Desde el otro lado del océano también nos llegan grandes propuestas musicales que merece la pena escuchar. Una de ellas es la de Enjambre, quienes hace algunas semanas nos presentaron su último single «Tercer Tipo» junto a la banda granadina Lori Meyers. Pero es que ahora lo han vuelto a hacer: ¿preparados para este segundo adelanto, llamado «Divergencia»? Una canción muy especial, que vio la luz el pasado 8 de mayo. Una canción muy especial que, en propias palabras de Luis Humberto Navejas, vocalista y compositor de la banda: «Es un tema que habla de optar por divergir hacia un camino de alegría mientras uno anda por el camino de la angustia».
A nivel musical, «Divergencia» también plantea todo un universo sonoro. «Musicalmente involucra sonidos de sintetizadores que evocan una época de tiempos mejores, con una melodía vocal nostálgica, para que de pronto se torne la música en un ritmo alegre. […]. La melodía, a pesar de que se encuentra en una atmósfera melancólica, siempre busca alegría, lo cual le da cierre al círculo conceptual del tema; el poder de escoger el camino de la buena actitud, no importando la circunstancia», explica el propio Navejas.
Enjambre y el inicio de una nueva etapa
Con «Divergencia», la banda mexicana Enjambre está marcando un nuevo viaje, una nueva etapa en su extensa carrera. Y es que esta es ya la quinta canción publicada, tras «Relámpago», «Secuaz», «Siempre Tú» y «La Batalla», seguida también por el tema que se marcaron junto a las granadinos Lori Meyers, «Tercer Tipo». Canciones que podremos escuchar dentro de muy poco en el nuevo álbum de Enjambre, que verá la luz durante entre este verano y otoño.
Enjambre ya es reconocida como una de las bandas más contundentes de la escena del rock latino. El grupo se ha forjado tocando en vivo y lanzando discos, demostrando que es una de las mejores agrupaciones de Hispanoamérica con una legión de fieles fans que crece cada año.
Hay canciones que suenan al otro lado del charco, que te trasladan a mil lugares sin ni siquiera salir de casa, que emanan amor y fuerza, especialmente en los momentos más complicados y adversos de la vida. Esto es justo lo que pretende trasladar «La ley del miedo», el nuevo single de Che Sudaka, para el cual también han contado con la colaboración de la banda argentina Las Manos de Filippi. Una canció muy especial que supone la tercera entrega de la actual etapa artística de la banda afincada en Barcelona: etapa llamada «Conectando».
El mensaje escondido tras «La ley del miedo»
«El miedo limita», aseguraba el cantautor argentino Facundo Cabral. De ahí, esta canción, esta «La ley del miedo», que reza lo siguiente: «Te tienen que pasar cosas muy fuertes para que tengas ganas de cantar». Motivo suficiente para que Che Sudaka, acompañados por Las Manos de Filippi, inviten a todo el planeta a vibrar en la misma onda del amor, la única capaz de hacernos seguir adelante.
Y es que ya la televisión se encarga de contarnos qué pasa en el mundo, para bien o para mal. Pero tal y como los mismos Che Sudaka aseguran: «La verdadera noticia de cada día no la dan los noticieros. La noticia es que estamos vivos aquí y ahora. Este es el momento de actuar. De hacer lo que el corazón nos dicte. De atender todo aquello que nos haga hervir la sangre».
Así llega a nuestras vidas «La Ley del Miedo», una canción que fusiona de una manera muy natural y orgánica el sonido del acordeón vallenato y los tambores de la música tradicional colombiana, con el bandoneón característico del tango y de Buenos Aires. Una canción producto de la unión de dos familias, de dos bandas que saben lo que es tocar en la calle. Dos bandas totalmente independientes, en todos los sentidos. «Dos bandas que tienen miles de corazones latiendo al unísono en el mundo entero, al son de sus himnos, que revolucionan mentes pero, sobre todo, almas».
De tanto en tanto y especialmente durante este confinamiento. no viene nada mal echarnos unos bailecitos al más puro estilo eléctrico de The Royal Flash. Aquí están de vuelta con su nuevo single y videoclip, «El Baile». Un tema, además, muy especial al ser el segundo que escuchamos de la banda cantando en español. ¿Se acerca la nueva era The Royal Flash?
«El Baile», el mejor remedio contra el confinamiento
En medio de este largo periodo de confinamiento, encerrados en casa y sin poder salir, la música es nuestro mejor aliado, sin duda alguna. Y si no, que se lo digan a The Royal Flash, que hace apenas unos días publicaban su nuevo single (¡y el segundo en español!), llamado «El Baile». Una canción a la que, por supuesto, no le ha faltado su particular y debido videoclip confinado, en el que han participado numerosos compañeros, amigos, músicos: como Alex Gallardo (The Rebels), Celia Becks (La La Love You), José Perez (Julieta 21), Kike Marcos, Juan Santaner (Vancouvers) y Emi Sanchez (Lavida), entre muchos otros.
Pero, ¿qué se esconde tras «El Baile»? Un tema pensado para que no dejemos de movernos, justo cuando más lo necesitamos. Ahora, más allá de todo eso, es una clara crítica a lo que, muchas veces, las personas están obligadas a hacer para poder llegar más arriba, para subir en el escalafón social, profesional, personal. El ansiado momento de llegar a un último círculo de reconocimiento, en el que, desgraciadamente, dejamos de lado a los demás, pasando por encima de ellos, ignorándolos. «Cuando se consigue llegar arriba y estar en el ansiado círculo VIP, ya solo importa mantenerse ahí. Ya has llegado al baile y no vas a parar de bailar».
Una nueva etapa que continúa lanzando a The Royal Flash hacía límites insospechados: tras haber recorrido múltilples escenarios nacionales e internacionales (Suecia, Hungría o Canadá), continúan sorprendiéndonos y enganchándonos. «Ahora estás en el baile…¡Y ya no puedes parar!».
Unos 60 días metidos en casa sin poder salir. Cerca de 60 días en los que la música y la cultura en general, se han convertido en un auténtico salvavidas. En una especie de bálsamo capaz de curarte el alma, justo cuando poco o nada podíamos hacer por nosotros mismos. Simplemente permanecer en casa, sumergidos en nuestro propio universo repleto de series, películas, arte y nuevos músicos por descubrir, Y hoy, un día más en este complicado periodo, venimos a recomendaros cuatro grandes bandas y artistas que no sabemos si ya conocíais. ¡Continuad leyendo!
El talento que nos regala Murcia: estos son Atientas
2015 fue el año clave para la banda murciana y es que Atientas arrancaba con su imparable carrera musical. Fue en ese momento en el que comenzaron a darle forma a sus canciones, a su música, que tuvo el primer salvoconducto en el debut de la banda: su primer EP que vio la luz en 2018, «Hoy». Dos años después, están ya preparándonos para el lanzamiento de su nuevo trabajo, concebido bajo los mismos mandos del productor Raúl de Lara. Y es que justo en el momento en el que más necesitamos el arte, ellos nos han sorprendido con su nuevo single, «Tú». Un nuevo single con el que ya podemos descubrir a unos nuevos Atientas, mucho más maduros, mucho más enérgicos. Un nuevo single al que ha seguido este segundo, en pleno confinamiento, «Sácame de Aquí».
Desde el corazón de Londres, llega Blanco White
Londres nos regala también uno de sus mejores artistas: Blanco White está de vuelta con su nuevo gran tema, con el que se atreve a cantar en español: se trata de la canción «Mano a Mano», en la que también han colaborado la artista anglo-argentina Malena Zavala y de la española MAVICA. Una canción muy especial que se alza como adelanto de su álbum debut, «On The Other Side».
Lashormigas presenta su nuevo single
«Imagínate un rastro de sangre en la nieve desde Madrid hasta París. ¿No te parece bello para una canción?». Así nos introduce Lashormigas su nuevo single, llamado «El rastro de tu sangre en la nieve». Un tema de lo más especial que supone el primer avance de su nuevo trabajo. Mucha atención a este jovencísimo y talentoso artista vigués, porque dará mucho que hablar con «Lo más bien», bajo la producción y arreglos de Carles Delgado.
