Javier Sólo acaba de firmar su regreso con la publicación de su nuevo tema «Lunáticos en Marte», canción que supone el primer adelanto del que será su próximo álbum. Con un punto más rockero del habitual, Sólo se despacha a gusto en este single, mostrando su lado más canalla y fusionando su voz con un autentico clásico del Rock & Roll nacional como es Fernando Madina, vocalista y líder de la mítica banda Reincidentes. Un trabajo completamente redondo, que ha sido grabado en Divertimento Studio, bajo las directrices de David Palau (guitarrista habitual de Alejandro Sanz, Serrat, Joaquín Sabina o Miguel Ríos) y la producción de Carlos Narea.
Pero, ¿qué hay más allá de esta canción? El propio artista catalán nos lo explica: «Vivimos inmersos en una realidad contradictoria, la justicia, la impunidad, el bien y el mal conviven entre nosotras y nosotros, y de todo ello habla Lunáticos en Marte. Una historia de amor sirve como hilo conductor para preguntarnos si somos libres o esclavos de nuestros deseos y pensamientos. Una canción de amor y rabia escrita en España para el mundo».
El amplio recorrido de Javier Sólo
Quince años de carrera, dos álbums, un EP y multitud de colaboraciones con artistas como Lichis, Litus o Daniel Higiénico. Javier Sólo está llamado a convertirse en uno de los grandes referentes dentro del circuito de la música de autor y el rock nacional. Un músico que no para de componer, crear y girar con sus inestimables compañeros de La Banda del Vecino. Sin duda alguna, un amplio recorrido que lo llevará, próximamente y si las circunstancias lo permiten, a actuar en México, país en el que el artista tiene toda una legión de seguidores.
Y esta es solo la punta del iceberg de todo lo que está por venir: se avecina alguna que otra colaboración y algún videoclip con imágenes de estudio. Pero mientras llega ese momento, seguid dándole cariño a este recién estrenado «Lunáticos en Marte».
Un talento innato y una gran sensibilidad. Así es Didirri, un auténtico torbellino de emociones que sabe volcar en todas y cada una de sus canciones. ¿Tenéis dudas? Pues escuchad su último trabajo «Sold For Sale». Y leed también la entrevista que le hicimos hace unos días.
¿Cómo nace el concepto de «Sold For Sale»?
«Sold For Sale» viene de un conflicto interno que tuve como artista. El sentirse perpetuamente en dos lugares a la vez. Por momentos, siento que mis mejores logros quedaron atrás y en otros, siento que acabo de empezar. Me di cuenta de que esto se había filtrado en mí y en cómo veía mi vida personal también. Muchos capítulos que terminan y otros tantos capítulos que comienzan, todo eso de manera continuada. Y las canciones están vagamente ligadas a estos conceptos a lo largo del disco.
¿Cómo fue el proceso de creación y composición?
El álbum se creó en En tres zonas horarias diferentes. Los últimos temas del EP se crearon en un casa en la zona rural de Victoria, lo cual fue una experiencia muy aislada, pero con muchas manos en la masa trabajando a la vez. Luego «The Critic» y «Loose Belt Drive» se grabaron en Los Ángeles al atardecer, con el productor Joe Chiccarelli. Y, finalmente, la primera pista del disco y la que da título al disco se hicieron de forma aislada a través de Internet con múltiples estudios involucrados. Mi baterista estaba a tres horas de distancia y mi productor, al otro lado del mundo.
¿Cómo fue trabajar con los productores Joe Chiccarelli y Dann Hume?
Ambos son productores fenomenales. Fue un experimento genial para mí. El que tuvieran tantos discos en su catálogo, realmente ayudó a guiar la dirección del nuestro. Crear este trabajo en múltiples estudios no fue el proceso más fácil, pero estoy muy contento con el resultado final.
¿Cómo crea Didirri su sonido?
Todo empieza con una primera melodía, normalmente con una voz y su acompañamiento de guitarra o de piano. Y todo lo demás se construye alrededor de ello, experimentando mucho.
