Barbott es, sin duda, una de las bandas con más proyección que hayamos podido conocer. Los descubrimos allá por 2017, gracias a uno de sus temas más míticos y emblemáticos: «Cream». Tres años después, los de Barcelona regresan con nuevo disco. «Projections» es ya una realidad y es un total descubrimiento: en él, se han atrevido a incluir sus dos primeros temas en español. Un trabajo que, por lo pronto, los va a hacer girar por México.
Hace algunos días, hablamos con Guillem Sala (vocalista y guitarra) y esto es lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Projections»?
Surge a lo largo del último año y es una especie de recopilación de algunos pensamientos, y de intentar plasmarlo a nivel musical. Aunque es cierto que los pensamientos son de lo más cotidiano: frustración o política incluso.
Un titular que lo defina.
Sería como el encuentro de uno mismo, dentro de la cotidianidad.
Una canción del disco y por qué.
Yo creo que «Find Us», porque es el tema más representativo: representa el cambio, no solo a nivel de idioma. También refleja todo nuestro aprendizaje previo. Aunque en realidad, el disco no tiene sentido sin ninguna de sus partes.
¿Cómo ha sido trabajar con Víctor Cabezuelo domo productor?
Pues ha sido muy bonito, la verdad. Él es una persona muy entregada y trabajadora: desde el primer momento se involucró al máximo y dijo que sentía el proyecto como suyo propio. Si empiezas ya con esa filosofía, es fácil que salga algo bonito y realmente bien.
¿Cómo ha sido la acogida de este disco por parte del público?
La verdad es que ha ido muy bien y ha sido muy chocante, sobre todo, la cantidad de gente de México que nos ha escrito casi a diario, descubriendo nuestra música. Estamos muy agradecidos con toda esa gente que ha sacado el tiempo necesario para escucharnos y que, después, nos llena de mensajes de afecto y cariño. Esto es lo más bestia que hemos notado. También creo que el haber sacado un tema en español ha hecho que podamos llegar a gente nueva que, quizás, no estaba tan predispuesta a escuchar música en inglés.
¿Crees que perjudica mucho el cantar en inglés, de cara al público de habla hispana?
Imagino que puede llegar a serlo. Una cosa de la que me he dado cuenta es que, por muy abiertos que seamos, los seres humanos nos sentimos atraídos por aquello con lo que nos sentimos identificados. Y la lengua es un punto de inflexión. Nos da cierta familiaridad.
¿«Find Us» y «Dinero» será un punto de inflexión para futuros temas en español?
Tengo la total certeza de que así será. Hace un año, no sabía que haría esto, no sabía que sacaría algún tema en español. Y no sé qué pasará dentro de unos meses o años. Pero sí que me gustaría, porque para mí ha sido muy divertido. Llegar a un nuevo público que siente más conexión con las canciones en español, ha sido genial. Aunque tampoco renegaremos de seguir cantando en inglés.
«Projections» va a lanzarse en Reino Unido y pronto giraréis por México. ¿Cómo afrontáis ambos hitos?
Pues con mucha ilusión, sobre todo, y sin ningún miedo. Para nosotros es una de las oportunidades más bonitas que nos ha salido, desde que surgió este proyecto. Así que cruzar el charco y compartir nuestra música con la gente de México va a ser muy bonito y nos hace mucha ilusión.
Siguientes pasos de Barbott.
Pues de manera más inminente, estaremos el 8 de junio en El Perro de la Parte de Atrás del Coche, en Madrid. Y luego, por supuesto, la gira por México. Pero hay todavía muchas fechas por cerrar y publicar en nuestras redes sociales.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Creo que no hemos cometido grandes locuras, ni hemos hecho nada que no se sienta como un paso natural en la evolución de la banda. Si miras desde el principio hasta ahora, sí que es una locura el haber llegado hasta esto. Pero si lo ves como un micro-estudio, paso por paso, todo el proceso ha sido muy natural.
Su disco probablemente fuera uno de los más esperados. No era para menos, había muchas ganas de Exceso. Y es que aquel «Cenizas y Aciertos» nos dejó con la miel en los labios. Pero, al fin, ya está aquí «Rimas y Rock», justo en el momento en el que te das cuenta de que sí, de que cualquier espera ha merecido la pena. Mucho rock, muchas rimas y mucho Exceso en pura esencia. Esencia que dejará su huella este mismo jueves 23 en la Sala Apolo [2] y que, justo una semana después (30 de mayo), asolará Madrid.
La semana pasada, pudimos hablar durante un buen rato con Ferrán Exceso (voz) y Miguel Pino (guitarra y producción). Y esto es lo que nos contaron sobre «Rimas y Rock».
¿Cómo surge el concepto de «Rimas y Rock»?
Ferrán. Pues empezamos grabando los temas que teníamos en eléctrico. Había casi más de la mitad. Pero un día, llegó Miguel y nos dijo: «¿y si hacemos estas mismas canciones en acústico y las metemos en el mismo disco?». Y pensamos: «igual es una mala idea, pero como todas las malas ideas, nos la quedamos…y al final fue una buena idea» [risas].
Miguel. Yo te voy a contar la historia verdadera. Tenemos un amigo en común, que además ha escrito la letra de una canción, Daniel Weah. Un chaval muy amigo nuestro y muy amante del rock. Pues un día pasó por el estudio y le pusimos algún tema. Pero una noche, tomando unas cervezas, me pareció como que insinuaba como que el disco era un poco duro. Y a raíz de ahí llegó todo, porque quizás sí, tuviera algo de razón. Lo difícil de las canciones es hacerlas, pero una vez las tienes, pasarlas por ejemplo, a acústico, no es complicado. Así que tomamos la decisión de hacerlas también en acústico, porque a mucha gente le podría parecer que el disco era duro, también por nuestras influencias: últimamente escuchamos mucho a Pantera (aunque también escuchamos jazz, flamenco y otros géneros, pero el rock es nuestro nexo en común). A todo eso, Ferrán también lleva muchos años haciendo acústicos y tocando las canciones de Exceso.
