Como cada miércoles, volvemos a tomarnos un momento de pausa para descubrir toda aquella música que el frenético ritmo de vida del día a día no nos permite. Así es como han llegado hoy a nuestras vidas, los proyectos musicales de City of Pines, Love Ghost, Son Savage y Femegades. Si queréis descubrir más sobre ellos y queréis pegarle una escucha, es el momento perfecto.
Desde el Noroeste del Pacífico de EEUU y con una inefable sensación de libertad y conexión con la naturaleza, llega City of Pines para hacernos cambiar el foco de nuestras vidas. Dejando de lado lo banal, el proyecto tras el que se esconde Nick Clack nos invita a conectar con todo lo que hay fuera de nosotros mismos. El artista, que es mágico, crea música que emana la niebla, de la tierra, de los campos suaves empapados por la lluvia, de la madera imponente y de los vientos dramáticos y emocionales. Todo ello, mientras que las letras hablan de aventura, pérdida, vida y la condición humana. Bajo esta premisa, ha nacido su último tema llamado «Fire». Una canción especial que da saca a relucir una problemática importante, pues está inspirada en los incendios provocados en la zona del Noroeste del Pacífico, de donde él procede.
Cambiamos de estilo completamente, para conocer a Love Ghost, que bailan libres entre géneros como el hip hop y el rap. Un estilo muy bien definido y una fuerza que han unido a la de la artista colombiana Mabiland. Juntos, nos han regalado su nuevo tema «Can’t stop». Una bomba de relojería y un choque de idiomas y culturas, que se adentra en el complejo mundo de la inteligencia artificial. De hecho, el líder y vocalista de la banda Finnegan Bell nos cuenta lo siguiente: «Siento que todos estamos siendo programados por nuestros teléfenos, debido a las redes sociales, nuestro historial de búsqueda, nuestros mensajes de texto, llamadas. Definitivamente saben lo que esta pasando en nuestras cabezas y creo que manipulan eso. No puedo parar de cuestionar la verdad y no pararé de buscar respuestas».
Hay sucesos trágicos que sirven como catalizador, como punto de inflexión. La explosión producida en el puerto de Beirut hace un poco más de un año, hizo que Son Savage se planteara todos los cimientos de su vida, dejara el trabajo de oficina que tenía y decidiera dedicarse al 100% a la música. «La combinación de COVID y la explosión en Beirut me permitieron cambiar mis prioridades y dedicar más tiempo a lo que realmente me apasiona», explica él mismo. Así es como le ha ido dando forma a sus proyectos y asus canciones. Y es que, tras arrasar con todo con la llegada de sus temas «The River» y «Love Therapy», que son una delicia, se lanza de lleno y nos regala su gran álbum debut, «Folie à Deux». Un trabajo que, en lo poético, «explora el amor como una forma de locura»; mientras que en lo musical, explora diferentes géneros: desde los coros gospel hasta los solos de guitarra, pasando por el sintetizador y el saxo.
Por último, no queremos cerrar este artículo sin hablar de otro potente proyecto, que nos ha cautivado por sus fuerza y por su garra. Sí, estamos hablando de Femegades. Fue este verano cuando la banda de punk/grunge/indie de Londres debutó con el que ha sido su primer EP, su debut. Aunque previamente nos estuvieron preparando con la llegada de sus singles, con su trabajo «Pornsick» se han superado. Un trabajo en el que exploran y se adentran en temas tan importantísimos como el consentimiento, la violencia machista y el empoderamiento. Un trabajo que se escribió para cuestionar el statu quo actual de la sociedad moderna. En concreto, el de la aparentemente aceptada explotación en la industria del porno. De ahí que una formación como Femegades sea tan importante que consiga visibilización. ¡Escuchadlos ya!
Hay gente con duende, con encanto, con magia. Después está Alba de la Rosa, con quien tuvimos el placer de hablar a principios de este año, a raíz del lanzamiento de su primer single «Ya ni me siento». Un tema al que, muy poco tiempo después, siguió «Un te quiero en el portal». Han pasado unos meses desde ese momento y la joven artista de Alcázar de San Juan (Ciudad Real) continúa, sin prisa pero sin pausa, regalándonos su talento convertido en canciones. Y es que después de dos increíbles adelantos que han llegado abriendo camino, como una completa declaración de intenciones, llega el momento del tercero. Desde el pasado domingo 21 de noviembre, «Quédate» ya es nuestra. «Quédate» ya está en la calle.
Una vez más, Alba ha contado con la inestimable ayuda de Carlos Moreno (miembro de Muntz) a la producción. Juntos, han dado vida a una canción especial, a la par que diferente a las dos anteriores. Aunque lo que sí que podemos asegurar es que contiene a la perfección la increíble esencia de la compositora. Según ella misma asegura, «es un tema desenfadado y enérgico, que habla de esos primeros días en los que estás conociendo a alguien especial». De la imperante necesidad de detener el reloj y quedarte un rato más donde eres feliz.
