Desde Madrid, llega la propuesta musical de Sophia-C, quienes llevan dando guerra desde 2007, aunque sus integrantes ya venían de otros proyectos musicales y artísticos previos. Desde el principio destaca su sonido ecléctico, asumiendo tendencias que van desde el punk hasta la música electrónica, pasando también por el pop. Teniendo en cuenta este abanico de posibilidades, lejos de la tónica actual de que todos los grupos se parezcan, consiguen generar un sonido personal y reconocible, tanto en lo relativo a la parte vocal como por sus melodías oscuras y las baterías contundentes. Además de la música, esta formación produce de forma independiente sus videoclips y su imagen, atendiendo a su interés por diferentes disciplinas artísticas.
Ya en 2017, fue cuando publicaron su primer EP debut homónimo, con el que giraron y recorrieron múltiples escenarios. Además, a lo largo de este nuevo año, llegará su nuevo e inminente álbum. Al final, la máxima cada vez que hablan de su trabajo: «intentamos devolver a la música la energía, la ilusión y la belleza que nos ha dado desde siempre».
Ahora, solo nos falta poder disfrutar de ellos en directo. Pero tranquilos, porque tenemos la solución perfecta para eso. Y es que este mismo sábado 6 de febrero, actuarán junto a The Clods Band en Siroco Club, listos para celebrar el Aniversario Tres de Music Hunters. El momento ideal para volver a demostrar que la cultura es segura y que la música nunca debe dejar de sonar.
Hace algunos días, charlamos con ellos para que nos contaran un poco más sobre este emocionante proyecto musical. Y la verdad es que fue todo un acierto, porque terminamos siendo totalmente fans de Sophia-C. ¿Queréis adentraros un poco más en su órbita? ¡Pues dadle al play!
«La música es un arma. Las palabras son un arma. La poesía y el amor son armas».
En medio de semanas complicadas, descubrir nueva música es lo único que nos salva y que nos hace recordar que ya estamos más cerca del fin de semana. Es por eso por lo que, hoy, nos adentramos en las entrañas y en el universo sonoro de tres nuevas bandas: Marjei, Elure y Wayne.
Jóvenes, pero con un talento innato. Ellos son Marjei y tienen como lema «amor millenial x fascículos». De hecho, no podríamos haber sido más oportunos con ellos, porque mientras escribíamos este artículo, ellos estaban estrenando nuevo vídeo. O nuevo fascículo, como prefiráis llamarlo. Esto es «Cazafantasmas (fascículo 01)» y suena así. ¡Ojito a esta talentosa banda! Porque llegan pisando fuerte: no solo por esta segunda perla, también por la primera que soltaron hace algunas semanas, «Ladypoma».
Desde Cartagena y con videclip también recién estrenado (apenas ocho horas), llega la banda de rock alternativo Elure con su tema «Diamond Person». Carlota Ágatha, Betsabé Sánchez y Fernando Liarte prometen una buena dosis de potencia y energía, perfecta para ponernos en órbita rápidamente. Al más puro estilo grunge, el trío nos muestra una historia perfecta de autosuperación, tan necesaria en estos tiempos. Historias que, si todo se desarrolla bien, podrán llevar al escenario del Madcool. Sin duda, prometen. Así que, ¡mucha atención!, porque Murcia nos vuelve a regalar otra pequeña gran dosis de talento musical.
Nuevo estreno y nuevo tema bien fresquito, en esta ocasión, de la mano de Wayne. Esto es «La noche del destierro», que se alza como una pura crítica a una práctica que se está tornando cada vez más habitual: la del ensalzamiento desmesurado a un personaje público, esa cabezonería de querer ponerlo en un pedestal, hasta que llega el momento en el que todo cae sobre su propio peso y se desvanece. Es una crítica al poder que ejercemos como opinión pública y de cómo disfrutamos ejerciéndolo. Y, por supuesto, la mejor manera de sacar este tema a relucir, es cantarlo a ritmo de rock alternativo, electrónica, psicodelia y pop.