Pero a mí me gusta que sea más duro y cañero que el último disco. También han pasado años desde entonces y en cierto modo, la evolución tiene que estar reflejada.
Miguel. Sí, sí, sí. Tiene más carácter y es más cañero que lo anterior, pero no por nada. Uno no hace discos para hacerse rico, a la vista está…ya tenemos unos años como para saberlo. Al final, el punto es disfrutar de esa música y que a nosotros mismos nos guste lo que hacemos. Que al final, si a la gente también le gusta, es la hostia.
¿Cómo ha sido todo ese proceso creativo y cómo habéis vivido ese periodo semi de silencio? Porque al final, han pasado siete años desde el disco anterior.
Ferrán. Claro, es que parece que el proyecto haya quedado guardado en un cajón, pero digamos que yo le quitaba el polvo regularmente, tocando en acústico por ahí. Miguel ha estado currando mucho con El Niño de la Hipoteca, con Hotel Cochambre y con muchos más grupos. Al final, hemos aprovechado el tiempo que nos quedaba. Básicamente, ha ido por ahí.
Miguel. Sí, la verdad es que no te das cuenta, pero siete años son muchísimo.
Ferrán. Realmente, son cinco. Porque salió «Canciones del Segundo Origen» en 2010 y estuvimos dos años girando con él. Y a partir de esos dos años fue cuando dijimos: «o sacamos disco o se frena un poco». Y al final, decidimos frenar, para ponernos todos en su sitio. Que no es como darte un tiempo con tu novia. Fue como un: «vivimos juntos, pero ahora cada uno se va a su casa, aunque seguimos siendo novios». Que seguíamos haciendo bolos de manera esporádico. De hecho, a raíz de uno de los Viña Rock, surgió «Versos Desterrados», porque vimos como la gente empezó a hacer pogos y a bailarse. Y quisimos reflejar eso. En definitiva, ese parón y esos pequeños bolos, han hecho que este disco nazca. Porque ni yo soy el mismo Ferrán de hace cinco o siete años, ni Miguel lo es. De hecho, en este tiempo también he conocido a Fran Mariscal y, ahora, ha hecho varios de los temas del disco. Al final de eso se trata: de contar todas las movidas que nos han pasado estos años y con la música que más nos gusta.
También es arriesgado el estar tanto tiempo callado, tal cual está montada la industria. Que hay unos tiempos y que parece que si no sacas nada, dejas de estar, dejas de existir.
Ferrán. Hablando con nuestra gente, dijimos que un año después de sacar «Cenizas y Aciertos», vería la luz el disco. Y, al final, hemos tardado dos. Así que lo único que podemos sentir es gratitud, porque gente que nos escuchaba, le ha importado una mierda que tardáramos un año, dos o tres. Ellos querían el disco de Exceso bien hecho y currado. Y nosotros también teníamos eso claro: este disco no iba a salir de cualquier manera y cuando tiene que salir.
Miguel. Por otra parte, estando con Maldito Records, sí que se pactó que saldría en 2018. Pero al final, lo fuimos retrasando, porque le íbamos dando vueltas y el disco no estaba como queríamos. Y en ese sentido, Maldito – una de las pocas discográficas que sobrevive y que curran guay -, no metió ningún tipo de presión. Ahora están dando un apoyo brutal y se agradece mucho.
Ferrán. Es una manera de romper un poco el mito de los tempos, una manera de decir: «te lo puedes tomar con calma». De hecho, me acaban de venir a la cabeza Oques Grasses, que llevaban muchísimo tiempo sin sacar disco. La industria, en teoría, no debería tener que soportar ese tipo de cosas.
Un titular que defina «Rimas y Rock».
Miguel. Pues mucho rock y muchas rimas [risas].
Ferrán. Vamos a poner de moda el rock & roll. Es como nuestro propósito en el buen sentido. E incluimos a mucha gente en ese «vamos», no solo a Exceso. De hecho, tenemos mucha suerte de que los Marea hayan vuelto con nuevo trabajo. Ellos como que levantan la pelota y los demás, damos la patada.
Miguel. Es muy buen síntoma que hayan sacado álbum después de tantos años y que sigan llenando aforos.
Ferrán. Eso es síntoma de que el rock está vivo, aunque siga existiendo el fantasma de que el rock está muerto.
Justo sobre eso quería preguntaros, porque lo de «el rock está muerto» es algo que he escuchado más de una vez.
Ferrán. Pero es que no es así. De hecho, si quieres otro titular, te diría: «estamos aquí para demostrar que el rock no ha muerto». Tenemos unas edades y una trayectoria por delante, que demuestran que tenemos rock & roll para rato.
Miguel. Y a nivel «majors», el rock & roll está más vivo que nunca. De hecho, Metallica llenaron hace unas semanas el Estadi Olímpic de Barcelona. Y en Madrid metieron 60.000 personas. Los Iron Maiden igual, han hecho gira y lo han reventado.
Una canción del disco y por qué.
Miguel. Hostia, eso es difícil.
Ferrán. ¿A cuál de tus hijos quieres más? [risas]. Te iba a decir una, pero luego me he acordado de otra. Encima son canciones que yo no he escrito y no quiero afear ninguna. Tiene que ver mucho el material, con la intensidad. Vamos de macarras, pero somos unos intensitos. El disco tiene macarrismo, pero cada canción tiene su cosa y su cariñito puesto.
Miguel. A mí como guitarrista, me puede gustar el riff de una canción o el solo de otra. Pero no, no podría quedarme con una sola canción: mejor el disco entero.
«Cenizas y Aciertos» y «Que sonrías para mí» fueron los dos primeros adelantos. ¿Por qué estos temas?
Miguel. «Cenizas y Aciertos» fue la manera de arrancar con el disco. Justo íbamos al Viña Rock y queríamos presentar un tema. Lo que al final no pasó, es que saliera el disco al año siguiente.
Ferrán. Pero sí que nos dio la confianza para seguir con el resto de temas. A partir de ahí, empezamos a quedar bastante más, para seguir avanzando e ir chequeando ideas.