¿En qué se inspira Didirri y cuáles son sus principales influencias?
Mis principales influencias provienen de otros medios. A menudo recurro a pintores y a la historia creativa de otras personas para estimular mi flujo creativo. No puedo negar que he sido influenciado por muchos artistas populares a lo largo de los años. Bob Dylan, Bon Iver, Joni Mitchell y Glen Hansard, por nombrar (más…)
Nosotras ya nos podemos dar por satisfechas. Satisfechas porque La M.O.D.A está de vuelta y nunca mejor dicho: «La Vuelta» es el nuevo tema de la banda burgalesa que, de esta manera, nos acerca al que será su próximo álbum de estudio, tras tres años en silencio. Una canción intimista y muy personal, llamada a convertirse en himno a pesar de llevar tan solo cuatro días en la calle. Una canción a la que no le ha faltado su videoclip, cuya sensibilidad y sencillez, lo convierten en una auténtica joya, esculpida por la directora Laura Sisteró y protagonizada por Aleix Esteban.
El combo ideal entre lo musical y lo visual, el adelanto perfecto de «Ninguna Ola», el nuevo trabajo discográfico de la formación, que llegará a nuestras vidas el próximo viernes 11 de diciembre. Pero, ¿qué sabemos de este nuevo disco? Por lo pronto, muy pocos detalles, ya que es una noticia que nos ha pillado un poco de sorpresa, y las últimas y enigmáticas publicaciones en redes sociales han sido la mejor prueba de ello. Eso sí, lo que La Maravillosa Orquesta del Alcohol ha avanzado, ha sido lo siguiente: «Este trabajo está inspirado en el cambio y hemos estado los dos últimos años componiéndolo». Un total de diez perlas que han sido grabadas durante los últimos meses entre Lisboa, Madrid, Barcelona y Andoain, y todo bajo los mandos del increíble y especial Raül Refree.
Lo único que parece claro es que este tema, «La Vuelta» es la primera muestra clara del nuevo rumbo que ha tomado la banda en lo que respecta a la producción. Un rumbo que tomará forma en este nuevo álbum, «Ninguna Ola» y que, sin duda alguna, los solidificará, aún más si cabe, como una de las bandas de rock alternativo más importantes de esta última generación. De nuestra generación.
Año tras año, es una de nuestras citas ineludibles, nunca fallamos. Y es que los Premios MIN se han convertido en una de las galas por excelencia. De ahí la pena este 2020, ya que la cuarentena llegó un poco antes de que se pudieran librar los premios. Una cita pospuesta que, por segunda vez, no tuvo lugar y que, al final, se ha celebrado de la manera más atípica posible. Tan atípica que la terminamos siguiendo desde casa el pasado viernes 16 de octubre, a través de Movistar+.
Las actuaciones estelares de la noche
Con gran maestría, Leonor Watling y Arturo J. Paniagua condujeron una gala de lo más extraña, debido a la situación que estamos viviendo. A pesar de todo, no faltaron las ganas de pasarlo bien, igual que tampoco faltaron los mensajes de ánimo hacia uno de los sectores más castigados a causa de la pandemia. Siguiendo la dinámica de anteriores ediciones, la entrega de premios se intercaló con actuaciones en vivo. Así es como revivimos la interpretación de Novedades Carminha de «Hay un sitio pa ti», directamente desde los Estudios Metropol. O la de la cantante urbana Aleesha, que junto a varias compañeras bailarinas, realizando un espectacular mash un de «Ganas», «Live Nicki» y «56», todo ello desde la Sala Apolo. O la actuación de Guitarricadelafuente desde la mismísima Plazaa del Trigo de Aranda de Duero, desde donde tocó su tema «Ya mi mamá me decía». Y, por supuesto, el maravilloso cierre de la gala en el que sonó el tema de Camarón, «Volando Voy». Eso sí, en boca de Kiko Veneno, Anni B Sweet, Carlangas de Novedades Carminha y Rodrigo Cuevas.
