Con un talento abrumador, Mark Wayne nos enamoró desde la primera escucha que le dimos. Puede que sea por ese estilo tan personal, por su voz o por esa sensibilidad que transmite con cada nota. Pero la realidad, es que está llamado a convertirse en uno de nuestros artistas favoritos. Derrochando potencial a raudales, el artista y compositor de origen sudafricano ha vuelto a sorprender con su reciente composición «Unforgettable», que ha llegado tras su primer single «No Broken Hearts». Dos temas que, a ritmo de pop, R&B, electrónica y soul, nos ha puesta a bailar desde el minuto uno.
La carrera de nuestro particular artista es más bien dilatada. Durante bastante tiempo, ha formado parte de diferentes formaciones musicales. Todo hasta 2017, cuando lanzó su primer tema bajo el nombre de Rocco V: llegaba la era de «Dark Knight». Pero dos años después, en 2019, pegó un salto de gigante, al hacer aparición en la edición española de La Voz, en la que generó un auténtico furor entre público y profesionales. Este hecho, supuso un nuevo punto de partida para el compositor, que se arrancó a continuar presentando sus temas, en esta ocasión, bajo su propio nombre y sello, Mark Wayne. Así hasta este punto, en el que ya hemos podido esccuchar sus dos primeros adelantos: «No Broken Hearts» y el más reciente «Unforgettable», que ya se alza como un canto a la esperanza.
Pero tranquilos, porque esto solo acaba de comenzar: y es que se avecina un nuevo trabajo, un nuevo EP. Por eso, para adentranos en las entrañas de este proyecto, nos sentamos cara a cara con Mark Wayne, para que nos desvele todos los detalles y nos dé un pequeño avance de los que serán sus próximos pasos. ¿Queréis conocerlo mejor? Pues dadle al play y adentraos en su particular universo.
Cuenta atrás activada para nuestra gran cita con Sílvia Pérez Cruz en el Teatro Arniches de Alicante. Y es que tras la llegada de su recién estrenado «Farsa (Género Imposible)», el próximo sábado 20 de febrero, la artista catalana nos acercará un poco más a su obra, gracias a esta gran experiencia en vivo, en la que en esta ocasión, estará sola, sin la FARSA Circus Band. Un especial espectáculo para el que están ya todas las entradas agotadas.
El regreso de Sílvia Pérez Cruz con«Farsa (Género Imposible)»
Descubrimos a Sílvia Pérez Cruz hace ya unos cuantos años, y desde ese mismo momento, nos resultó imposible salir del embrujo de canciones como «Ai, Ai, Ai», «Pequeño vals vienés», «Vestida de nit» «Mechita», «No hay tanto pan», «Cucurrucucú Paloma» o «Gallo Rojo, Gallo Negro», entre muchas otras. Desde ese mismo momento, no ha dejado de sorprendernos con cada composición y con cada concierto, todos ellos repletos de magia y sensibilidad. Y es que todos ellos tienen la capacidad innata de emocionarnos y de hacernos aflorar múltiples sentimientos.
Siempre se ha caracterizado por seguir un estilo muy marcado, en el que alterna composiciones propias e interpretaciones de otros artistas, en las que «trato de crear desde la interpretación», asegura la artista. Sin embargo, ahora ha vuelto a irrumpir con nuevo trabajo, llamado «Farsa (Género Imposible)», y que podríamos encasillar en el primer tipo de álbum. Y es que está repleto de canciones propias, creadas en diálogo con otras disciplinas artísticas como el teatro, la danza, el cine, la poesía o la pintura. Una auténtica joya, concebida entre 2019 y 2020, gracias a la inquietud de Sílvia por mostrar esa dualidad entre lo que se muestra y lo que realmente somos; por visibilizar esa supervivencia de la fragilidad del interior, de lo íntimo, especialmente en estos momentos tan complicados que estamos viviendo. Una época en la que lo que lo que se ve se puede llegar a confundir con lo que se escucha.