El universo onírico de Superlaser
Rock con una atmósfera electrónica: así es el particular universo onírico de Superlaser, con marca levantina. Desde Alicante, estos cinco jóvenes nos trasnportan a través de su música, con grandes referencias a bandas como Incubus, Radiohead o John Mayer. Eso sí, con letras en español. Su incansable trabajo, los ha hecho grabar en estudios Metropol con Roy Mitchell-Cardenas (MuteMath) y Sean Marholm (Dinero). Además de recorrer salas como la Sala Sol o la Sala Siroco. Actualmente, están participando con enorme éxito, en el concurso de bandas del Cooltural Fest.
Hace algunos meses, nos sorprendió con la publicación de su nuevo álbum, «Cuarto de Invitados». Una auténtica joya que no podemos dejar de escuchar en bucle. Se trata del artista vigués Villanueva quien, hace apenas unos días, volvió a acertar con un disparo de lo más letal: hemos vuelto a caer en su red, gracias a la versión al desnudo que nos ha mostrado de su tema preferido, «Gala». Una canción que tiene guardada una gran parte de él. De esto y de muchas otras cosas pudimos hablar la semana pasada: tras una distendida conversación por teléfono, esto es lo que nos contó Josete Villanueva sobre su proyecto.
¿Cómo el concepto de este último disco, de «Cuarto de Invitados»?
El concepto surge a raíz de una concatenación de sucesos y de cosas que me van sucendiendo. Básicamente, mi vida personal ha ido cambiando mucho en los últimos meses y es que, entre otras cosas, he pasado de vivir en Galicia a hacerlo en el Levante, en Alicante. Pero antes de llegar justo a ese punto, pasé por otros lugares como Murcia. Entonces yo sentía que vivía en distintas casas, pero en ningún hogar. Año y medio en el que vivía con una maleta y recorriendo diferentes cuartos de invitados de casas de amigos. Entonces empecé a recopliar cada acontecimiento que iba experimentando, cada historia que me iba confesando a mí mismo, hasta dar lugar a este «Cuarto de Invitados».
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?, ¿y cómo lo viviste?
Pues la verdad es que fue muy poco a poco. Con el tiempo, me fui dando cuenta de que si en mi anterior trabajo «Zoo para dos», me hacía muchas preguntas; ahora tenía muchas de las respuestas. Y es que la música me ayuda mucho a esto, a conocerme a mí mismo, a darme cuenta de quién soy, de qué hago, de cómo reacciono. Entonces este proceso fue un proceso largo, como de psicoanalista. Y de hecho, la primera frase del disco ya avisa, no está puesta por casualidad: «Querido lector, no pienso pedir perdón». Tras todo este proceso compositivo, Sean Frutos de Second me dijo que tenía el productor adecuado para este disco y me presentó a Raúl de Lara, con el que conecté muy rápido.
¿Y cómo fue trabajar con Raúl de Lara a la producción?
Pues muy bien, la verdad. Raúl es un genio y un tío encantador, además de un gran amigo. El trabajo con él ha sido genial, tanto con el resto de músicos, como Nacho Mata, batería que nos acompaña en gira y Ángel Herranz; Jorge Guirao de Second a las guitarras; y Edu de Sidonie. Creamos un grupo de trabajo muy guay y muy sano. Cada día me levantaba a las 6 de la mañana, para estar ya dando gritos en el estudio a las 8. Fue todo muy disciplinado, pero la verdad es que se agradece, es algo que me gusta.
Hablabas previamente del poder de la música para conocerse a sí mismo, ¿pero crees que también tiene determinado poder curativo, especialmente en estos tiempos?
Sí, sí, claro. Si vamos a la raíz de las cosas, nos damos cuenta de que la música es una disciplina artística y como tal, nos invita a hacer acto de reflexión: y es que el arte tiene el poder de hacernos pensar. Y sí que es verdad que la música tiene ese componente de tocar la emoción. Así que, definitivamente, sí que creo en ese poder de la música.
El pasado 1 de mayo vio la luz la versión de estudio de «Gala», ¿cómo surge la idea de presentar la canción de esta forma?
Aquí hay varias cosas. «Gala» es mi canción favorita de todas las que he compuesto, junto a «Bombas Nucleares», quizás. Entonces publicamos el disco y por diferentes circunstancias, Navidad y el confinamiento principalmente, no pudimos tener la promoción que esperábamos en ese momento. Entonces se me ocurrió como mostrar esta versión de «Gala», ya que también fue la que menos cambios sufrió desde que llegó a las manos de Raúl hasta ahora. Y yo confiaba tanto en esta canción, que me dio igual que estuviera más o menos producida, quería mostrarla sin tapujos, también porque creía que la gente iba a agradecer descubrir esta pequeña rareza que tenía archivada, especialmente en un momento como este. Además, creo que ha sido una manera de darle a esta canción su propia identidad: algo de lo que tenía muchas ganas. De hecho, hay gente que es una canción nueva.
¿Qué tiene la canción de «Gala» para que sea tan especial?
Pues junto a «Carlos III», fue una canción que me acompañó casi toda la composición del disco y una sobre las cuales se sustentan los pilares del álbum. Además, empecé a componerla en lugares que son especialmente mágicos y especial para mí. También tiene muchos tintes autobiográficos y, aunque tiene toques muy nostálgicos, es un tema que me da muchos ánimos. Sin duda, también fue la canción con la que me di cuenta de que no tenía que avergonzarme por desnudarme. Y que, bueno, como buen gallego «Gala» tiene muchos tintes a mí tierra.
Nueva versión de «Gala», incluida en tu último disco que también vio la luz hace poco. ¿Cómo ha sido un poco la acogida de ambos?
Pues la verdad es que muy bien y lo cierto es que yo también estoy muy contento con todo el mundo que ha decidido darle una oportunidad. De hecho, mucha gente coincide en que «Cuarto de Invitados» es mi mejor disco. Yo lo concebí un poco sin perspectiva, pero sí que es cierto que estoy contento con el resultado y que, bueno, la opinión del público ha sido bastante homogénea. Y con «Gala» ha sido bestial: había gente emocionada, que me llamaba para preguntarme si la canción era nueva. Es algo que me parecía muy curioso. De hecho, es casi más conocida ya la sesión de estudio que la versión del álbum. La música nunca dejará de sorprendernos.
¿Escucharemos alguna versión de estudio más de este «Cuarto de Invitados»?
[Risas]. Ya tengo preparada la siguiente.
¿Y no se puede decir nada todavía? [risas]
Sí, venga, lo voy a decir. Ahora mismo estoy pasando la cuarentena en un pueblo de la costa gallega, en Baiona. Es un pueblo muy mariñeiro, en el que hay muy poca gente en invierno. Justo aquí me monté como mi pequeño estudio, para poder escribir, componer y hacer mis cositas. Entonces hay una canción de este disco que se llama «15 Segundos» y que recoge mucho el espíritu de la gente que me escucha. Así que he decidido darle una pequeña vuelta y llamarla «Otros 15 Segundos». Es una pequeña versión que he hecho durante el confinamiento, en esta casa en la que estoy viviendo en estos momento. Todo en un entorno casero, pero que suena como en mi propio hogar. Además, en esta ocasión he tenido la oportunidad de trabajar con Manuel Cabezalí, que fue quien la remasterizó. Y, bueno, verá la luz en un mesecito, más o menos.
¿Cómo ha sido toda esta experiencia y cómo ha sido trabajar, en esta ocasión, con Manuel Cabezalí?