«Porque Quédate es ver atardecer desde un media distancia que se aleja de Madrid, la línea C4 de cercanías y un te quiero dicho a tiempo en el portal, pero también son días de resaca emocional, de atreverse, aunque dé vértigo, y de florecer y encontrar paz en la mirada ajena».
Nuevamente, Alba de la Rosa hace del indie pop su sello, y de los sonidos del pop español de los 90 y los 2000 sus influencias. Pero todo, todo, todo, lo pasa por su filtro, por su mirada única y personal. Y es que una de las cosas que más nos gustan de ella es la capacidad que tiene de vaciarse por dentro, de sincerarse con su música y de transmitirnos todas y cada una de sus emociones, haciéndolas también nuestras.
Tiene una sensibilidad y un talento fuera de serie. Así nos tiene, en bucle. A partir de ahora, lo podemos llamar efecto Danny Starr. «Belong» ha sido la más reciente composición que nos ha regalado. Un tema en el que se ha vaciado por dentro, desnudándose y regalándonos su parte más íntima. Pero no será el único, pues en apenas un par de días nos dará una nueva sorpresa que, por supuesto, también llegará en forma de canción. Preparaos para la llegada de «Losing Sight», a la par que disfrutáis de la entrevista que le hicimos.
¿Quién es Danny Starr? ¿Quién está detrás de este proyecto musical?
Soy un cantautor londinense de 22 años que lleva escribiendo canciones desde hace 8. He vivido en Londres toda mi vida, envuelto en el torbellino que es nuestra capital, y he dado cientos de conciertos en mi ciudad natal y en todo el Reino Unido. Todo empezó como un desahogo emocional para mí después de haber perdido mi principal camino en la vida, el camino que había seguido desde que tenía 4 años, el rugby profesional. Una lesión me impidió volver a jugar de forma competitiva, así que lo que era un pasatiempo a tiempo parcial se convirtió en una posible carrera a tiempo completo. Cuando empecé a componer, construía mis canciones sobre la montaña rusa emocional que supone ser un adolescente irresponsable con una perspectiva muy limitada del mundo. Un momento complicado en el que el más pequeño de mis problemas, parecía una gran catástrofe que iba a cambiar la tierra. Ahora, escribo con la misma honestidad y misma dedicación, pero teniendo unos cuantos años más de experiencia y de vida.
¿Cuál es el proceso creativo y compositivo de Danny Starr?
Normalmente, mi inspiración proviene de momentos memorables de mi vida o de personas que he conocido y que han pasado por cosas que me parecen especialmente conmovedoras. La idea de la canción se forma a partir de estos momentos de inspiración y suele crecer a partir de ahí, empezando con una línea o letra que lleva el mensaje y el sentimiento general que quiero transmitir. Con el tiempo, la canción y yo entramos en un ritmo natural en el que se plasma casi sin esfuerzo en la página. Esto es mucho más común cuando escribo sobre mi propia vida, ya que el elemento terapéutico de la escritura entra en acción. Puedo simplemente volcar mis emociones sobre algo en la letra. Otras veces, este ritmo tarda mucho más en alcanzarse (especialmente si tengo que enterrarme en la cabeza y el corazón de otra persona) y puede que no se alcance nunca. En los momentos difíciles en los que la escritura se detiene, suelo recurrir a partes de canciones que me han gustado y pienso en por qué me gustan. Luego, trato de incorporar algo de eso a la obra actual y ver hacia dónde me lleva. Me encanta el proceso de construir algo a partir de la nada. Me gusta mantener la naturalidad y la realidad en todo momento.
La parte lírica de la composición siempre ha sido mi principal salida. Últimamente, la parte de composición de mis canciones se ha convertido en un proceso más colaborativo, ya que he empezado a trabajar con un compositor con mucho talento y gran amigo mío. Esto me da más tiempo para pensar únicamente en las letras, mientras Charlie me pasa melodías y acordes que terminan concentrando muy bien el mensaje.
Cuando la gente conecta con una canción que he escrito sobre mi propia experiencia o mi interpretación de una experiencia muy personal de otra persona, siento que he logrado mi objetivo como compositor, y no hay nada más gratificante que ver que eso ocurre también en los conciertos. A veces, mientras escribes la canción, esos momentos se te presentan por sí solos. Pero muchas otras veces, solo puedes saber si el tema cala en la gente cuando lo cantas por primera vez. Así que esa primera actuación es parte de mi proceso. Si no funciona, se vuelve a abrir el cuaderno y se saca el bolígrafo.
¿Cuáles son las principales influencias y referencias cuando compones?