«¡Oh, la normalidad! Qué ganas de volver a ella. Cobijarnos en la comodidad de la feliz rutina. Disfrutar de lo estupendamente cotidiano, del sabor de lo realmente bueno, de lo que verdaderamente importa. Ya no tenemos que esperar más, al menos desde lo musical».
Los culpables son Normal. Porque lo suyo es pop-rock normal, hecho por gente normal desde un lugar normal…y todo ello, en una situación de plena anormalidad. Formada por Curro Violero (guitarra y voz), Emilio Abengoza (guitarras, teclados y sintes), Eduardo Fernández (bajo), Chemi Sarrión (batería) y Paula Esteban (coros y percusión), la banda comenzó su andadura en 2018, para mostrarnos todo su potencial y talento en forma de canciones, que bien nos podrían recordar a otras bandas como Los Ronaldos, Hombres G, Pereza, Los Rodríguez y Enemigos; pero también a The Beatles, Tom Petty, The Kinks, Fountains of Wayne, Kula Shaker, The Dandy Warhols o Wallflowers, de las que tienen grandes influencias.
Ahora, en medio de toda esta situación, se están preparando para presentar su nuevo trabajo llamado «Cara A». Un nuevo EP, en el que han trabajado con el mítico productor Paco Trinidad y en el que nos invitan a disfrutar de una feliz vuelta a la maravillosa normalidad musical, con estilos, sensaciones y armonías propias de los felices años 80 y 90, pero en pleno 2020. Un trabajo del que ya nos han mostrado el primer avance, bajo el título «Lo que pienso de ti». Pop americano acaobado, suavemente country, como mandan los cánones, que parte de un rotundo e impoluto riff de guitarra que recuerda tanto a los The Wallflowers y a Coque Malla, como a los mejores Hombres G.
Hace algunos días, nos sentamos a hablar con Curro, Emilio y Paula, para que nos contaran todos los detalles de este proyecto musical, todo lo que se avecina y sus próximos pasos. Y atención, porque esto es lo que nos contaron. ¿Quieres saber todo lo que se esconde tras Normal?
Hay terremotos capaces de cruzar fronteras y de acercar kilómetros. Así es como Granada y Madrid pueden fundirse en una, gracias a la potencia y el torrente de emociones que Eskorzo nos hicieron sentir el pasado sábado 30 de enero. Y es que tenían una cita ineludible en el Inverfest. Una cita que se saldó con todo el Teatro Circo Price a sus pies. No era para menos, era el momento de presentar como se mercía, el espectáculo «A fuego suave».
Aunque es cierto que el estar sentados y disfrutar del concierto con mascraillas y distancias de seguridad, fue una sensación de lo más extraña, el poder ver en vivo y en directo a los granadinos, fue un auténtico regalo. Y es que todos y cada uno de sus espectáculos, trascienden lo musical. De ahí que consiguieran hacernos vibrar con este recién estrenado «A fuego suave». ¿Qué mejor manera que presentarlo en esta particular y atípica séptima edición del Inverfest? El Circo Price tembló al ritmo de la música y todo fue culpa de Eskorzo. Incluso todos aquellos que no pudieron acudir, tuvieron la oportunidad de vibrar al son de este «A fuego suave», y es que DX Streaming también llevó el directo a nuestras casas.
Un concierto para no olvidar, en el que volvió a quedar demostrado que la cultura es segura pese a todo. Un concierto para no olvidar, que nuestro compañero A.Makeda retrató de la siguiente manera. Qué mejor manera de bailar que «A fuego suave» con el alma de Granada: Eskorzo. Qué mejor manera de celebrar los 25 años de carrera de esta camaleónica banda, que no ha dejado de sorprendernos a lo largo y ancho de su extensa y exitosa andadura. Y es que, cuando pasen los años, alzaremos la voz y aseguraremos, con todo el orgullo del mundo, que nosotros estuvimos allí.
