Fue el año pasado cuando Valira irrumpían con «Ecos de Aventura», como un punto y seguido en la carrera de Juan Zanza, quien fuera guitarrista de La Raíz. Nuevo punto de partida, nuevo proyecto personal, nuevo camino por recorrer, todo a ritmo de rock. Un camino que arrancó en escenarios de diferentes ciudades de territorio nacional y que siguió por grandes festivales, como Weekend Beach, Cooltural Fest, ViñaRock o Rabolagartija.
Pero ahora, Valira inauguran un nuevo capítulo en su ascendente y meteórica carrera. Después de haber hecho un pequeño alto en el camino con «Refugio», tema junto a Manuela Vellés; la banda valenciana presenta «Luz Errante», el primer single de su futuro segundo disco, que verá la luz a principios de 2021. Álbum concebido durante todo el verano de 2020, entre los estudios Millenia y Jazztone (València) y bajo la producción de Pau Paredes.
En palabras del propio Juan Zanza, esta canción recién estrenada, es la mejor prueba de lo que está por llegar, de lo que encontraremos en su nuevo trabajo discográfico. «Son un conjunto de canciones que hablan del auténtico sonido de Valira, una fusión de pop-rock indie con algunos tintes de electrónica, toques de hip hop, loops…Siento que al fin hemos encontrado nuestro estilo: a mi parecer, una mezcla melódica y fresca sin perder la contundencia de baterías y guitarras de rock».
Por supuesto, «Luz Errante» ha llegado acompañada de un videoclip de lo más especial, dirigido por Marta Sanz. Un clip sencillo y emotivo, capaz de conectar con el espectador a la primera. No es para menos, más cuando descubrimos el mensaje que hay tras el single. «Esta canción es una forma de expresar la valentía de aquellxs que no se rinden; escribirla fue un proceso terapéutico y, para mí, se ha convertido en algo muy importante que me transmite luz, energía y fuerza, a la vez que me hace sonreír y mirar al futuro con esperanza», explica Zanza.
«Un ejercicio de lucha, tenacidad y valentía ante tiempos difíciles para un futuro mejor».
Ciclos y ciclos. Así se desarrollan cada uno de los aspectos de nuestra vida. Puertas que se abren y a las que después damos carpetazo y cerramos. Todo, para comenzar de nuevo. Lo mismo le ha pasado a Lunáticos que, tras cerca de un año rodando con su reciente álbum, «Lo que somos», se disponen a despedirlo con un gran regalo: las colaboraciones de Ara, Diagnóstico Binario, Irantzu Rojo, Mar Valdés, Merino, Olivia y Sergio Rojas en la misma canción que da título a este trabajo discográfico.
Era 2019 cuando Lunáticos nos presentaban su gran álbum debut. «Lo que somos» llegaba para quedarse. Y vaya si se quedó: con un ritmo de lo más festivo y bailable, contaba con colaboraciones de lo más especiales, como la de Gabriel de la Rosa de Shinova o Siloé. Un primer trabajo de pop bailable con marca de la casa. Un disco con el que consiguieron girar por multitud de escenarios, como el del Sonorama Ribera o el de la Sala Moby Dick Club, donde colgaron el cartel de entradas agotadas. Sin embargo, llegó el mes de marzo y se vieron obligados a frenar su gira. Aunque la maquinaria continuó en marcha: incansables e insaciables, Lunáticos no dejaron de crear. Lo hacían, completamente dispuestos a darnos lo mejor de ellos: su música.
Y es que esta particular versión de «Lo que somos», da una vuelta de tuerca a su popular tema con el que cierran este estará y con el que dan la bienvenida a la siguiente. Muy pronto podremos escuchar el primer adelanto del que será su nuevo trabajo. 2021 es el año marcado en el calendario para tal lanzamiento. Mientras tanto, toca trabajar duro por sacar adelante este nuevo álbum, concebido (nuevamente) en las mismas entrañas de Neo Music Box, bajo las directrices del reconocido productor José Caballero.