Hay algunas bases fundamentales que contribuyen a lo que intento conseguir con mi escritura… la primera de ellas es Amy Winehouse. La honestidad de las emociones y la crudeza de las historias que contaba en sus canciones es incontestable en mi opinión. El poder de Adele para transmitir sus experiencias a través de las canciones y la franqueza lírica de Arlo Parks, junto con la capacidad de narración de Arctic Monkey o Passenger, son habilidades a las que aspiro. El imaginario e ingenio de Ben Howard no puede dejar de mencionarse, mientras que todo el sonido inspirado en el gospel de Hozier es algo a lo que me remito a menudo en el estudio. Por último, hay que mencionar a The Kinks, que dominaron gran parte de mis escuchas cuando empecé a escribir canciones con la guitarra, y a Paolo Nutini, que me inspira continuamente a ampliar mi rango vocal y mi ambición con la escritura melódica. Hay muchos más, por supuesto, pero eso te da una idea de dónde siento que viene lo que hago.
¿Qué importancia tiene el mensaje, las letras de las canciones?, ¿cómo de liberador es componer para ti?
Para mí lo es todo, y a veces no es nada liberador. A veces mi dedicación al mensaje, al argumento y a la emoción que transmite la canción mata la idea en su totalidad.
Este verano nos regalaste tu último single «Belong». Cuéntanos más sobre él, ¿cómo surgió y qué importancia tiene para ti?
«Belong» es una canción con la que tendré fuertes asociaciones emocionales durante mucho tiempo. Empecé a escribir el tema justo antes de que la COVID19 se convirtiera en noticia. Acababa de romper una relación larga y me sentía perdido, confundido y sin ese sentido de pertenencia que tanto anhelamos como seres humanos. Todas esas emociones se acentuaron cuando se anunció el confinamiento, justo al día siguiente del último concierto de mi gira de 2020. Momento en el que nos vimos sumidos en un aislamiento forzoso. Esos meses que siguieron fueron algunos de los más duros de mi vida y durante ese tiempo terminé la letra de «Belong», tratando de encapsular el sentimiento de falta de contacto, de rumbo o de propósito vital que estaba experimentando… Esperaba que cuando la gente escuchara el tema comprendiera que, por mucho que asocien su soledad con la canción, todos estamos luchando de forma muy similar y al mismo tiempo. Así que ninguno de nosotros estaba realmente solo todo ese tiempo, pero estábamos luchando mentalmente juntos.
¿Es este el comienzo de una nueva era para Danny Starr?, ¿se avecinan nuevas composiciones?
Todo el proceso de «Belong», desde la composición hasta la producción y el lanzamiento, pasando por el hecho de que mi mejor amigo de la infancia hiciera el diseño del single, hizo que me sintiera más en contacto conmigo mismo, respecto a anteriores composiciones. Y aunque todas ellas han nacido de lo más profundo de mí y han sido muy personales, «Belong» ha elevado al máximo todas esas sensaciones. Es por eso por lo que este tema es diferente. Ese desarrollo es algo que definitivamente veo como un proceso demasiado continuo como para hablar de pasar a una nueva era. Aunque hay aspectos de mi vida definidos o plasmados en cierto tipo de canciones, mi forma de escribir cambia con cada tema que termino. Así que el punto en el que me encuentro, que no veo que vaya a terminar pronto, se centra en encontrar la representación más honesta y cruda de lo que estoy tratando de decir. Tal vez estemos entrando en una nueva época dentro de la era actual en la que escribo menos sobre la ruptura de la adolescencia y más sobre hacia dónde nos dirigimos como especie, y dónde encajo yo en ese viaje.
Más allá de todo esto, ¿cuáles son tus próximos pasos?, ¿nuevos conciertos en el horizonte?
Tengo un nuevo single, «Losing Sight», que saldrá el próximo 26 de noviembre, y tengo muchas canciones nuevas que seguiré publicando a lo largo del próximo año. He pasado mucho tiempo escribiendo con Charlie. Igual que he pasado mucho tiempo en el estudio de Harlesden, grabando algunos instrumentos magníficos a través de una mesa Neve de los años 60 aún más magnífica, que está captando todos los tonos vocales crudos que siempre he querido en mis temas. El estilo vintage con el que estamos empezando a construir mis canciones, aporta esta nostalgia a los disco, haciéndolos más reales. Quiero que parezca que estoy sentado en una habitación cantando a todos y cada uno de los oyentes, y siento que estoy empezando a conseguirlo. En cuanto a los conciertos, trato de tocar tan a menudo como puedo. El 25 de noviembre, estaré con la banda de Charlie, Weird Milk, en Omeara; y el 21 de enero toco en The Slaughtered Lamb.
