Probablemente sea uno de los nombres que más ha resonado dentro de la música durante 2018, sobre todo a raíz de su relación con Operación Triunfo 2017. Compositor, cantante y artista. Se trata de Nil Moliner, quien con su meteórica carrera, nos está deleitando con sus nuevas canciones. ¿Su último adelanto? «El Despertar», que vio la luz el pasado 1 de febrero.
Sobre esta nueva canción, Moliner explicó: «El despertar es una canción que se la escribo a un amigo, haciéndole ver que el presente es lo que importa, que no hay tiempo para lamentarse de nada, que el tiempo no espera. Es un comienzo a una nueva vida. Despertar para vivir el presente. Musicalmente te despierta el baile, la fiesta y el unirte con tu gente para disfrutar de la vida».
Este tema se alza como el primero de su álbum debut. Un álbum que lanzará a finales de este 2019. Sin embargo, muchos meses antes podremos disfrutar de sus directos, tanto en Madrid como en Barcelona, gracias a la iniciativa de Cooncert. Y es que el artista catalán actúa el 8 de marzo en la Sala Barts de la ciudad condal; y el 14 de marzo en la Joy Eslava de la capital.
La extensa carrera de Nil Moliner
Apenas tenía 15 años cuando Moliner se aventuró en la música en solitario, tocando versiones de otros artistas en distintos locales. No fue hasta 2013 cuando comenzó a lanzar material propio. Era el momento del single y videoclip de «Sale el Sol», que relanzó muchos años después (en 2018).
Aunque si bien es cierto que su primer trabajo, concebido en formato EP, llegó mucho después, en 2017. «Hijos de la tierra» se concibió y nació, también gracias a la ayuda de Manu Guix y Roger Rodés, quienes se encargaron de las tareas de producción. Esa fue la primera gran llamada de Moliner que, además, tuvo muy buena acogida entre el público. Una primera toma de contacto que también le sirvió para comenzar a girar. Así es como arrancó su primera gira nacional, «Hijos de la Tierra Tour», que lo llevó por ciudades como Barcelona, Madrid, Bilbao, Valencia, San Sebastián, Girona, Tarragona, Sevilla, Alicante, Murcia y Málaga.
A nivel de composición, Nil Moliner compuso el tema «Que nos sigan las luces», tema candidato a representar a España en Eurovisión 2018, con la interpretación de Alfred García (finalista de Operación Triunfo 2017). Sin embargo, este no ha sido el único tema que ha compuesto, ya que este 2019 ha creado junto a María Pelaez y Garbatto, la canción «Nadie se salva» (tema finalista en la gala de Eurovisión 2019).
Directamente desde Nashville y al más puro estilo rock americano, Larkin Poe llegan a España los próximos 1 y 2 de diciembre, para remover los cimientos del blues, del country y del rock, tal y como los conocíamos. En plena gira de presentación de su nuevo trabajo, «Venom & Faith», las hermanas Lovell prometen no dejar indiferentes.
Y es que, definitivamente, en este trabajo han encontrado su particular camino. Así lo comentaba Rebecca, en una entrevista que concedieron a Guitars Exchange: «El año pasado, Megan y yo hicimos un disco llamado Peach y fue el primero que co-producimos, solo fuimos nosotras dos en el estudio, con un ingeniero. Tocamos todos los instrumentos y fue una experiencia liberadora hacer algo así de básico, así que tomamos ese proceso y lo llevamos a la creación de Venom & Faith».
Este verano, fueron la auténtica revolución de festivales de la talla de Lollapalooza y Bonnaroo. Y ahora, con nuevo trabajo en la calle, se lanzan de lleno en una gira que las llevará por toda Europa: Inglaterra, Alemania, Austria, Italia y España. Y es que con ese particular sonido, imposible no conseguir adeptos allá por donde vayan. Tratar de encasillar a Rebecca (voz y guitarra) y Megan Lovell (voz y lapsteel) es complicado. Y es que interiorizan lo mejor del country, del blues y del rock, les dan la vuelta y los hacen propios. Y si a todo ello, añades ritmos pop y ciertos detalles en la producción que trasladan al hip-hop, tienes la combinación perfecta.