Pero, ¿quiénes fueron los grandes premiados?
Sin duda alguna, los que más despuntaron en esta gala de los Premios MIN 2020 fueron Novedades Carminha, al alzarse con tres de los galardones, en las categorías de Mejor Álbum Pop por «Ultraligero», Premio Fluge al Mejor Artista y Premio Ticketmaster al Mejor Directo. También Kiko Veneno, que además de alzarse con el Premio de Honor Mario Pacheco, se llevó también otro Premio MIN por Mejor Álbum por «Sombrero Roto». Sin olvidarnos de Anni B Sweet y sus galardones: Premio Radio 3 a Mejor Canción del Año y el Premio SAE Institute a Mejor Producción. Y Rodrigo Cuevas, que fue el Mejor Artista Emergente y el Mejor Álbum de Músicas del Mundo y Fusión, por «Manual de Cortejo».
Pero hubo muchísimos más premiados: Califato ¾ con «Puerta de la Cânne» (disco de electrónica), «Remixes y Regalos» de Kase.O (mejor disco de música urbana), Zenet y «La Guapería» (mejor grabación de jazz), «Balanceo» de Cala Vento (Premio Gibson al mejor álbum de rock), «Cuatro» de Las Migas (mejor álbum de flamenco), «El baile perdido» de Raquel Andueza & la Galanía (mejor trabajo de música clásica), «Aitzstar» de Niña Coyote eta Chico Tornado (mejor disco en euskera), «Per la bona gent» de Manel (disco en catalán), «Segundo Fogar» de Os Amigos Dos Músicos (álbum en gallego), Premio Sol al Mejor Videoclip para Zahara con «Con las ganas (versión 2009)», «Nacer en Marte» de Lidia Damunt por el mejor diseño y, por fin, Nic Cave & The Bad Seeds como mejor artista internacional.
Era un concierto de lo más esperado y nosotros no nos lo quisimos perder. Ana Tijoux llegaba a Madrid para acortar distancias entre Chile y España. Y vaya si lo consiguió. El Teatro Fernando Rojas del Círculo de Bellas Artes tembló al son de las canciones de la polifacética artista, que dio un gran espectáculo. Concierto de lo más especial que estuvo enmarcado en el ciclo musical «Frontera Círculo» y en el que no faltó ninguno de sus grandes temas, ya convertidos en himnos.
Ella, que no falla, volvió a dar voz a los invisibles, a todos los sometidos, a todos los callados. Ella, que no falla, volvió a ser la máxima defensora de la mujer y de su lucha por la igualdad. Y, por supuesto, ella, que no falla, volvió a ser el grito que América Latina necesita en su batalla en pro de la libertad. Y es que, sin duda, Ana Tijoux es una de las grandes referentes musicales del siglo XX y del XXI, utilizando el hip hop como herramienta para remover conciencias, su mejor arma para combatir contra las desigualdades, siendo el pueblo el único capaz de cambiar las cosas. Ejemplos de todo ello son sus temas «Libertad» (de la BSO de «Pacto de Fuga»), «Antifa Dance», «No Estamos Solas» (de la serie «La Jauría»), «Cacerolazo», «Somos Sur» y, por supuesto, su último single «Rebelión de Octubre».
Toda una vida de activismo y lucha que comenzó con su banda Makiza y que la llevó a seguir peleando en solitario, alzándose como una de las figuras indispensables de nuestro panorama musical, siendo capaz de traspasar fronteras y océanos, y de convertir sus canciones en himnos comunes. Un intenso trabajo que le ha valido grandes reconocimientos, como un Latín Grammy (2014) o varias nominaciones en los MTV Awards, MTV Vídeo Music Awards, Indie Music Awards y Premios 40 Principales.
Su figura, se ha tornado ya indispensable en nuestra sociedad. Una figura capaz de desprender magia por todos sus poros. Una figura capaz de inundar todo un teatro, en uno de los momentos más complicados y crueles que estamos atravesando. Y es que solo ella pudo hacer vibrar, hacer temblar a todo el Círculo de Bellas Artes.