Pues ha sido muy emocionante, porque me he transportado al momento de composición de «Cuarto de Invitados». Y más, haciéndolo en estos momentos en los que los sentimientos están tan a flor de piel: estamos viviendo una auténtica montaña rusa de emociones. Pero empecé a meterme de lleno en el proceso, viendo qué recuperaba, qué cambiaba, el volver a grabarme desde casa, donde la calidad no es muy buena. Se me empezaron a agolpar todas las sensaciones de cuando grabé la canción en Murcia y fue algo muy bonito. Me dio hasta un poco de bajón y de nostalgia de aquellos momentos de trabajo en el estudio, que es algo que me gusta mucho.
En cuanto al trabajo con Manuel Cabezalí, increíble, porque él es un profesional como la copa de un pino. Sabe muy bien cómo hacer las cosas y yo, la verdad, es que estoy muy contento con el resultado.
¿Qué canción de Villanueva define mejor el momento en el que estás y por qué?
«Gala», indudablemente. Es una canción muy especial para mí, es como esa especie de rincón en la mente, en el que vuelvo a ser yo. Y es que define todo mi último año, tanto a nivel personal como profesional, con sus momentos duros. Así que, bueno, entre «Gala» y «Carlos III» me quedo yo: creo que son las dos mejores canciones para definirme.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
[Risas]. Tendría que pensar, pero he hecho auténticas barbaridades. Podría decirte, por ejemplo, que me crucé España sin dormir, y es que fui de Vigo a Barcelona para acudir a una entrevista presencial. Otra vez, me fui a Salamanca, porque tocaba allí y no habían carteles colgados: así que fui a propósito y empapelé toda la ciudad. Creo que eso podría definir muy bien las locuras que he podido cometer: cuántas noches sin dormir, cuántas mañanas madrugrando para volverme a casa, cuántos días durmiendo mal y en cualquier sitio. No sé, locuras que seguramente también haya cometido mucha más gente.
Si algo positivo nos está dejando el confinamiento, es una buena dosis de música directa a nuestro corazón. Jack Bisonte se han sumado a todo este grueso de artistas que nos han regalado una parte de ellos en forma de canciones. Hoy, se cumple una semana desde que la banda madrileña publicó su tema «Blood on the Mic», una canción concebida en pleno confinamiento y que solo verá la luz en las redes sociales de Jack Bisonte. Y es que fue donde todo comenzó: semanas atrás, Carlos Amelivia lanzaba un retro a través de Instagram: si lograban llegar a los 150 comentarios, acababan la canción. Y tras superarlo con creces y traspasar el límite de los 400, la terminó. Y ahora, aquí está. Según el propio Carlos, vocalista de la formación: «Blood on the Mic es una tape casera que comienza por la presión social del confinamiento y esa extraña carrera de productividad en la que se ha convertido. Soy totalmente contrario a que un artista se fuerce a crear para no perder expectación, pero soy lo suficientemente hipócrita como para necesitar esa atención y no tener reparos en decirlo».
El nuevo camino hacia su nuevo disco, «Hounds Of Glory»
Conocemos la noticia desde hace algunos meses: y es que Jack Bisonte se están preparando para lanzar su álbum debut, que llevará por título «Hounds Of Glory». Y aunque la fecha exacta la desconocemos, lo que sí que tenemos son unas expectativas muy altas y unas ganas increíbles. Todo ello, por supuesto, alentado por los dos primeros adelantos del disco que ya hemos podido escuchar, sin lograrlos sacar de nuestra cabeza. ¿O nos vais a decir que no habéis escuchado todavía los potentes y meteóricos «France Gall» y «Dying Free»? Nosotras no podemos salir del bucle con ellos.
«Cantar es una buena forma de conseguir lo que quieres. Si tienes suerte lograrás llamar la atención de unos pocos, si tienes aún más suerte la de una persona en concreto. Seguí tocando porque adoraba ver como esa persona me escuchaba tocar, pero cuanto más le gustaba mi música menos me gustaba yo. Al final terminé por ser algo a medio camino entre gustarle a ella y gustarme a mí».
Desde el corazón de Canarias, nos llega la propuesta de Dangelo, quien el pasado viernes 8 de mayo publicó su nuevo sencillo, bajo el nombre de «Peligro». Una canción muy especial, compuesta junto a Blas Cantó y que promete ser uno de los lanzamientos más destacados del pop latino hecho en España durante este año. Una canción que ve la luz justo después de su álbum debut y concebida bajo los mandos del productor Yadam González, que mezcla la tendencia del panorama más actual con los sonidos más orgánicos y auténticos de Cuba. En palabras del propio artista, «Peligro es un tema de pop latino que habla sobre ese tipo de relaciones que nos atrapan de forma irremediable pero que, en el fondo, sabemos que no nos hacen bien. El ni contigo, ni sin ti que casi todas y todos hemos vivido alguna vez».
Un nuevo tema que ha llegado acompañado de un espectacular videoclip, grabado en la misma isla de Tenerife. Cristian Velasco (galardonado en varios festivales internacionales Fashion Film) fue quien se puso al frente del mismo, combinando las últimas tendencias en moda con espacios tradicionales canarios. Un verdadero espectáculo visual el videoclip de este «Peligro».
¿Quién es Dangelo?
Desde Gran Canaria llega Dangelo dispuesto a darlo todo. Corría el año 2004 cuando comenzó su carrera como cantautor, aunque poco después (en 2007) dio el salto con la que fuera su banda L’Acoustiqué, agotando entradas y acumulando éxitos en todo el territorio canario. Un amplio que duró dos años, pues en 2009 abando el proyecto y decide emprender su carrera en solitario, embarcándose en el mundo de la autoedición con su primer sencillo «Tan Lejos». Un nuevo camino se abría y unas ganas innatas de seguir haciendo música, nos meten de lleno en el 2014, año en el que el artista edita su primer álbum «Lejos de mí», con cuyos dos primeros singles consiguió diferentes premios y reconocimientos en Canarias, así como el número #1 en la lista de Click and Roll (Los 40).
Un año después, en 2015, se traslada a Madrid y empieza a componer para otros artistas como Blas Cantó, Beatriz Luengo, Edurne o Carlos Rivera, entre otros. Además de colaborar en la adaptación al castellano de la canción de «I dare you», tema más reciente de la artista multiplatino Kelly Clarkson. En 2018, le llega su primera nominación al Latin Grammy por su participación en el álbum «Cuerpo y Alma» de Beatriz Luengo, con la canción «Aquí te espero», interpretada a dúo con Carlos Rivera.
En medio de una situación excepcional en la que la cultura y la música se han convertido en verdaderos bálsamos, descubrimos y escuchamos el nuevo trabajo de Mäbu. Y es que el pasado mes de marzo veía la luz «Primavera», el primer EP de adelanto de un álbum que llevará por título «Un Año Después». Cuatro canciones que abren la brecha y que son, verdaderamente, mágicas. A raíz de este lanzamiento, pudimos charlar un ratito por teléfono con María Blanco, compositora y vocalista de la banda. ¡No os perdáis ni un solo detalle!
¿Cómo surge el concepto de «Primavera»?
Llevábamos tiempo sin editar nada nuevo, aunque sí que es verdad que hace un par de años publicamos un recopilatorio recorriendo los temas más emblemáticos de la banda y colaborando con numerosos artistas. Pero realmente, llevábamos tiempo sin publicar material inédito. Entonces le dimos una vuelta y se nos ocurrió crear un proyecto algo más ambicioso, a la hora de presentar un nuevo disco: y es que este nuevo álbum está formado por cuatro pequeños EPs y «Primavera», formado a su vez por cuatro temas, ha sido como el primer adelanto de ellos. Es una manera de crear como un multiverso: universos dentro de un mismo disco, que verá la luz el año que viene.
Cuatro estaciones y «Primavera» que ha visto la luz recientemente. ¿Los demás EPs verán también la luz en su respectiva estación?