Has tenido un gran reconocimiento a lo largo de tu carrera (341.000 streams en todo el mundo, ganaste el LANDR Rising Artist Initiative, alcanzaste el número 1 en las listas de ReverbNation Singer/Songwriter). ¿Qué ha supuesto todo esto para ti y cuál es el mayor aprendizaje que te has llevado?
Todo el apoyo que recibo gracias a mi música, significa y significará muchísimo para mí. Desde los comentarios individuales en mis redes sociales hasta los mensajes privados de la gente sobre el significado de ciertas canciones y cómo las han interpretado, pasando por las emisiones de radio, las entrevistas y las listas de reproducción en todo el mundo. Todo ello me hace sonreír y me hace trabajar más y más. Escribo poniendo todo de mí, mostrando siempre mi parte más personal. Así que ver cómo la gente conecta con esa producción creativa y comparte esos sentimientos conmigo es simplemente hermoso. No hay nada en el mundo que se le parezca.
Quedan dos preguntas, que son las que siempre me gusta terminar. La primera es, ¿qué canción tuya identifica mejor el momento en el que te encuentras y por qué?
Ahora mismo, diría que «Hello 2063». Es una canción que habla de una futura raza humana que se evacua a Marte tras llegar a un acuerdo con los marcianos. Todo a raíz de la crisis del cambio climático. No hace falta decir que las ideas sobre un futuro interplanetario para nosotros ya no son demasiado oscuras, con lo aterrador que es lo que está pasando con nuestro planeta ahora mismo, no solo en lo que respecta al clima. Escapar al espacio parece bastante tentador, la verdad.
Y la última, ¿qué es lo más loco que has hecho por la música?
En la actuación de Lewis Capaldi en Barn On The Farm, mis compañeros y yo atravesamos todo el público para pasarle una alfombra a Lewis durante «Someone You Loved». Todo mientras cantaba, «I let my guard down, and then you pulled the rug». La cogió y corrió por el escenario tirando de ella. Una tontería, pero el tipo de tonterías que se dan en los festivales del Reino Unido.
Son potemcia en estado puro. Así lo han demostrado en su primer adelanto, «Mierda de fiesta». Y es que Ultraligera encarnan perfectamente la nueva esencia del rock, cuya estética puede llegar a recordarnos a bandas como Måneskin; pero sin perder la esencia de formaciones más clásicas o míticas como los Strokes, Artic Monkeys o The Killers. Pero, por supuesto, todo ello pasado por el propio filtro de la joven formación madrileña.
Une electricidad y una personalidad capaz de traspasar fronteras, capaz de alcanzar a cualquiera que se ponga en su camino. Sí, es el efecto Ultraligera, que acaba de causar sus primeros estragos. Con apenas una canción. Pero tan solo es la primera de la lista, la primera de todas las que stán por llegar. De hecho, a principios de año pasaron por Gaua Producciones, un antiguo caserío ubicado en Bizkaia, que les sirvió como retiro musical y espiritual. Su espacio seguro, en el que poder componer, crea, grabar y dar vida al resto de canciones que nos presentarán en breves. Fue allí donde se sumergieron en una especie de burbuja, que tan solo se volvió a la vuelta de Ultraligera a Madrid, que en ese momento, se encontraba completamente cubiera de nieve y bajo los efectos del temporal Filomena. Una primera fase de grabación a la que, hace muy poco tiempo, se sumó una segunda en Estudio A sonido, donde trabajaron mano a mano con el productor Ludovico Vagnone (Maná, Alejandro Sanz, The Corrs o Zucchero).
Una realidad palpable, nuevas canciones que se avecinan y algún que otro concierto en mente. Bajo esta potente premisa y con el ansia y la emoción por bandera, no nos queda más que esperar a que Ultraligera nos siga sorprendiendo con todas y cada una de las sopresas que nos tienen preparada. Y, por supuesto, disfrutar de la entrevista que le hicimos hace apenas unos días a Javier Gismero, vocalista de la banda.
Canciones que con más que canciones. Canciones que se convierten en toda una declaración de intenciones. Canciones que están llamadas a convertirse en himnos. Como «a punto, muy cerca», el nuevo y esperado hit del joven artista y compositor Greg Taro. Una canción con la que ha firmado su vuelta y con la que ha redefinido su sonido, marcando así el inicio de una nueva etapa en su carrera. Además de ser una de las más personales e íntimas para él. Y es que, tal y como asegura él mismo: «la escribí cuando estaba pasando por una fase donde creía tener que demostrar algo a gente de mi entorno».
La primera cuarentena fue la oportunidad perfecta para que Greg Taro se metiera de lleno con la composición de este «a punto, muy cerca». Meses de encierro y soledad para todos. Meses de introspección. Meses de crear arte y dar vida a un tema único. Poco más tarde, llegó el momento de entrar a estudio, siendo Berlín el escenario perfecto para ello. Fue entonces cuando entran en juego Florian Hofer y Alex Beitzke (James Arthur, Florence and the Machine o Lighthouse Family), con quienes Greg trabajó mano a mano en la producción del tema.