Su música es el combo perfecto entre el inglés y el español. Su música atraviesa otras artes hasta llegar al cine o a la televisión. Su música es la unión indisoluble entre Yuri Méndez, él; y Pájaro Sunrise, su proyecto. Hace unos días nos adentramos aún más si cabe en el particular universo de este artista, que ha lanzado recientemente sus dos nuevos temas: «Barcelona» y «Madrid». Andéntrate tú también, leyendo la entrevista que le hicimos.
¿Cómo surgen estas dos nuevas canciones , «Madrid» y «Barcelona»?
Pues cada una de ellas surge de una forma. Sí que es verdad que desde hace un tiempo tengo la idea de dejar de hacer canciones en inglés, como todas las de Pájaro, para comenzar a escribir temas en español, por tener opción también de estar aquí y entrar en radios, además de porque es algo que me gusta. Entonces, el año pasado me atreví con ello. Ya durante el confinamiento, me puse a grabar algunas de las canciones. Y hubo un día que, haciendo otras cosas, me acordé de que tenía la canción de «Barcelona» en el ordenador y decidí sacarla, con su respectivo videoclip. Para ello, pedí a la gente que me enviaran fragmentos de vídeo desde sus casas. La saqué justo en este momento porque era una situación extraña y me pareció buena idea, en vez de esperar a tener un disco.
Respecto a «Madrid», este tema forma parte de la banda sonora de una película que se llama «El arte de volver», de Pedro Collantes, que se estrenó hace apenas unas semanas. De hecho, la canción tiene mucho que ver con la temática. Además, me pareció buena idea sacarla ahora al hilo del film, que estaba en el Festival de Cine de Venecia; y porque seguía mucho con la tónica de mis temas, del hecho de usar lugares como inspiración. «Madrid» habla de la ciudad, pero también puede hablar de una persona.
Precisamente quería preguntarte si estas dos ciudades tenían alguna simbología para ti y si escucharíamos alguna canción más en esta línea.
No me gusta mucho interpretar las canciones ni darles una explicación concreta, porque si no no las escribiría. Para mí son como una amalgama de recuerdos, ambientados tanto en la ciudad como de personas que han estado allí o de cosas que me han sucedido en el lugar. Aunque la ciudad es el hilo conductor, lo que intento trasladar son mis propias sensaciones sobre Madrid o sobre Barcelona.
Comentabas que «Madrid» forma parte de la banda sonora de «El arte de volver». ¿Cómo has vivido el hecho de que contaran contigo para ello?
Lo he vivido bien (risas). En realidad, ha sido la segunda película para la que he hecho una banda sonora entera. Y es que, además de tocar con Pájaro Sunrise o de producir, a lo que dedico la mayor parte del tiempo es a hacer música para publicidad o cosas de televisión. Así que en este caso no está muy lejos de eso, salvo por el gusto de hacerlo y por el cariño invertido en el proyecto por parte de Pedro Collantes y por parte de todo el equipo de la película. La verdad es que fue muy halagador participar, porque la música es algo que importa mucho. También es cierto que supone una gran responsabilidad, pero me gusta mucho. Hacer bandas sonoras no lo veo como algo ajeno, es algo a lo que me dedico desde hace mucho tiempo, así que trabajo con mucho placer.
¿Cómo es el proceso de creación y composición de las canciones de Pájaro Sunrise?
En realidad no hay ningún método, depende mucho de las épocas. Es cierto que al principio, era muy sencillo, porque cogía una guitarra y me ponía a tocar, hasta que encontraba algo que me gustaba y seguía por ese camino. Así hasta que me he ido acostumbrando, que he ido tocando otros instrumentos o que he ido experimentando con otros sonidos, ha variado. Si me pilla en un momento en el que estoy obsesionado con las cajas de ritmos, probablemente termine montando canciones encima de ellas. Creo que necesito que vaya cambiando la forma de componer, para no aburrirme. Para mí tiene mucho de juego y al final, se trata de montar y desmontar las piezas de diferentes formas.