Sin duda alguna, un espectáculo que merecerá la pena vivir. Afortunados serán todos aquellos que lo puedan disfrutar el próximo 20 de febrero en el Teatro Arniches de Alicante. Nos veremos a las 19.00 horas allí.
En medio de un extraño panorama, la música sigue siendo nuestro más acérrimo salvavidas. A pesar de todas las restricciones y limitaciones, los conciertos son los únicos eventos capaces de sacarnos de nuestro constante letargo pandémico. La mejor manera de demostrar que la cultura sigue siendo segura. Directos a cuentagotas, que conseguirán traernos a Luis Breay el Miedo el próximo viernes 19 de febrero (a las 19.00 horas) y el domingo 21 (a las 13.00 horas), en la sala Moby Dick Club de Madrid. Una doble cita que a principios de año, se tuvo que ver pospuesta, pero que al final, se celebrarán en el momento en el que la situación sanitaria y metereológica han dado tregua.
Sin duda alguna, y a pesar de esta particular realidad, es la mejor forma de volver a disfrutar de los directos de la formación, que llevaba bastante tiempo sin subirse a un escenario. Pero, ¿de dónde vienen realmente? Fue el compositor quien comenzara su andadura allá por 2012, con la llegada de su álbum «Hipotenusa». Fue tres años después cuando Luis Brea se unió a El Miedo, publicando su segundo álbum, en este caso homónimo. Ya en 2017, se decidieron a lanzar el que es su último disco hasta la fecha, «Usted se encuentra aquí». Tres largos y centenares de escenarios y ciudades, en los que han demostrado todo ese talento que les acompaña, además de afianzarlos como una de las bandas más consolidadas de todo el panorama musical nacional.
Después de todo este complicado proceso en el que Luis Brea nos ha estado sorprendiendo y amenizando la espera con sus particulares versiones, llega el momento del directo. Y es que tras este especial paso por la capital, al que seguirán otras fechas por Córdoba (11 de marzo) y por Sevilla (12 de marzo). ¿Estáis preparados para volver a disfrutar de los directos de Luis Brea y El Miedo?
Hay buenas costumbres que nunca cambian. Como la de disfrutar de la buena música, a manos de una bandaza como lo es Olivia. Y es que están de enhorabuena: hace apenas una semana, vio la luz su segundo álbum de estudio, «Unidireccional». Concebido en las entrañas de los Neo Music Box de Aranda de Duero, entre música, vino y buenos amigos, este trabajo está llamado a convertirse en toda una revolución, en la banda sonora de nuestro 2021. Un trabajo que, a su vez y sin duda alguna, alzará a la banda alicantina como una de las promesas más audaces y potentes de la música independiente española.
Un disco que ha sido producto del trabajo confinado y a distancia, entre Elda y Petrer. Todo ello durante el duro periodo de estado de alarma en el que no podíamos salir de casa. Un método completamente diferente al que estaban acostumbrados, y que ha servido para replantearlo todo y para remover los cimientos profesionales y personales de cada uno: un hecho que se refleja a la perfección en todas y cada una de las canciones. Un hecho que se aprecia en la clara evolución que ha experimentado la formación en este «Unidireccional», que es mucho más potente, eléctrico, rockero y diverso. Y es que, inevitablemente, baila entre diferentes emociones como la melancolía, la nostalgia, el desencanto, la autoafirmación o la esperanza.
Una buena manera de aprovechar un caótico 2020, en el que el mayor aprendizaje de la banda ha sido comprobar que no hay nada seguro en la vida y que, por eso mismo, hay que vivir el momento y la realidad tal cual viene.
«Mucha gente nos ha comentado que estamos locos por lanzar un disco con la que está cayendo en estos momentos. Quizá sea una maniobra suicida, pero creemos que en circunstancias como las que estamos viviendo, la música es más necesaria que nunca».