Miguel. ¡Claro! Ya después, con el disco hecho, «Que sonrías para mí» nos pareció un tema muy cañero, con un estribillo también bastante diferente. A mí, particularmente, me pareció muy original. De hecho, a mucha gente le sorprendía ese tema. Por el riff, por la caña que tiene esa canción.
Ferrán. Sí, para mí es diferente. Es como que tiene un sonido muy «Exceso New Age». Recuerda y tiene sabor a lo que hacíamos en el primer disco. Es como el tema de transición entre el anterior disco y este. También es cierto que cuando sacamos «Cenizas y Aciertos», hubo mucha gente que dijo que era muy duro, porque lo comparaban con lo anterior. Pero con «Que sonrías para mí» sí que hubiera sido más de transición. Si hubiéramos tenido todos los temas, éste probablemente habría sido el primer adelanto.
Ahora que llega el momento de presentar el disco en directo, ¿cómo afrontáis la gira?
Miguel. Bueno, de entrada tenemos muchas ganas de tocar. Estos días estamos en pleno ensayo, para que salga todo de la mejor manera posible.
Ferrán. Conseguir que los temas de Exceso suenen como en el disco, para mí es casi más importante entrenar que ensayar.
¿Dónde está la frontera entre entrenar y ensayar?
Ferrán. Cuando ensayas, le das importancia a la parte artística. Y cuando entrenas, se la das a la parte física. Ellos cuando terminan de tocar, siguen con los temas en la cabeza, pero han guardado la guitarra. Yo me sigo llevando la voz de fiesta [risas]. Llega un punto en el que tengo que cuidarme, entrenar la resistencia, el cansancio.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Miguel. Pues dedicarse a la música es una gran locura, directamente. En mi caso, esa. Y en el suyo, probablemente también.
Ferrán. Bueno, yo constantemente estoy cometiendo locuras, por seguir viviendo como vivo: que es dedicándome a la música. Estoy dispuesto a hacer cualquier cosa por esto, porque soy feliz y me lo paso de puta madre.
«Espejos y Espejismos» es de nuevo una realidad. Desde que terminara la gira de «El Poeta Halley», los incansables Love of lesbian no han dejado de girar. Y, por supuesto, no han dejado de crear: nuevamente, un espectáculo tan especial como este, pero incorporando nuevas canciones y un show totalmente renovado. Show que, por otro lado, no deja de ser un éxito. Esta semana, la banda visita Madrid: cinco fechas diferentes en el Teatro Español (14, 15, 17, 18 y 19 de mayo), con todos los tickets vendidos desde hace tiempo. Y es que salieron a la venta el pasado 1 de enero y se agotaron todas en menos de un mes.
Así son ellos. Así es la magia de Love of lesbian. Una magia que durante dos horas, nos sumergirá en el repertorio más especial y emotivo de la banda. Una magia que nos hará viajar a los lugares más misteriosos de la noche, donde las pasiones, los miedos y las sombras son las protagonistas.
No es para menos. Se abre el telón, los perfiles de Love of Lesbian aparecen entre la oscuridad de una ciudad cualquiera. Los primeros compases de la canción «Nada» nos envuelven para sumergirnos en el mundo mágico y misterioso de la noche, donde las pasiones, los miedos y las sombras serán protagonistas durante los siguientes 120 minutos. Personajes singulares irán cobrando vida entre las melodías más emotivas de Love of Lesbian, otras vidas que se debaten entre sueños y realidades, «Espejos y Espejismos» de un mismo mundo, de una misma noche, de una misma emoción.
Pero, ¿qué es exactamente «Espejos y Espejismos»?
No es una obra de teatro, pero tampoco es un musical. Más bien podría decirse que es un concierto teatralizado, en el que las canciones más mágicas y ensoñadoras de Love of lesbian adquieren otra dimensión, un protagonismo especial. Una puesta en escena que cuenta con la participación en la dirección y escenografía de Guillem Albà: sombras chinas, títeres y otras disciplinas inundan todos y cada uno de los teatros por los que la banda ha pasado con este maravilloso espectáculo.
Desde finales de 2018, se ha podido disfrutar del tour de teatros de «Espejos y Espejismos». Más de 30 teatros y auditorios de toda la península. Lugares en los que, mayormente, se han agotado todas las entradas al poco tiempo de salir a la venta.
Así y todo, esta gira tan especial llegará muy pronto a su fin. En Barcelona pondrán el broche de oro, con diez funciones que tendrán lugar del 28 de mayo al 9 de junio en el Onyric – Teatre Condal, donde ya se han agotado todas las localidades para el día 31. Además, las del día 1 de junio están a punto de hacerlo.
¡Bienvenidos al mágico mundo de «Espejos y Espejismos»!, ¡bienvenidos al universo Love of lesbian!
Her Little Donkey o cómo transformar el pop desde dentro. Se reinventan ellos y reinventan el género, sin olvidarnos de dar su propio toque personal, ese que los hace único. Así es como surge «Where’s The Glow?», su nuevo trabajo. Y aprovechando la visita de la banda a Madrid, aprovechamos para hablar con ellos sobre su álbum y sobre el proyecto.
¿Cómo surge el concepto de «Where’s The Glow»?
Pues somos una banda un poco accidentada en temas de salud. Somos los tullidos [risas]. Entre un disco y otro, hubo varios percances, pero sobrevivimos. Así que este disco fue un poco como ver la parte bonita dentro de la mierda. Y surgió de ahí, básicamente. Es un disco bastante optimista, de ahí el título también. Es como un: «a pesar de todo, hemos conseguido relucir».
Un titular que lo defina.
Pop luminoso para escuchar en la ducha.
Una canción del disco y por qué.
Pues lo más lógico sería decir «No Devotion», que fue la canción que escogimos como primer single. Es cierto que cada canción, como que habla de un tema diferente, pero todas ellas se pueden empaquetar o englobar en lo que es el conjunto del disco. Así y todo, esta es la que mejor define el conjunto. Habla un poco de hacer las cosas que te gustan, con pasión, aunque no puedas vivir de ello.