¿Y cómo ha evolucionado Pájaro Sunrise desde su primer trabajo en 2006 hasta ahora?
La pregunta es más difícil de lo que parece (risas). Hay algo muy distinto y es que cuando nació Pájaro, empecé con Pepe López. Entonces hay una parte de las canciones que hacíamos entre los dos, además de que cualquier cosa, teníamos que consensuarlas. Sin embargo, poco después continué yo solo con el proyecto, más allá de las colaboraciones en paralelo que pudiera tener. Ya solo dependía de mí qué sí y qué no entraba en los siguientes discos. Algo debería haber aprendido algo desde entonces, porque han pasado muchos años. Pero creo que lo esencial permanece intacto. Es una sensación que, comentándola con amigos, a todos nos pasa, y es que el tiempo pasa por ti, porque pasa, pero tú te sientes igual. Por eso digo que para mí es el mismo proceso y como te comentaba, es como jugar a un mismo juego, pero cambiando las piezas, experimentando. Pero no sé hasta qué punto hay más cambio que el cambio natural de los años. Y es que, al final, la música también cambia y me he ido moviendo un poco al son de eso.
¿Cuáles serán los próximos pasos de Pájaro Sunrise?, ¿podremos escuchar algo nuevo próximamente?
Pues no tengo ni idea de lo que voy a hacer. Sí que habrá canciones nuevas, ya que mi idea este año es escribir y grabar. Sí que voy teniendo cosas, lo que no sé es qué pasará y qué podré hacer tal cual está la cosa por culpa de la pandemia, ya que hay todavía mucha incertidumbre con el tema de los conciertos. Por eso no veo mucho sentido a hacer un plan, si no sabemos lo que podremos hacer ni cuando. Así que mi idea hace un mes, que puede cambiar el mes que viene, era seguir haciendo canciones sueltas sin mucho plan. También creo que eso es un poco lo de menos, también por cómo veía el panorama independiente previamente a la pandemia: al final, da igual que vayas sacando singles sueltos o que publiques un disco. Si ocurren las cosas que tienen que ocurrir para que lleguen al público, seguirán su propio camino. Todo lo demás es independiente. Por eso yo prefiero dejarme llevar y no me preocupa nada.
¿Qué canción de Pájaro Sunrise identifica mejor el momento en el que estás y por qué?
No sé si define el momento en el que estoy yo, pero hay una canción que se llama «This Vision». Es una canción oscura que habla sobre cosas que se terminan y sobre el no saber qué viene después. No estoy en ese momento del todo, porque no me siento oscuro, pero sí que veo oscuro el panorama, que está plagado de incertidumbre.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
¿Por la música? Probablemente invertir toda mi vida (risas). Hubo un momento con 21 o 22 años, que decidí que quería tocar y prácticamente no sabía hacerlo (risas). Pero dejé de estudiar, me marché de León, que es donde nací, y me fui a Madrid sin conocer a nadie. Solo sabía que quería dedicarme a la música. Al final salió bien, pero en ese momento fue una auténtica locura.
Sara Curruchich está aquí de vuelta con nuevo tema y videoclip, del tema «La Siguanaba». Una canción que alza la voz en defensa de la mujer, un himno en pro de la igualdad de derechos y en contra de la violencia. Y es que esa es la propia esencia de Sara, es la propia representación de la lucha, del poder. Y más en Guatemala, donde ser mujer es un auténtico acto de resistencia y de rebeldía. Ser mujer maya kaqchikel y artista es, en sí mismo, una declaración política, pero también un gesto radical hacia la vida.
