en una auténtica pesadilla. Las consecuencias de este encuentro llevarán a Dani hasta tal extremo, que se planteará cosas que jamás habría podido imaginar.
Bajo la producción de Filmax y con la colaboración de RTVE, Televisió de Catalunya y Movistar+, la película se centra en el personaje interpretado por Mario Casas, que a su vez, está acompañado por la debutante Milena Smit, Elisabeth Larena y Fernando Valdivielso. Un inquietante thriller escrito por el director manresano David Victori, Jordi Vallejo y Clara Viola.
La ascendente carrera de David Victori
David Victori irrumpió tras resultar ganador del Festival Internacional de YouTube en 2012, entre 15.000 participantes. Un hito al que, poco después, se sumaron otros como su aparición en las revistas Variety y ScreenDaily, como uno de los directores más prometedores de los próximos años. Y así es como, poco a poco, alzó el vuelo, con películas como «El Pacto», «4 Cats», «Reacción» o «La Culpa». Así hasta día de hoy, que se encuentra trabajando en la serie «SkyRojo» (de los creadores de «La Casa de Papel» y «White Lines»).
Espejito, espejito, ¡¿Dime qué coño ha pasado?! ¿Quién es la persona que tengo delante? ¿Qué pretende y por qué me mira como retándome a derribar todo lo que yo sabía?
¿Quién no ha tenido este tipo de debate consigo mismo cuando se ha mirado en el espejo? Especialmente en estos últimos meses, que han supuesto una auténtica crisis, ya no global, también personal. Un duelo con uno mismo, un cambio de paradigma. Eso mismo es lo que plantea Señor Suerte en sus dos nuevos singles de adelanto: arranca con «Espejo de Vapor», en el que nos plantea ese lienzo en negro, esa discusión interna que todos atravesamos en algún momento; y cierra con «No soy lo que ves», tema en el quedistintos estados de ánimo, siendo a su vez una de las canciones más reflexivas del artista.
Porque el camino descrito no es en absoluto unidireccional, serpentea por diversas sensaciones y altibajos que todos reconocemos si echamos un poco la vista atrás.
Tanto la cara A como la cara B de este pequeño EP que vio la luz el pasado 25 de septiembre, formarán parte de «El Infierno», el que será el álbum debut del barcelonés Josep Vilagut, alter ego de Señor Suerte. Un trabajo concebido durante el confinamiento y grabado en La Masía Music Lab. Un trabajo que, a ritmo de singles y potentes guitarras, nos hace viaja a través de diferentes emociones: desde la consolidación de un nuevo camino tras la situación que vivimos y la introspección personal (planteándonos nuestros sueños, nuestras expectativas y nuestros ritmos vitales), hasta el descubrimiento de un nuevo mundo sonoro y lleno de colores, que bien nos puede recordar a los primeros Foals.
Sin duda, si de algo nos hemos dado cuenta recientemente, es del gran talento de Señor Suerte. Así que si tenéis la oportunidad, no dejéis de escucharlo.
Una de nuestras bandas favoritas y gran descubrimiento de los últimos años, está de vuelta. Delaporte están de regreso y lo hacen con «Las Montañas», tema que estará incluido en el nuevo trabajo de estudio del dúo, llamado de la misma forma. Trabajo que se materializará el próximo 16 de octubre.
Sin duda alguna, una larga espera que merecerá la pena. Merecerá la pena porque hemos seguido muy de cerca el proyecto de Delaporte, viendo cómo crecía día a día. Y porque con este videoclip, cuyo making off presentamos en Verdadera Locura, se firma una gran vuelta: una manera de irrumpir de nuevo con la mayor de las fuerzas. El videoclip de «Las Montañas» ha significado un gran paso para Sandra y Sergio, en cuanto a calidad y evolución. Experimentación, nuevos sonidos y trabajo de calidad, tanto musical como visual.
Una nueva etapa de Delaporte, se abre paso con «Las Montañas»
Con ritmo lento y oscuro, «Las Montañas» es una canción que está cargadísima de emociones e intensidad. Con miles de matices ocultos, el single denota una maduración latente en el dúo, que experimenta por nuevos pasajes. Además, supone el resumen perfecto del álbum que está por llegar y cuyo objetivo es superar toda forma de opresión que impide construir una identidad libre, amar a quien quieras amar, y desarrollarte como la persona que quieres ser y con la que te identificas. La subida a una montaña como signo de superación y de lucha contra las fuerzas opresoras.
Videoclip de lujo junto a Eduardo Casanova
Calidad insuperable y trabajo de infarto, junto a un director increíble como es Eduardo Casanova, quien ha cuidado al detalle la fotografía del vídeo. El vídeo perfecto, que nos muestra a una Sandra desnuda y liberada, que no duda en pactar con el diablo, para que le ayude a subir a la cima. Todo ello, mientras se desprende de lazos rosas, que suponen la purificación de toda esa sumisión y opresión a la autoridad.
Hoy, tenemos el enorme placer depresentar el making off de «Las Montañas» en Verdadera Locura, grabado por un gran profesional como es Jaime Massieu. ¿Qué se esconde tras las cámaras? Dale al play y disfruta.
De esta manera, las nuevas fechas en las que podremos ver a las reinas del blues-rock, serán las siguientes: el 12 de noviembre en la Sala Apolo de Barcelona, el 13 de noviembre en la Sala Cats de Madrid y el 14, en la Sala Jerusalem de Valencia. La mala noticia es que el concierto previsto en la ciudad de Santander queda suspendido, por lo que el importe de las entradas se devolverá automáticamente.