La visita de Larkin Poe a España
Que Larkin Poe visiten España no es casualidad. Tales eran las ganas que tenían sus fans españoles de verlas en vivo que, así lo solicitaron a través de la plataforma Cooncert. Es por eso por lo que el 1 de diciembre actuará en la Sala Cool Stage de Madrid; mientras que el día 2, estarán en la Razzmatazz 2 de Barcelona.
Además, no estarán solas. Para la ocasión, han creado vínculo con una de las bandas españolas que más ruido está empezando a hacer, dentro de todo este panorama emergente. Joan Queralt & The Seasicks estarán con ellas, tanto en Madrid como en Barcelona. Los catalanes también aprovecharán para presentar los temas de su reciente trabajo, «Purple Cannon» (abril 2018).
Directamente desde Uruguay, llegan Milongas Extremas, banda en la que el folclore rioplatense y el rock se mezclan y resurgen. Ayer actuaron en la capital, pero es que la gira por España aún no ha terminado. De hecho, está en pleno apogeo. Y es que aún quedan fechas por Bilbao, Barcelona y Sevilla. ¿Listos para re-descubrir las canciones de Extremoduro, mezclado con el más puro estilo milongas?
¿Cómo surge la idea de rendir homenaje a Extremoduro?
Nosotros tenemos dos discos. En el primero, quisimos reunir todas esas canciones que ya tocábamos y versionábamos, con guitarras criollas. Un formato típico del Río de la Plata. Había como unos 20 temas, que llevábamos a los directos. Y como la banda ya quería crecer, decidimos grabar ese primer disco, que eran todo versiones de Extremoduro. Eso fue en 2012. Y en 2016, vio la luz el segundo disco, que ya son temas propios y colaboraciones con algunos amigos. En él, quisimos volcar todo lo que veníamos haciendo, pero con otras composiciones.
¿Por qué llevarlo todo al lado del folclore rioplatense?
Es algo que se hizo siempre en Uruguay. Hay muchos artistas que lo hacen con muchos estilos. Al final, todos ellos se mezclan. Lo que nos pasó a nosotros es la posición desde la que el cantor de milonga canta, es muy similar a la de Robe de Extremoduro. Entonces, al probar, nos dimos cuenta de que sonaba bien y de que el mensaje llegaba. Para nosotros fue muy interesante y lo vivimos de una manera re-linda. Aún con cuatro guitarras criollas, hay mucho de Extremoduro en lo que hacemos.
En su momento, Robe Iniesta dijo que erais el único grupo de versiones, capaz de aportar un sello diferente.
Capaz que antes nadie los versionaba. Porque para nosotros, la versión muestra otra perspectiva de los temas, es como agarrar algo y llevarlo a otro terreno. Entonces capaz que no haya ningún otro grupo que haga lo que hacemos nosotros con las canciones de Extremoduro, a las que damos nuestra propia personalidad. Y suenan completamente diferentes, porque somos cuatro guitarras, pero también cuatro voces.
Además, Extremoduro no es una banda hiper conocida en Uruguay. Ahora sí que empiezan a sonar más. De hecho, comenzaron a vender discos en Latinoamérica, a partir de 2014. Antes llegaban algunos, pero muy pocos. Nosotros en 2008, empezamos a tocar canciones de ellos y la gente apenas se las sabía.
¿Y cómo llegan Extremoduro a vuestras vidas?
En realidad, por conocidos y amigos, que comenzaron a escuchar a Marea y Extremoduro. Al principio, no nos gustaban mucho, porque estábamos acostumbrados a escuchar rock en inglés o rioplatense. Y nos parecía raro al principio, escuchar rock con el acento de acá. Pero nos terminaron gustando. Al final, con el boca a boca, la gente comenzó a escucharlos más por allá.