Pues esa era la idea inicial. Lo que queríamos en su momento era publicar «Primavera», «Verano», «Otoño» e «Invierno» en su debido tiempo. Pero finalmente, optamos por adelantar únicamente «Primavera» y publicar el disco en noviembre. Aunque con el tema de las nuevas medidas, el álbum puede que lo retrasemos un poco, porque claro, cuando publicamos nuevo material lo que principalmente nos interesa, es poder tocar. Es como la excusa. Pero como ahora no sabemos muy bien qué va a pasar, preferimos retrasar un poco el lanzamiento. Así que, bueno, durante los próximos meses, en vez de sacar el EP de «Verano», lanzaremos los de entre tiempo. Y ya en marzo seguramente vea la luz el disco, que se llamará «Un Año Después». Lo cual nos vendrá genial, porque justo coincidirá un año después del lanzamiento del primer EP.
¿Cómo ha sido todo el proceso cretivo y compositivo?
Realmente, la premisa era intentar extraer la esencia de cada estación a través de las canciones. En el caso de esta «Primavera», buscaba precisamente el remover mucho las sensaciones y de ahí, que una canción que se llame «Terapia». Con este EP buscaba un poco el reseteo de todas las sensaciones: empieza el buen tiempo, el buen humor, estás más optimista, empiezas a cambiar cosas, es como un florecimiento. Todo eso es lo que hemos querido generar en este EP, metiendo al oyente en toda esa sensación. Además, musicalmente hemos reacreado atmósferas que intentaran representar todo este ambiente. A mí la primevera me da ánimos, pero también tiene un toque de melancolía. Precisamente, este punto melancólico es el que siempre hemos tenido nosotros en nuestras canciones.
«Primavera» vio la luz el pasado 20 de marzo, ¿cómo ha sido la acogida por parte del público?
Pues la verdad que brutal, ha sido de las mejores. A priori, nosotros pensábamos que no sería buena idea sacarlo en estos momentos y es que, desde el punto de vista del marketing, era como una especie de suicidio musical. Creíamos que ningún medio de comunicación prestaría atención al lanzamiento del EP en estos momentos y de un grupo que quizás, no es tan conocido. Pero la acogida ha sido bruta, porque le dimos la vuelta y creímos que para la gente sería muy buena distracción el poder disfrutar de este EP. Y creemos que para la historia de Mäbu, el haber publicado un trabajo en este periodod de confinamiento, ha sido una experiencia brutal. La gente nos lo agradeció muchísimo y creo que ese es uno de los mayores logros que puede tener una banda: que el público sea feliz con tu música. Va a marcar nuestra carrera.
¿Crees que la música ha sido una especie de terapia, especialmente estos días?
Sí, la cultura en general y la música en particular. Es muy fácil que nos acompañe: incluso estando haciendo otra cosa en casa, con el piloto automático, es muy sencillo que puedas tener música de fondo, por ejemplo. Y es que yo creo que la música en general, ayuda a inspirar a la gente, a que salga un poco de la rutina, a que sea más creativa. Con la música ha pasado más de lo mismo, aunque creo que nos hemos pasado un poco con tanto concierto en streaming. Que al final, todas estas acciones que se han ido realizando las hemos hecho porque somos muy solidarios y porque nuestro trabajo siempre ha sido muy vocacional y emocional. Entonces estamos acostumbrados a trabajar sin cobrar y a aportar música a gente que lo está pasando mal, es como que nos nace. Y es que nosotros mismos perdemos un poco la perspectiva de que lo que estamos haciendo es un trabajo. Pero bueno, es algo de lo que la gente tampoco tiene la culpa, eso corre más a nuestra cuenta. El público siempre va a agradecer que se le ofrezcan este tipo de acciones, este ocio.
Volviendo un poco al proyecto de Mäbu, quería preguntar sobre el poder del mensaje en vuestras canciones
Más que el mensaje, lo que a mí me mueve a la hora de componer una canción es cómo suenan las palabras con la música. Estoy constantemente trabajando en ello. Que, evidentemente, si no tienen un mensaje, las canciones quedan un poco insulsas. Pero sí que es verdad que en este disco, los mensajes quedaran más claro, sin tantas imágenes, sin tantas metáforas. Aunque la premisa sigue siendo la misma: crear melodrías y ambientes bonitos, a través de metáforas y a través de esa combinación entre palabras y melodías.
¿De qué manera ha evolucionado Mäbu desde sus inicios hasta este punto?
Pues lo que más nos ha hecho evolucionar, indudablemente, han sido los conciertos. Y después de haber hecho tantos, ya que nosotros somos un grupo que se dedica esencialmente al directo, creo que hemos sido capaces de evolucionar de una manera un poco más consciente, sabiendo exactamente qué canciones queremos hacer y cómo hacerlas. Y, bueno, en medio de este proceso, cada vez nos damos más cuenta de que dónde más queremos crecer es en los directos. También nosotros mismos hemos madurado. Todo eso, añadido al hecho de que Mäbu ha sido como el primer proyecto en serio, lo que ha hecho que vayamos a la par, que evolucione y que cambie según mi propio proceso vital.
Y ahora mismo, a pesar de la incertidumbre del momento, ¿cuáles serán los próximos pasos de Mäbu?
Pues por el momento, hemos tenido que cancelar una gira de showcases que ya teníamos programada para presentar el EP y que estaba casi toda ya con las entradas agotadas. De hecho, hemos tenido que moverla al mes de noviembre, hemos devuelto las entradas y vamos a intentar hacer dos pases para cada una de las fechas, ya que muy probablemente tengamos que tomar medidas de aforo. Pero bueno, a las salas les hemos propuesto eso, el poder hacer dos pases el mismo día, aunque eso suponga trabajar el doble.
¿Qué canción de Mäbu identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
Creo que voy a decir «Utopía», porque es la canción que puede definir mejor este momento. Realmente, la canción habla de tener una conversación con una misma, en medio del mundo idílico que muchas veces tendemos a crearnos. Y es que el ser humano tiende mucho a ese pensamiento mágico de que todo irá bien y de que el ser feliz es una constante vital que conseguirás en algún momento. Esa es un poco la utopía que nos montamos en la cabeza y que yo creo que ahora mismo nos representa mucho, porque es como caerse de la parra. Nosotros ahora nos hemos caído y estamos viviendo una realidad que es dura. Una realidad de la que también habla «Utopía». Realidad en la que debe primar el amor a uno mismo.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Vivir de ella [risas]. Pero sí, sí, dedicarnos solamente a ella y el dedicar todo tu tiempo a hacer lo que te gusta. Creo que el dejar todo por la música, en sí, ya es una gran locura.
Proyecto multidisciplinar donde los haya y con un sonido tan característico, capaz de envolverte en su potente atmósfera. Se trata de Musgö y de su álbum debut, llamado «Open The Gate». Un universo en el que quedamos atrapadas desde el minuto 1 en el que entró en nuestras vidas. Un universo que, hoy, podemos conocer un poco mejor, gracias a la entrevista que le hicimos hace algunos días a Mar Gabarre, que es quien se esconde tras él.
¿Cómo surge el concepto del disco, de «Open The Gate»?
Pues realmente fue un proceso súper natural, porque me contactaron desde una discográfica para producir el disco, pero finalmente con ellos la cosa no cuajo y salió un poco mal. Pero bueno, eso me sirvió para sentarme por primera vez delante de todas mis canciones y para plantearme qué temas incluiría en mi disco. Justo al hacer eso, me di cuenta de que todas las composiciones que tenía hasta el momento, giran entorno a un mismo tema: el de abrir una puerta con el más allá, conectar con el mundo espiritual y ser conscientes de esa parte que tenemos en nosotras mismas. Todo ello, hablado desde diferentes puntos de vista, como el de la naturaleza o como el de las diferentes religiones y todo lo que tienen en común. Siempre me han interesado mucho todos estos temas, pero claro, hasta que no me senté para plantearme el disco, no me di cuenta de todo ello.
¿Por qué precisamente hablar de este tema?
Yo me he criado en un entorno bastante abierto, ya que mis padres son artistas y están iniciados en una filosofía muy espiritual surgida en la India. Desde pequeña me he acostumbrado a ver a mis padres meditar en casa o hablando de la naturaleza, ya que mi madre también es biológa. Siempre he sentido una conexión muy especial con todo ello: de hecho, soy médium y he tenido diferentes experiencias sobrenaturales. Así que estos termas forman parte de vida y de mi día a día.