Era el mes de noviembre cuando publicaron su increíble segundo EP, «Sistemas Inferenciales». Se trata de la banda peruana Satélite Menor, quien ahora vuelven a estar en el ojo del huracán, al anunciar que este mismo viernes estrenan remezcla de «Maisaje», el tema que abre el disco.
«Tu ficción, tu instante perfecto. Yo te quiero, pero, la distancia es mejor».
Con este «Sistemas Inferenciales», Satélite Menor abrieron la brecha y nos invitaron de lleno, a sumergirnos en un intenso viaje sonoro lleno de dreampop melancólico y de reflexiones que evocan a la nostalgia, las dudas, las contradicciones y sobre todo a la reconciliación. Un disco de lo más personal, que ha sido producto del confinamiento, de ahí que se haga tan visible el balance emocional resultante de aquellos días. Las emociones tan particulares juegan mucho con las voces, guitarras, teclados y sintetizadores con los que la banda refleja su estilo oscuro, introspectivo y orgánico.
Producido, como es habitual, por Daniel Quiñones y Mynneza Morales, esta segunda entrega de Satélite Menor busca revalorizar la experiencia musical del disco completo, más allá de los singles, a modo de conceptos que se van sumando en las distintas canciones. «Sistemas Inferenciales» reúne la idea de distintos caminos o formas de análisis para buscar un balance. La portada, apoyada en colores sobrios y modernos, diseñada por Daniel Quiñones, muestra un árbol que representa los sistemas que se entrecruzan para conectarnos con el presente.
Ahora, tras la irrupción de este disco tan personal, Satélite Menor vuelven al ataque con este nueva versión de «Maisaje», a la que seguirán muchas más a lo largo de este año 2021. Y, por supuesto, no hemos podido evitar hablar con ellos y que nos contaran todos los detalles que envuelven este proyecto musical. ¿Queréis adentraros en su particular universo? Pues dadle al play.
«Madrid Brillante nace para demostrar que la música continúa más viva que nunca. Conciertos especiales de nuestros artistas favoritos repartidos por la ciudad y un mensaje claro: Madrid sigue brillando».
Con esta pretensión, con la idea de amenizar y darle vida a la escena musical madrileña desde bien entrado el año, Madrid Brillante nos ha presentado un increíble cartel, reuniendo a nombres como Natalia Lacunza, La Bien Querida, Tomasito, Mujeres, Ana Tijoux, Los Punsetes, La Mala Rodriguez, Kiko Veneno, Cariño o Viva Belgrado, entre muchos otros.
Pero este ciclo aún no ha terminado, todavía tiene muchos momentos que regalarnos. De hecho, este fin de semana, nos traerá a Triángulo de Amor Bizarro al Teatro Reina Victoria de la capital. Que tiemble todo Madrid porque el sábado 6 de febrero llegan los gallegos a la ciudad. Será extraño disfrutar de ellos sentados en una silla y con mascarilla puesta, pero la esencia será la misma. Y es que cualquier cita es buena para presentar, muy especialmente, el último trabajo de la banda, que vio la luz hace casi un año y que casi se llama como ellos: «oɹɹɐzıqɹoɯɐǝpolnƃuɐıɹʇ». Y, por supuesto, para celebrar el Premio Ruido con el que se alzaron hace apenas unas semanas. Un galardón que concede la prensa musical española al mejor disco nacional del año (y que en el caso de los gallegos, es el segundo en apenas seis años).
Sin duda alguna, la de este sábado 6 de febrero es una cita ineludible, a la que ninguno de nosotros deberíamos faltar. Si todavía no tienes tu entrada, rápido, porque quedan muy pocas (consíguelas aquí). Un concierto en horario diurno y a la hora de vermut (apertura de puertas a las 12.00h e inicio del concierto a las 12.45h). ¿Preparados para este nuevo asalto de Triángulo de Amor Bizarro?
Cuando el trap y el neo soul confluyen, tenemos como resultado todo el estilo y el flow que desprende Aiala en todas y cada una de sus canciones. Ahora, ya nos está allanando el camino hacia el que será su nuevo álbum, que llevará por título «2021: an Earth oddity» y verá la luz el 12 de febrero. Por supuesto, hemos podido hablar con ella y esto es lo que nos ha contado.