¿Cómo han evolucionado Milongas Extremas en esta década?
Seguimos siendo los mismos, en realidad. Pero cada vez, con desafíos más grandes y con proyectos más difíciles de encarar, ya que eso es lo que al final te hace crecer. Al final, la idea es viajar más, recorrer más escenarios y más grandes.
Hemos girado mucho por Uruguay. Y, al final, Montevideo tiene millón y medio de habitantes; y el resto de país, otro millón y medio. Así que tenemos que esforzarnos mucho en cambiar nuestros espectáculos. Porque no vamos a tocar todos los meses, las mismas cosas. Así que procuramos publicar cada dos años material nuevo. Y eso es lo que hemos hecho hasta el momento. Aunque no hemos dejado de versionar temas de Extremoduro.
¿Cómo afrontáis la visita por España?
Lo vivimos minuto a minuto, como un verdadero desafío. También venimos con mucha menos incertidumbre que la vez anterior. La verdad es que estamos re-contentos de volver, se nos pasaron tres años. Cuando vinimos en 2015, queríamos regresar prácticamente al año siguiente.
De todos modos, estuvimos trabajando mucho por allá, porque es mucho más sencillo que alguien empatice con nosotros allá, aún sin conocer a Extremoduro. Nosotros sabemos que las letras de la banda son profundas y llegan, pero por nuestra manera de llevarlas al escenario, con un cuarteto de cuerda, es más fácil que el público uruguayo, argentino o brasilero conecte con nosotros. Porque el sonido es mucho más familiar. Venir acá a tocar canciones de Extremoduro en formato milonga, es un desafío. De hecho, en 2015 creíamos que el experimento no iba a funcionar, pero no fue así.
Esta vez venimos sin expectativas, pero con muchas menos incertidumbres. Venimos para volver a insistir en ciudades en las que ya estuvimos y para descubrir nuevas. Lo bueno, es que siempre hay gente que agita y nos pregunta que cuándo volveremos.
Un titular que defina este último trabajo.
Temprano. Es «electric feel». La verdad es que salió muy rápido y quedó muy fresco. Casi todas las canciones eran «nuevitas». Aunque lo cierto es que venimos más a presentar el nuevo espectáculo.
Un titular que defina el espectáculo.
«Vení» a verlo. Es algo que no se puede explicar, solo se puede vivir.
Es, quizás, un problema nuestro. El no saber grabar los discos tal cual sonamos en los directos. Aunque en realidad, son dos mundos paralelos. Nosotros escuchamos los discos y nos encantan, pero luego los vivos no tienen nada que ver. La tensión es diferente. Además, hay mil cosas por medio. En los conciertos, siempre hay una electricidad que en los discos no se percibe.
¿Qué es lo más loco que os ha pasado siendo Milongas Extremas?
Pasaron cosas muy locas [risas]. Hay una cosa muy loca y muy linda, también. En Buenos Aires, la gente es muy sentimental. Este año tocamos allá y vino una familia, con un bebé pequeño. La cuestión es que la mamá nos contó que tuvo el parto en su casa, escuchando a Milongas Extremas. Y esa gente nos va a ver, con la niña muy chiquita.
Hay conciertos por los que merece la pena pegarte cientos de kilómetros. Hay conciertos por los que merece ir a lo loco, sin saber hasta última hora si vas a entrar o no. Porque hay conciertos que saben a despedida y sabes a ciencia cierta que no se repetirán jamás. Da igual que sean en Madrid, Bilbao, Valencia o Barcelona. Como si hubiera sido otro país. Con esa sensación de melancolía, tristeza y ganas de disfrutar de uno de los últimos coletazos de La Raíz, nos plantamos el pasado 20 de octubre en el Palau Sant Jordi de Barcelona.
Era la última cita en Cataluña. Y no estaban solos, porque la banda de rap Tribade los acompañaron, siendo las encargadas de abrir este espectáculo tan especial. Con una alta carga social, Bittah, Sombra Alor y Masiva Lulla, nos cantaron temas como «Hija de la luna», «Mujeres», «La Purga» o «Gaupasa». Gran descubrimiento el de la banda barcelonesa que, con su gran puesta en escena y su lucha, nos acabaron ganando por completo.