En este sentido, ¿qué importancia tiene el mensaje de las canciones?
Pues mucho, la verdad. Aunque estas cosas salen un poco solas, yo intento que el contenido que se transmita en las canciones sea real y tenga un sentido profundo que, junto a la música formen un todo, un conjunto.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Open The Gate»?
La verdad es que fue un proceso largo. Este ha sido mi primer disco y he estado componiendo durante mucho tiempo y creándolo de diferentes maneras, ya que no sigo un solo método para componer, pero sí que muchas de las canciones que escribo, surgen a partir de imágenes, de mis propias imágenes, ya que también soy artista plástica. Primero creo las imágenes que, posteriormente, adquieren una dimensión en forma de historia, en forma de letras, de canciones.
¿Y cómo ha sido la acogida de este disco por parte del público?, ¿cómo ha sido el feedback?
Pues fue muy buena, la verdad. Yo soy de Chiclana y claro, aquí hay mucho flamenco y mucho carnaval. Y cuando haces algo diferente, ya la gente te empieza a decir: «tienes que componer en castellano y hacer flamenco, si no no le va a gustar a nadie» [risas]. Claro, lo que recibía desde fuera siempre era un poco ese mensaje y, de repente, hago un disco de tripop e indie más experimental, con el que estoy recibiendo muy buena acogida y muchos mensajes positivos. Mucha gente me ha escrito diciendo: «no sé qué tipo de música has hecho, pero siento que me traspasa el alma y me está cambiando por dentro». O sea, mensajes súper profundos que me han hecho mucha ilusión. Es muy guay que la gente note esa energía que le pongo a mis canciones y a mi arte. Que yo pongo mi corazón, con cero expectativas, aunque evidentemente, creo en mi proyecto. Pero cuando desde fuera te están lanzando otro mensaje, pero aún así te arriesgas, crees en ti misma, publicas un disco en el que hay tanto de ti y que es tan transformador, y encima a la gente le llega…es una sensación muy guay.
A nivel de producción, ¿cómo fue el trabajo en Freemonk Music?
Es algo que viene de largo, porque yo participé en Got Talent y a la salida del programa, me contactaron de una diacográfica, para lanzar el disco juntos. Sin embargo, no fue lo que esperaba ya que querían que publicara un disco más comercial, con lo que no me sentía identificada. Así que decidí seguir mi camino y hacerlo de manera independiente: preparé las maquetas, producí los temas y haciendo los arreglos. Ya fue ahí cuando me mudé a Londres, lancé una campaña de crowdfunding que funcionó muy bien y, a partir de ahí, empecé a trabajar en Freemonk Music, Allí terminamos de producir todas las guías que llevaba yo ya preparadas: allí, claro, con un equipo de primer nivel y además, con Chris, que tiene una visión y una experiencia increíbles.
Tienes un sonido muy característico e incluso han llegado a decir que eres la Björk española. ¿Cómo construye Musgö todo su universo sonoro?
Objetivamente, no pienso en los sonidos cuando estoy creando. Es más bien esa sensación que te comentaba antes de ver una imagen y transformarla en un sonido: es casi más un proceso sinestésico, más que algo consciente. Yo me imagino los colores o las imágenes que quiero transmitir con la canción y en base a eso, voy creando y experimentando con los instrumentos y las herramientas digitales que tengo.
¿Qué importancia tienen otras disciplinas artísticas en el proyecto de Musgö?
Pues la importancia es total. Y es que yo estudié Bellas Artes, mis padres son artistas plásticos y desde pequeña he mostrado interés en todo ello. Además, con la música siempre he tenido claro que no quería simplemente hacer música. Mi objetivo desde que empecé a tocar, era encontrar este espacio crrativo en el que pudiera mezclar lo visual con lo sonoro. Afortunadamente, ahora lo tenemos muy fácil con todos los vídeos que podemos crear y con todas las herramientas que tenemos a nuestro alcance: ahora más que nunca. imagen y sonido pueden estar muy cerca. Aunque yo desde muy pequeña sabía que quería que todo estuviera junto. Ya más adelante, cuando descubrí el teatro, me di cuenta de que también quería incorporarlo y, de hecho, en Musgö hemos creado un espectáculo al que hemos llamado cabaret holístico. Que básicamente son las historias místicas de las canciones, contadas a través del cabaret. Y es que al final, todo esto es la mezcla de teatro, lo visual y la propia música.
A pesar de la incertidumbre de estos momentos, ¿cuáles serán los próximos pasos de Musgö?
Pues intentar, dentro de lo que se pueda, hacer algunas presentaciones más y seguir haciendo lo que hemos estado haciendo, que es componer música con el corazón.
¿Qué canción de Musgö define mejor el momento en el que estás y por qué?
Buf, ¡qué difiícil! [risas]. Pues yo creo que «Hope», precisamente por el tema que trata, La canción es instrumental y no tiene letra, pero tiene como el halo de esperanza que necesitamos ahora, el impulso de que todo va a ir bien y vamos a seguir para adelante, a pesar de todo.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
¡Ostras! Pues no sé ahora mismo [risas]. Es que he cometido tantas, que no sabría hacer un top. Aunque creo qye la mayor locura es tener la confianza de arriesgarlo todo por la música.
Hace dos días vio la luz el álbum debut de St.Woods: un trabajo en el que el artista se desnuda y nos explica algunos de los momentos más personales de su vida. Un álbum intimista, plagado de vivencias e historias. Un álbum que emociona, que nos hace sentir en una auténtica montaña rusa. Un álbum que nos cala hasta los huesos, como su propio título indica. «Bones» ya es nuestro y, precisamente, hace un par de semanas pudimos hablar con Nacho, su creador, la persona que se esconde tras St.Woods. Una entrevista con la que pudimos conocer más sobre el disco, sobre el proyecto y sobre el propio artista. ¡No os la perdáis!
¿Cómo surge el concepto de este nuevo disco, de «Bones»?
Todo empieza un poco porque yo quería grabar en Estudios Reno con Luca Petricca, ya que lo venía siguiendo desde hace un tiempo y me gustaba todo el trabajo que estaba haciendo: había trabajado con Izal, con Vetusta Morla, con Novedades Carminha. Y sí que es verdad, que ya teníamos como cita cerrada a tres meses vista, para empezar a grabar unas demos que ya tenía. Pero durante ese periodo, por circunstancias de la vida, en mi familia perdimos a dos personas, a dos familiares cercanos y también personalmente, atravesé una serie de problemas. Todo eso hizo que las canciones que tenía pensado grabar, quedaran en un segundo plano y que yo comenzara a escribir sobre unan ueva temática, más acorde a lo que en ese momento yo estaba sintiendo. Así que al final, los primeros meses en el estudio me sirvieron un poco para sobrellevar mi propio duelo y, casi sin querer, Luca, Brais y yo terminamos dándonos cuenta de que teníamos un disco que hablaba sobre un denominador común, que es «Bones» y que cuenta una historia. Accidentadamente, podría decir que este álbum es mi propia manera de superar ciertas situaciones duras que me estaba costando superar.
Precisamente queríamos preguntar sobre eso, ya que el disco trata sobre el propio dolor. ¿Fue finalmente una especie de cura?
Sí, yo creo que es algo que pasa mucho o al menos, a mí me sucede: que vives cierta experiencia negativa y en vez de que alguien te dé la solución, lo que necesitas es poder contarlo, para quedarte más tranquilo. Así que creo que algo así fue lo que me pasó con el disco. Al fin y al cabo, también estuvimos durante dos meses, tres personas trabajando en este álbum, y la conexión y las conversaciones que tuvimos, me animaban aún más a liberarme y a soltar todo lo que tuviese. Y, bueno, creo que «Bones» hace una especie de análisis de todo lo que es el dolor y de apreciación de lo que ess el sufrimiento de perder a alguien: y es que si alguien se va y te duele, es porque todo lo que ha pasado por medio ha sido bonito. Ese ha sido un poco en análisis.