Además, es la que define mejor lo que queríamos hacer. Teníamos claro que queríamos hacer un disco pop y esta canción es la que tiene un estribillo más pegadizo y tenía una estructura más pop.
De hecho, he leído que decían de vosotros en una entrevista previa: «persiguen la utopía de la canción indie pop perfecta». ¿Hasta qué punto es real?
A ver, el pop perfecto para nosotros. Queremos matizar [risas]. Al principio, sobre todo, le dábamos muchas vueltas a las canciones: cuantos más cambios de acordes haya, mejor; cuantos más cambios de ritmo, mejor. Pero ahora es como todo lo contrario, porque ni siquiera nosotros tenemos como referencia canciones de ese tipo. Además, en este disco hemos dado mucha más importancia a los estribillos.
Respecto a lo de la canción pop, no queremos sentar cátedra con nada. Simplemente, buscamos la canción pop perfecta para nosotros, que es la que se te queda en la cabeza y la que tiene melodías bastantes dulces. Y que aunque tenga muchas cosas difíciles o complicadas, entra fácil.
De ahí también que utilicéis la fórmula de menos es más, ¿no?
¡Exacto! Eso, sobre todo, cuando llegó el momento de grabar y mezclar el disco. No queríamos meter tantas capas, queríamos que cada instrumento tuviera su espacio, que hubiera silencios y que pudiéramos disfrutar de ellos.
¿Cómo está siendo la acogida de este disco?
A nivel de prensa, nos están llegando reseñas bastante chulas. De hecho, nos están llegando referencias que nos gustan bastante. Luego a nivel de conciertos, nos están saliendo más bolos que nunca.En redes y en plataformas digitales, el feedback también es bueno. Así que creemos que, en general, bien.
Aunque también tenemos muchas ganas de empezar este maratón de conciertos, para vernos cara a cara con el público y ver su reacción.
¿Cómo afrontáis la gira y cómo adaptáis también los temas al directo?
Pues intentamos ser lo más fieles posibles a las canciones del disco, pero con un poquito más de caña. De hecho, en este disco nos está resultando mucho más fácil que en el anterior, porque tenía muchas más capas que este. Pero con «Where’s The Glow?» como lo que hemos grabado es lo que hay, lo tocamos prácticamente tal cual y no necesitamos soporte extra. Aunque siempre hay alguna cosa que adaptamos. Pero en general, es bastante fiel. Y lo que queremos es transmitir en directo ese feeling y ese buen rollo.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Her Little Monkey?
Pues la verdad es que seguir con la gira, de momento, por Cataluña. En verano sí que tenemos algo fuera, pero todavía no se puede anunciar.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
A diario, hacemos pequeñas locuras individuales, que tienen forma de sacrificio. Todo por estar aquí. Pero es tan cotidiano, que no sabemos si se puede considerar locura.
A nivel más personal, lo típico de tratar de entrar en camerinos o en algún festival. Pero claro, eso cuando no teníamos dinero para las entradas [risas].
Hay esperas demasiado largas, esperas que se convierten en años. Pero todo llega para quien sabe esperar. Aunque para ello tenga que esperar siete años, como nos ha pasado con Exceso. Los catalanes por fin tienen fecha de lanzamiento del que será su tercer álbum de estudio. Y es que el próximo 10 de mayo, vera la luz «Rimas y Rock», un doble CD en el que han plasmado las diez canciones en las que han estado trabajando durante tantos años.
¿Qué esconde este «Rimas y Rock»?
Siete años en los que la banda ha acumulado experiencias y situaciones vividas, mezcladas con un nuevo sonido, que a pesar del tiempo,sigue manteniendo la esencia Exceso. Un disco que será especial, porque mostrará ese regreso al pasado, esa vista atrás, a lo que han sido y seguirán siendo. Un pasado que salta de un sonido más eléctrico en primer disco («Niebla y Hollín»); a un acústico mucho más íntimo y personal en el segundo («Canciones de Segundo Origen»). Eso sí, sin olvidar nunca que vivimos en el presente.
En definitiva, en este «Rimas y Rock» habrá unas composiciones con nuevas tesituras, registros y un sonido más endurecido, sin dejar de tener esos riffs con los que el panorama del rock tanto disfruta.
Como avance del que será este tercer disco, este «Rimas y Rock», Exceso ha lanzado su primer adelanto en forma de videoclip. Se trata de la canción de «Que sonrías para mí». Un estridente y enérgico videoclip, que muestra muy bien qué es lo que está por venir.
Por lo demás, tan solo queda esperar a que llegue el 10 de mayo. Poco menos de un mes para escuchar al completo esta obra, para escuchar al completo «Rimas y Rock». Y justo después, llegará el momento de presentar el disco en directo. De ahí que hayan anunciado ya las primeras fechas. Por lo pronto, pasarán por Barcelona (23 de mayo en la Apolo 2) y justo siete días después, por Madrid (30 de mayo en El Sol).
Son jóvenes, vienen de Barcelona y lo tienen todo para poder triunfar. Se trata de Alfenic, la banda de rock que ha apostado todo en su nuevo largo: «Atemporal». Un álbum con el que han arriesgado todo y han pegado un gran salto. Después de tres trabajos, era lo natural. Que evolucionaran hasta el punto de perder el miedo. De probar con otros sonidos, pero siempre manteniendo esa esencia que los caracteriza.
¿Cómo surge todo el concepto de «Atemporal»?
Nosotros llevamos un tiempo parados, porque habíamos hecho bastantes conciertos con el anterior disco y ya nos empezamos a plantear grabar el siguiente. Sin embargo, de primeras nos costó un poco encararlo. Pero al final, cuando nos pusimos a componer, todo fue rodado. Nos hemos alejado un poco de lo que veníamos haciendo, pero lo hicimos sin miedo, porque era lo que nos apetecía en ese momento. Además, decidimos dar un paso adelante en todo lo que se refiere al estilo, a los directos, al concepto de la banda. Nos lanzamos a la piscina, sin saber muy bien cómo iba a reaccionar la gente.