Un acto de empoderamiento que la misma artista traslada a su música, siendo la primera cantautora indígena guatemalteca en llevar sus cantos a nivel internacional en kaqchikel, su idioma materno, y en español. Y bajo este concepto, vio la luz su álbum debut «Somos». Un verdadero tejido sonoro de canciones sembradas e hiladas para aportar luz a la lucha por los derechos de las mujeres indígenas, los pueblos, la tierra y la diversidad del mundo. Un cántico en contra del racismo, la violencia y las injusticias. Un grito de amor, de resistencia y de ternura. Concebido con la inestimable ayuda de Gambeat (productor) y la colaboración especial de Amparanoia, «Somos» baila entre diferentes géneros como el rock, el folk y la música tradicional maya kaqchikel.
Sara Curruchich, artista y referente
Aunque ha irrumpido recientemente con su álbum debut, lo de Sara Curruchich es auténtico talento. Un talento que demostró el pasado mes de marzo sobre el escenario del Zócalo de la Ciudad de México, durante el Festival Tiempo de Mujeres, en el marco del Día de la Mujer. Del mismo modo que también actuó en suelo azteca en el Foro del Tejedor, un popular escenario musical ubicado en la Colonia Roma. Además ya ha sido reconocida como Artista Revelación por la Fundación Dante Alighieri en 2015, y, en la misma categoría, en los Premios Estela en 2017. Carrera extensa, plagada de música y de éxitos.
Es una de las grandes referentes femeninas del panorama musical internacional. Ella es la eléctrica, potente y activista Ana Tijoux, que llega este mismo sábado 17 de octubre directamente desde Chile hasta España. Madrid acogerá uno de los conciertos de la talentosa rapera, compositora, letrista y arreglista chilena. Y es que, para quien todavía no lo sepa, Tijoux actuará en el Círculo de Bellas Artes, en el circuito musical Frontera Círculo.
Ana Tijoux como referente musical
La conocíamos junto a su banda de rap Makiza, con la que luchaba activamente contra el régimen militar chileno. Sin embargo, poco después pegó el salto en solitario. Era el año 2007, y su discurso, su lucha por el feminismo y su activismo permanecían intactos. Una base en la que se ha sustentado toda una carrera que no ha hecho más que cosechar éxitos: cuatro álbumes de estudio, un Latín Grammy (2014) y varias nominaciones en los MTV Awards, MTV Video Music Awards, Indie Music Awards y Premios 40 Principales. Sin olvidarnos de un quinto trabajo discográfico y un primer libro de poesía en camino.
El ciclo Frontera Círculo
Frontera Círculo nace como sello en 2009, con la intención de abrir las puertas del Círculo de Bellas Artes a esa música fronteriza e independiente que transita en paralelo a los canales convencionales de producción, distribución y exhibición musical. Desde ese momento, el sello no ha dejado de evolucionar hasta este momento, generando tras de sí todo un movimiento y todo un circuito que trata de acercar al público a unas propuestas musicales mestizas, fronterizas, variadas. Una especie de festival en patito comité que este año, contará con la presencia de nuestra querida artista chilena o la de Susan Santos.
Así que sin más dilación, recordamos que este sábado 17 de octubre tenemos cita en el Círculo de Bellas Artes con Ana Tijoux. Si no tienes tu entrada todavía, ¡corre! Puedes conseguirla en Eventbrite (puedes pinchar aquí).
Hola Chica están de estreno: el vídeo grabado en directo de «Off My Mind» está ya fuera. Ya es nuestro el clip de esta canción incluida en «Marbella», el que fuera el último disco de la banda barcelonesa. Un track downtempo con melodías y paisajes sonoros oníricos ambientales, muy en la línea en la que nos tenían acostumbrados en sus anteriores composiciones. Una canción que, además, habla sobre el enamoramiento y la excitación que nos provoca salir de la monotonía y romper con la normalizada realidad digital, en la que estamos sumidos día a día: vivimos por y para las pantallas, por y para los aparatos electrónicos, siendo incapaces de apagar nuestra mente y descubrir el mundo que tenemos frente a nuestros ojos.