Por separado, los hemos escuchado en otras bandas como Escuela Moderna, Coraje, Los Punsetes, Los Claveles o Fabuloso Combo Espectro. Pero juntos, son La Gracia y acaban de publicar su primer EP debut. Y, por supuesto, hemos podido hablar con ellos. En este caso, ha sido Jordi Jiménez quien ha respondido a nuestras preguntas.
¿Cómo nace el proyecto de La Gracia?
La Gracia nace después de La Escuela Moderna y anteriormente, Coraje. Yo había estado tocando con Luis de Sonido Muchacho, durante la época de Coraje. Así que decidimos poner en marcha este proyecto juntos. Llevaba meses con algunas canciones hechas, y como vivo a caballo entre Málaga y Madrid, Luis me propuso quedar para poder ver los temas. Por aquel entonces, estábamos con un batería con el que habíamos tocado antes y que parecía que quería sumarse, pero al final no cuajó. Pero precisamente, Chema le había comentado a Luis que tenía ganas de meterse de lleno el otros proyectos, más allá de Los Punsetes. Así que, aprovechamos para hacer algún ensayo de prueba y la cosa funcionó muy bien. Y eso fue 2018, más o menos.
Precisamente ha sido este año cuando ha visto la luz vuestro primer EP homónimo. ¿Cómo surge el concepto de este trabajo?
La verdad es que nos costó, porque teníamos maquetas previas, pero hasta que conseguimos dar con cuatro canciones que tuvieran una unidad, un tono, me tuve que comer mucho la cabeza. Queríamos que todas ellas supusieran una declaración de intenciones. Una vez dimos con ellas, fue todo relativamente rápido, ya que fue cuando decidimos ir a grabar con Paco Loco.
Al hilo de la pregunta, ¿cómo fue trabajar con Paco Loco?
Pues muy bien. Yo no lo conocía, pero sí que sabía de gente que había estado grabando con él. De hecho, Los Punsetes estuvieron ese año en su estudio. A mí me habían contado cosas, pero como no había grabado antes con él, no sabía lo que me iba a encontrar. Y lo cierto que yo quedé sorprendido, porque es un tío bastante infatigable en el trabajo y se involucra mucho, actúa muy bien como catalizador, pilla mucho la esencia de las cosas, habla mucho contigo y estás allí muy concentrado con él. Además, lo hicimos todo muy rápido, fueron apenas dos días lo que estuvimos allí: un día grabamos bajo y batería, y otro, voz y guitarra a la vez. Lo que tiene muy bueno Paco es que busca un poco tus límites. Y que al final, tú tienes algo pensado con las canciones y al final, todo va cambiando, todos los temas se van cocinando poco a poco y van evolucionando; y todo es gracias a él, que es capaz de ir sacando cosas.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo del EP?
Hubo un par de canciones, cuyas letras ya estaban hechas desde hacía un tiempo. Sin embargo, hubo otras que no terminé prácticamente hasta el día de antes de grabar. No sé decirte. Es como que cada tema parte de diferentes estructuras, como que tienen un esqueleto distinto que ya, más o menos, tenía. Lo difícil de todo eso es como ver qué letra, te pide ir con cada traje musical. Unas partían de un rifa, había otras que tenía la letra y la melodía nació después. Una vez pensada la estructura, montarlas en el local con Luis y con Chema fue rápido, luego era cuestión de que cogieran consistencia. Pero bueno, de esas cuatro canciones, hubo dos que me costaron especialmente.
Hemos hablado un poquito del proceso creativo y de la construcción del sonido, pero ¿qué peso tiene la letra, el mensaje de las canciones y cómo encontráis el equilibrio entre ambas?
Pues tienen la misma importancia, son un 50-50. Para que todo vaya como un guante, las canciones tienen que tener la combinación perfecta entre ambas. Al final, es lo que comentaba, que es cuestión de ver qué es lo que te pide el tema, qué traje necesita para que salga redondo. Con el tema letra, sí que es verdad que es más complicado de cuadrar, es como un encaje de bolillos. Al final te toca jugar mucho con el lenguaje y con la sonoridad de las palabras, y saber adaptar a la música, porque muchas veces tienes un texto demasiado largo y te toca ir readaptando todo.