Y, al fin, llegó el gran momento. Apenas pasaban las 10 de la noche, cuando los primeros acordes de «La Miseria de sus Crímenes» empezó a sonar y la voz de María Medina «La Morronga», recitó aquello de:
«Quisiera saber por qué estoy
en esta cárcel metido
tratado como un bandido
que no quiero ser ni soy».
Emoción por las nubes, gritos y ganas de vivir una de las grandes despedidas de la banda. Uno a uno, los miembros de La Raíz comenzaron a salir sobre el escenario. Era el momento de «Entre Poetas y Presos». Los valencianos estaban por la labor de demostrarnos que «Así en el cielo como en la selva», siempre estaremos en «El lado de los rebeldes».
Poco a poco, fueron llegando canciones. Con «Borracha y Callejera», dieron el pistoletazo de salida a «La voz del pueblo». Un pueblo que, incansable, no dejaba de cantar y que, inevitablemente, comenzó con los pogos justo cuando llegaba «Muérdeles». Intensidad que se acentuó cuando, convertidos en cazadores, atrapamos a todos los «Jilgueros» que, en esos momentos, nos acechaban a lo largo y ancho de esta «Selva Asesina».
Momento de bajar de esa noria emocional, cuando llegó «El Tren Huracán», tema dedicado a El Cristo. Vecino de Gandía y amigo de la banda que falleció hace ya una década, «por querer llevar una vida muy parecida a la de muchos artistas».
Y tras este merecido y emblemático homenaje, llegó el turno de hablar de «Nuestra Nación», la misma en la que siempre «Llueve en Semana Santa». Pero como todo, cada canción nos preparaba para la siguiente y las emociones siempre a flor de piel. «Por Favor» dio paso a uno de los temas más emocionantes. Con Sandra Monfort y su guitarra, llegaba el turno de «Suya mi Guerra», ese particular grito para recordar a los combatientes que cayeron en defensa de la República. También hubo tiempo para que desfilaran «El Circo de la Pena», «Elegiré» y «Radio Clandestina». Con un paréntesis muy especial, para tocar «L’Empordà», de Sopa de Cabra.
Quedaba muy poco tiempo de concierto. Las primeras lágrimas comenzaban a asomar, aunque nada quitó las ganas de hacer el último pogo. Todos juntos en «La Hoguera de los Continentes», cantamos «El Mercurio» y alzamos aún más la voz en «Rueda la Corona», mientras nos resguardábamos a «La Sombra de la Sierra».
Sin duda, fue una de las noches más emotivas que jamás habré vivido. Tiempo para cantar como si no hubiera un mañana, tiempo para echar los restos y tiempo para recordar, con emotividad, todo lo que La Raíz nos ha regalado como banda en estos 12 años de carrera. De hecho, el propio Pablo Sánchez fue quien recordó que, a pesar del parón, siempre seguirán siendo los mismos. Precisamente eso es lo que los hace únicos. Así que ojalá sí, ojalá eso de «Nos Volveremos A Ver».
No todos los festivales se celebran en verano. Hay festivales que llegan al caer el otoño. Y que lo hacen con la idea de dar visibilidad a otros géneros musicales, que van más allá del indie. Es el caso del AMFest, que dará comienzo este viernes 12 de octubre y terminará ese mismo domingo 14. ¿La ciudad? Barcelona.
Con motivo de su celebración, pudimos hablar con Sergio Picón, de Aloud Music y organizador del AMFest. Esto es lo que nos contó.
¿Cómo surge el AMFest?