Para quien todavía no te conozca, ¿quién es Aiala?
Aiala soy yo, Jara Aiala y este es el proyecto que inicié hace ya un par de años. Aunque llevo toda la vida haciendo música, haciendo arte. De hecho, de pequeña bailaba, también me gustaba pintar y, posteriormente, empecé a estudiar música. Durante mucho tiempo también estuve dando conciertos en diversos bares y estuve haciendo covers. Hasta que comencé a sentir la necesidad de crear algo propio. Y ahí nació Aiala, que es mi segundo nombre. A nivel musical, este proyecto es una mezcla de todo lo que yo escucho: desde la música negra más clásica, el rock and roll, el blues o el jazz, hasta el trap, el pop y los sonidos más actuales.
El 12 de febrero verá la luz tu nuevo trabajo, «2021: an Earth oddity». ¿Cómo nace el concepto de este disco?
La verdad es que yo no dejo de crear música, así que justo después de publicar el primer trabajo, continué escribiendo y dándole forma a nuevas canciones. Y llegó el momento en el que tenía ya tantas cosas, que me senté y dije: «voy a ordenar esto un poco». Además, no es que empiece a crear por un concepto en sí. Más bien, me decanto por las letras que más me identifican en ese momento, aunque la canción en sí tenga dos años. En base a eso, a lo que me suena en ese momento, voy buscando un hilo conductor. Y es cuando le pongo música cuando se ve más claro. Posteriormente, en el estudio ya buscamos sonidos más concretos e hilamos a nivel musical. Dándole la puntillita, ya está todo el tema de la imagen, que la definimos al final.
Fotografía: Amparo Marín
¿Cómo has vivido todo el proceso creativo y compositivo?, ¿y cómo ha sido esa búsqueda de un sonido identificativo?
Pues hemos seguido un poco el camino que empezamos a hacer con el primer disco, en el que también trabajé con Chalart58. Pero incorporando todos los aprendizajes que hemos ido sumando. Y es que con el tiempo, tienes las cosas más claras o tienes menos miedo a la hora de experimentar, por ejemplo. Todo eso, te hace llegar a sonidos más elaborados a los que no llegarías de otra forma. Así que, a nivel creativo, ha sido muy divertido. Igual que lo bueno de los directos es el poder improvisar sobre la marcha, lo positivo de las grabaciones es el poder permitirte hacer lo que te apetezca en ese momento. Es como un juego de niños, es el momento de probar lo que te dé la gana y equivocarte.
«Fighting and learning» y «Face to face (Silence)» han sido los dos primeros adelantos, ¿por qué avanzar estas canciones, qué tienen de especial?
Cuando ya teníamos todos los temas grabados, con todas las personas que vinieron al estudio, tuvimos claro que el primer single que sacaríamos sería «Fighting and learning». Primero, porque me parecía muy otoñal (risas) y porque además, nos sonaba a todos super fresco. Hay temas que de la maqueta al disco, cambian muchísimo. Sin embargo, a este no le pasó eso. Realmente, lo único que ha cambiado es que en el estudio sí que estaban todos los músicos con los que grabamos no solo estábamos Chalart y yo. Entonces, suena muy fresco y creo que eso es algo muy difícil de conseguir, y más cuando llevas tanto tiempo trabajando en algo.
Luego está «Face to face (Silence)», porque tiene ese toque reivindicativo a nivel personal. Aquí hablo de esa necesidad del silencio y de estar solo de vez en cuando, porque muchas canciones nacen del silencio. Uno siempre necesita tiempo para pensar, para analizar quién es. Especialmente, en estos tiempos en los que normalmente vamos muy deprisa y apenas podemos frenar.
¿Cómo ha evolucionado Aiala desde «Nothing less than art» y qué supuso para ti este álbum debut?