¿Cómo ha sido la acogida del público?, ¿cómo han sido las primeras reacciones?
A ver, la pena es que todavía no hemos podido presentarlo en directo. Pero el feedback que hemos tenido por redes e incluso por parte de los medios, parece que está siendo bastante positivo. Estamos bastante contentos. Luego queda ver cuándo podemos salir a la carretera y presentarlo sobre los escenarios. Pero de momento, estamos muy contentos.
Estamos atravesando ahora una situación un poco complicada para todos, y justo en medio de todo esto, vio la luz vuestro EP. ¿Cómo lo vivisteis y cómo ha afectado todo esto a La Gracia?
Fueron unos momentos complicados, de aguantar ahí con el estómago frío. El trabajo lo tienes en caliente, lo estás empezando a sacar, a presentar y nunca se había dado una situación como esta, con la que al final, terminas un poco sobrepasado con ese limbo, con esa incertidumbre. Sí que lo estuvimos presentando de manera digital, pero claro, cero contacto humano, presencial incluso entre nosotros mismos. A mí, por ejemplo, el confinamiento me pilló en Madrid, pero justo en el momento en el que me iba a Málaga, y ya no volví. Pero Rober y Chema están ahora mismo en Madrid. Estamos continuamente en contacto a distancia, hasta que pueda llegar el día en el que podamos ensayar. Y esperando, simplemente esperando.
Dentro de las posibilidades que tenemos, ¿cuáles serán un poco los próximos pasos de La Gracia?
Pues tenemos intención de hacer un concierto de presentación del EP en febrero, a ver qué lugares de Madrid están disponibles. Estamos barajando la posibilidad de hacerlo en La Palma o en Maravillas. Tenemos, de hecho, fecha en mente, pero a ver cómo evoluciona todo. Y a partir de ahí, ver qué opciones tenemos, qué otros conciertos podemos hacer. Pero no sabemos a ciencia cierta todo. De manera paralela, yo ya estoy escribiendo cosas, maquetando algunos bocetos para poder mirar con ellos en tener oportunidad. Pero a ver qué pasa, toca ir al día.
¿Qué canción de La Gracia identifica mejor el momento en el que estáis y por qué?
Pues quizás «Atrás», que es una canción así con mala baba, pero en realidad es bastante valiente. Aunque no se vea el horizonte, no hay que mirar atrás, hay que seguir hacia delante. Esta sería como nuestra canción de resistencia.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
En mi caso, después de hacer muchísimas cosas a nivel de curro e incluso vivir en el extranjero, yo tenía ya claro que quería dedicar mucho más tiempo a la música. Y es eso, quizás la mayor locura cometida por la música, es no poder abstenerte de ella. Es como un buen veneno, que no puedes desengancharte de ella. El intentar encajar el resto de cosas de tu vida con ella, teniendo la música siempre un rango superior.
Un año más, el Madrid Jazz Fest! aterriza en la capital durante todo el mes de noviembre. Una cita ineludible en la que viajaremos a través de los lenguajes y universos sonoros de los propios artistas. Por ello, el CentroCentro se convertirá en el punto de encuentro perfecto para amantes, no solo del jazz, si no de la música en general. Y, por supuesto, en este increíble cartel no podía faltar la violonista Maureen Choi, que el 6 de noviembre arrasará e impresionará a todo Madrid. Tal es así que ya ha agotado todas las entradas para esta fecha de lo más particular.
El virtuosismo de Maureen Choi en Madrid
Es uno de los grandes descubrimientos musicales y es que desde que llegó a España, la violinista norteamericana de origen coreano Maureen Choi no ha dejado de revolucionar el panorama de la música improvisada. Inspirada por los ritmos y sonidos de la diáspora española, la música clásica, y el jazz, describe su música como «jazz español de cámara».