Tiene una sensibilidad que traspasa fronteras y un disco en camino que estamos ansiosas por escuchar. Desde el corazón de Extremadura, llega la propuesta de la artista Chloé Bird, quien promete regalarnos unas piezas de lo más especiales, tras la irrupción de 2018 de su increíble «The lights in between». Ahora, está de vuelta. Por el momento, nos ha avanzado dos temas mágicos, en los que se aprecia un gran cambio: su paso al castellano. Preparados para sumergiros en «La herida» y «Tu luz», y para conocer el proyecto desde dentro.
¿Quién es Chloé Bird?
Chloé soy yo, que soy compositora y cantante, y además estoy al frente de este proyecto musical desde hace unos cuantos años. En definitiva, me dedico a esta locura que es hacer canciones y compartirlas con el mundo.
Recientemente, hemos escuchado tus dos temas más recientes, «La herida» y «Tu luz». ¿Qué significan estas dos canciones para ti y por qué escogerlas como adelantos del que será tu próximo trabajo?
A mi parecer, el próximo álbum está siendo un trabajo muy redondo y compacto, pero sí que es verdad que toca muchos estilos diferentes dentro de una producción unificada. Para mí, «La herida» tenía que ser el primer adelanto porque era como un golpe en la mesa. Normalmente, se relaciona mi proyecto con algo súper ducle, súper delicado; y «La herida» fue un cambio, en todos los niveles. No solo en el idioma, que es el que más se aprecia a simple vista, ya que anteriormente cantaba en inglés. El tema también tiene ese toque de fuerza, de agresividad, era una canción más rápida, con un beat más rápido y que trata de un asunto, como es el deseo sexual femenino, que a lo mejor no estaba tan ligado a lo que la gente podía esperarse de mí. Entonces sí que me apetecía mostrar ese cambio que estoy experimentando, y «La herida» era el ejemplo más representativo de ello.
Luego, «Tu luz» lo escogí como segundo adelanto, porque es una canción muy especial que, sin embargo, no iba ni a estar en el disco al principio. Y es que la compuse cuando teníamos ya el repertorio del disco cerrado. Pero se la envié a Pablo Lesuit, que es quien está con toda la producción; y a Rubén Candeu, de la ofi, que me dijo: «Chloé, no tienes un tema, tienes un problema» (risas). Al final, entró en el disco y Pablo hizo una producción increíble, que quizás sí que se acercaba más a esa Chloé de otros trabajos: más dulce, más serena. Pero a su vez, para mí era una canción que estaba bastante llena de energía y de fuerza, y que reflejaba muy bien ese nuevo espíritu, ese cambio.
Comentábamos ese cambio que has experimentado en este nuevo trabajo, ¿cómo has vivido todo ese proceso de evolución?
Pues están siendo cambios a muchos niveles. Es algo que estoy viviendo a nivel personal, pero también mundial están siendo un par de años muy particulares, están cambiando todos los esquemas mundiales, la manera de ver el mundo, cosas que pensábamos que nunca iban a pasar están pasando. Todo ese panorama pandémico, todo ese ajetreo están un poco plasmados, porque inevitablemente también me ha afectado a mí. Y después de «The light in between», que vio la luz en 2018, estuve un año y medio sin componer nada. Fue un periodo complicado para mí a nivel artístico y también personal, al no sentirme capaz de asentar las bases, de sentir todos los procesos vitales.
