«Érase una vez que se eran cuatro esquinas, veintitantas familias cantando, bailando, soñando y currando. Chatarreros, carpinteros, zapateros de por vida y cuanta vida tenia ese barrio que yo añoro, mis abuelas, las vecinas y el mar de gritos que oía historias de antes que me guarde, pa buscar un recuerdo y volverlo a ver» ~ Miguel Campello
Como si se tratara de un viaje o de un regreso hacia nuestras propias raíces, al origen de uno mismo. Una manera de intentar acallar esa voz interior que, constantemente, te repite que no olvides de dónde vienes, para poder saber hacia dónde vas. Traspasando cualquier tipo de límite entre las imágenes y los recuerdos que habitan en nuestra memoria y, como si se tratara de una película, pasan por nuestra cabeza, fotograma a fotograma. Una especie de introspección a través de nuestra vida: el poder recorrer de nuevo nuestras calles, oler todos los aromas que habitaban en nosotros, revivir el mismo decorado. Esa sensación de calma al sentirnos en casa.
Así es «Barrio», el nuevo single con el que nos ha sorprendido Miguel Campello. Una canción que nos invita a volver sobre nuestros propios pasos en un ejercicio de nostalgia, con sonidos de arraigo flamenco a medio camino entre la sencillez y la pasión.
Y es que con este tema (que llega tras «Malas Noticias» y «Saltar al Vacío»), ya comenzamos a vislumbrar el que será su próximo álbum que, debido a la actual situación sanitaria, se ha tenido que retrasar hasta el próximo otoño. Álbum que llegará acompañado de una intensa gira. Álbum que supondrá el quinto de la carrera como solista de Campello, tras «Chatarrero» (2011), «Pájaro que vuela libre» (2013), «Camina» (2015) y «Agua, pan, amor y vino» (2016). Grabada en La Chatarrería, con la compañia de Eduardo Pacheco a las guitarras, Pascual Martínez al bajo y Milo Campello con las bases y programaciones. Y producida por el propio Miguel Campello junto a Guillermo Quero. Todo ello, acompañado de un increíble videoclip en el que se mezclan a la perfección las ilustraciones con fotografías y vídeos personales y familiares de Miguel Campello. Y todo ello ocurre con un vertiginoso lenguaje cinematográfico. Un guiño autobiográfico y emotivo con el que seguir abriendo boca de cara a este nuevo trabajo que ya presume de ser uno de los más ambiciosos de su trayectoria.
Con un proyecto nacido desde las entrañas, conocemos a Karmento, quien hace cerca de un mes, irrumpió con su nuevo trabajo llamado «Este Devenir». Un álbum que auna a la perfección lo mejor del folclore y lo mejor del pop. Un trabajo muy especial y directo, que nos deja aún más si cabe, adentrarnos en el particular universo de la artista. Precisamente hace unos días, hablamos con ella y esto es lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Este Devenir»?
La verdad es que cuando empezamos a grabar, el disco tenía otro nombre. Pero cuando fue pasando un poco el proceso de grabación y me fui encontrando con las canciones, el concepto fue cogiendo otra dimensión y me di cuenta de que ese no era el título. Entonces durante mucho tiempo, se quedó el vacío de cómo se iba a llamar el disco, pero de repente, llegó como si fuera una iluminación, igual que me pasó con mi anterior trabajo. Y es que en realidad, vino solo: una noche esta durmiendo, dándole vueltas en la cama y conecté con la palabra devenir y sabía que ese devenir tenía relación con los procesos de transformación de la vida. Por no ser pretenciosa y porque fuera en consonancia con lo que hablo, que son historias de la vida y de las verdades de la gente, pensé que este disco más que con el devenir, tenía relación con este devenir: de mis 38 años, de lo que soy ahora y de la música que hago. ¡La verdad es que me encantó!
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo?
Fue una maravilla, ha sido uno de los procesos más bonitos que he vivido en mi relación con la música y más, sabiendo que yo venía de un trabajo previo, que me había pillado en otro momento vital y, de hecho, ese proceso de grabación y creación mucho más complejo e incluso traumático. Sin embargo, con este nuevo disco, tenía tan claro lo que quería y lo que quería provocar en cada canción, además, los temas ya me habían hablado tanto de sí mismos. Y luego el estudio es otro rollo, es como un laboratorio de música. Fue una pasada y con Eduardo Figueroa, que es el productor, tuve feeling desde el primer momento. Y es muy fácil trabajar con él: desde que entrábamos al estudio, era un darle vueltas a las canciones y experimentar con ellas, todo sin miedo a que las crecieran y evolucionaran. También hubo mucha flexibilidad a la hora de grabar, porque yo tenía que ir a Madrid, con lo cual, dio todo mucho juego para que los temas fueran creciendo. Disfruté mucho con este proceso y creo que cuando llegas a este momento, ya siempre te va a gustar.
Mencionabas a Eduardo Figueroa, ¿cómo fue trabajar con él a la producción?
Muy bien, porque nos entendíamos a la perfección, teníamos afinidad musical y creo que nos entendíamos y adaptamos muy bien. Además él conectó muy rápido con mi concepto y con mi música, que creo que eso es muy importante. Teníamos los dos ese equilibrio entre la seriedad del trabajo y la flexibilidad para quedar. Es un tío al que le gusta lo que hace y eso es imprescindible. Así que la experiencia de trabajar con Edu fue genial. De hecho, hay una parte importante del disco que tiene que ver con él y con las propuestas de producción que hizo, aunque yo tenía claras muchas cosas. Pero ha hecho muchos aportes, me ha entendido muy bien y ha propuesto lo que sabía que sería mejor. ¡Contentísima con él, estaría encantada de volver a trabajar juntos!
Quería preguntarte también sobre la construcción del sonido de Karmento, ¿cómo surge y por qué esa mezcla entre el pop y el folclore?