Una intensa búsqueda de sí misma, de su voz, de su música, rompiendo todo tipo de estereotipos de género tomaron forma en «Ida y Vuelta» (2015), el primer disco con su cuarteto actual: Daniel García al piano (España), Mario Carrillo al contrabajo (España) y Michael Olivera a la batería (Cuba). Seis años de trabajo, más de 400 conciertos por toda España, tres giras por Estados Unidos y unas excelentes críticas de la prensa especializada como Downbeat o All About Jazz después, la banda ha conseguido un alto nivel de madurez, interconexión, sutileza y musicalidad. La habilidad de Maureen para conectar emocionalmente con el público a través de su violín no tiene parangón; y su nuevo álbum «THEIA» es el mejor ejemplo de ello, la consecuencia directa de esta evolución musical de la formación.
Sin duda, un concierto de lo más especial, una experiencia extrasensorial que merece la pena vivir, sentir. Así que no faltéis el viernes 6 de noviembre, porque tenemos cita en el Madrid Jazz Fest!, celebrado en CentroCentro. ¿Nos encontraremos?, ¿os dio tiempo a coger vuestra entrada antes de que todo se agotara?
Ya podemos decir que «Cero» está en la calle, ya es nuestro el segundo adelanto de la banda madrileña 51 Grados. Una canción grabada en las entrañas de Estudio Find Us por Kike H, y mezclada y masterizada por José Caballero en Neo Music Box. Una canción que, como agua de mayo, llega que ni pintada en unos momentos convulsos y repletos de incertidiumbre. Y es que «Cero» habla sobre el crecimiento y desarrollo del individuo en un mundo que está patas arriba, reflexiona sobre cómo encontrar el camino correcto para encajar en él.
Una compleja dicotomía entre lo que somos, lo que debemos hacer y lo que se espera de nosotros. Especialmente, cuando el mundo en el que vivimos ridiculiza los aspectos más nobles del ser humano, visibilizando solo los más superficiales. Un mundo que te marca cómo pensar y cómo sentir, cómo no salirte de la norma. Un mundo en el que, inevitablemente, terminas aceptando todo por inercia, pero más por miedo a ser excluido. Una sociedad de autómatas, en vez de individuos libres.
¿Qué ocurre cuando el alma ha perdido su voz y nuestras sensaciones más viscerales controlan nuestros deseos y decisiones? Soñar puede ser la semilla de todo cambio.
2020 comenzó cargado de esperanza y de nuevos planes para la banda. Sin embargo, llegó el mes de marzo y truncó inevitablemente todos nuestros planes. Pero la capacidad de reinventarse siempre es más grande. Eso es lo que hicieron 51 Grados que, en pleno confinamiento, publicando su primer single «Puzzle». Y hasta ahora, que ha llegado el segundo, «Cero». De esta manera, los madrileños irán presentando su inmimente nuevo EP, canción a canción. Un nuevo trabajo discográfico con el que la formación comenzará una nueva etapa y en el que expondrán la madurez y fuerza de este potente proyecto.
Ha sido un descubrimiento de lo más reciente, ¡pero menudo descubrimiento! Delicadeza y sensibilidad a raudales la que canta en cada una de sus letras la artista británica Arlo Parks. A punto de lanzar su próximo disco «Collapsed In Sunbeams», que verá la luz a finales de enero de 2021, la compositora acaba de anunciar próximas fechas de su gira. Y es que, si la actual situación evoluciona favorablemente y nos lo permite, podremos disfrutar de sus directos en España la próxima primavera: el 22 de abril la tendremos en La [2] de Apolo (Barcelona) y el 24 en la Independence Club (Madrid). Y mucha atención porque este mismo viernes 30 de octubre, las entradas para ambos conciertos salen a la venta.
Pero, ¿qué hay del nuevo álbum que está a punto de ver la luz? «Collapsed In Sunbeams» será nuestro el próximo 29 de enero. Un trabajo del que todavía no sabemos mucho, al menos por el momento. Tan solo lo que la británica ha querido adelantarnos: «se trata de una serie de viñetas y de retratos íntimos alrededor de mi adolescencia y la gente que la conformó. Tiene sus raíces fijadas en la nostalgia y en el relato de la misma».