El inicio de todo lo que está por llegar y de todo lo que Greg Taro aún nos tiene que regalar. Y es que si algo podemos asegurar con tota certeza es que 2022 será su año. El año que lo alzará aún más como uno de los artistas más prometedores de nuestro panorama musical. El año en el que lo podremos conocer más y mejor gracias a su música, a sus canciones. Aunque mientras ese momento llega, preferimos quedarnos con el recuerdo de la entrevista que le hicimos hace apenas unos días. ¿Queréis saber más sobre él?
Esta sermana, vamos a doble o nada. Imposible no seguir descubriendo música y haciendo hueco a artistas y bandas que creemos que tienen que ser escuchados sí o sí. ¿Queréis saber de quién hablaremos en esta fría tarde de domingo? (Que, por cierto, tarde perfecta para pasar en casa con la manta y con música de fondo). Pues bien, hoy hablaremos de Yo and the South, de Kelsey Blackstone, de Posh y de Sate.
Desde Francia llega Yo and the South, dispuestos a regalarnos su último adelanto «Le vent tourne», que vio la luz hace apenas 10 días. Una canción de lo más especial para la banda, que se reafirman en su personal estilo indie-pop y lo-fi, cantando además en su lengua materna, el francés. Un género y una personalidad con la que se sienten más que cómodos. Un corte musical con un toque «naif», que significa mucho para la banda parisina, pues refleja a la perfección el periodo y el momento en el que se encuentran actualmente. Refleja el estado de ánimo con el que conviven. Una canción que, quizás, marca el inicio de una nueva época y que, además, llega muy poco tiempo después del que fuera su reciente EP debut «Orange» (junio de 2021).
https://youtu.be/Lxui5v58D7k
Cruzamos el océano en este momento para platarnos en Estados Unidos y conocer la propuesta musical de la joven artista Kelsey Blackstone, quien hace apenas un par de días, presentó su nuevo tema «Lay You Down». Primer y único tema que nos ha regalado durante este 2021 y que llega tras sus dos anteriores «You Dig?» y «Lover, lover» (2020). El inicio de una nueva era, un tema del que la propia artista nos cuenta lo siguiente: «Esta canción es un gran paso adelante en el descubrimiento de mi sonido y de lo que puedo aportar». Talento y compromiso a partes iguales. Todo ello es lo que transmite Kelsey con sus composiciones, con las que nos ha cautivado al más puro estilo soul-pop ambientado en los 60s y 70s.
Han pasado dos décadas desde que comenzaran su carrera profesional en Italia. Ellos son la banda de rock Posh. Durante sus primeros años pegaron mucho y muy fuerte, llegando a representar a su país en el Festival MIDEM (Marché Internatonal du Disque et de l’Editon Musicale), celebrado en Cannes. Corría 2007 y fue el año en el que, además, publicaron su trabajo «Biancolilla», al que sucedió dos años después «La realtà celata delle cos». Y justo después, llegó la década de silencio. Así hasta la llegada de la pandemia, momento en el que comenzaron a componer de nuevo. Y ya fue en este 2021 cuando inauguraron nueva era en la banda, cantando en inglés y regalándonos temas como «Running up that hill», «Mr.Anyone», «Time has come», «Plan B» y este último y recién estrenado, «Open Arms».
Por supuesto, no queremos acabar nuestra publicación de hoy sin darle el espacio que se merece al potente proyecto musical de la canadiense SATE. Con un estilo fuera de serie y un toque de lo más cinematográfico (a sus videoclips nos remitimos), nos ha presentado su reciente obra de arte, llamada «The fool». Íntimamente relacionada con ello y gran amante del tarot, la artista nos regala este último trabajo discográfico, siendo un himno para todos los que se han atrevido a soñar y a trabajar para conseguir su mejor versión. Un disco que nos llega a ritmo de dirty-rock con unas voces que esconden tras de sí una actitud de lo más punk-blues. Además, si a todo ello le añades ese toque épico marca de la casa, ya lo tenemos todo. Éxito asegurado.
Lo descubrimos hace muy poco tiempo y estamos en bucle con cada una de las cosas que hace. Procedente de Recife, pero afincado en Lisboa, llega Paes para arrasar con su música, concretamente con su recién estrenado álbum, llamado «Blue Tree Salvador». Cuarto álbum de estudio y uno de los más personales, que se adentra en el universo recreado por el artista durante el confinamiento que vivimos a causa de la crisis de la COVID. Momento en el que el compositor todavía residía en São Paulo. Todas y cada una de las canciones reflexionan sobre la existencia, el aislamiento y traen temas que hablan de la nostalgia, la ausencia y la memoria.