Tras este lapso de tiempo, cuando al fin me vi con las fuerzas de componer y me senté delante del piano, compuse una canción virtiendo todo ese dolor, y lo hice en castellano, salió solo, de manera natural. Fue en ese momento en el que me di cuenta de que me estaban pasando muchas cosas y sentía la necesidad de contarlas en el idioma en el que me estaban pasando. También fue una época en la que estaba leyendo mucha poesía iberoamericana y, de alguna forma, surgió como un torrente. Fue a partir de ahí, de las navidades de 2019 y enero de 2020, que empecé a componer, a componer, a componer. Igual que en la pandemia, que continué con ello, porque necesitaba contar lo que me estaba pasando y cómo lo estaba afrontando. Y eso que yo siempre he sido muy lenta creando, me lo pienso mucho. Así que, de repente, lo que me pasó es que me encontré ante 20 canciones y tuve que elegir cuáles entraban y cuáles no. Normalmente, siempre voy al estudio con el disco sin terminar, con muy pocas canciones que terminaban entrando en el disco, porque si no, no había disco (risas). Pero en esta ocasión, me gustó mucho el poder seleccionar y darle unidad al álbum, con todos estos temas que son muy diferentes entre sí, pero que al final, hablan de lo mismo.
¿Cómo viviste también todo el proceso posterior de meterse en el estudio y trabajar con Pablo Lesuit?
Cuando empezó la pandemia y el confinamiento, yo tenía muchos planes para 2020, como todo el mundo. Tenía muchos proyectos en Portugal, en España, tenía muchos proyectos programados, tenía previsto grabar el disco. Pero todo se vino abajo, tanto mis planes como mi forma de vida, que son los conciertos. Fue un momento drama, de replantearme todo, pero menos mal que tenía la música, para refugiarme en ella.
De hecho, he de reconocer que aunque a nivel profesional no ha sido bueno, a nivel artístico, 2020 me ha aportado muchas cosas, entre ellas el conocer a Pablo Lesuit. Yo no lo conocía de antes, me pasó su música un amigo y flipé en colores, y es que acababa de sacar un disco preciocísimo, justo una semana antes del estado de alarma. Enseguida hicimos muy buenas migas por Instagram, empezamos a hablar de música y, en este sentido, teníamos una perspectiva muy parecida sobre el trabajo. Y me preguntó si estaba componiendo y que, sin compromiso, que si le quería pasar algo para que lo escuchara, sin problema. Creo que me lo dijo, pues por estas cocas que se suelen decir, pero a mí se me quedó en la cabeza. Yo, que soy muy cabezona, se me metió entre ceja y ceja que tenía que ser él quien produjera el disco, y eso que él nunca había producido para otras personas. Así que, se lo dije a Pablo y estuvimos hablando un poco de todos los temas. Estuvo a punto de decirme que no, porque era una responsabilidad muy grande. Aún así, probamos con dos temas del disco, con «La herida» y otro, que no es «Tu luz» (risas).
De hecho, con «La herida» solo se la mandé a piano y a voz, y junto a Sergio Martínez Puga, que es quien está haciendo la co-producción, él me mandó algo muy parecido a lo que es el tema ahora. Y me sorprendió mucho ver cómo habían conseguido tanto, con lo poquito que les mandé. Fue flechazo total, me hizo sentirme totalmente segura y me empujó a seguir adelante. Es cierto que fue complicado el trabajar a distancia, porque él vive en Vigo y yo en Cáceres. Pero está siendo bueno, porque está dando tiempo a ir con calma y a reposarlo todo bien. Es cierto que yo he ido a Galicia un par de veces, él y Sergio también han venido a grabar pianos, y hemos hecho también una preproducción muy intensa. Así que lo tenemos ya casi todo a punto.
A pesar de toda la incertidumbre que estamos viviendo, ¿cuáles son tus próximos planes o ideas que te gustaría llevar a cabo este 2021?