Sin embargo, ya hemos podido descubrir la primera píldora del mismo, «Green Eyes». Un adelanto espectacular y especial, al que ha acompañado su respectivo videoclip, dirigido por Louis Bhose. ¿Qué se esconde, pues, tras este primer tema? Según la propia Arlo Parks, «es una canción sobre el autodescubrimiento, la autoaceptación y la adolescencia. Creo que animará y confortará a quienes están pasando por malos momentos». Apunta maneras, sin duda.
Buen día para descubrir a una talentosa artista que ya ha ido cosechando éxitos alrededor del mundo: en julio de 2020, fue portada del «NME» y en agosto, se hizo con el galardón AIM Independent Music Award en la categoría One To Watch In 2020 (un premio que ya estuvo a punto de obtener en 2019). Además, puso su voz al servicio del último single de Glass Animals, «Tangerine». ¿Con ganas de meterse de lleno en la música de Arlo Parks?
«In The Shadows Of Your Mind». Así se llama el segundo single de adelanto de Gessamí Boada, tras la llegada de «Com si no fossis ningú», dos de los temas que formarán parte de su nuevo trabajo de estudio, «On començo jo» (que verá la luz el próximo 6 de noviembre). Sin duda alguna, es una buena manera de volver a escena dos años y medio después de debutar con su primer trabajo «White Flowers».
«Com si no fossis ningú» significó un gran avance, alzándose como un tema de lo más especial y positivo. Una manera muy efectiva de romper con los miedos, de liberarse para poder amar y ser amado. Un viaje vital y necesario con el que todos nos podemos sentir identificados. Un pensamiento que, indudablemente, nos lleva a disfrutar de la vida de manera desenfrenada. Un poderoso mensaje que adquiere una enorme dimensión gracias a la delicada voz de la artista y la producción pop exquisita del tema.
Sin embargo, con «In The Shadows Of Your Mind» nos muestra una faceta completamente diferente. Por un lado, una faceta más internacional al cantarnos, esta vez, en inglés. Por otro lado, nos adentra y nos manda un mensaje opuesto al que hizo anteriormente: esta vez, Boada intenta descifrarnos los misterios de la mente, hasta el punto de deshacernos de ellos y de coger las riendas de nuestra propia vida. Por supuesto, ha vuelto a irrumpir con este nuevo single, acompañándolo con su respectivo videoclip. Una pieza firmada por la fotógrafa y cineasta Belén Ruiz, que nos obliga a reconciliar nuestro pasado con nuestro presente, además de hacernos reflexionar. ¿Cómo nos marca lo que nos pasa a lo largo de la vida?, ¿cómo nos condiciona en nuestra manera de ser y de evolucionar?
Este es el primer paso, la primera piedra hacia su nuevo trabajo discográfico: y es que «On començo jo» verá la luz el próximo 6 de noviembre. Un trabajo de lo más especial y ambicioso, en el que la artista ha colaborado con grandes amigos y artistas, como Elena Gadel, Henrio y Alessio Arena. ¿Preparados para conocer desde dentro el universo sonoro de Gessamí Boada? Por el momento, dale al play a este primer single y déjate llevar.
En medio de todo este caso, seguimos con la radio encendida, dejando que la música nos salve día a día. Y en medio de todo este panorama, ha llegado a nuestras manos un EP de lo más especial: «Some Kind Of Portrait» de Eva McBel. Es curioso porque a la artista aragonesa la conocimos de casualidad hace un par de años cuando las salas de Madrid eran nuestro segundo hogar. La vimos por primera vez en Siroco junto a Dan Millson y, lo cierto, es que flipamos con su voz. Y hasta ahora, momento en el que nos disponemos a explorar su gran debut. ¿Os atrevéis a adentraros en su particular universo?
La llegada de «Some Kind Of Portrait» de Eva McBel
Dos años de intenso trabajo han dado como resultado un EP debut, un EP debut, un EP que lleva por título «Some Kind Of Portrait». Un trabajo que iremos desgranando a continuación, aunque la mejor prueba siempre es escucharlo. Cinco canciones que definen a la perfección quién es Eva McBel y de dónde viene. Y que, por supuesto, ha sido concebido con la inestimable ayuda de Pablo Estrella y David Adkinson, a la producción.