¿Es entonces la música una especie de bálsamo, especialmente en estos momentos o en este tipo de circustancias?
Sí, yo creo que sí. Y es lo que digo muchas veces, la música tiene muchos usos, muchas aplicaciones. Para mí es una manera de evadirme de todo lo que está ocurriendo y para mí, sí que es una especie de cura. De hecho, incluso grabando este mismo disco, escuchaba mucha música: más que para tener referencias, para calmar todo lo que estaba sintiendo. Y en situaciones como la que estamos viviendo, puede que la música no sea lo más importante: pero de lo menos, sí que es lo más relevante.
¿Cómo viviste todo el proceso creativo y compositivo en los Estudios Reno?
Pues la verdad es que tenía muchas ganas, porque mi experiencia en un estudio no iba más allá de la que tuve con Brian Hunt en El Invernadero y en la que me lo pasé muy bien. Pero claro, en esta ocasión era diferente: el meterme a grabar mi primer álbum y con el riesgo a hacerlo, sin haber tenido muchos lanzamientos anteriores. Así y todo, el trabajo en el estudio fue una experiencia muy enriquecedora: me sirvió para aprender mucho y para darme cuenta de errores que podría estar cometiendo. Para mí, esos casi dos meses que estuvimos en el estudio, me han servido mucho para tomar conciencia de lo que estoy haciendo y de lo que quiero hacer. Y creo que todo ese aprendizaje y ese cambio musical, se aprecian en el álbum. De hecho, el haber tenido esta experiencia, me ha servido para darme cuenta de que la experiencia que quiero transmitir en directo es diferente: el querer ir con banda y no tanto solo.
¿Y cómo ha sido la experiencia de trabajar conLuca Petricca y Brais Ruibal?
¡Bien! Creo de hecho, que hemos formado un equipo bastante chulo, porque Luca es un poco la voz de la experiencia: era quien nos guiaba cuando a lo mejor, nosotros nos atascábamos. Además, es increíble trabajar con él todo el tema de la belleza mediante lo simple o lo sencillo. Y por otro lado está Brais, que es un chico muy joven pero con muchos conocimientos técnicos y con un gusto exquisito, a nivel de referencias que quizás nadie conoce. Así que la experiencia fue una auténtica gozada y es que, como te decía, llevaba mucho tiempo queriendo trabajar con Luca, porque además, los dos compartimos muchos gustos musicales. Y creo que eso él lo ha sabido transmitir muy bien en el disco y a todas las personas que participan con él. Sin duda, «Bones» no puede estar mejor producido, porque el tándem con Luca y con Brais ha sido la fórmula perfecta.
¿Y cómo te sientes ante el lanzamiento?
No me esperaba para nada publicar el disco bajo estas circunstancias. Tuvimos muchas conversaciones para ver si lo retrasábamos o no, pero es que tampoco me imaginaba atrasarlo mucho más. Aún así, tenía muchas ganas de que viera la luz y es que tengo la sensación de que, más allá de los grandes números o de los grandes conciertos, cada hito que se va dando en St.Woods es más colectivo. Al principio, me sentía y estaba más solo, pero de repente el equipo y la banda crecen, la gente que sigue el proyecto también. Entonces tengo muchas ganas de que vea la luz el disco, precisamente por esta sensación que te comento. Es como una especie de victoria colectiva.
Los dos primeros adelantos que pudimos escuchar fueron «A Part From God» y «On Me», ¿por qué estas dos canciones como avanzadilla?
«On Me» fue una especie de anzuelo que publicamos, a ver qué pasaba, porque también el EP del que venía era muy diferente, y justo ahora queríamos dar el cambio a un sonido más nuevo y desde otra perspectiva. Y sí que es verdad que con los singles, lo que queríamos más bien es empezar a posicionarme yo para mostrarle a la gente de lo que soy capaz. El «On Me» fue la primera manera de mostrarle a la gente que el sonido iba a cambiar. Mientras que con «A Part From God» quería volver a un sonido o a un género en el que la gente me ha conocido más. Pero no ha habido un criterio o motivo específico de por qué seleccionar una canción u otra, aunque sí que nos sentamos Luca, Brais y más personas del equipo para pensar qué temas podrían encajar más como aperturas del disco.
Aunque el futuro es un poco incierto, me gustaría saber cuáles serán los próximos pasos de St Woods tras el lanzamiento de este álbum debut.
Pues la idea que teníamos si no nos hubiera tocado toda la situación que nos está tocando vivir, era irnos en mayo fuera a tocar, concretamente en Reino Unido. A la vuelta, también teníamos varias fechas confirmadas en España, que iban un poco en paralelo a una gira que teníamos con Bellako. De todo esto, con el tema de las presentaciones, estamos muy pendientes a la evoluciñón de la situación y a las recomendaciones sanitarias, para intentar relocalizarlas lo antes posible y para que el disco pueda tener su debida puesta en escena. En cuanto a los conciertos fuera de España, muy seguramente no podamos hacerlos hasta el año que viene. Pero bueno, por el momento, toca esperar y estar atentos a cuándo nos dejen, primero ensayar, y luego tocar. Tampoco es que, en estos momentos, sea muy partidario de los conciertos con banda en streaming, porque creo que no le harían justicia al disco. Así que, de momento, esperar y seguir preparando material de este disco, para ir lanzándolo durante los próximos meses.
Por cerrar ya un poco, quisiera saber cuál es la mayor locura que has cometido por la música.
¡Buf! Pues hay algunas interesantes y otras que casi me matan, de hecho. Pero quizás, la que más me represente a mí, sea la siguiente. Yo me fui a estudiar de Erasmus a Bélgica y más bien por la necesidad de hacer algo, empecé a tocar en la calle. Y, curiosamente, lo que yo pensaba que sería una tarde tocando en la calle, se convirtió en un auténtico viaje por toda Europa tocando en espacios públicos y ganando el suficiente dinero para poder viajar al siguiente destino o país. Sin duda alguna, la experiencia de tocar en la calle, no sé si es una locura, pero ha sido una de las mejores decisiones de mi vida.
Es uno de los artistas a los que más hemos seguido y, probablemente, a los que más cariño guardamos. No nos hemos perdido ni un solo concierto suyo, porque sabemos que siempre son especiales. Con su espectacular voz, es capaz de hacerte sentir toda una montaña rusa de emociones. Se trata de Dan Millson, que acaba de publicar su nuevo EP en pleno confinamiento: «Home» ya es nuestro y, a continuación, lo desgranamos. Así fue la entrevista que le hicimos al artista.
¿Cómo surge el concepto de este EP, «Home»?
Creo que como nos ha pasado a todos, los proyectos que teníamos en mente se disolvieron. Yo tenía canciones en proceso de ser lanzadas, estaba en medio de grabaciones de videoclips y tenía ya en mente cómo preparar el lanzamiento. Pero tuve que parar y frené todo ese proceso, porque pensaba que tampoco era el momento de lanzar todo ello ahora. Entonces me puse a pensar y decidí empezar el proceso de cero. Dejé apartado el proyecto que tenía iniciado y empecé a componer nuevas canciones, aquí en casa. Si son cinco, son cinco y si es una, es una. Y me puse la meta de sacar dos EPs de dos canciones cada uno. Que si al final son tres, pues tres, depende de lo que dure el confinamiento. Entonces, ¿cómo surge? Surge de la inactividad, de querer ser un poco creativo y de la imposibilidad de seguir adelante con lo que tenía en mente. Ya no tanto de las ganas de componer, porque al principio, sentía que no me apetecía. De hecho, «Between 4 Walls» habla un poco de eso: del hecho de tener que hacer cosas, aunque no quieras. Pero gracias a esa frustración, empecé a componer. Así que así surge un poco este EP.