Pues a finales de 2020, que como que estábamos un poco más positivos, teníamos la idea de ir sacando un single cada dos meses, para ir presentando ya el nuevo disco que, previsiblemente, iba a ver la luz en primavera. Pero como estos dos años están siendo los años de la improvisación y de la paciencia absoluta, hemos decidido aferrarnos a ese plan de publicar tema con su respectivo videoclip cada pocos meses, hasta que se pueda sacar el disco con ciertas garantías. Sé que en 2021 lo lanzaremos seguro, aunque no tengo claro si será en abril, mayo o ya después del verano. ¡Ojalá antes! Iremos haciendo poco a poco. Sí que es verdad que también ha cambiado el modo de consumo, y aunque se me hace raro el publicar canción a canción, con su respectivo soporte audiovisual, es una experiencia que me está gustando. Es algo completamente nuevo para mí. Y, bueno, en marzo verá la luz el siguiente adelanto, que será totalmente distinto a «Tu luz».
¿Qué canción de Chloé Bird identifica mejor el momento en el que estás y por qué?
¡Uf, qué difícil! Probablemente, la que más me identifique sea una de la que no puedo hablar de momento, pero no sé si hacer un poco de spoiler (risas). Pero te voy a hablar de una canción, que igual no ve la luz ni como single, pero es la más especial del disco, porque es la más sincera de alguna forma o en la que más me he desnudad. Se titula «Miedo al miedo» y es una canción lenta, muy profunda y con mucho peso, que habla precisamente de que, pese a todo lo que pase alrededor, ya no le tengo miedo al miedo. Ese es el mensaje con el que me quedo y con el que intento mirar a este futuro tan incierto que estamos viviendo.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Qué dificil (risas). Yo creo que dedicarse a la música, ya de por sí, es como un poco locura, ¿no? Es como decir, ¿quién me manda a mí haber elegido este camino? (risas). Es locura hacerse tantos kilómetros, el volverse de madrugada, llevar un piano de 30 kilos en el maletero, el tiempo insano que le dedicamos. Entonces, en sí mismo, dedicarme a ella es una locura. Pero espero no haber hecho todavía la mayor locura por la música.
De nuevo miércoles: ¿sabéis lo que eso significa? Efectivamente, nos toca hablaros de tres nuevas propuestas que han llegado a nuestras vidas de la manera más fortuita. Y ojo, ¡qué propuestas! Hoy escuchamos a Fran Torroella y a .polar, pasamos por la increíble colaboración que se ha marcado Eddy con Pilar Moxó.
Fran Torrella tiene una particular manera de entender el mundo: a través del arte, y más concretamente, a través del rock. El joven artista lleva ya cerca de dos años asumiendo que vive enganchado a la intensa maquinaria de hacer canciones y de tocar la guitarra. Poco a poco, ha ido creciendo y evolucionando, aunque no ha cesado en su intento de crear colectivo y equipo con los músicos y artistas que hay detrás del proyecto. De hecho, afirma: «sin todos ellos no tendría este sentido». Ahora, está presentando su segundo single «Atmósfera feroz», el cual formará parte del disco que verá la luz durante 2021.
«150 vueltas» llega a ritmo de pop con tintes de electrónica, de la mano de Eddy y Pilar Moxó. Un tema de lo más fresco, que ha sido concebido mano a mano junto a Yago Banet (Veintiuno) y Pepe Doncel, y que sabemos de antemano que formará parte de «Órbitas», el que será el primer álbum del joven artista. Un álbum debut que contará con 8 canciones que entrelazan sonidos lo-fi con guitarras sucias y melodías lapa; y en las que el amor, la cotidaneidad y la actualidad se han convertido en los ejes centrales. Y es que, como él mismo dice: «Sobre el amor está todo por escribir o reescribir. Hay momentos tan cotidianos, como mandar una indirecta subiendo una canción a Instagram, que te permiten ver mil puntos de vista acerca del amor y las relaciones completamente frescos».
Desde 2014 llevan .polar haciendo ruido dentro de la escena musical madrileña. Más de seis años y un talento innato, capaz de traspasar todo tipo de fronteras. Comenzaron a marcar su camino con la llegada de su debut, «Remembering a Dreamless Night» en 2018. Aunque si bien es cierto que muy poco tiempo después, la formación experimentó ciertos cambios internos. Momentos de introspección, nuevos miembros y hace apenas un año, su segundo álbum, «A lighthouse that wants to be». Un disco que podrán presentar el próximo 4 de marzo en la sala Moby Dick Club de Madrid.