«Little Boy» abre este trabajo, siendo el tema perfecto sobre el que la artista ha construido su sonido, una sonoridad muy particular que en palabras de la artista, le recuerdan a su hermano, persona por la que compuso esta canción.
Seguidamente, tenemos «Two Truths and a Lie» interpretada junto a St. Woods, un gran artista y amigo de la zaragozana: «una canción que trata sobre la poca responsabilidad afectiva a la que me he tenido que enfrentar en mis relaciones personales». El título del tema hace referencia a un juego, en el que tienes que decir dos verdades y una mentira, y la otra persona tiene que adivinar cuál es la mentira.
«Blurry Love» es la tercera y probablemente la más oscura del EP, ya que trata sobre las relaciones tóxicas intrafamiliares, en las que se vuelve muy necesario romper con todos los esquemas preestablecidos, con esa extendida creencia de que todo vale por el simple hecho de ser familia: no, hay comportamientos nocivos que bajo ninguna circunstancia hay que tolerar. Y este tema es el himno ideal.
Después viene «The Top»: nada que decir sobre ella más que lo que podemos escuchar. Simplemente, una joya y, sin duda, el tema favorito de la artista. Finalmente, poniendo punto y final al disco, tenemos «Agua Dulce». Canción sencilla, a guitarra y voz, que nos lleva al pasado, a los inicios musicales de Eva McBel.
Seguimos de estreno en este nuestro panorama musical. Hoy aprovechamos para hablar de Gèrard (sí, con tilde) Rodríguez, a quien conocimos hace apenas unos meses en la academia más famosa de nuestra televisión, la de Operación Triunfo. Con su personalidad, su delicadeza y su particular voz, se ganó a todos y cada uno de los seguidores del formato. Tal es así que este mismo jueves, nos mostró su segunda perla musical, tras «Fugaces». Este nuevo single, del que ya empezó a dar algunas pinceladas dentro de la academia, lleva por título «La del bar» y habla de las ventajas y la necesidad imperiosa de sentirse bien con uno mismo y saber estar solo, sin necesidad de depender de nadie.
Grabado por Carlos Avatar grabado en los estudios El Tercero Studios de Barcelona y con la ciudad condal como escenario perfecto para el videoclip, que ha sido rodado en el Centre Artesà Tradicionarius bajo las directrices de Albert Marcos y Paula Farran. «La del bar» vio la luz el pasado jueves por la noche en YouTube, y lo cierto es que ha sido una sorpresa. Con una estética y estilo muy años 50, Gèrard va marcando su camino y va mostrando nuevas facetas de él que no conocíamos. Además, se ha rodeado de un equipo de lo más increíble y de colaboraciones de escándalo en el videoclip: desde Miki Núñez a Dave Zulueta (OT 2018) hasta los profesores Laura Andrés y Joan Carles Capdevila. Tras este gran estreno, y llegada la medianoche, el single irrumpió en el resto de plataformas digitales.
«La del bar» es el segundo single del artista ceutí tras «Fugaces», el tema que Gèrard compuso dentro de la propia academia de Operación Triunfo y que vio la luz este verano, concretamente en el mes de junio. Single que supuso una gran revolución desde el mismo momento en el que se hizo nuestro: ya acumula más de 900.000 escuchas en Spotify y 460.000 visualizaciones del videoclip en Youtube.
Tras un periodo de parón indefinido (anunciado durante el pasado confinamiento), los valencianos Gener están de vuelta y este tema, «La trama principal» es la mejor prueba de ello. Un tema puramente en castellano que, a su vez, marca el nuevo rumbo que tomará la formación durante los próximos meses, y es que a principios de 2021 publicarán el que será su cuarto álbum de estudio: «Esto no es un disco de Gener».