¿Y cómo ha reaccionado?
Pues muy guay, la verdad. No nos lo esperábamos, pero ha ido perfecto. A la gente que nos seguía, le sigue gustando nuestro rollo. Y además, con este disco hemos abierto bastante más el abanico de posibilidades.
Y probablemente haya personas que digan: «cómo han cambiado, no son los mismos». Pero somos de los que pensamos que la evolución es natural. Al final, llevamos muchos años haciendo música y si hiciéramos todo el rato lo mismo, nos cansaríamos. En definitiva, nos gusta aprender, mejorar e investigar con nuevos sonidos. En este caso, nos hemos ido un poco hacia la electrónica.
Un titular que defina «Atemporal».
Alfenic, del rock al mainstream, sin dejar sus orígenes.
Una canción del disco y por qué.
Al final todos coincidimos y pensamos que «Atemporal» es la canción que mejor define lo que somos actualmente; y nos sentimos muy identificados con la letra de la misma. Sintetiza todo el concepto de Alfenic a día de hoy. Todos los elementos nuevos que queríamos introducir están en esa canción. Además, también recoge muy bien nuestros orígenes.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y meterse de lleno en los Estudios Reno?
A nivel creativo, lo que mejor nos ha funcionado siempre es trabajar sobre unas bases y unas letras. Y sobre eso, ya toda la banda, le damos consistencia, le damos la esencia Alfenic. Con esas demos o bases, teníamos claro que necesitábamos la visión externa de un productor. Barajamos muchas opciones, pero al final nos decantamos por Estudios Reno por las referencias que nos habían dado y por los trabajos que habíamos escuchado de ellos. Al final, se convirtió en una buena decisión. Acabamos retroalimentándonos nosotros mismos y con el productor Brais Ruibal.
¿Cómo afrontáis la gira?
Hemos apostado bastante fuerte, para tener un buen directo que presentar. Queríamos crear al máximo una experiencia inmersiva, para que la gente lo dé todo en los conciertos. Eso nos ha llevado a plantear todo un sistema de luces en cada canción, resaltando todos los detalles que queríamos destacar. Además, hemos contado con un segundo guitarrista, para ser lo más fieles posibles al disco.
Queríamos dar pasos adelante con este trabajo: tanto en la composición, como en la producción, como en los mismos directos. Y es que, al final, a nosotros lo que más nos gusta es subir al escenario y pasarlo bien, y hacerlo pasar bien al público que viene a vernos. De ahí que quisiéramos «currárnoslo» al máximo.
El proyecto era muy ambicioso al principio, porque no teníamos ni idea de nada. Pero hay que lanzarse a la piscina e ir aprendiendo sobre la marcha. Al final, todo ha valido la pena.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Buf, es complicado pensar en solo una. Pero creemos que plantear el proyecto que hemos planteado con «Atemporal» es ya un poco locura. En sí, desde el inicio. Pero al fin y al cabo, era una locura que nos apetecía hacer, aunque nos haya restado de muchas cosas. Como de vida social [risas]. Eso es lo complicado: combinar ambas cosas.
Tienen un estilo muy suyo, muy particular. Eso es lo que los hace diferentes. Eso es lo que hace que sobresalgan. Aquí están Martínez y aquí llegan con su álbum debut, «Grandes Éxitos». Un total descubrimiento esta banda catalana a la que conocimos hace apenas unas semanas. Y en mayo, podremos disfrutar de ellos en vivo en Madrid.
Hace unos días, tuvimos la oportunidad de entrevistar a Xavi Casanueva, vocalista de la banda. Y esto es lo que nos contó sobre su proyecto, Martínez.
¿Cómo surge todo el concepto de este «Grandes Éxitos»?
Con una foto de la familia Pujol [risas]. En realidad, los de la foto de la portada del disco somos nosotros, vestidos como una familia «bien» típica de los años 70. Esa es la idea primaria de este «Grandes Éxitos». Y todo esto viene porque un día vimos una foto de la familia Pujol y queríamos hacer un retrato tipo, pero dándole un toque más cañi. Quisimos darle la vuelta, hacer sátira de esos grupos emergentes o nuevos que creen que lo están «petando» ya desde el primer disco. Precisamente por eso el llamar a nuestro primer disco «Grandes Éxitos». Es nuestra manera de reírnos de esa situación.
A nivel visual, el disco está muy pensado. ¿Qué importancia tiene la imagen para Martínez?
El diseñador con el que trabajamos es un crack. Se llama Álex Gordo y es un amigo de toda la vida. Él cuida al detalle todo. Se escuchó todo el disco, le pasé todas las letras y empezó a trabajar sobre ideas que quería transmitir con el disco. Por dentro, de hecho, el disco es muy minimalista. Al final, la idea era reflejar el disco pero desde el punto de vista del diseño.
Un titular para «Grandes Éxitos».
Voy a decir dos. Uno de ellos, el que me dice un amigo: rock personal para viejos. Pero yo lo veo más como rock alternativo libre.
Una canción del disco y por qué.
Diría la de «Barcelona 017», el segundo single. Porque sirve un poco de referente. Referente a la hora de hablar de cosas que la gente obvia o que, directamente, no quiere escuchar. En este tema, hablamos un poco de lo que vivimos en Barcelona en el año 2017, desde el atentado hasta las «hostias» del 1 de octubre. Todo desde un punto de vista personal y subjetivo.
¿Esa debería ser un poco la visión de la música, no?
Bueno, es uno de los conceptos. Yo respeto mucho a la gente que opta por otras vías y que prefiere hablar de lo guay que es o de cosas más banales. Ojala aprenda yo en algún momento a hacer música así, pero de momento no he sabido hacerlo. Lo que he sabido hacer es contar historias que hacen pensar y que me remueven la conciencia. De todos modos, respeto todo y creo que hay sitio para todos.