«Off My Mind» llega unos pocos meses después de que viera la luz «Marbella», disco en el que está incluida la canción. Y llega con un especial vídeo grabado hace algunas semanas en directo. Barcelona se convierte en el escenario ideal para reivindicar la importancia de la música en directo, especialmente en estos momentos tan extraños y particulares. Una manera perfecta de recordar, una vez más, que la cultura es segura. Y, sobre todo, necesaria.
Sin duda, la pieza audiovisual de «Off My Mind» llega en el momento preciso, como una auténtica píldora de energía y de esperanza, en un momento de incertidumbre total. Un toque de atención y un grito desesperado, afianzándonos y reclamando la importancia que merecemos. una canción y un videoclip que, de diferentes maneras, se han convertido en himnos y en altavoces de visibilización de diferentes causas. La demostración más real de por qué la música puede remover conciencias. De por qué puede remover almas.
Ahora, con la incerteza de saber qué pasará o qué no, Hola Chica continúan trabajando, continúan componiendo. Mientras tanto, esperaremos la llegada 2021, año que esperamos que traiga un gran respiro. Esperando que sea el año en el que podamos ver a Hola Chica girar con su recién estrenado «Marbella».
La entrevistamos hace poco más de un año en Madrid, cuando cruzó el charco para presentar su álbum debut, llamado «Popular». Se trata de la talentosa artista argentina María Campos, que nuevamente está de estreno. Y es que recientemente ha visto la luz su nuevo trabajo, «Santo Entendimiento». Un trabajo lleno de canciones escritas desde las entrañas, de las propias experiencias de la cantautora que, además, se está alzando como una de las figuras más relevantes de su país. Y es que no solo ha puesto banda sonora y sintonías a una gran multitud de series televisivas; también colaboró con Fito Páez, con quien compartió escenario, convirtiéndose en una de las grandes experiencias de la cantautora.
Mujer fuerte, mujer que canaliza lo vivido en música y papel, mujer que en lugar de llorar ironiza, justiciera emocional, niña y madre, madre y niña. Esencia y personalidad que ha vuelto a volcar en este «Santo Entendimiento», igual que ya hizo en su primer «Popular». Sin embargo, en estas nuevas canciones que presenta se ha atrevido a experimentar con nuevos sonidos, yendo un paso más allá si cabe. De esta manera, en este disco conviven en armonía géneros como el rap, la payada y el folklore. Pero todo ello sin dar de lado ese esencia tan suya: os estribillos melódicos y las letras con ironía. Un disco que merece la pena ser escuchado, aunque de momento no puede sentirse en directo, ya que el coronavirus ha frenado todo el panorama musical. Y más en Argentina, donde aún continúan en pleno confinamiento (desde hace ya más de cinco meses).
Un verdadero ciclón dentro y fuera del escenario. Una artista de los pies a la cabeza, a la que hemos tenido la oportunidad de entrevistar de nuevo. Eso sí, por videoconferencia. Aún así ha sido muy buen punto para acercar, un poquito más, dos países como España y Argentina.
La Sala Rockville de Madrid tembló el pasado miércoles 7 de octubre al ritmo de Cives. No estuvieron solos tampoco, pues compartían cartel con el músico y compositor Marc Wile. Una cita ineludible, un acierto total el haber acudido. Y más en los tiempos que corren, en los que es más que imposible que un concierto salga adelante y no se cancele. Pero ellos salieron adelante, consiguiendo a su vez, enganchar y arrasar con todo el público; además de quemar toda la ciudad.
Pero, ¿quiénes son Cives?
A golpe de rock noventero y ciertos toques pop, Cives nació en el corazón de Madrid en 2018. Era el surgimiento de una nueva banda, pero con la experiencia y el recorrido de quien ya ha estado previamente sobre los escenarios. Mucha carretera y muchos conciertos llevaban ya a sus espaldas todos y cada uno de los miembros de esta nueva formación.