Ni una semana ha pasado desde que Los Intrusos del Savoy regresaran para presentarnos su nuevo single, y último antes de la llegada de su álbum, «Café de Malasaña». Un tema en el que vuelven a hacer honor a su Madrid, la ciudad que ha sido testigo de todas sus historias y todas sus vivencias. Concretamente, Malasaña se convierte en el punto de mira, convirtiéndose en ese lugar donde echar de menos: y es que el tema está inspirado por el emblemático café Pepe Botella, ubicado en la Plaza del Dos de Mayo. Un tema que se ha convertido en la balada por excelencia de este segundo disco que viene en camino; y en el que la banda ha contado con la colaboración especial de Julián Kanevskyen en las guitarras, y el compositor de cámara, Andrés Martín en los arreglos musicales.
«Y aquel café de Malasaña es el testigo de mi soledad. ¿Qué fue de aquello, nuestras promesas? Queríamos juntos la vida pasar, juntos la vida pasar y así vivir»
Primero fue «Perdido en la ciudad», después llegaron «Abriendo caminos» y «Tu calor deja tan frío», y ahora ha llegado el turno de «Café de Malasaña». Cuatro adelantos, cuatro temas en los que Los Intrusos del Savoy han demostrado su versatilidad a la hora de componer; además de comprobar cómo han sido capaces, magistralmente, de hacer del rock un género elástico donde caben baterías salvajes pero también guitarras acústicas templadas.
De esta manera, la banda madrileña nos ha presentado todos y cada uno de los adelantos de su segundo álbum, «Para siempre», que verá la luz el próximo viernes 19 de marzo. El disco ha sido grabado bajo la producción de Cristián Chiloé (Manuel Carrasco, Tequila, ELE o Lichis) y masterizado por Dennis Blackham (Andrés Calamaro, Morgan o Coque Malla) en Reino Unido.
Julia Stone lo ha vuelto a hacer, ha vuelto a hacer magia. Y es que, hace apenas unos días, nos presentó «We All Have» junto a Matt Berninger de The National. Un nuevo tema con el que nos acerca aún más al que será su nuevo trabajo, llamado «Sixty Summers» y que verá la luz el 16 de abril. Una nueva pieza que es una delicia y que se alza ya como el tema más intimista de este trabajo discográfico, representando así la dualidad del mismo. «Esta canción trata sobre cómo todo se mueve y se transforma; incluso cuando te sientes como una mierda en un punto de tu vida, esto se convierte en algo nuevo», nos explica la artista.
«Siempre es inspirador ver que viejos amigos están creando una música tan espectacular. He sido un gran fan del trabajo de Julia desde hace mucho tiempo y ¡ha sido realmente divertido recibir esta invitación para formar parte de esta canción» [Matt Berninger].
«We All Have» ha llegado acompañado de su videoclip, grabado en uno de los paisajes más remotos de Tasmania, bajo las directrices del dos veces nominado a los premios australianos ARIA, Gabriel Gasparinatos. El vídeo cuenta la aislante relación entre un buceador y su marinera, explorando los claroscuros en el dolor y el aislamiento.
De esta manera, «We All Have» se suma a los tres anteriores singles que la artista ya nos adelantó durante estos meses atrás («Break», «Unreal» y «Dance»). Cada uno de estos singles ha venido acompañado por sus respectivos videoclips, concebidos e imaginados por la propia Julia y su talentoso equipo de colaboradores: Jessie Hill en «Break» y «Dance»; y Bonnie Moir en «Unreal». Pero más allá de estos cuatro temas que formarán parte de su nuevo trabajo, Julia Stone nos sorprendió a finales de 2020 con sus dos EPs: «Twin», donde re imagina estos tres singles en clave de folk; y «Everything is Christmas», compuesto por versiones de villancicos clásicos.