¿Por qué «Barcelona 017» y «No nos conoce ni Dios» como adelantos?
Bueno, «No nos conoce ni Dios» es un poco una declaración de intenciones. Habla un poco de la banda que empieza y a la que nadie hace caso. Así como nosotros [risas]. Luego, a nivel de estructura, evoca a las dos intenciones que había a la hora de hacer el disco: una más moderna e indie; y otra más rock. Y es que a partir del minuto 2, cambia por completo.
En cuanto a «Barcelona 017» es el único tema que hemos hecho, consiguiendo que no tenga más de cuatro acordes. Y en cuanto lo tocamos en el local, nos sonaba a single. Además, tiene un ritmo muy funky. Además, la temática también nos parecía muy guay.
Ya habéis tocado en Barcelona y en mayo actuáis en Madrid. ¿Cómo lo afrontáis?
Pues con muchas ganas. Al acabar el concierto de Barcelona, nos miramos satisfechos diciendo: «cómo molamos, ¿no?» [risas]. Y la gente también nos dio muy buen feedback del directo, porque se notaban mucho las ganas y el trabajo que hay detrás. En Madrid esperamos que sea igual, por nuestra parte que no quede.
Después de Madrid, ¿cuáles serán los siguientes pasos de Martínez?
¿Los siguientes pasos de Martínez? No sé. Reventar todas las salas y escenarios posibles [risas]. Ahora estamos haciendo todo el trabajo de management, picando piedra a tope. Creo que este verano ya no entraremos en ningún festival, hasta que no esté al menos, la cosa un poco más rodada.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Dejar mi trabajo y ser feliz con el cambio. Y, por supuesto, disfrutar de la música que haces.
Este viernes 15 de marzo, al fin, ve la luz el EP de La Mano del Marciano. Es el momento de «El fin justifica a los necios». Pero, ¿quién se esconde tras esta banda barcelonesa? Y es que el grupo está liderado por Andreu Peral, que para este proyecto cuenta con la participación de Marcel Bagés (quien toca la guitarra eléctrica y al que se conoce por su proyecto junto a María Arnal), Genis Bagés (batería), Julián López de Santa María (teclados y sinte) y Aleix Meix (bajo).
Tal y como ellos mismos cuentan, este proyecto surge de «la necesidad de escribir lo vivido y unir melodías para que éstas puedan ser cantadas. Siempre hay un motivo detrás de todo, lo extraño sería dejarlo dentro y no contarlo. Por eso, La Mano del Marciano escucha, aprende y se expresa con una gran dosis de pasión. Sin etiquetas en las manos ni prejuicios en sus pies, este proyecto se alimenta de fuentes musicales muy variadas, pero con una referencia obvia del indie – pop».
«El fin justifica a los necios», nuevo trabajo de La Mano del Marciano
«El fin justifica a los necios» no es el primer trabajo de la banda. Y es que en 2017 presentaron al mundo su primer EP, «Dios los cría y ellos se asustan». De cualquier manera, en ambos trabajos se aprecia una desconexión del sentido del rumor, un afán por explorar los sentimientos.
Una declaración de intenciones que se observó en el primer trabajo de los catalanes y que ha continuado apreciándose en los adelantos de este nuevo disco. Y es que si ya nos sorprendieron con el primer single, «Mi Hermana Marciana»; con el segundo, «Hola y Adiós», no se han quedado atrás.
Este viernes 15 de marzo, al fin, podremos disfrutar del disco al completo, ya que lo lanzan en todas las plataformas digitales. Se acerca la hora de «El fin justifica a los necios». Para verlos en directo, quizás sí que haya que esperar un poco más. Pero paciencia, porque la presentación oficial del álbum llegará el próximo sábado 23 de marzo en la Sala BARTS de Barcelona junto a Avstral. ¡Y las entradas ya están a la venta en Wegow!, ¡consigue la tuya ya!
El Sónar es uno de los festivales más míticos y emblemáticos de España. Celebrado en Barcelona desde hace más de 25 años, se ha convertido en uno de los referentes de toda Europa. Y es que este mes de julio, los días 18, 19 y 20, se celebrará ya la vigésimo-sexta edición de este festival. Un evento en el que se concentrarán multitud de fans y numerosas bandas y artistas de todo tipo y género musical. Aunque lo que más prima, sin duda alguna, es la electrónica.
Lo bueno del Sónar es que es un festival multidisciplinar en el que no solo hay música. Multitud de actividades conforman este evento tan puntero a nivel europeo. Y es que la creatividad y la tecnología también tienen un gran peso dentro del festival.
¿Quién es quién en el Sónar 2019?
Poco a poco, el festival celebrado en la ciudad condal, ha ido anunciando los nombres de los artistas que actuarán en él. Pero no solo eso. Y es que también han desvelado el cartel por días. De tal forma que el jueves 18 de julio, entre las actuaciones más destacadas, encontraríamos las de Afrodeutsche, Aleesha, la del reconocido productor Leon Vynehall, los nacionales Desert (proyecto artístico encabezado por Cristina Checa y Eloi Caballé) o, entre muchos otros.
Por su parte, el viernes comienza la jornada de día y noche. Con las actuaciones de bandas y artistas, como Artwork, Bill Kouligas, MANS O, la española Virgen Marías (tras la que se esconde María Forqué), el reconocido a$ap Rocky, Tutu, Underworld y Vince Staples, por nombrar a alguno de los artistas de esta segunda jornada del festival.
Esta jornada de día y noche se prolonga durante el sábado 20 de julio. En ella se contará con infinidad de actuaciones más. En este caso, se disfrutará de los conciertos de Alvva, Bad Gyal (una de las grandes promesas del dancehall español), La Diabla, Lil Moss & Friends o el reconocido trapero Bad Bunny.
Si todavía no lo tienes, puedes conseguir tu abono ya en la web del Sónar. También puedes adquirirlo, pinchando aquí.