Claro, eso te iba a preguntar a ti, que cuando escuchas tú las canciones, qué género dirías que son, porque a mí me cuesta definirlo, me cuesta salir de mí y preguntarme: ¿esto a qué suena?, ¿quién soy yo? En cuanto al sonido, yo creo que se construye de una raíz vinculada al folclore de mi tierra: y es que yo pequeña he escuchado mucha copla, mucho corro, mucho flamenco. Todo lo que tiene que ver con las raíces humildes, de pueblo. Y referente al pop, no deja de ser un estilo que también he escuchado: sin darme cuenta también he ido mamando parte de lo que es la música popular y he ido bebiendo de todo ello. Así que lo que sale finalmente, es algo muy importante. Aunque creo que en «Este Devenir», no solo hay un trabajo de recordar todo lo que es la música más tradicional manchega, mezclada con sonidos más actuales o pop. También hay una influencia muy clara de toda la música que yo escuché en mi viaje a Malta, donde me junté con muchos músicos de países distintos. Además de ser un encuentro con un tipo de música más espiritual, como los mantras. La conexión con el mar y con otros elementos de la naturaleza también influye en la construcción del sonido de Karmento en «Este Devenir». De manera parelela, escucho este álbum y creo que también tiene un punto con melodías más étnicas y más tribales. Soy muy ecléptica y una persona muy orgánica, no funciono con la mente, funciono con el corazón y con las vísceras.
Imagino que en este sentido, las letras y la historia que estas transmiten serán muy importantes, ¿no?
Es un poco difícil ponerle un nivel de importancia. Yo creo que esto también depende mucho de la gente y con lo que conecten: hay personas que son muy musicales y hay otras que vienen mucho del mundo de la letra. En mi caso, partimos de la base de que yo soy cantautora, así que intento mucho transformar los temas en algo que el público pueda entender. Pero claro, yo vengo del cantautorismo, me gusta hablar, me gustan las palabras, me gusta comunicar. Así que las letras son una de las bases de mi música.
A nivel visual, el proyecto también está muy trabajado. ¿Qué relevancia tiene este aspecto como complemento de la música?
Es una herramienta fundamental para el trabajo. A ver, una de las cosas que tenía claras cuando empecé con la grabación, es que me metería hasta el final, que lo iba a cuida y que iba a trabajar en él, en todos los aspectos que pudiese. Así que la comunicación, la imagen, la promoción, también dibuja todo el concepto que quieres transmitir. Creo que lo más importante es que tengas un andamio, un producto que te guste, que conmueva, que transmita: cada uno tendrá sus objetivos. Yo con eso estoy muy contenta y es que estoy enamorada de mi trabajo y de lo que hemos hecho. Pero la comunicación y la imagen son muy importantes para terminar de conectar con la gente y mostrarles lo que quieres, y evidentemente forma parte de la estrategia.
¿Cómo ha sido la acogida de «Este Devenir» desde que vio la luz?
Pues el disco vio la luz hace un mes y ahora hemos sacado a la venta los discos físicos. Al final, esto es una carrera de fondo, entonces vamos dando pequeños pasitos. Nosotros siempre tenemos la referencia de las redes sociales o de los oyentes en plataformas. En cuanto a la acogida, desde mi punto de vista y de sentir es muy buena: con quien conecta este disco, lo hace de una manera muy especial. Es llegar a ese punto de fidelización, de llegar a un público que te sigue y que le gusta lo que haces. Así que, bueno, ahí vamos, hacia delante. Aunque estamos en ese momento inicial en el que vamos a tope y parece que no has avanzado tanto como te gustaría, pero aún así, todo indica que vamos bien. Pero falta la parte más importante, que es la de los conciertos y es que no he podido hacer aún ninguna presentación. Y tengo muchísimas ganas. A ver cómo podemos entrar en esa nueva normalidad de la que hablan, porque claro, tuvimos que cancelar todos los conciertos y estamos mirando nuevas fórmulas, viendo cuándo los podremos programar: en principio están previstos para septiembre y estamos ahí un poco con la esperanza de que algo podamos hacer. Igual nos toca tirar por hacer pequeños conciertos en terrazas o en pequeñas salas. El caso es que todos estamos en ese momento de incertidumbre, en el que no sabemos qué pasará, aunque la cosa parece que está empezando a moverse.
¿Qué canción de Karmento define mejor el momento en el que estás y por qué?
Pues ahora mismo, la canción que me pongo todos los días, porque me llena el corazón de amor, es «Danza sobre la tierra». Es un tema que tiene una trayectoria desde lo íntimo, desde lo pequeño, desde las raíces hacia lo extenso, la conexión con el todo: ese devenir y esa frase que me encamta: «todo lo que somos, ya lo fuimos». Luego, a nivel musical, me llena porque no para de crecer, que te eleva. En estos momentos, es la canción de Karmento.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Pues hay locuras pequeñas y estúpidas, y otras más grandes. Yo creo que la mayor locura que he cometido por la música es tomar la decisón de ser música, porque yo empecé a componer a los 29 o 30. Cantar, cantas toda la vida, porque se lleva en las venas; pero yo me he dedicado a otras cosas toda la vida. Pero el irme a Malta, supuso la ruptura con todo y lo que me hizo querer dedicarme a la música. Volví a España y grabé mi disco, tuve una crisis y hace dos años cuando empecé a concebir «Este Devenir», fue cuando me di cuenta de que posiblemente este fuera mi camino.
Si algo nos ha dado tregua en este confinamiento ha sido el talent show musical más visto de nuestra televisión. Sí, hablamos de Operación Triunfo, programa altamente seguido y en el que hemos conocido a talentos como el mismísimo Rafa Romera, quien ya ha fichado por Live Nation y ya ha anunciado sus primeras fechas de la gira. Fechas que, eso sí, tendrán que esperar a finales de este 2020 (siempre y cuando la situación lo permita y las recomendaciones sanitarias sean favorables).
De Operación Triunfo a toda una gira nacional
El joven de 23 años ha pegado el gran salto gracias a la visibilidad que le ha dado Operación Triunfo, en el que destacó por el positivismo y por haber sido el creador del gran himno de la edición, llamado «Díselo a la Vida». Ahora mismo, se prepara para lanzar su nuevo single, que lleva por título «Como una gota» y que verá la luz el próximo viernes 3 de julio. Un tema que es toda una declaración de intenciones e influencias musicales que, además, ha sido producido por Antonio Ferrara y Pedro Pimentel.