«La trama principal» ha llegado en el momento preciso, y nos muestra de manera muy clara y en clave de pop en panorama actual que estamos viviendo, en el que estamos absorbidos continuamente por el consumo diario de imágenes, ficciones y productos audiovisuales. Vivimos vidas ajenas. Aconsejamos en base a los consejos que le escuchamos a Jon Nieve, Tony Soprano o Bruce Wayne. Recurrimos a frases hechas por otros para no mirarnos en el espejo. Y, precisamente, el videoclip que acompaña refuerza más esa idea, al ser un niño el que nos hace volver atrás en el tiempo, hasta el punto de rememorar la sensación del agua del mar recorriendo nuestra piel en el primer baño del primer verano.
La primera pieza de un puzzle llamado «Esto no es un disco de Gener»
Por el momento no hay perspectivas de subirse a los escenarios debido a las circunstancias, pero eso no significa que la maquinaria se pare. Y es que Gener se ha puesto en marcha a pasos agigantados, hasta llegar aun objetivo común: el lanzamiento de su cuarto trabajo de estudio, «Esto no es un disco de Gener». Un álbum formado por 10 auténticas perlas, complementadas por sus 10 respectivos videoclips, en los que recrearán diferentes universos animados y mundos de acción real.
Aunque, por supuesto, para que «Esto no es un disco de Gener» saliera adelante, los valencianos se han rodeado de todo un gran equipo de profesionales. Grabado en los estudios Río Bravo, bajo la producción de Jorge Martí, la mezcla de Luca Petricca y el máster de Fred Kevorkian. Además de contar con colaboradores habituales como el animador Luis Llácer o el director de videoclips Podenco.
Tras haberse sumado a la familia de Arctic Surfers, Nana Lovv continúa dándonos pequeñas pinceladas del que será su EP debut, «Happyness is a Myth», que verá la luz a principios de 2021. Así y todo, tras la llegada de «Paris», «Boneyard Of broken hearts» y «Borders», ahora es el turno del tema «mean2be».
«Una de las cosas que más me gustan de mis canciones es que pueden ser interpretadas de mil formas».
Pero, ¿qué encontramos tras «mean2be»? Esta canción nace del sentimiento de resignación que se produce cuando te das cuenta de que eso en lo que confiabas ha dejado de funcionar. Que lo que debía de hacerte feliz te está hiriendo, y que es necesario poner un final. Una historia que bien podríamos haber vivido nosotros mismos y que viaja a través del miedo al empoderamiento, transformando la pura necesidad de esconderse y hacerse chiquitita, en la voluntad de aceptar la ruptura y seguir adelante.
Una sonoridad acústica muy especial, un tratamiento de la voz muy particular y la presencia de guitarras eléctricas. Una vuelta de tuerca a esta canción que se muestra muy diferente a las que hemos escuchado anteriormente. Y en este increíble trabajo y en este nuevo camino que la artista se está labrando, ha habido un increíble equipo técnico, formado por Carlos Dueñas de ArcticWave Studio a la producción y Ángel Medina en la masterización.
Un paso al frente con este nuevo «meant2b», que se suma a «Borders» y «boneyard of broken hearts», que desde su lanzamiento está en las listas de «Tidal Rising: España» y «Cámara Lenta» de Tidal. Tres temas de lo más dispares que formarán parte del EP debut de Nana Lovv, «Happyness is a myth». Un trabajo que nos adentrará en el ecléctico y complejo universo sonoro y emocional de la artista.
Precisamente ha sido este año cuando ha visto la luz vuestro primer EP homónimo. ¿Cómo surge el concepto de este trabajo?
¿Cómo ha sido la acogida del público?, ¿cómo han sido las primeras reacciones?
Pero, ¿qué hay del nuevo álbum que está a punto de ver la luz? «Collapsed In Sunbeams» será nuestro el próximo 29 de enero. Un trabajo del que todavía no sabemos mucho, al menos por el momento. Tan solo lo que la británica ha querido adelantarnos: «se trata de una serie de viñetas y de retratos íntimos alrededor de mi adolescencia y la gente que la conformó. Tiene sus raíces fijadas en la nostalgia y en el relato de la misma». 