Han pasado tres años desde que Green Valley lanzara su último disco. En aquel entonces era 2016, año en el que «Ahora» daba comienzo. Por eso, las ganas de escuchar nuevo material de la banda más importante de reggae a nivel nacional, eran más que evidentes. Y justo para calmar esa ansiedad que nos comía un poco por dentro, los catalanes van y nos sorprenden con su nuevo single, «Dónde Irán». Una canción que servirá como antesala de su próximo álbum, que se llamará «Bajo la piel» y verá la luz a finales del mes de abril.
Los detalles de «Dónde Irán», nuevo single de Green Valley
«Dónde Irán» llega tres años después de la última producción de Green Valley. Una canción muy especial, que habla sobre los propios sueños, las ilusiones, nuestros ideales de vida y sobre una realidad cotidiana, que en ocasiones, se presenta contradictoria.
Además, el tema refleja el crecimiento y la evolución de la banda, que comenzó su andadura allá por 2004, para publicar su primer trabajo poco después. Así es como inicialmente llegaba la maqueta «Inmigrantes» en 2007. Pero desde ese momento ha pasado ya más de una década. Ahora es cuando Green Valley muestra su gran salto, tanto a nivel lírico, como a nivel de producción.
La canción de «Dónde Irán» ha estado acompañada de su respectivo videoclip. Ha sido grabado entre Barcelona, Sevilla y Senegal, y contiene una narrativa muy comprometida.
Las primeras fechas confirmadas de Green Valley
Un tema que es antesala del disco que está por llegar y que responderá al nombre de «Bajo la piel». Aunque si bien es cierto que hasta finales de abril, no podremos descubrir todos y cada uno de los nuevos temas. Lo que sí que sabemos ya son las primeras fechas de presentación de Green Valley.
Los catalanes presentarán este «Bajo la piel», el próximo 25 de abril en Madrid. Mientras tanto, por Barcelona no pasarán hasta el 15 de mayo. A partir de ese momento, Green Valley dará el «pistoletazo» de salida a su extensa gira, que muy probablemente los lleve por multitud de escenarios, tanto de España como de Latinoamérica.
Alicantino, se adentra de forma casi innata en el mundo de la música. Fruto de una curiosidad insaciable, comienza a formarse y a aprender, hasta llegar al punto en el que se encuentra. Se trata de The Mad Keys, artista que recientemente ha publicado su nuevo single, «Mediterrani».
Un tema que juega con los sonidos más sintéticos y electrónicos, siguiendo la influencia de artistas como Bonobo, George Fitzgerald, Beacon, The Acid o Pional, pero siempre siempre, con su propio sello personal detrás.
Hace unos días pudimos hablar con él y esto es lo que nos contó sobre su proyecto.
¿Cómo surge el concepto de este tema, de «Mediterrani»?
Mi obra artística siempre ha estado ligada al mar, la verdad es que es el reflejo de mi vida, del lugar donde he nacido y he crecido. «Mediterrani» habla un poco de encontrar la persona, el momento adecuado y el lugar, en lo que ha sido el transcurso de mi vida, que ha estado muy ligada a la costa mediterránea. En concreto, a tres ciudades: Alicante, que es dode nací y crecí; Granada, donde estudié; y Barcelona, que es donde vivo actualmente.
¿Cómo ha sido la acogida de este tema?
La verdad es que estoy muy contento. Es la primera vez que publico algo oficialmente, tanto en plataformas digitales como en tiendas. Lo cierto es que estoy muy orgulloso, porque tanto amigos como conocidos me han ayudado mucho, compartiendo el tema en redes. Y, por otra parte, también eternamente agradecido a los medios de comunicación, por toda la difusión que le estáis dando al proyecto. No es algo que uno se espere la primera vez que lleva a cabo un lanzamiento.
Un titular que defina «Mediterrani».
Quizás escogería las palabras sobriedad, porque al final es una canción que juega solo con tres o cuatro elementos musicales; espíritu pop, por lo accesible que es; y alma soul, por los arreglos a nivel armónico, que tienen que ver con esta música.
¿Cómo empieza The Mad Keys en la música?
Con 16 años, yo tocaba en una banda de indie rock de Alicante. Cuando nos separamos, estaba en un momento de mi vida en el que sabía que quería dedicarme a la música. Así que The Mad Keys surgió de la necesidad de hacer lo que a mí más me gustaba y de querer comenzar un proyecto en solitario. Al final, me decidí por la música electrónica, porque es el género con el que más cómodo me siento.
¿Y cómo ha evolucionado The Mad Keys?
Realmente, todo es un proceso de aprendizaje. Cada vez que creo algo nuevo, estoy aprendiendo y retándome a mí mismo. La evolución también viene un poco dada, tras reconocer las propias carencias. La primera demo que hice, la hice yo totalmente. Desde el diseño hasta la producción. Con «Mediterrani» he sabido ver mis carencias y, por eso, me he querido de rodear de un buen equipo, que me asesorara en cada área específica: desde la producción hasta la comunicación, pasando por el arte del single o la animación del videoclip.
Precisamente hablando del videoclip. ¿Cómo surge la idea del vídeo y por qué llevarlo por el camino de la animación?
La idea surge tras pedirle a mi amiga Diana Sánchez, que es diseñadora gráfica, que adaptara un poco el formato de la portada del single a las características específicas de YouTube, que es donde íbamos a lanzar el videoclip. Y a partir de ahí, comenzamos a jugar con la estética «glitch», de tal manera que las olas del mar de la fotografía, se estuvieran moviendo.
Siguientes pasos de The Mad Keys.
Pues ahora mismo, estoy preparando un EP con varios temas, aunque todavía no puedo decir cuándo verá la luz. Va a haber un cambio, se va a apreciar un giro hacia algo mucho menos oscuro, mucho más bailable y colorido.
¿Por qué precisamente ahora este cambio?