Paralelamente, el cordobés ha fichado por Live Nation, que también se encargarán de toda el área de management. En palabras de Robert Grima, presidente de la reconocida productora de eventos, «desde que conocimos a Rafa nos cautivó su energía y su simpatía, pero sobre todo, su calidad compositiva y su voz tan personal». De esta manera, ya podemos anunciar las primeras fechas de los conciertos de Rafa Romera, que comenzará a girar a finales de este 2020 (esperamos que las condiciones sanitarias sean favorables). Así que, ¿estáis preparados para anotar bien las fechas? Porque pasará por Córdoba el 5 de noviembre (Sala Hangar), Sevilla el 7 de noviembre (Sala Fanatic), Madrid el 19 de noviembre (Sala But), Valencia el 20 de noviembre (Sala Moon) y Barcelona el 21 de noviembre (Razzmatazz 2). ¡Y las entradas están disponibles en Live Nation!
Los conocimos hace unos meses gracias al proyecto que iniciamos de Píldoras Encadenadas, aunque llevan haciendo ruido mucho tiempo atrás. Ya han pasado diez años desde que In Materia comenzaran su gran aventura y ahora nos presentan su último gran proyecto: «Infinito Tripular». Un álbum que nos invita a conocer mejor nuestra cara más oculta. Sobre todo ello, hablamos hace algunos días con Javier Mateo, batería de la formación.
¿Cómo surge el concepto de este último álbum, «Infinito Tripular»?
A nivel musical, nosotros llevábamos tiempo inmersos en la búsqueda de un sonido propio que, a la vez, llegara a las grandes masas, al gran público. Toda esa búsqueda nos metió de lleno en una especie de viaje, que es un poco una analogía personal también. Así que «Infinito Tripular» viene a ser un viaje infinito hacia nuestro propio conocimiento, un viaje que no termina nunca, el de conocernos mejor y ahondar más en nosotros mismos. Algo que va ligado a nuestra música, ya que nosotros también estamos en constante búsqueda: de sonoridades, de cómo sentirnos más cómodos con lo que hacemos, de cómo llegar más a la gente. De ahí un poco nuestro nuevo álbum, como de una mismo tripulación en un viaje infinito, que no termina nunca.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo del álbum, y también, cómo fue la búsqueda de ese sonido propio?
Realmente, el disco supone un inicio y un fin en sí mismo. Lo que es la búsqueda de nuestra sonoridad viene de mucho tiempo atrás, lo que pasa es que en «Infinito Tripular» empezamos a incorporar nuevos elementos: samplers un poco tradicionales; apostamos por un estudio como lo es PKO de Madrid para conseguir un sonido de banda gordo, en el que también ayudó mucho nuestro productor Raúl Quilez, con el que llevamos trabajando mucho tiempo y que es un genio. Así que, bueno, la búsqueda del sonido no es solo en este disco, viene de mucho tiempo atrás. Aunque este álbum es la culminación de una sonoridad con la que nos sentimos totalmente cómodos. Y así lo vemos en la respuesta de la gente. Así que estamos super contentos porque hemos encontrado el equilibrio perfecto entre la búsqueda, la sonoridad, la armonía, la estructura, y al mismo tiempo, una sencillez que hace que el público se enganche.
Ahora que hablas del público, ¿cómo ha sido la acogida del disco por su parte?
Pues está siendo muy, muy buena. Nosotros sabíamos que teníamos entre manos un producto realmente importante, en cuanto a calidad de las canciones y en cuanto a sonido, que nos parecen brutales. Teníamos mucha confianza, lo que pasa es que sí que es verdad que hasta que la gente no te da ese feedback, no lo sabes cierto y te quedas con la sensación de, ¿es nuestra percepción o realmente este trabajo va a causar ese efecto? Pero efectivamente lo ha causado, porque la respuesta que estamos obteniendo es espectacular y se nos están abriendo muchas puertas. Creemos que hemos dado con una fórmula que resulta muy sugerente, diferente y actual, tanto para el público general como para el profesional, como medios o salas.
Tras haber hablado un poco del sonido de In Materia, me gustaría saber ahora sobre la importancia de las letras de las canciones, de la necesidad de que te cuenten una historia.
Pues la verdad es que tienen mucha importancia y es otra de las cosas en las que pensamos que hemos evolucionado mucho en este disco. Antes, nuestras letras habían sido un poco más enigmáticas y en este disco, intentando mantener nuestro lenguaje, queríamos acercarnos aún más a lo que una persona pueda sentir en un momento determinado. Ya no habla tanto de cosas tan personales, si no de temas que pueden preocupar a cualquier persona. Tampoco es que sean historias como tal, son más bien reflexiones. En este sentido, creemos que hemos dado un gran paso.
Recientemente, ha visto la luz vuestro videoclip de «Luna 3». ¿Cómo surge la idea y cómo ha sido la experiencia de grabarlo desde casa?
La verdad es que el videoclip está gustando mucho, porque es muy curioso y es que surge un poco al hilo de la canción. «Luna 3» ofrece una imagen muy sincera sobre diferentes decisiones desafortunadas que todos cometemos a lo largo de nuestra vida, lo cual está también relacionado con conocerte a ti mismo, quedando ligado de nuevo a nuestro «Infinito Tripular». Todos tenemos una parte que ni los demás ni nosotros mismos conocemos y «Luna 3» propone ese viaje a nuestro interior y a conocernos mejor. ¿Por qué «Luna 3»? Porque fue el nombre que tuvo la primera sonda soviética que, a finales de los 60, consiguió fotografiar la cara oculta de la luna. Un concepto que define muy bien lo que nosotros queremos trasladar. Y lo que quisimos reflejar en el videoclip, que tiene una estética muy de las series de los 80. Un clip que hace que toda esta mezcla dé lugar a esta historia. Como anécdota, contar que el protagonista principal es mi padre y lo grabamos durante las últimas fases del confinamiento. Evidentemente, con los recursos limitados que teníamos, porque no teníamos opción de viajar para juntarnos con nadie. Y aunque la historia es un poco surrealista, viene a representar este viaje a lo oculto de nosotros. Así que estamos muy, muy contentos.
Un videoclip casero en el que. aún así, se cuida mucho la imagen. ¿Qué importancia tiene esta para In Materia y como complemento de su música?