El festival surge en 2012, una tarde en casa de Cristina [Garrote] tomando un gin-tonic. Pusimos el «Enjoy Eternal Bliss» de Yndi Halda y dijimos: deberíamos hacer un festival para celebrar los 10 años de Aloud Music. Coincidía que Toundra tenían que presentar «III» y una cosa llevó a la otra. Invitamos a grupos que habían marcado nuestra vida, como Giardini di Miró, los propios Yndi Halda, The Samuel Jackson Five o The Joe K-Plan y como guinda del pastel, Lisabö se unieron a la fiesta para demostrar desde el primer momento que éramos un festival instrumental totalmente abierto de miras. Salió increíblemente bien y a partir de ahí, montamos una Asociación Cultural y cada año hemos repetido, incluso en 2015 lo hicimos 2 veces.
¿Por qué apostar por la música instrumental y crear un festival de estas características?
Nosotros sólo sabemos trabajar con la música que nos gusta (está en nuestra esencia, como en la fábula de la rana y el escorpión), y la música instrumental ha marcado buena parte de nuestras vidas. Existe un público que necesita que las letras le marquen el camino, yo considero que los amantes de la música instrumental son gente que de oídos exigentes, a la que le gusta viajar y tienen una vida interior bastante potente, y la música instrumental realza esas características. Cuándo empezamos, no era fácil ver bandas de este estilo en grandes festivales, más allá de los clásicos. Mucha gente reduce la escena instrumental a esos clásicos, nosotros hemos demostrado en estos años que la escena instrumental mundial es mucho más potente de lo que parece en los grandes eventos. Y por eso un AMFest era necesario.
Aun así, con esta edición creo que hemos mandado un claro y potente mensaje a nuestro público y el festival ha roto sus costuras por completo. Habíamos dejado caer «detallitos» en anteriores ediciones, pero ahora podemos decir sin miedo que el AMFest es mucho más que un festival de música instrumental, post-rock o de estar marcados con una etiqueta. No somos un guetto, no nos gusta solo un estilo de música, no escuchamos siempre a los mismos grupos. Traer a The Notwist, a Emma Ruth Rundle, a Lisa Morgenstern, a Amenra o a parte de la escena experimental / modular de Barcelona (Linalab, Amsia, Ralp, iuo3R) indica por dónde pueden ir los tiros en el futuro del festival.
¿Por qué celebrarlo en una ciudad como Barcelona?
Vivimos aquí, nos sentimos cómodos y este año que podemos aprovechar la gran oportunidad que nos brinda la Fabra i Coats (un sitio maravilloso), es un buen momento para reivindicar la ciudad más allá de la imagen que todos solemos tener de Barcelona. En la Fabra hay gente trabajando que nos encanta por mil motivos. Está la gente de L’Afluent, hay gente de bandas como Za! o Blood Quartet, está Victor Teller con sus proyectos, Christian Len con el suyo … Más allá del turismo, a temporadas una pesadilla, Barcelona es una ciudad maravillosa y es la única dónde podríamos haber hecho todas las locuras que hemos hecho estos últimos años. No imaginamos el AMFest en ningún otro lugar del mundo ahora mismo.
¿Cómo definiríais el AMFest en dos o tres palabras?, ¿por qué todo el mundo debería acudir?
El AMFest es pasión, riesgo y humildad. No queremos que venga todo el mundo. Nos conformamos con que venga la gente que quiera venir a un festival cómodo, sin solapes, dónde se puede descubrir nueva (y buena) música y dónde todo el mundo comparte un recinto pequeño y te puedes encontrar hablando con bandas, organización o debatiendo sobre cualquier cosa mientras el festival sucede. Este año hay un cambio total de registro, el emplazamiento es nuevo y montamos todo desde cero: escenarios, barras, camerinos. Todo va a estar montado a mano por gente del equipo. Llevamos meses preparando cada detalle con mucho mimo, y aun sabiendo que pagaremos el peaje de la novatada, creo que no encontrarás un festival con más ilusión que el AMFest este año.
Lleváis organizando el festival varias ediciones. ¿De qué manera ha crecido y evolucionado el AMFest?