Supongo que por orden cronológico. Los proyectos los he ido creando en un orden y quiero respetarlo a la hora de su lanzamiento. Más que nada porque creo que es la mejor manera de apreciar mi evolución como músico.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
¡Wow! [risas]. Diría que la mayor locura que he cometido por la música es dejar atrás el lugar en el que nací y al cual me siento muy arraigado, y marchar a otra ciudad solo para estudiar algo estrictamente relacionado con la música. Al final, he pasado cuatro años de mi vida fuera de casa, estudiando y formándome.
«Inside Your Head» es el tercer trabajo publicado de los catalanes The Lizards. Doce temas conforman este disco potente que llega, sin duda, directo a tu cabeza desde la primera escucha. Un disco que están empezando ya a llevarlo a los directos y recorrerá todos los rincones de España y de parte de Europa.
Hace apenas unos días, pudimos hablar con Carla Santacreu (voz y guitarra) y Edgar Beltri (batería). Y esto es lo que nos contaron sobre el proyecto.
¿Cómo surge el concepto de «Inside Your Head»?
Carla (C). Los doce temas que forman el disco tienen algo en común: y es que son muy directos, tienen melodías que queríamos que se te metieran en la cabeza nada más las escucharas.
Edgar (E). ¿Sabes la sensación esta de escuchar una canción, que parece que ya la conozcas? Pues creo que es un poco lo que hemos intentado transmitir.
¿Cómo ha sido la acogida en el poco tiempo que el disco lleva en la calle?
E. Pues de momento han sido súper buenas, estamos muy contentos con eso. Pero ahora nos falta a ver qué tal lo recibe el público en los directos. Pero a nivel de promo ha sido increíble. Ha habido muchos medios que han hablado del disco o que nos han entrevistado, otros con los que hemos repetido. Estamos hasta sorprendidos.
Un titular que defina «Inside Your Head».
C. Directo a tu cabeza.
Una canción que sintetice el disco.
E. Yo creo que hay varias. La primera de ellas es «What I Am», que es un poco una declaración de intenciones, de decir: «aquí estoy».
C. Exacto. Es un poco como decir: «paso de modas, esto es lo que nos gusta y estamos orgullosos de ello».
¿Creéis que esa es la clave del éxito?
E. Yo creo que sí. Yo siempre he dicho lo mismo. Que el hacer canciones es para ti y que después las compartes con la gente, independiente de que gusten más o menos.
C. Creo que al final todo este proceso tiene que ser algo muy sincero. Evidentemente, queremos que guste al mayor número de personas. Pero es que primero te tiene que gustar a ti.
«Everybody Sucks» fue uno de los adelantos. ¿Por qué este tema y cómo surge la idea del videoclip?
C. Para nosotros, este tema es un poco «rock terapéutico» [risas]. Es un tema muy cañero y que, además, habla de que todo el mundo apesta. Pero queríamos darle un tono cómico también. Queríamos convertirla en esa canción que te pones cuando tienes un mal día y necesitas revertir ese humor, esa energía. Que te la pusieras, cantaras y te quedaras a gusto.
En cuanto a la idea del videoclip, no queríamos que fuera muy agresivo, ya que el título ya de por sí, es un tanto explícito [risas]. Queríamos que cuando la gente lo viera, pensara: «son unos haters, pero en plan buen rollo» [risas]. Al final, liamos a muchos amigos y lo convertimos en una gran fiesta.
¿Qué importancia tiene el mensaje para The Lizards?
C. Es un poco variado. Tenemos algunos temas con un carácter más comprometido, como «State of Shame», que habla un poco del panorama político actual. Aunque en general, prácticamente todas las canciones hablan de emociones. Y así un poco con todas. Algunas sí que tienen mayor peso y otras que son pura diversión y cachondeo.
E. Hay otras como «Psychic Vampire». ¿Sabes cuando tienes a una persona que te absorbe completamente la energía?
Todo eso también es mensaje. No tiene por qué ser necesariamente político.
C. Sí, sí, por eso. Al final cada tema es completamente diferente. Al final se trata de hablar de emociones y de empatizar un poco con los demás.
¿Cuáles son los siguientes pasos de The Lizards?
E. Pues ya comenzar a tocar y empezar con la gira. De momento, tenemos unas 16 o 18 fechas anunciadas, siendo en Tsunami de Xixón el concierto más importante de momento. En septiembre, nos vamos dos semanas por Europa, donde estaremos girando. Y a la vuelta, continuaremos por España. Y ya en 2020, grabaremos nuevo disco. Ese es nuestro plan, álbum cada dos años y girar a tope mientras tanto.
Vosotros que habéis girado por Europa, ¿veis mucha diferencia entre el resto de países y España?
C. El panorama que mejor conocemos es el de Francia y Alemania, que es por donde hemos girado. Y sí que vemos diferencia con respecto a España. A nuestro nivel, hay muchísimo movimiento y oferta musical. La gente tiene más cultura de ir a conciertos, de comprar merchandising, de seguirte. Aunque no te conocieran de manera previa. Y aquí quizás cuesta un poco más. En España hay como más cultura de festival, pero no tanto de salas.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
E. Yo hace años tenía trabajo fijo y lo dejé, para irme 40 días de gira por Europa. Y a la vuelta, volver a empezar con la búsqueda. Pero sentía que lo tenía que hacer, me apetecía.
C. Hablo también un poco en el lugar de Judit. Creo que es ahora. No tenemos 20 años [risas] y llevamos mucho tiempo tocando. Pero es justo ahora cuando nos estamos dejando llevar por la música y por tocar.
¿Cómo ha sido todo ese proceso creativo y cómo habéis vivido ese periodo semi de silencio? Porque al final, han pasado siete años desde el disco anterior.
Ferrán. Sí, para mí es diferente. Es como que tiene un sonido muy «Exceso New Age». Recuerda y tiene sabor a lo que hacíamos en el primer disco. Es como el tema de transición entre el anterior disco y este. También es cierto que cuando sacamos «Cenizas y Aciertos», hubo mucha gente que dijo que era muy duro, porque lo comparaban con lo anterior. Pero con «Que sonrías para mí» sí que hubiera sido más de transición. Si hubiéramos tenido todos los temas, éste probablemente habría sido el primer adelanto.