Para nosotros es fundamental y es que, al final, somos artistas. La música es a lo que nos dedicamos, pero la estética que rodea el proyecto, puede llegar a ser igual de importante que las canciones. Al final, cuando estás ofreciendo un material al público, estás creando una experiencia en la que todos los sentidos están relacionados. Por eso, nosotros intentamos cuidar mucho la estética, desde las imágenes que compartimos, hasta los videoclips. Decir que no es algo buscado, ya que para nosotros, el arte viene a ser un todo.
Ahora que estamos empezando a ver la luz después de tres meses en casa, ¿cuáles serán los próximos pasos de In Materia?
Durante el confinamiento, la verdad es que no hemos parado [risas]. Hemos preparado el formato acústico, el videoclip, las redes sociales, componer nuevos temas. Al final, ¿cuáles serán esos próximos pasos? Pues darle continuidad a todo eso. Por el momento, hemos podido reunirnos de nuevo en el local y retomar los ensayos, lo cual ha sido emocionante. Y ahora estamos centrados en crear nuevos temas y, sobre todo, preparar una gira nacional de presentación del disco. Esa gira la teníamos bastante bien diseñada, pero desafortunadamente, todo eso se nos cayó a causa del coronavirus. Así que lo que viene ahora es reiniciar todo eso, porque esto no para.
¿Qué canción de In Materia define mejor el momento en el que estáis y por qué?
Sin duda, tiene que ser una canción del último disco. Yo me quedaría con dos, que son las dos de las que hemos sacado videoclip, «Nunca más de dos» y «Luna 3». Por un lado, ¿por qué nos quedamos con «Nunca más de dos»? Porque supuso el gran salto a otro tipo de sonido, a un sonido de banda grande, con una melodía muy reconocible y cantable. Además, es una canción mucho mensaje, ya que trata sobre el delicado tema de los abusos de menores, el cual hemos intentado tratar con el más absoluto respeto. Por otro lado, «Luna 3» también es un tema muy importante para nosotros porque introduce elementos musicales, como la caja de ritmos. Además de cómo se ha grabado el videoclip, en esta situación excepcional de confinamiento. Digamos que, a nivel musical, «Nunca más de dos» ha sido nuestro gran salto y «Luna 3» pasará a nuestro recuerdo, por la situación que estamos viviendo a día de hoy.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
La mayor locura es seguir en la música después de tantos años juntos, aguantarnos y no matarnos [risas]. Y todo por el amor a lo que hacemos. Creo que es la mayor locura y la más constante. Y es que nosotros somos un grupo de amigos, al fin y al cabo. Aunque cabe decir que el proyecto de In Materia comenzó hace cerca de diez años, sí que tocamos juntos desde hace mucho más tiempo. Y es que, que sigamos siendo una piña después de más de veinte años, me lleva a pensar que lo que nos une es la manera tan especial que tenemos de entender la música. Creo que esa, en sí misma, es la mayor locura de In Materia.
Cuando la cuarentena aparece y se cruza en nuestras vidas, nuestro mejor salvavidas siempre es la cultura. Por eso, necesitamos a alguien como Macaco en lo que a la música respecta. Con el ánimo, el humor y el positivismo que le caracteriza, nos ha presentado su nuevo tema «Confitados», una canción perfecta para emplear como banda sonora. Y, por supuesto, para enamorarnos con la historia de amor que nos cuenta, un tanto atípica, eso sí, ya que está interrumpida por un misterioso bicho. Un tema que llega acompañado de su videoclip, grabado durante el confinamiento, con colaboraciones de lujo, como por ejemplo, la de El Kanka y la de los miles de seguidores de Macaco. Porque sí, la MonkeysFamily ha sido parte importante en este proceso de creación.
«Te vuelo y te vuelo, sobre un recuerdo con velo. Yo que soy más mono que persona, hoy mi piel se envalentona. Un bicho nos hizo la encerrona»
«Te huelo y te huelo como una fiera en celo. Yo mandril y tú leona. De salero a sabrosona. Nos hicieron la encerrona».
Así es como reza la letra de este «Confitados», que vio la luz el pasado 12 de junio. Un relato desenfadado producto del confinamiento, que cuenta sin miedo alguno el drama que supone dejar un paréntesis abierto en una relación. Un relato cuya réplica se la da, de manera magistral, El Kanka, uno de los grandes representantes de la canción de autor en lo que respecta al panorama hispano-latino. Un relato reforzado por el videoclip del tema, que no deja lugar a la tristeza: más bien es todo lo contratio, una inyección de ánimo. Y que, además, implica la colaboración de dos grandes amigos, un magnífico coro de baile y la típica picaresca romántica.
Un tema inédito nacido en esta cuarentena, junto al tema que previamente publicó Macaco, llamado «Sanadoras Voluntades» y que es su particular agradecimiento al personal sanitario. Dos temas que llegan tras su último álbum, que vio la luz el pasado 2019, «Civilizado como los animales». Una canción muy especial esta: y es que «Confinados» está compuesta y producida por Dani Macaco, Karl Thomas Rundqvist y Juan Luis Leprevost.
Los conocimos durante nuestra larga estancia en Madrid y es una de las bandas que, sin duda, nos llevamos de la ciudad allá donde vayamos. Se trata de Celia es Celíaca, quienes están de enhorabuena porque han publicado recientemente el videoclip de «Reinas». Y a raíz de eso, pudimos tener una charla de lo más animada con Celia, la frontwoman de la banda. Además de la alegría que nos dio volver a hablar, también pudimos conocer un poco mejor el proyecto.
¿Cómo surge un poco la idea de este nuevo tema, de «Reinas»?
Normalmente, cuando nosotros estamos componiendo, no lo hacemos pensando en qué vamos a escribir. Sencillamente, escribimos de lo que nos pica en ese momento. Fue bastante guay porque, por lo general, el proceso creativo es bastante distinto. Con este tema, queríamos hacer una versión, pero salió un ritmo bastante guapo y empezamos a tirar de él. Fue como un momento de inspiración. Además, la hicimos en un tiempo record porque teníamos la idea, pero de repente llegó Luis, de Ciudad Oasis, y nos dijo: «¿podríais tener un tema de aquí a 15 días?». Así que rápidamente nos pusimos a ello, la preparamos, hicimos la maqueta, grabamos.