Sin embargo, con Cives ya en marcha, Bea Lacher (guitarra), Jara Carrasco (voz), Carlos Bravo (bajo) y Josu Fernández (batería), comenzaron a trabajar, comenzaron a marcar la incipiente senda de la banda, que dio sus primeros coletazos con los singles que lanzaron a finales de 2018: su particular versión del «Bella Caio» y la canción «No Pido Nada». Primer paso que, poco a poco, fue dando forma a «Incendio», el EP debut de los madrileños. Trabajo concebido bajo los mandos de Diego Gila y que irrumpe, de manera muy potente en el panorama: y es que no solo han tenido oportunidad de presentarlo en diferentes escenarios, con él también han conseguido una merecida nominación en los Premios MIN.
Actualmente, aunque se encuentran trabajando en su próximo álbum, Cives no ha perdido la oportunidad de seguir presentando «Incendio», aún con la complicada situación que está viviendo la música. Y aunque el de la Rockville haya sido uno de los pocos conciertos de 2020, ha sido una auténtica sorpresa.
Rock psicodélico con tintes surferos. De esta manera se presentan los barceloneses Sons Of Med, que acaba de lanzar «Summer Dreams», segundo adelanto del que será su álbum debut, tras su aclamado hit «I Was Wrong». Una manera de prepararnos para lo que viene y que verá la luz a principios de el próximo 2021.
¿Cómo nace este último «Summer Dreams»?
Estábamos en pleno confinamiento cuando la banda capitaneada por Ignasi (voz), Kamy (batería y teclados) y Carlos (bajo) empezaron a concebir este nuevo single con el que acaban de irrumpir. Un nuevo golpe con el que demuestran ese nuevo rumbo que están adquiriendo y que baila entre el rock piscodélico al que nos tenían acostumbrados, y un nuevo género al que podríamos denominar surfidelia. Un tema que nace como acto de rebeldía, en medio de una situación en la que nos sentíamos ahogados entre las cuatro paredes de nuestras casas. Un himno que pretende dar una perspectiva positiva a pesar de todo. Y como no podía ser de otra manera, «Summer Dreams» ha adquirido una nueva dimensión gracias a la producción de Carlos Dueñas de Arctic Sessions.
En este nuevo viaje en el que se han embarcado con «Summer Dreams», no han querido perder la oportunidad de presentar el videoclip de esta recién estrenada canción. Un videoclip completamente idílico que plantea esa increíble necesidad de mirar más allá de tus problemas y preocupaciones, frenando y desacelerando el paso en el que estamos sumidos día día. Y es que «los sueños de verano están para eso, para vivirlos, sentirlos y crecer en el camino».
De manera paralela a la presentación de estos avances y de la inminente llegada de su debut, Sons Of Med han tenido la oportunidad de dar algunos pequeños conciertos. Así es como el 2, el 9 y el 10 de octubre actuaron en Madrid, La Roca del Vallès y Barcelona, respectivamente. Mientras que el 16 de octubre pasarán por Oviedo (Lata de Cinc) y el 17, nuevamente por Madrid (en este caso por la Costello).
El combo ideal entre lo musical y lo visual, el adelanto perfecto de «Ninguna Ola», el nuevo trabajo discográfico de la formación, que llegará a nuestras vidas el próximo viernes 11 de diciembre. Pero, ¿qué sabemos de este nuevo disco? Por lo pronto, muy pocos detalles, ya que es una noticia que nos ha pillado un poco de sorpresa, y las últimas y enigmáticas publicaciones en redes sociales han sido la mejor prueba de ello. Eso sí, lo que La Maravillosa Orquesta del Alcohol ha avanzado, ha sido lo siguiente: «Este trabajo está inspirado en el cambio y hemos estado los dos últimos años componiéndolo». Un total de diez perlas que han sido grabadas durante los últimos meses entre Lisboa, Madrid, Barcelona y Andoain, y todo bajo los mandos del increíble y especial Raül Refree.
¿Cómo es el proceso de creación y composición de las canciones de Pájaro Sunrise?