Yo lo he vivido muy feliz todo, porque la música ha sido para mi una necesidad siempre. Pero también quieres que la gente lo escuche y a la gente le llegue. Entonces, el haber podido presentar este disco en los lugares en los que lo hemos presentado, o el que nos hayan nominado a diversos premios, es flipante. No es algo que yo me esperara, pero precisamente por eso estoy tan agradecida. Es una manera de sentir que reconocen tu trabajo.
Respecto a lo de la evolución, yo creo que evoluciono constantemente. Evoluciono como persona y en mi persona también está la artista, por mucho que intente separar lo profesional de lo personal. Al final, es inevitable, porque somos una. Y es que cuando empecé a trabajar en el primer álbum, tenía 21 años y ahora, tengo 24. Eso me ha hecho cambiar mucho, y todo in contar la pandemia de por medio, que también ha cambiado la manera de trabajar de todo el mundo. Que me gustaría que todo volviera a la normalidad, porque al final mi trabajo son los conciertos y con toda esta situación, está todo parado.
A pesar de toda la incertidumbre en la que estamos viviendo, ¿cuáles son los próximos planes que tienes en mente?
Pues tenemos algunas presentaciones del disco. El 7 de marzo estaremos en Reus, dentro del Black Music Festival (una fecha que ya nos aplazaron el pasado mes de marzo por culpa de la pandemia). El 16, visitaremos la Sala 0 de Madrid, por fin. Y el 17 de abril actuamos en La Nau de Barcelona, que es donde presentamos el primer disco. Todo ello, a la espera de ver cómo va la cosa y de si nos sale alguna fecha más.
¿Qué canción de Aiala identifica mejor el momento en el que estás y por qué?
Pues, ahora mismo, una del próximo disco que se llama «Give Me». Por decirlo de alguna manera, es una canción un poco frenética, que es como me siento yo un poco estas semanas con la salida del álbum (risas).
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
La verdad es que no lo sé, así como locura. Casi todo lo que hago, todo el rato, durante todo el día, durante toda mi vida, es por la música. Vivo por eso, realmente (risas). Mira, en el videoclip de «Fighting and learning» casi me abro la cabeza. Tanto a Sara (la actriz que protagoniza el vídeo) como a mí, nos tuvieron durante la grabación, atadas bajo la lluvia en Monegros. Y en una de esas, que íbamos en la furgoneta que aparece en el videoclip, resbalé y como iba maniatada, casi me abro la cabeza. Y todo eso por la música (risas). Pero bueno, al final, quedó bien el vídeo (risas).
Con una dulzura arrolladora, conocimos a María de la Flor hace un par de años en Madrid. Desde el primer momento, nos enamoró su voz, su estilo, su personalidad. Ese buen hacer y esa manera de llevar el folclore a su terreno. Y así lo ha vuelto a demostrar con su nueva canción, que vio la luz hace apenas unos días. «Vidrieritas» ya está aquí, para convertirse en uno de nuestros temas favoritos. Un tema sencillo, capaz de inundarlo todo con esa sensibilidad tan demoledora que caracteriza a la artista. Y tan solo hemos necesitado la voz de María y el acompañamiento a la guitarra de Josete Ordoñez.
«Temple» está en camino
Con «Vidrieritas», María de la Flor acaba de abrir la brecha y emprender un maravilloso camino hacia su primer EP, su gran debut, que llevará por título «Temple» y que está a la vuelta de la esquina. Un trabajo, que ha sido concebido bajo los mandos del productor burgalés Diego Galaz.
«Vidrieritas» es una canción especial, es la canción perfecta para abrir paso a este nuevo EP. Una canción de lo más personal, que habla de la pasión, de la entrega. «La escribí por todas las veces en que se me abrieron las carnes por querer que otros viesen mi interior y me comprendieran, y por todo lo que ofrecí en ese camino», cuenta la propia María de la Flor.