Una esencia y una manera de componer que ya forman parte del imaginario de Paes, y que ya hemos podido percibir en sus anteriores trabajos. Y, que por supuesto, adquieren una nueva dimensión en los directos, en los que no solo nos adentra en los temas de este último «Blue Tree Salvador». También repasa todas y cada una de las composiciones compuestas y editadas durante sus 14 años de carrera, así como versiones de temas de Unknown Mortal Orchestra y Jards Macalé. En este sentido, impensable perdernos las dos grandes citas que el artista tiene en Barcelona: hoy sábado 20 de noviembre en L’Occulta y el próximo jueves 25 de noviembre en el Bar Vinil de la ciudad condal.
De manera paralela, Paes también se ha adentrado en el mundo del arte, al haber participado en diferentes exposiciones conjuntas. Así es como dio forma a «Fotosensibilidad», un conjunto de dibujos de humanoides en situaciones inusuales. O la que fuera su primera exposición individual llamada «A Memory of Saudade», una serie de pinturas con retratos, una instalación y fotografías que abordan el tema de la nostalgia, la naturaleza de los rituales, la ascendencia y el renacimiento.
Es por eso por lo que ayer nos sentamos a charlar con Paes, para que nos hablara más y mejor de su proyecto musical y para que nos explicara todo lo que está por llegar o cómo afronta sus conciertos aquí en Barcelona. Entre muchas otras cosas más, por supuesto. ¿Queréis saber más? Pues solo tenéis que darle al play.
«Los Tiempos son las ganas de encontrar nuestro lugar siguiendo el camino por el que realmente queremos ir. El mensaje que quiere transmitir está inspirado en nuestras propias vivencias: Busco una respuesta idéntica a mis pensamientos. Y se puede apreciar cómo la intensidad va yendo cada vez a más para reforzarlo aún más». Así comienza Quinto Elemento presentando su último sencillo, publicado hace apenas unas horas. Una canción increíble, especial e intimista, interpretada mano a mano con otra gran banda, Los Flamingos.
Una colaboración de escándalo de la que la banda salmantina nos ha contado lo siguiente: «La otra parte que ha llenado de magia esta aventura ha sido la colaboración con nuestros amigos de Los Flamingos. Surgió la idea de hacer este tema a dos voces, y para nosotros contar con Néstor era todo un privilegio, no solo por la voz, sino por la amistad que nos une desde hace tiempo. El proyecto fue fluyendo con facilidad, y cuando por fin escuchamos la mezcla de todo a la vez nos quedamos gratamente satisfechos con todo el trabajo realizado». Una magia que traspasa fronteras y que, por supuesto, también se aprecia en el videoclip que acompaña. Una pieza audiovisual con la que poner la guinda al pastel, una oda a los últimos días de verano, una invitación a disfrutar siempre, siempre de la compañía de las personas que más queremos.
Sin duda alguna, «Los Tiempos» es la mejor canción para celebrar que siguen peleando, que Quinto Elemento tienen mucho de lo que hablar y cantar. Y es que con este adelanto, han dado un paso al frente, mostrando la parte más vulnerable de ellos mismos, pero la mejor para poder conectar con ellos emocionalmente. Una sensación que se percibe ya desde el inicio, desde que arranca con ese exquisito sonido de guitarra, que junto a todo el relleno instrumental que suena de fondo, nos envuelve en un misterio que se va resolviendo poco a poco. Especialmente cuando el dúo de voces hace aparición. El punto clave para que todo explote y nos inunden los sonidos que llegan en el estribillo. Un conjunto de elementos, que nos permite transportarnos de lleno al mensaje de la canción, que no es otro que un himno a la búsqueda de respuestas, a las ganas de dejar atrás nuestros miedos y encontrarnos a nosotros mismos.
Allá donde se encuntra el rock con las letras ácidas, nos encontramos a León Benavente, una de las bandas que más nos soprendió en su momento, cuando la descubrimos. Desde ese momento, ya han pasado unos cuantos años: «2» (2016) era apenas una realidad y todavía no había rastro de «Vamos a volvernos locos» (2019). Dos años después desde ese último momento, finales de 2021, y ya estamos atisbando las primeras pistas del que será el cuarto disco de estudio de la banda, «Era». Poco sabemos de él más allá del título, de que verá la luz el próximo 22 de enero y de que el primer adelanto, «Líbrame del mal» es un regalo. Pura esencia, puro estilo y una flecha capaz de traspasarnos el corazón. El tema perfecto para dejarnos con la miel en los labios, especialmente si lo acompañas de su potente videoclip, que cuenta con la producción de Zissou y con la dirección de Sara Condado.