Hoy nos adentramos en la más pura «Niebla», de la mano de Bum Motion Club. Y es que el pasado viernes 29 de enero, vio la luz el nuevo EP de la banda de Aranjuez, dispuesto a revolucionarlo todo, a adentrarnos en su órbita. Grabado y concebido durante 2020 en Folie Records con Antonio Trapote y en El Invernadero con Brian Hunt (Anni B. Sweet, Russian Red). «Niebla» ha sido coproducido por Alejandro Leiva (guitarra de la banda) y Víctor Cabezuelo (Rufus T. Firefly).
Un trabajo de lo más especial, que se ha alzado como el justo sucesor de «Delta» (2019), álbum con el que abrieron la brecha hace ya dos años. Un trabajo de lo más especial, que comenzaron a presentar con sus tres singles, «El drama», «Niebla» y «Los ojos». Tres adelantos y tres estados de ánimo que han convencido a público y crítica durante los últimos meses.
De esta manera, el quinteto, compuesto por Pablo Vera (voz y guitarra rítmica), Alberto Aguilera (guitarra y teclados), Alejandro Leiva (guitarra solista), Iris Banegas (bajo) y Pablo Salmerón (batería), se ha preparado para compartir con nosotros un cancionero que no ha hecho más que asentar su posición dentro de la escena emergente nacional. Una segunda entrega que ha llegado envuelta en el cuidado y simbólico concepto artístico desarrollado por Denitsa Georgieva y María P. Trillo.
Aprovechando este increíble hito, nos sentamos a hablar con Alejandro Leiva, guitarrista de la formación, para que nos cuente todos los detalles de este segundo y recién estrenado «Niebla». Qué se esconde tras este EP, la evolución que han experimentado desde «Delta» o cuáles son los próximos pasos del quinteto, a pesar de la incertidumbre. Mucha atención porque Bum Motion Club está aquí, para corroborar que es una de las grandes bandas revelación del momento. ¿Quieres saber por qué? Pues dale al play ya y disfruta de la charla que tuvimos con ellos.
Por pura casualidad y hace ya algunos años. Así llegó Carlota Mad a nuestras vidas. Vidas de las que no ha llegado a salir en ningún momento. Vidas en las que se ha ido adentrando poco a poco y cada día más. Y es que, con su espectacular voz y con sus canciones, ha logrado robarnos totalmente el corazón. ¿El último de sus regalos? Su nuevo single, llamado «fobia». Un tema con el que se ha decidido a comenzar una nueva etapa, que irá cogiendo forma con la llegada del que será su próximo EP, que verá la luz muy pronto (y que estamos ya completamente ansiosas por escuchar).
«fobia» es un tema muy especial para Carlota Mad, ya que en él ha volcado todos sus miedos, todas aquellas cosas que le causan terror y que en algún momento, la pueden atar. Igual que nos pasa a todos y cada uno de nosotros con nuestras propias fobias. Esta canción es suya, pero también es nuestra. Es justo lo que necesitábamos para expulsar demonios y curarnos por dentro. Y dado que es tan especial, la joven artista se ha rodeado de todo un equipo de profesionales para darle vida al videoclip, que refuerza totalmente la idea de la propia canción. Un equipo encabezado por Claudia Herrán a la dirección del vídeo. ¿Habéis visto ya esta maravillosa joya?
En medio de toda esta vorágine, hemos tenido la oportunidad de hablar con la propia Carlota Mad: y es que nos han podido las ganas de saber qué detalles se esconden tras «fobia», de saber más sobre la llegada del nuevo EP de la artista, de cuáles serán sus próximos pasos. Así que, ¿quién mejor que ella para dar respuesta a todo ello? Pues mucha atención al vídeo, porque Carlota nos cuenta esto y mucho más. ¡Dentro vídeo!