Ahora que lo comentas, ¿por qué «Between 4 Walls» y «Hold On» como primeros temas para mostrar?
«Between 4 Walls» fue la primera que compuse durante el confinamiento y el por qué, ya lo he comentado, es por la frustración esa de tener que componer. Como dice la canción, escribo por escribir; canto para quitar el polvo de los pulmones y para que, dentro de seis meses, no recuerde ni de cómo cantar; toco por tocar. Así que cuando salió, pensé que tenía que estar sí o sí en el EP, porque refleja muy bien el momento en el que estamos. Y el por qué de «Hold On» también tiene historia. Hace un tiempo me diagnosticaron quistes en las cuerdas vocales, en parte, porque no me he cuidado como tenía que cuidarme: trabajar mucho de noche, tocar y cantar mucho durante la semana. Entonces quemo mucho las cuerdas vocales. Así que cuando llegó el confinamiento, empecé a limpiarme por dentro y aún así, me notaba la voz rota. De ahí un poco nació «Hold On», de esa sensación de aferrarte a lo que te gusta, de cuidarlo y no dejarlo de escapar.
Por lo demás, tengo más canciones que igual salen en el próximo EP. O igual ven la luz dentro de un año, no lo sé.
¿Hay fecha o tienes en mente ya esta segunda parte de «Home»?
No hay fecha, pero va a salir dentro de muy poquito, porque tengo ya cuatro o cinco canciones. La verdad es que he compuesto bastante. Ahora, me falta definir cuáles serán las canciones del próximo EP: tengo ya una clara y me falta la segunda. Tampoco sé si sacar una canción y la otra la semana siguiente, o sacarlas las dos juntas en un mismo EP, como ya he hecho con este.
¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo, y también cómo ha sido la sensación de publicar en pleno confinamiento?
Ha sido rollercoaster, montaña rusa total, como bien dicen los compañeros de The Royal Flash. Lo cogí con muchas ganas, quería sacarlo, me puse a tope con los video-lyrics de las dos canciones. Pero claro, iba viendo lo que iba pasando fuera, cómo estaban funcionando los lanzamientos de otros artistas, cómo iba reaccionando la gente, cómo cada día te ibas quemando más de estar con el móvil y de ver las noticias. Entonces yo me estaba motivando porque estaba haciendo cosas que me gustaban, pero por otro lado, me estaba desmotivando por el factor externo. Hasta el punto de querer lanzarlo ya, para quitármelo de encima. Así lo que es el proceso compositivo, como hemos hablado, no me ha afectado porque las canciones surgieron en casa, yo tocando y bien. El resto de proceso fue algo más complicado. Y es que ahora estoy completamente independiente, por lo que tuve que hacérmelo yo todo. Que estoy acostumbrado a hacer mucho, pero siempre teniendo a una persona de apoyo al lado. Pero claro, ahora he tenido que decidir y hablar con distribuidoras, lanzando al final con Creanauta; hablar con editoriales, aunque al final me quedé con la que ya estaba, porque funcionamos bien y decidimos con qué trabajar y con qué no; y la creación de los vídeos. Menos mal que con la portada tuve la ayuda de Javi Navarro y Paula Mún. Entonces van saliendo las cosas, pero hay mucho trabajo detrás. Pero estoy muy satisfecho y contento.
¿Cómo ha sido la acogida?
A ver, como hemos dicho, estamos en unos momentos un poco raros. No ha tenido la acogida que tuvieron los dos temas previos y, además, yo también llevaba tiempo sin publicar nada. Creo que hay gente que se ha desentendido un poco del proyecto, gente nueva. Sí que ha ido bien, pero no ha tenido la repercusión del anterior release. Aunque también salió lunes y hasta el viernes, uno no ve los efectos reales, ya que es cuando todo se mueve, cuando crean también las listas en Spotify. Estoy contento, ya que he recibido mensajes muy bonitos de la gente; pero siendo realistas, no ha sido el lanzamiento más top, porque tampoco ha sido la producción más top.
Sobre el tema de la portada que comentábamos, ¿cómo surge la idea y cómo ha sido trabajar con Javi Navarro y con Paula Mún?
Empecé teniendo un poco la idea de lo que sería la portada, pero yo no sé dibujar: ni se me ocurría, ni sabía hacer un dibujo que me gustara. También incialmente, aunque el EP iba a llamarse «Home», iba a ir tachado, haciendo un poco referencia al hecho de que no me siento en casa, porque no lo es: estoy en Madrid, en un piso de alquiler…Y la imagen iba a ser un foto de cuando yo estaba de gira, ya que es donde más me siento en casa. Pero no me cuadró tampoco. Se lo comenté a Javi y me dijo: «mira, a ver si te gustan estos dibujos de Paula». Y, claro, ella se marcó unos dibujos que me gustaron muchísimo: apareció el sofá que se ve en la portada y pensé que, bueno, al final era un poco la idea que tenía inicialmente. Y, al fin y al cabo, también se trataba de un EP hecho en casa. La misma casa que estoy decorando, para sentirla aún más mía. Así que entre Paula y Javi diseñaron la portada, y yo hice los últimos toques de colocación y colores.
¿Será este «Home» una especie de nuevo inicio? Ya que es el último lanzamiento y hemos visto como un pequeño re-start en redes sociales.
No creo que cada vez que publique algo sea una nueva etapa. Un nuevo inicio fueron «Lost Track of Time» y «Queen Without a Crown», porque me cambiaron drásticamente y me dieron a conocer muchísimo más. Con «Home», lo que quería es que la gente se centrara en lo que estaba sacando y se olvidara en lo que había pasado fuera de casa. Sí que volverán algunas esas publicaciones en redes sociales, que están archivadas. Pero lo que quería es que la gente se centrara en este momento, en el ahora. No es una nueva etapa porque volverá lo anterior y seguiré con nuevo material.
Y a pesar de la incertidumbre del momento, ¿cuáles serán los siguientes pasos de Dan Millson?, ¿retomarás todos esos temas que dejaste en stand-by?
Todo eso lo retomaré, a lo mejor no todas las canciones, pero tiene que retomarse. Era algo que me gustaba mucho y tenía muchas ganas de sacar. Además, veréis unas producciones más modernas: no será solo una guitarra, una voz y un piano. Así que sí, tenía muchas ganas. Aunque ahora tendré que cambiar un poco el formato, cómo seguir lanzando y que todo tenga más sentido con lo que tenía en mente. Pero poco a poco, voy viendo el camino y, por supuesto, verá la luz.
¿Qué canción de Dan Millson define mejor el momento en el que estás y por qué?
A ver, «I Miss You My Friend» se puede utilizar en cualquier situación y es la canción con la que puedes echar de menos a tus amigos, a tu familia, a tu pareja. Pero quizás, «Between 4 Walls» es el tema que más pueda representarme ahora [pausa]. En realidad las dos nuevas me definen muy bien. Probablemente más «Hold On», porque estoy más activo, estoy con ganas, me entra la luz por la ventana. Así que, bueno, creo que me quedaría con «I Miss You My Friend» y «Hold On».
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
¿Cuál es la mayor locura que he cometido por la música? [pausa]. Todo lo que llevo haciendo desde los 14 años. Todo lo hago para y por: no concibo una decisión sin pensar en mi carrera musical o en la música. Recuerdo muchas cosas de carretera, de llenar la furgoneta con todos los instrumentos y todo el equipo y echar kilómetros. Mira, hubo una vez, con otros proyectos que he tenido, que hicimos una gira por Inglaterra. Yo quería que todo estuviera perfecto, así que alquilamos una furgoneta desde Alicante, vino a Madrid a recoger todo nuestro el equipo completo, pagamos por el alquiler y se lo subió hasta Inglaterra. Todo sin saber si volveríamos a ver el material, porque al final, todo lo que cargamos puede que valiera más que lo que pagamos por el alquiler. Pero bueno, fue bien. Una vez allí, cargamos todo en la furgoneta de un amigo, que accedió a acompañarnos de gira. Una gira que fue un timo, todo por culpa de un promotor, que no era promotor. Al final, lo medio salvamos porque empezamos a tocar por nuestra cuenta en diferentes locales. Sin duda, fue una experiencia muy molona, pero a la vez jodida y muy loca. Lo hicimos por amor al arte.