Una canción necesaria, una canción que tenía que ver la luz la primera (ya que también fue la primera en nacer). Y es que sobre el proceso de creación y composición, Abraham Boba explica lo siguiente:
«Usé el mismo tipo de narrador que el de Dylan en A hard rain’s a gonna fall, de ahí que aparezca el verso la lluvia dura diluyendo nuestra fantasía. También usé el título de un libro de María Salgado, Hacía un ruido, como punto de partida del relato. Incluso se coló en este collage de referencias la icónica frase del replicante de Blade Runner. La idea es que a veces no podemos controlar los cambios y que siempre es conveniente contar con alguien que te aleje de los peligros. Hice una primera versión utilizando tan solo un piano y una caja de ritmos TR-08. Cuando nos juntamos para tocarla, la estructura no varió prácticamente nada, pero la programación de Edu llevó la canción a otro lugar que nos dio algunas pistas de por dónde queríamos continuar el viaje».
Más allá de todo eso, hay otro gran detalle (importante, por cierto), que también sabemos de todo lo que se avecina. Y son las primeras fechas de presentación de «Era». Aún nos falta tralla por descubrir, pero nosotras decimos sí sin miedo. Porque si su música es top, sus directos ya se salen. No son de este planeta. Así que mucha atención a toda la retahíla de fechas que se avecinan, porque si no sois rápidos, os quedaréis sin entradas.
No mentimos si decimos que los miércoles se están convirtiendo en nuestro día favorito de la semana, por todo lo que implica, pero sobre todo por el momento de sentarnos a escribir sobre nuevas bandas y artistas, sobre proyectos que acabamos de descubrir y de los que estamos ya completamente enganchadas. Como esta ansia nos come vivas, no podemos evitarlo, tenemos que compartir este momento con vosotros. Es por eso por lo que hoy nos decidimos a hablaros de Paes, Pierre-Luc Lessard, Tameera y Granny Smith. Nos dejamos llevar y nos permitimos viajar de una punta a otra, sin salir de casa. Y haciendo una de las cosas que más nos gustan del mundo: escuchar música.
Afincado en Lisboa, pero brasileño de nacimiento, Paes irrumpe con una fuerza sobrenatural con su nuevo single «Hotel Bali». Una canción de lo más especial, que llega acompañada de un vintage videoclip de estética lo-fi, realizado bajo los mandos de Raquel Zandoná y del propio artista. Una canción que se adentra en las entrañas del amor, del amor verdadero. «De un amor que pasa por todas las pruebas que la vida te puede presentar. Un amor que se enfrenta a años, a décadas de tormentas y sucesos diversos. Un amor que reafirma la relación de formas inimaginables». Un mensaje aparentemente simple, tras el cual se esconde toda la complejidad del ser humano: la necesidad de afecto, pero también la desesperación humana. La aceptación de la muerte como un nuevo comienzo. El simbolizar la idea de tránsito, de viaje, de paso por la vida.
Toda una declaración de intenciones que se vio reflejada en este último adelanto, pero también en el álbum que el cantautor y compositor nos acaba de regalar: «Blue Tree Salvador». ¿Os atrevéis a adentraros en las entrañas de Paes gracias a este nuevo trabajo discográfico?
La relatividad del tiempo y del espacio adquieren una nueva dimensión cuando te sumerges en la música de Pierre-Luc Lessard. Concretamente, cuando escuchas su adelanto más reciente y reflexivo, llamado «Inventer des heures». Con una sencillez, pero con una personalidad única, el artista francés ha sabido cómo darle a su voz la relevancia que merece, poniéndola en primer plano en todo momento. Todo a ritmo de pop-rock. Acompañado de su inestimable compañero Guillaume Campbell, Lessard ha creado un tándem perfecto. Así comenzó a demostrarlo en 2014 cuando publicó su debut «Sans frontière»; y así lo ha seguido haciendo con el segundo «Soyons Géants» (2017). Ahora, «Inventer des heures» inaugura una nueva era en su carrera, todavía por explorar. ¿Preparados para descubrirla? Agarraos, que vienen curvas. Y es que 2022 será el año en el que descubramos la nueva faceta del joven artista francés.
Tiene una voz versátil, preciosa. Tameera llega desde Alemania para hacer temblar todos nuestros cimientos, para descubrirnos un nuevo mundo: su mundo. Un universo que está repleto de dualidades, así como está repleta de dualidades su música. Y es que solo ella es capaz de jugar con sonidos electrónicos, con letras sinceras y poderosas. De recrear un estilo melancólico y soñador, a la vez que enérgico. Una personalidad que ha ido desarrollando con el tiempo, gracias a la pasión que ha sentido siempre por el arte y a los estudios especializados que ha cursado durante este tiempo. Una personalidad que, por supuesto, ha sabido reflejar a la perfección en el que ha sido su debut, «My Mind». Un EP único que vio la luz el pasado mes de junio y del que nos ha contado lo siguiente: «todas las letras están inspiradas en historias que me afectaron profundamente en el momento de la creación de la canciones. Mientras trabajaba en este EP, fui capaz de superar ciertas situaciones y procesar experiencias desagradables. Por eso, agradezco poder compartirlo con los demás».