En cuanto a la canción, bueno, tras haber publicado nuestro anterior disco «Despechos de Autor», siempre nos habían dicho: «es como La Oreja de Van Gogh pero con mala leche». Así que con esos comentarios, un poco con ese despecho, me puse a hacer «Reinas», que si te fijas, está hecha con cachitos al revés, de lo que viene siendo «Pop». Pero claro, le hemos dado la vuelta. En vez de «eres la reina del pop», cantamos «ya no hay reina del pop». Todo un poco por hacer referencia a la falta de referentes femeninos en la música, que no es que no los haya, es que no están presentes en el panorama musical reinante, no se les ve.
¿Cómo fue trabajar con Fran Meneses, en lo que respecta a la producción?
Pues la verdad es que moló mucho, porque aunque habíamos escuchado lo que había hecho, no lo conocíamos. Y lo cierto es que tenía ideas muy claras y fue muy rápido y fácil. Además nos ayudó mucho a buscar el sonido con sus sintes y no dejaba de proponernos cosas y de darnos su opinión para mejorar la canción. Y es que todo fue tan ágil y sencillo: nos juntamos un 12 de agosto a las 10 de la mañana y a las 6 de la tarde, ya estaba todo.
¿Cómo ha sido la acogida de este «Reinas» por parte del público?
Pues la verdad es que la gente nos ha dicho que es un tema cañero y que plasma un poco todo lo que somos en directo. Como que «es muy gordo». Mola y sí que es verdad que hemos recibido muy buenos comentarios, pero también creo que a la gente le ha llegado ya en un momento diferente, en plenas fases de la desescalada y estamos ya con otro chip. Así que, verdaderamente, no sé si han escuchado la canción tanto como me gustaría.
El videoclip de «Reinas» ha acompañado el lanzamiento de la canción. ¿Cómo surge la idea de mezclar partes del directo con otras grabadas en casa?
A ver, la idea inicial era hacer un vídeo solo con imágenes del último directo que hicimos en Madrid. De hecho, le pedimos a la gente que grabara con sus móviles la canción de «Reinas» y que después nos lo mandaran. ¿Qué pasa? Que entre que a la gente se le olvida mandártelo, que graban solo un fragmento de la canción o que la calidad variaba mucho, nos dimos cuenta de que el vídeo se quedaba un poco solo, a pesar de que recibimos material muy guay. No teníamos tantos planos como nos hubiera gustado. Así que, en plena cuarentena, tuve la idea de grabarme en casa, con lo primero que tuviera a mano: de ahí las pelucas y el traje brillante [risas]. La verdad es que no sabía qué iba a salir, pero quedó un videoclip curioso [risas].
A nivel de imagen, me ha llamado mucho la atención el arte y la portada del single. ¿Cómo surge un poco?
Pues tiene varias ideas mezcladas. Por un lado, la corona que aparece tiene una pinta muy de realeza, aunque por otro lado, la portada está muy inspirada en el «God Save The Queen», pero claro, aparece con la cara tapada.A la vez que, claro, es mi cara la que sale. De hecho, usamos la foto que normalmente teníamos de perfil. Así que el objetivo era un poco jugar con esa estética y con todos esos elementos que teníamos a mano. Y es que al principio, la idea no es que no fuéramos nosotros los que hiciéramos la portada, pero nos pusimos a hacer brainstorming y surgió esta.
¿Cuáles serán los siguientes pasos?, ¿escucharemos pronto algún tema nuevo de Celia es Celíaca?
Pues de momento, no, aunque estamos trabajando mucho. De hecho, el otro día escuchaba a Leiva diciendo en Buenafuente que no había sido nada creativo esta cuarentena. Pero yo sí, por ejemplo. Y es que con las canciones que han surgido esta cuarentena, tenemos perfectamente para dos discos. Así que ahora estoy atosigando a la banda, para darles una vuelta. Al final, como he tenido yo más tiempo durante la cuarentena, pues me he puesto a experimentar con el tema de la composición, con el tema de tocar instrumentos. Como resultado, tengo bastantes canciones, cada una de su padre y de su madre. Pero nuestra idea es esa, componer y darle forma a lo que tenemos. Pero no publicar nada de momento, porque el año pasado ya sacamos un disco entero y, bueno, fue un proceso largo: es algo que lleva como un par de años previos. Así que ahora estamos replanteamos y mirando opciones, como por ejemplo, la de sacar singles. De todos modos, como ahora es todo tan incierto, porque no sabes cuándo vas a volver a la normalidad, ni cuándo vamos a volver a tocar.
¿Qué canción de Celia es Celíaca identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
¿En el que estamos nosotros o en el que está el mundo? Porque el otro día lo estábamos hablando y creemos que la que mejor define el momento en el que está el mundo, sería «Una Nación», que hace un poco una crítica a cómo los gobiernos se dedican a declararse la guerra, sin importarles todo lo demás. Creo que esta canción nos mueve mucho como concepto, a mí me gusta mucho. Aunque, bueno, si tuviera que elegir una canción que definiera el momento en el que estamos nosotros, sería la última que hemos publicado, «Reinas» [risas].
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Creo que directamente dedicarse a ella. Simplemente, el querer hacer algo dentro del mundo de la música es una locrua, porque es dedicar cuerpo y alma a una cosa que es tu pasión. Además, te quita el sueño y muchas veces no te da de comer, pero te da la vida.
Hay lugares en los que la música se convierte en refugio. Hay lugares que son sinónimo de altavoz. Hay lugares en los que verse reflejados. Hay lugares como Arctic Sessions, la plataforma audiovisual de ArcticWave Studio (Barcelona). Un lugar en el que descubrir nuevos artistas y bandas a través de su música. Si aún no los conoces, ya puedes leer la entrevista que le hicimos hace algunos días a Carlos Dueñas, su fundador.
¿Cómo surge el proyecto de Arctic Sessions?
Nacen a raíz de que yo soy productor en ArcticWave Studio y tengo también amplia experiencia en directos. Y los lives es algo que siempre me ha motivado mucho, además de que tenía curiosidad por ver qué se podía conseguir haciendo directos dentro de un estudio, de manera más controlada y con unos medios mucho más cuidadosos. Todo ello para que la gente viera lo que es la calidad de un proyecto de este tipo, sin artificios y sin necesidad de que esté producido. Así que pensamos que era una idea guay de descubrir a la gente nuevas bandas y artistas, ya no solo de Barcelona, también de otros lugares.