El pasado viernes, como un verdadero regalo, Comandante Twin nos presentaron la reedición de su mítico tema «Hay una luz». Una canción de lo más positiva, que ha llegado en el momento en el que más la necesitamos. Y, además, lo ha hecho con una colaboración de lujo: la de Gabriel de la Rosa, vocalista de Shinova. Unos días antes del lanzamiento, pudimos charlar por teléfono con Edu Santos, compositor y vocalista de la banda. ¡Y esto es lo que nos contó, mucha atención!
¿Por qué reeditar y darle una vuelta de tuerca al tema de «Hay una Luz»?
En su día, grabamos nuestro primer disco, que es en el que está incluída esta canción, y lo cierto es que Comandante Twin era todavía una banda bastante amateur. En realidad, lo grabamos porque nos apetecía, sin pensar en que después podía gustar tanto como gustó. Entonces la primera canción que vio la luz fue «Hay una Luz», pero no hicimos ningún tipo de lanzamiento de ella: no estábamos currando con nadie de promo, ni montamos ningún tipo de campaña, ni nada alrededor. Sin embargo, tiempo después, la canción ha sido buque insignia nuestro, que supongo que será algo que pasa más de lo que pensamos. Así que, bueno, teníamos muchas ganas de darle el lanzamiento que se merecía, con todos los medios. Y cuando surgió la oportunidad de colaborar con Gabri de la Rosa, nos decantamos por recuperar «Hay una Luz», ya que recoge muy bien la esencia de Comandante Twin, pero claro, dándole una vuelta y renovando un poco lo que es el sonido.
¿Qué significa para vosotros «Hay una Luz»?
Pues para nosotros significa mucho. Primero, porque es la canción que conoce todo el mundo en los conciertos y con la que más conectamos con el público. También es la canción que más visitas y reproducciones tiene en plataformas digitiales, y está incluída en listas editoriales de Spotify. Además, para nosotros tiene ese matiz de banda, que es extraordinario. Y a nivel personal, para mí es un tema muy especial por la historia que hay detrás. Creo que «Hay una Luz» es una canción que llega mucho.
¿Cómo surge colaborar con Gabriel de la Rosa en esta canción y cómo fue trabajar juntos?
Surge un poco de la amistad. Porque, al final, te vas conociendo entre las bandas, a raíz de coincidir en diferentes lugares y de ir charlando. Con el primero con el que entablamos relación fue con Ander, bajista de Shinova, y ya a partir de ahí, comenzamos a hablar con Gabri y con el resto de la banda. Además, son gente muy cercana y muy generosa. Y es que se han portado con nosotros genial, ¡chapó!
En cuanto a cómo ha sido el trabajo con Gabri, la verdad es que genial y muy fácil. Primero, porque es un tío muy profesional y segundo, porque es muy, muy cercano. Por no hablar del gesto de generosidad que ha tenido con nosotros, porque al final, él no gana nada. Sin embargo, a nosotros seguramente nos permita llegar a más gente. Así que estamos muy agradecidos.
El tema ha visto la luz con su videoclip, ¿cómo surge la idea?
Pues nosotros teníamos claro que queríamos es mostrar el vídeo tocando en directo, pero no sabíamos cómo orientarlo. Además hablando con la gente que iba a montarlo, nos dimos cuenta de que tampoco teníamos recursos suficientes. Así que buscamos otra posible opción: que es la del teatro, el juego de luces, los dos cantantes en el patio de butacas, que nos vamos acercando cada vez a la banda. Creo que es muy buena manera de representar lo que sentimos nosotros con esta canción, que es muy especial para todos. Es un videoclip sencillo pero que creo que, a su vez, es llamativo. Se agradece escuchar la canción con estas imágenes.
¿Cómo os sentís ante el lanzamiento?
Pues para nosotros es un momento muy importante. Creemos que «Hay una luz» define muy bien el momento que estamos viviendo ahora, especialmente estos días, que parece que empezamos a ver un poco la luz. Entonces claro, por esa parte, fíjate como son las casualidades: llega esta canción que tiene un mensaje muy homogéneo para todo el mundo con el que te puedes sentir identificado. Y para nosotros es como dar otro pistoletazo de salida para la banda, porque, entre otras cosas, esta es primera colaboración que hacemos como banda y encima con un invitado de lujo. Así que solo esperamos que la reedición guste entre el público y que, bueno, que nos descubra nueva gente.
Con la complicada situación que estamos viviendo, ¿crees en el poder curativo de la música?
Sí, sí. No sé si tanto como poder curativo, pero sí que creo que todos tenemos bandas sonoras en función de los estados de ánimo que atravesamos. O que nos ayudan un poco a gestionar lo que sentimos: creo que en canciones que son completamente ajenas a nosotros, podemos encontrar mensajes o ciertas respuestas. No sé si curativo, pero lo que sí sé es que la música es fuente de inspiración para todos.
Además de la reedición de este «Hay una luz», ¿podremos disfrutar de alguna más?
Pues podría ser, podría ser. Aunque también es verdad que toda la crisis del COVID-19, nos ha cambiado el paso completamente: y es que teníamos la gira y muchos festivales confirmados, que a ver lo que pasa con todos ellos. Así que, con el paso cambiado, hemos decidido acelarar la salida de nuestro tercer disco, que será un trabajo muy importante. En definitiva, puede que haya lugar para reeditar algún tema más, pero también es verdad que estamos muy enfocados en seguir componiendo y en pegarle un acelerón al próximo disco.
¿Se puede avanzar algún detalle del próximo álbum o todavía no?
Estamos todavía trabajando en ello. Tenemos claro con quién nos gustaría producir, aunque no lo podemos decir todavía. Y, bueno, también tenemos ya algún tema hecho, aunque aún nos quedan muchas discusiones para ver cómo lo enfocamos y hacia dónde lo llevamos. A nivel de estrategia, nos gustaría llevarlo un poquito fuera de la caja, fuera de lo que comunmente se hace.
¿Qué canción de Comandante Twin identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
Pues probablemente la canción de «Hay una luz» con Gabri es una buena definición. Porque es una canción en la que hemos invertido mucho tiempo produciendo, tanto nosotros mismos en el local de ensayo como con José Caballero. Mantiene muy bien la línea, pero introduce elementos que son nuevos: tiene tintes más electrónicos y la parte rítmica tiene otro rollo. Estamos caminando un poco en esa línea, de ser capaces de evolucionar a nivel musical hacia sonidos más modernos. Y esta canción creemos que es fácil de escuchar y, además, tiene un mensaje bonito, romántico, esperanzador y muy positivo. Todo sin perder la esencia de Comandante Twin. Creo que es un buen termómetro de lo que somos y de lo que está por venir.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Te diría que todo lo que estamos haciendo, porque con todo lo que ha pasado, la banda está sufriendo una situación económica complicada [risas]. Y probablemente, la mayor locura es seguir tirando del carro con todas las consecuencias y a pesar de todo lo que está pasando. Es seguir creyendo en el proyecto que tenemos. Creo que es una buena locura, al fin y al cabo.
«El Baile», el mejor remedio contra el confinamiento
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?, ¿y cómo lo viviste?
¿Crees que la música ha sido una especie de terapia, especialmente estos días?
¿Y cómo ha sido la acogida de este disco por parte del público?, ¿cómo ha sido el feedback?
¿Cómo viviste todo el proceso creativo y compositivo en los Estudios Reno?
¿Hay fecha o tienes en mente ya esta segunda parte de «Home»?
Sobre el tema de la portada que comentábamos, ¿cómo surge la idea y cómo ha sido trabajar con Javi Navarro y con Paula Mún?
El tema ha visto la luz con su videoclip, ¿cómo surge la idea?