Por supuesto, este primer tema ha visto la luz acompañado de su respectivo videoclip, que es, sencillamente, maravilloso. Grabado en los espectaculares paisajes de Asturias, María se puso bajo las directrices de Aia Kruse (quien le dio forma a esta joya audiovisual), Néstor Urbieta y Adrián Cores.
Por supuesto, para terminar de dar forma a todo el arte del EP que María de la Flor presentará, se encuentran la ilustradora Andreína Vallés con las portadas del disco y de cada uno de los singles, además del próximo videoclip; y Queralt Guinart con todos los diseños y grafismo del trabajo. Sin duda alguna, este gran debut será la conjunción perfecta entre música y arte.
Iluminando en tiempos complicados. Así regresa Chloé Bird, para inundarnos completamente con «Tu Luz», una canción con la que sigue la estela del primer tema que ya nos presentó y que lleva por título «La Herida». Y es que con estos dos temas, la artista extremeña no solo nos prepara para su próximo álbum, también nos comienza a mostrar una nueva faceta respecto a su anterior trabajo. Una nueva faceta mucho más luminosa y cargada de múltiples universos sonoros. Una nueva faceta en la que regresa a sus orígenes («Un mundo de niños raros», 2017), abandonando el inglés de «The Light In Between» (2018), para pasarse de nuevo al español.
Chloé Bird da un paso más en «La Herida» y en «Tu Luz»
Era el mes de diciembre cuando llegó «La Herida». Un tema que es sinónimo de salto. «Es atracción por el peligro, por el cambio, por el atrevimiento. Chloé Bird ha escrito una canción sobre el desafío, sobre la liberación y el poder del deseo, ya sea físico o espiritual. El riesgo y la adrenalina se visten de gala decadente y vibrante al ritmo de un piano que arde en medio de una celebración».
Casi dos meses después, ha llegado el turno de «Tu Luz». «Un tema que es dulzura, pero también energía. Es paz, pero también fuerza. Un diálogo musical entre la voz y la instrumentación, un juego de claroscuros, de intensidades y de cambios de foco, convierten este nuevo adelanto en una pieza para disfrutar con ojos cerrados y dejarse llevar por esa luz que todo lo inunda».
De esta manera, tanto con «La Herida» como con «Tu Luz», Chloé Bird inaugura una nueva etapa, que adquirirá una dimensión brutal con la llegada de su tercer disco de estudio, que llegará a nuestras vidas dentro de muy poco. De momento, disfrutad de estas dos pequeñas grandes joyas.
Viernes de lanzamiento y no podemos estar más contentas. Desde hoy, el vinilo de «Cuarto de Invitados» de Villanueva, ya está entre nosotras. Una auténtica delicia, que nos enamoró desde la primera escucha, y que ya está disponible en un formato de lo más exclusivo. Y es que el artista, ha querido dar un paso más respecto al digipack, por lo que ha rediseñado y realizado pequeños grandes cambios en esta nueva edición. ¿Queréis saber qué nuevos detalles tiene el vinilo? Pues os los contamos a continuación.
Lo primero que llama la atención es el especial artwork con el que Josete Villanueva ha querido sorprender a sus seguidores más acérrimos. La misma portada, creada por el artista cordobés Félix Espejo, nos muestra la figura de una vaca de origen portugués sentada en una cama y que bien podría ser la habitación que da nombre al álbum. Sin duda alguna, una ilustración muy especial y realizada totalmente a mano.
Por su parte, el interior del vinilo también esconde múltiples secretos. Desde las fotografías y el arte de Mario Miranda; hasta el texto escrito por el propio Josete Villanueva, con el que nos acerca aún más si cabe, al proceso de composición de las canciones.
Como último detalle a destacar, el orden de los propios temas que, por supuesto, no es ni aleatorio, ni casual. Ya desde la reedición que Villanueva nos presentó de «Cuarto de Invitados», podemos apreciar cómo es «Querido Lector» la canción que abre el disco, a modo de prólogo de un libro sonoro, que nos hará recorrer diferentes estados emociones. Todo ello, hasta llegar a «Salvándome la vida», canción con la que pone el broche de oro a este disco redondo. Una canción que ha ayudado a nuestro artista a salir del desastre. Y a nosotros también.