¿Cómo funciona la plataforma y desde cuándo lleva funcionando?
Pues nosotros como estudio llevamos funcionando como cinco años y la plataforma nació un poco porque habíamos visto otros proyectos parecidos de los que nos ocupábamos del sonido. Pero en este caso, decidimos tomar las riendas y nos decidimos a lanzar una plataforma propia, con todos los artistas que quisieran mostrarse en este tipo de formato. De esta manera, Arctic Sessions surgió un verano en el que nos encerramos con ocho bandas y cada día, trabajamos con dos de ellas, a las que grabábamos un par de temas. Teníamos un par de cámaras, tomábamos diferentes planos y mezclábamos en sonido final. Fue una experiencia que nos gustó mucho y desde entonces, decidimos continuar.
En cuanto a la selección de los artistas, ¿cómo es todo ese proceso?
Es un proceso que ha ido evolucionando. Al principio, llegábamos a los artistas que podíamos. Era algo que hacíamos a modo de inversión, como un trabajo de estudio en el cual un equipo de vídeo que también colaboraba, pero todo de manera muy altruista. Y claro, llegábamos a los artistas a los que llegábamos y a los que conocíamos. Pero todo esto fue cambiando, creciendo y evolucionando, llegando a crear un calendario: ahora, vamos programando diferentes artistas, mes a mes por estilo. Creemos que todos ellos tienen algo especial que transmitir a la gente. Por eso intentamos no hacer mucha criba y darle la oportunidad a todo el mundo. Pero también es verdad que al tomar las riendas nosotros, decidimos hacer las cosas que nos gustaban. Y es que en el estudio producimos mucho indie, mucho pop, mucha música urbana. Al final, tomamos la decisión un poco en base a lo que nos motiva, pero intentamos hacer hueco a todo el mundo en nuestro calendario.
¿Crees que hacen falta más plataformas de este tipo, especialmente entre las bandas más emergentes?
Bueno, yo de hecho, creo que hay muy pocos proyectos de este tipo: teníamos Balcony TV, teníamos la cadena impulsada por Movistar y un par más. Pero todas han ido bajando la producción e incluso han desparecido. Eso es algo que cuesta un montón, porque al final tienes que mantener a un equipo y es un trabajo que se hace por intentar ofrecer a la gente un trabajo audiovisual de calidad e intentar que bandas pequeñas lleguen a otro tipo de público. Pero creo que este tipo de plataformas son muy importantes, además de que al trabajo audiovisual tampoco se le da la suficiente relevancia.
En relación a esto, ¿cómo ves el panorama musical actual especialmente en estos momentos?
Creo que la situación derivada del COVID ha hecho que todo el mundo esté aturdido. No sé qué va a pasar, pero no tengo ningún tipo de duda de que el sector musical va a buscar las fórmulas que hagan falta para que, a partir de julio que podamos hacer cualquier tipo de evento al aire libre, se lleven a cabo las miles y miles de iniciativas que seguramente surjan. Lo que tengo claro es que se va a reinventar porque es una industria y si no ingresa un mínimo, no sobrevive. Entonces es básico buscar la fórmula, para que todo vuelva un poco a la normalidad. Un panorama que choca con lo que pasa en el estudio: y es que, puesto que muchas bandas han decidido que no podrán tocar mucho, se han propuesto adelantar su proceso de grabación que a lo mejor tenían para invierno o para el año que viene. Todo para volver a la normalidad el próximo año.Esta es un poco mi visión sobre la situación.
Volviendo un poco a las Arctic Sessions, el último vídeo que hemos podido ver es el de Ginestà. ¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?
Hay bandas con las que trabajamos porque existe una conexión, una compatibilidad. Y en otras ocasiones, trabajamos con sus productoras, sus managers o sus agencias de comunicación. En esta ocasión, lo hicimos todo a través de José Garanto, que es amigo mío desde hace mucho tiempo y trabaja con múltiples bandas. Además él tiene ya como barra libre en Arctic Sessions [risas]. Entonces fue él quien nos propuso a Ginestà para esta sesión y enseguida dijimos que sí. Y la verdad es que son una maravilla, todo fue muy bien con ellos y eso que no los conocíamos. Pero nos propuso a la banda, estuvimos investigando, dijimos que sí y trabajar con ellos fue un gustazo. Es más, están creciendo cada vez más. Así que esperamos que esto les haya servido un poco como escaparate y de ayuda.
¿Cuáles serán un poco los siguientes pasos de Arctic Sessions?
Pues tenemos en mente los próximos pasos que queremos implementar, aunque no sabemos cuándo, porque todo dependerá de cuánto tardemos en recuperarnos de esta crisis. Uno de ellos, que llevamos tiempo planteándonos, es el de hacer Arctic Sessions en streaming. Normalmente, nosotros lo que hacemos es grabar los vídeos, los producimos y los emitimos. En este caso, lo que queremos es que sea más inmediato y que tenga esa sensación de live, pero con una calidad increíble. Pero este es un reto muy grande, porque hay muy pocas opciones de que eso funcione: es algo complejo que solo las televisiones consiguen. El siguiente reto que nos planteamos es el desplazarnos, dentro de unos años, a otro estudio, un poco más grande para darle otro plató a los vídeos y para tener más capacidad de logística. Pero poquito a poquito.
Durante este tiempo que Arctic Sessions está funcionando, ¿recordáis algún momento especial que recordéis con mucho cariño?
Yo creo que a veces hay proyectos que no te imaginas que van a llegar tan fuerte. Es como, por ejemplo, cuando grabamos a María Rodés, que hizo una versión muy bonita. Ella es amiga desde hace mucho tiempo y se lo propusimos y dijo que sí, además fue de las primeras. Pero cuando empezamos a grabar y escuchamos la canción, se creó un aura bastante mágica a nivel . Quedó muy bonito ya la verdad es que terminamos muy contentos. Ese fue un momento muy especial. Por lo demás, nos ha pasado de todo, como accidentes [risas].
De los que han pasado por Arctic Sessions, ¿qué artista ha sido un descubrimiento a nivel musical?