Ahora, que parece que tenemos un poco de tregua, es el momento perfecto de preparar los directos y poder defender este trabajo sobre los escenarios. Por nuestra parte, no podemos estar más ansiosas…y es que ojalá tengamos la oportunidad de cruzarnos con un concierto de Tameera.
Nuestra primera reacción, instintiva, cuando escuchamos por primera vez «Dans mes pensées» fue ponernos a bailar. Es el efecto Granny Smith. El dúo llega desde Francia con un rollazo increíble y con una personalidad completamente arrolladora. Un estilo único con claras referencias a otros artistas como Ed Sheeran o Boulevard Des Airs, cuatro singles en un año y medio, y un álbum que ha visto la luz hace apenas semana y media. Un paso al frente en su prometedora carrera, que ya les ha traído más de una alegría: y es que más allá de la legión de fans que están afianzando, entre los medios de comunicación franceses están generando furor. ¡No es para menos!
No sabemos qué tiene, pero desde la primera escucha, «Beautiful People» se ha metido en nuestra cabeza sin ni siquiera poder salir. Será por ese estilo tan 80s con los tintes electrónicos que, en ciertos puntos, nos podría recordar a bandas como Depeche Mode o Blur (formaciones a la que hemos escuchado hasta la saciedad). Será por esa capacidad de llevar sus influencias a su terreno. O por definir tan bien, de entrada, lo que quieren y cómo lo quieren, buscando el equilibrio perfecto entre el concepto musical y el concepto artístico. Ellos son A Permanent Shadow y llegan pisando fuerte desde Barcelona.
Con CP Fletcher a la cabeza, el colecivo musical ha querido ahondar en un tema tan común como normalizado como es plantearse qué pasa cuando la belleza desaparece, una vez que comienza el proceso de envejecimiento; y cómo lo afrontan especialmente, las personas que han utilizado toda su vida la apariencia para conseguir lo que querían. Un hilo conductor que adquiere más peso con el videoclip que, mediante animaciones, se pone en la piel de una joven, bella y exitosa pareja que tras casarse, se enfrenta a la dura realidad, dándose de bruces con una vida rutinaria llena de altibajos. C’est la vie!
Compuesta por el músico británico Paul Malcolm y producida por Valentí Nieto (multiinstrumentista de Sopa de Cabra) y Albert Català (teclista de Ramón Aragall), esta canción pone la primera piedra para lo que será el nuevo álbum de la banda, justo tres años después de que debutaran con «Songs Of Loss» (2019). Un segundo trabajo discográfico que llevará el título de «Humdrum» y que esperemos para principios de 2022. Y otra cosa no, pero estamos convencidas de que con él, A Permanent Shadow se ganará a gran parte del público y de la crítica. Paciencia y tiempo al tiempo.
Tiene una voz increíble y un talento que traspasa todo tipo de barreras. Sí, hablamos de DORA, de la que nos podríamos pasar horas y horas escribiendo. Y a la que podríamos pasar horas y hora escuchando. No es para menos, porque con cada canción que nos regala, la joven artista se supera. Multitud de temas la avalan, aunque el último de ellos ha sido «Sorry». Un tema especial, sobre todo para ella. Un tema del que nos cuenta lo siguiente: «es una canción que habla sobre mi relación con la música como refugio y protección, frente a una sociedad cada vez mas exigente y crítica. Habla sobre aceptar mi oscuridad, estados de ánimo contrarios, luces y sombras, la eterna tensión entre la vida y la muerte. Para mí es como el último paso hacia la luz al final del túnel». Dosis de magia y dosis de realidad a partes iguales.
Un nuevo single en el que la joven artista ha vuelto a contar con Pional a la producción y con John Davis a la masterización. Una nueva joya que se suma, de esta manera, a «Ojos de serpiente», «Hoy», «Oxena» y «Quiéreme (aunque no es tu estilo)».
Versatilidad en estado puro. Un fenónemo que traspasa fronteras físicas y artísticas. Por una parte, en enero de 2022, la artista viajará hasta Groningen (Holanda) para formar parte del line-up de la próxima edición de ESNS (Eurosonic Noorderslag), la principal plataforma internacional del sector musical europeo. Pero más allá de la música, Dora también tiene proyectos: y es que hará su primera gran incursión en el mundo del cine, gracias al actor y cineasta Paco León. Así es como se sumergirá en el papel principal de la película de «Rainbow». Un film que narra el viaje iniciático de una adolescente en una versión contemporánea y muy libre inspirada en el clásico literario «El maravilloso Mago de Oz».