Y es que si una cosa tenemos clara es que este «Cuarto de Invitados» es una joya en estado puro.
Hace ya unos cuentos años, nos declaramos fans absolutas de Club del Río. Sus canciones, su estilo, su personalidad, lo que transmiten y cómo lo transmiten fueron la clave para que se convirtieran rápidamente en una de nuestras bandas favoritas. Desde entonces, los hemos ido siguiendo muy de cerca, vibrando al son de cada una las canciones que han ido regalándonos hasta este mismo momento. Ahora, por supuesto, ellos están de enhorabuena y nosotras, no podemos estar más felices. Y es que en el mes de febrero, verá la luz el próximo disco del septeto madrileño. «Lejos» está a la vuelta de la esquina.
Mientras, allanando el camino y dejándonos con unas irresistibles ganas de más, el Club nos ha sorprendido con los dos primeros adelantos de este inminente nuevo álbum. Primero fue «De una piedra», una canción que desde el minuto 1, nos invitaba a perder el miedo y a actuar antes de pensar. Y fue hace apenas unas semanas, cuando llegó el segundo single, «Arena Cósmica». «Hay una sustancia que atraviesa el universo y nos empapa. La realidad que percibimos con nuestros sentidos nos permite sentirnos parte de esa sustancia y nos conecta a un movimiento infinito. Lo que es grande se convierte en pequeño y lo que está lejos resulta estar más cerca de lo que creemos».
Es así como, con este nuevo trabajo bajo el brazo, también emprenderán una pequeña gira de conciertos que, por el momento, los llevará por diferentes ciudades como Madrid, Barcelona, Sevilla, Valencia, Valladolid o Donosti. Todo a falta de observar cómo evoluciona la situación y de que puedan llegar más confirmaciones.
Para que nos cuente todos los detalles que se esconden tras «Lejos» y para que nos explique un poco cuáles serán los próximos pasos de Club del Río, hablamos con Esteban de Bergia (vocalista y guitarra acústica). Y esto es lo que nos contó.
De nuevo, llega el miércoles, para convertirse en uno de nuestros días de la semana, porque es el día de decubrimientos musicales. Y, por supuesto, hoy os presentamos tres nuevas propuestas musicales. ¿Queréis saber quién se esconde tras cada una de ellas?
Desde el mismo corazón de Valencia, conocemos a Rainkid, quienes acaban de publicar su nuevo single de adelanto «Art Must Be Beautiful». Un tema muy especial que formará parte de su próximo EP, que verá la luz próximamente. Un EP que ha sido concebido en las entrañas de Malamute Studios, bajo los mandos Tono Hurtado, bajista del grupo valenciano Tardor.
Desde Santiago de Chile y preparados para enviarnos directamente al espacio exterior, están Planetario, quienes continúan desgranando su nuevo y reciente EP, «El último verano». Y es que después de presentar sus dos primeros singles, ahora acaban de sumar el tercero, que lleva por título «Vaso de UWU». Tal y como ellos mismos explican, «este nuevo single nos habla sobre el desgaste dentro de una relación y cómo, a pesar de todo, se intentan solucionar las cosas y seguir adelante». Atmósferas acústicas que se entremezclan con sintetizadores, recreando y dándole una nueva perspectiva al synth wave.
A ritmo de power grunge y desde Barcelona, conocemos a Milk. La joven banda catalana ha vuelto a sorprender, en esta ocasión desde las profundidades de los estudios Resilient Records, nos interpretan su nueva canción, llamada «Star One». Una canción especial, con la que bajan las revoluciones y en la que nos muestran una nueva cara respecto a sus dos anteriores temas («Dead Planet» y «Oh Ohhh!!»). Sin duda alguna, estas tres canciones son los adelantos perfectos del que será su nuevo álbum, «Escape From Dead Planet» y que, al fin, verá la luz durante la primavera de este mismo año.