Pues hay varios artistas que nos han sorprendido. Maïa Vidal fue increíble: fue de los primeros que hicimos y ella tiene un talento inmenso. Pavvla nos gustó mogollón. Fue de los primeros que hicimos y lo grabamos cuando ella apenas tenía un single en la calle y nunca lo llegamos a sacar, lo publicaremos. Además, creció tanto, que volvimos a hacer otra al año siguiente, porque lo cierto es que también tiene mucho talento. Marta Pérez fue otra de las artistas que nos sorprendió. No la conoce mucha gente y es increíble, me alegro mucho de haber podido trabajar con ella. Además de Penny Necklace, Ana Biermann, Intana, CARLA. Todas ellas han sido un gran descubrimiento y nos han gustado mucho, aunque a algunas de ellas no las conocíamos mucho. A muchos otros ya los seguíamos y conocíamos su trayectoria previa, pero también hemos disfrutado mogollón.
Por cerrar un poco, ¿con qué artista os gustaría trabajar y aún no ha pasado por Arctic Sessions?
Es que hay muchísimos, yo tengo ganas de trabajar con muchos artistas. Es infinita la lista [risas]. Pero nos gustaría y tenemos pendiente a bandas como Dorian, Mi Capitán, Miss Caffeína. Grupos más consagrados con los que nos encantaría trabajar. Luego hay bandas más pequeñitas con mucho talento con las que también quisiéramos grabar. Por mí, haríamos un montón, así que no te puedo decir uno exacto. Aunque sí que te puedo decir el siguiente, que con todo lo del confinamiento y el COVID-19 quedó paralizado, que es Ferran Palau. Pero llegará.
Un jueves cualquier en medio de la desescalada y el camino hacia la nueva normalidad. Tenemos una misteriosa cita de manera online con nuestros amigos de Music Hunters y con un artista al que desconocemos, pero que nos va a presentar su proyecto. Solo hemos podido escuchar una de sus canciones: «Voz Interior». Y la verdad es que nos encanta ese estilo tan personal, ese sonido que viaja entre el indie y el rock y esas letras que te hacen reflexionar. Se trata de Basilea, tras el que se esconde el artista barcelonés Jon Oyster.
Conociendo a Basilea
Ya con el telón alzado, Jon Oyster se presentaba ante la prensa como Basilea. Una banda nacida en el año 2018 y asentado en Barcelona, el joven artista nos habló con una sinceridad abrumadora sobre su proyecto personal. Un proyecto con el que ha irrumpido rápidamente con su primer tema, «Voz Interior», que ya ha visto la luz en exclusiva, aunque seá el 12 de junio cuando esté disponible en todas las plataformas digitales. Una canción de lo más especial que se alza como un verdadero himno dentro del género indie-rock. Una gran promesa que, estamos seguro, será uno de los mayores descubriemientos del año.
Influenciado por bandas como Love of Lesbian, Miss Caffeína, Dorian, Sidonie o Lori Meyers; Basilea ha conseguido encontrar su propio hueco y un sonido muy particular, notable tanto en el tema original, como en acústico, a pesar de que ambas versiones sean muy diferentes. Tiene algo que engancha, que hace que lo escuches una y otra vez, algo que enamora.
Una pequeña semilla que ha comenzado a germinar sin descanso, tras un extenso periodo de reflexión, tras haber lanzado su primer trabajo, grabado entre Dept 17 Studio y Groove Factory Studio. Proyecto al que se han sumado profesionales como Victor García en la producción y Álex Carretero en la co-producción y mezcla. Además, fue clave la colaboración de Tony Mateos (Groove Factory Studio) y Juanjo Muñoz (Catmastering).
Hay discos que son especiales, ya no solo para el público, también para los propios artistas. Es el caso de «La mejor defensa» de Carlos Cros, quien después de años de haberlo lanzado, se ha decidido a publicar la revisión extendida del mismo. Y es que no hay mejor manera de despedir un álbum que ha significado y significa tanto.
Una nueva versión con temas convertidos en himnos y con canciones inéditas, concebidas especialmete para este disco. Eso sí, no hay disco especial sin colaboraciones. En este caso, aparte de la de Carlos Cros, también podemos contar con las voces de Santi Balmes, Marc Ros, Delafé, Coque Malla, Maria Rodés, Miqui Puig y Santi Campos, quienes han impregnado de magia todos los temas.
«Estas canciones nuevas son muy especiales para mí porque una de las cosas más divertidas de este oficio es sorprenderte a ti mismo». Como resultado, tenemos canciones tan dispares como únicas. Un viaje en el que pasamos del calypso o los coros salseros, a los sonidos clásicos de Elvis Costello y Nick Lowe, pasando por el power pop o los ritmos más 70’s. Canciones de amor, de desamor y de todas aquellas pequeñas cosas que no sabemos ver y que nos sacan de nuestra cotidaneidad. Canciones que esconden una gran honestidad y una increíble dulzura tras de sí.
Con una carrera impecable y con un reconocimiento muy particular, Carlos Cros es creador de pequeñas joyas musicales con sabor a pop. Y es que entre sus últimos hitos, destaca haber sido seleccionado por GPS (Girando por salas) para realizar una gira de seis fechas por la geografía española. Aunque debido a la complicada situación que estamos viviendo, se celebrará a finales de este 2020.
A raíz de todo ello, hemos podido hablar con el artista Carlos Cros. ¡La entrevista completa está disponible en nuestro canal de YouTube!
Ya hemos hablado en diversas ocasiones sobre ella, pero es que su talento es innato, aunque le viene de familia. Ahora, Dora vuelve a sorprendernos con su nuevo single «Hoy», el segundo de ellos en español, tras «Ojos de Serpiente». Pero previamente ya había debutado con «Call Me Back», «Saving Star», «Home» y «Stay».
¿Qué hay tras el «Hoy» de Dora?
Si hay algo que llama la atención de este «Hoy», es que podemos ver a una Dora sin artificios y sin miramientos. Tan solo acompañan una guitarra, un bajo y un bombo. Elementos que hacen deslumbrar aún más la voz de la joven artista, que nos canta y nos habla sobre un amor adolescente que se evapora y que está destinado al fracaso. Una canción que podría ser el cierre para un amor urgente que no ha dado frutos; para ese intento de vuelta de un ex, la sentencia para un fallido amor virtual o esa relación no correspondida.