«Estás mejor callado» o cómo invitarnos sutilmente a parar y escuchar con atención este segundo single de adelanto. Sonograma atacan de nuevo con esta nueva canción, repleta de armonías, cajas de ritmos y sintetizadores, y que nos recuerda que el «filtro Valencia» y las fotos felices en redes sociales nos están convirtiendo en esclavos del like y de la sonrisa forzada. Tan real que duele. Así es el nuevo estigma que hemos crrado en este sigo XXI, el estigma que deberíamos empezar a romper.
Tras la llegada de «Arde el Imperio», Sonograma regresan para continuar desgranando el que será su próximo álbum de estudio, que verá la luz en el mes de junio. Un trabajo producido con Juanma Latorre (Vetusta Morla), grabado y masterizado con Dany Richter en su estudio El Lado Izquierdo y mezclado por Ramiro Nieto (Right Ons).
Cómo no, han regresado de la mejor manera posible, presentando su segundo single «Estás mejor callado». La manera perfecta de cantar con ironía al desapego que tenemos con la realidad. «No tienes que gustarle a todo el mundo. No hace falta que subas una foto de la comida antes de probarla. Estás mejor cuando dices lo que piensas. No estás mejor callado». Por supuesto, el tema ha llegado acompañado de su respectivo videolyric, que ha corrido a cargo de Estudio Furia, mientras que de la portada del mismo, se ha hecho cargo Emilio Lorente (también encargado del resto de arte del disco).
Un nuevo disco está en camino, y estamos seguras de que será un verdadero discazo. Vemos cuánto queda hasta junio y nos ponemos nerviositas perdidas, porque todavía lo vemos todo muy lejos. Sin embargo, trataremos de calmar nuestra pequeña ansiedad, escuchando una y otra vez estos dos pedazos de adelantos que nos han regalado, hasta el momento, Sonograma. Así suenan «Arde el imperio» y «Estás mejor callado».
Una alianza «De cine» la que se acaban de marcar Conttra y Sidonie en este nuevo tema del cuarteto barcelonés. Una colaboración de escándalo, que viene de atrás, pues a ambas bandas la une una profunda amistad. «Sidonie han aparecido varias veces por nuestras vidas, ya sea en los pasillos de La Sexta Baja entre ensayos, sonando por casa o bien en alguno de sus conciertos», explican los miembros de la banda. A lo que añaden, «Esta vez coincidimos en los estudios de Blind Records, donde les mostramos la canción acabada de grabar con mucha ilusión, y no vacilaron en confirmarnos que querían poner su grano de arena una vez se lo propusimos. Nos juntamos una tarde todos junto a Santos y Fluren y fue muy fácil encontrar lo que buscábamos. El sitar de Jess, las percusiones de Axel, la voz de Marc y los coros le dan al tema ese toque tan Sidonie que queríamos».
Por supuesto, este tema ha llegado acompañado de su respectivo videoclip, realizado por Ambiwo (Alba Ricart & Iris Valles). Una pieza audiovisual increíble, que refuerza la potencia de esta canción. Una canción que se ha alzado como un explosivo hit de electropop que resulta imposible no bailar.
Además, con este «De cine», Conttra nos presentan el segundo corte del que será su nuevo trabajo discográfico, «Bobo Club», que verá la luz en el mes de marzo y que ha sido concebido en las mismas entrañas de los estudios Blind Records, con Santos y Fluren a los mandos. Un nombre curioso para un nuevo álbum, que hace referencia a un garito ficticio con el que Albert Peiró (voz, teclado, guitarra), Martí Verdú (bajo y coros), Oscar Cabo (guitarra) y Guille Cabo (batería) pretenden revolucionar la maltrecha escena de ocio nocturno. Así que toca estar muy pendientes ante su inminente llegar, para sumarnos a esta gran fiesta que nos están prometiendo.