A nivel técnico, Pional ha vuelto a estar a los mandos de este «Hoy».Una producción que ha dado como resultado un tema crudo y frontal, delicado y contundente.
En cuanto al arte, muy cuidado en todo lo que respecta al proyecto encabezado por Dora, la artista ha vuelto a sorprender. Por su parte, la portada del single ha corrido a cargo del ilustrador madrileño Manuel Donada, quien ha sabido reflejar a la perfección todo el universo sonoro de Dora. Una portada que refleja una inquietante imagen con múltiples capas, con múltiples elementos.
Mientras que, por otro lado, el vídeo que acompaña a «Hoy», mantiene el espíritu de sencillez del propio tema, mostrándonos a una Dora sin filtros, una Dora que nos invita a seguir muy de cerca todo su crecimiento musical y artístico de la joven. Y todo a tiempo real.
Hay canciones que permanecen intactas durante años, manteniendo la misma esencia con la que nacieron. Ejemplo de ello es «Heroes» de David Bowie, tema que habla del privilegio de mantenernos con vida un día más. Un tema concebido en un momento clave de nuestra historia, en pleno corazón de Berlín, durante la época en la que el artista vivió en la capital alemana. Y es que en el momento de su creación simbolizó un auténtico momento histórico: la caída del Muro.
«Un día nada más, podemos ser héroes» ~ David Bowie.
Así rezaba esta canción de David Bowie, convertida en un himno internacional que, ahora, años después vuelve a cobrar sentido. A raíz de la crisis provocada por el COVID-19, numerosos artistas se han unido para interpretar la adaptación al castellano de este tema, de Parálisis Permanente. Todo con el objetivo de homenajear a nuestros héroes anónimos, los que han luchado por nosotros, nos han protegido y nos han curado. Y también por todos aquellos que han permanecido durante más de dos meses, metidos en sus casas.
Así es como artistas y bandas como Shinova, Miss Caffeina, Dorian, Javiera Mena, Mikel Erentxul, Elefantes, Second, La Habitación Roja, La Bien Querida, Full, Rayden, Varry Brava, Delaporte, Ainoa Buitrago, Izal, Jacob Mey, Jacobo Serra, Molina Molina, Nunatak y Veintuno han puesto voz y música a esta canción, estando también bajo los mandos de Manuel Colmenero, de los Estudios Sonobox. A su vez, la portada del single es obra de la diseñadora Luz Tato, mientras que el videoclip es firma de la productora GatoBala Films. Multitud de voces que consiguen rozarnos el alma y emocionarnos.
Todos los artistas han participado de manera altruista en este proyecto. Además, todos los beneficios económicos obtenidos de la explotación de este «Héroes», irán destinados íntegramente a Cruz Roja Española.
«En la distancia, fuimos uno. En la rutina, extraordinarios»
Hay historias que trascienden el paso del tiempo, canciones que te acompañan incluso antes de concebirlas, libros inspiradores que te convierten en lo que eres a día de hoy. Este es el relato de cómo fue concebida «Desde Otro Lugar», probablemente el tema más especial de la banda sevillana Maga.
Verano del año 2000, Miguel Rivera y Javi Vega coincidían en una piscina comunitaria del extrarradio de Sevilla. La conversación giró en torno a una novela que ambos habían leído unos meses antes. La portada de ese libro era una infantil rayuela de tiza blanca sobre fondo verde. Tuvieron que pasar 19 años para que ambos se pusieran a trabajar en la maqueta de un nuevo tema que, pronto, supieron que no iba a ser como los demás. Por eso, quedaron rápidamente con Javi y decidieron que era el momento de volver a reactivar Maga.
Era también el inicio de «Desde Otro Lugar». «Y volvió a aparecer la rayuela que ilustraba la primera edición del famoso libro de Cortázar que dio nombre a nuestra quimera. En ella se parte de la Tierra y tras tirar una piedra a cada una de las nueve casillas sin rozar la raya consigues nada más y nada menos que llegar a el cielo». Casillas que son sinónimo de una nueva etapa, de una nueva canción, una vivencia, un amor, una pérdida, una certeza o una incógnita. Piezas de un mismo puzzle, de la colección de temas que la formación sevillana está concibiendo a día de hoy.
¿En qué casilla estábamos ahora? ¿En qué casilla está nuestra canción? ¿Cuánto nos queda si somos capaces de no rozar la raya y volver atrás para llegar al cielo? ¿Queremos seguir jugando? La respuesta siempre será «Desde Otro Lugar»
Una canción de lo más especial para Maga, ya que encierra la tierra y el cielo de su universo, el origen y el destino de la música que llevan veinte años componiendo, grabando y tocando en directo, un tema que podría ser el remate para el círculo perfecto que envuelve al grupo, pero que es solo el comienzo de una nueva y entusiasmante etapa.
«Desde Otro Lugar» ya es nuestra, tras haber sido concebida en los Estudios Pimodán de Granada, junto a Noni (Lori Meyers) y Anni B Sweet, quienes colaboran en los teclados y en los coros, respectivamente. Además de haber participado en la producción del tema junto a Javier Doria (Lori Meyers) y los propios Maga. La canción ha estado acompañada de una pieza audiovisual de la que se ha encargado César Díaz.
Mencionabas a Eduardo Figueroa, ¿cómo fue trabajar con él a la producción?
¿Cómo ha sido la acogida de «Este Devenir» desde que vio la luz?
De Operación Triunfo a toda una gira nacional
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo del álbum, y también, cómo fue la búsqueda de ese sonido propio?
Un videoclip casero en el que. aún así, se cuida mucho la imagen. ¿Qué importancia tiene esta para In Materia y como complemento de su música?
«Te vuelo y te vuelo, sobre un recuerdo con velo. Yo que soy más mono que persona, hoy mi piel se envalentona. Un bicho nos hizo la encerrona»
El videoclip de «Reinas» ha acompañado el lanzamiento de la canción. ¿Cómo surge la idea de mezclar partes del directo con otras grabadas en casa?
En cuanto a la selección de los artistas, ¿cómo es todo ese proceso?
¿Cuáles serán un poco los siguientes pasos de Arctic Sessions?
¿Qué hay tras el «Hoy» de Dora?