Hemos estado 5 años en la Sala Apolo, mezclando conciertos en la sala grande y en La [2]. Hemos sido, somos y seremos un festival humilde. Pequeño. Algunos años hemos tenido mucho público, y otros hemos tenido bastante menos, nuestra programación ha estado condicionada por un presupuesto que no cuenta con patrocinadores ni subvenciones, y aun así mirando los carteles, estamos orgullosos de haber traído a bandas como Maserati, El Ten Eleven, Lite, ASIWYFA, God Is an Astronaut, Leprous o a la práctica mayoría de la escena nacional que nos gusta y admiramos.
Este año hay una evolución en todos los aspectos que esperamos hacer notar al público y que sea éste quién valore esa evolución. Creemos que va a ser a mejor en todos los aspectos. También tenemos claro que esta 7ª edición es como una primera edición de nuevo, así que vamos preparadas/os para tener errores y la capacidad de corregirlos.
¿Cuáles son los factores diferenciadores de AMFest, en referencia a otros festivales similares?
El factor diferencial es, precisamente, que no hay festivales similares. Creo que a nivel de programación cuesta encontrar un festival así en Europa. A eso le sumamos el factor indoor, que personalmente me encanta porque considero que centra al espectador en la música. La Fabra i Coats es un lugar industrial, frío y algo distante. Nuestro objetivo es darle calidez para que el público se sienta cómodo pero que lo más importante siga siendo la música.
El eslogan de AMFest reza lo siguiente: «un festival dónde lo más importante sigue siendo la música». ¿Creéis que con la cantidad de festivales que existen actualmente, se está perdiendo esa esencia tan musical?
Bueno, los grandes festivales son un poco como Amazon o Thomann. El problema que les veo es cuándo para ver una banda, tienes que pasar por allí sí o sí, cuándo el consumidor piensa que el único sitio para disfrutar de algo es allí. Creo que después de muchos años, estamos de acuerdo en que en un gran festival no se dan todos los condicionantes para disfrutar de determinadas propuestas musicales. Los grandes festivales tienen sus pros y sus contras, muchos han conseguido convertirse en grandes negocios pero aun así, no me siento con el derecho de pensar que se han olvidado de la música. Me niego. Conozco a programadores de todos los festivales de España, o buena parte de ellos, y si te sientas a tomar una cerveza con ellas o ellos, no me hablan de dinero, de ganancias o de temas económicas, me hablan de música. Sigo viendo pasión y tengo un respeto enorme por ellas y ellos.
¿Creéis que en algún momento reventará esta burbuja de festivales?, ¿de qué manera?
Estamos en una situación parecida hace años, la burbuja parece que revienta pero luego se vuelve a hinchar. Creo que la proliferación de festivales «pequeños» como el nuestro, el WOS de Santiago, el Eufònic de Sant Carles de la Ràpita, el Polifonik de Barbastro, el BeProg, … por citar a 4 que me vienen a la cabeza ahora, es positiva a la hora de diversificar la oferta y de tender puentes entre los grandes festivales y los conciertos en sala. Estos puentes son más necesarios que nunca. Imagino el futuro en convivencia con los grandes festivales que tienen personalidad (no con los que están aquí por moda), y que el público sepa compaginar las ofertas de los grandes con los más pequeños, para de esa manera diversificar un poco el asunto y que haya lugar para todos. Lo de volver a tener público en las salas, ya se lo dejo a los quijotes, como mis amigos de la Sala Vol, que están luchando por ello al menos aquí en Barcelona.
El cartel está formado por multitud de bandas de numerosos países. ¿Por qué dar esta perspectiva internacional al festival?
Nunca nos hemos planteado el por qué. El festival es internacional desde el primer momento, siempre intentamos tener bandas consagradas, proyectos interesantes y novedosos que conocemos durante el año, y todo ello juntarlo con lo más destacado e interesante de la escena nacional. Muchas de las bandas nacionales han acabado haciendo buenas migas con bandas de fuera y han salido contactos, festivales, incluso alguna gira. Nos gusta mucho la música sin importar de dónde venga, si hay que traer bandas de Japón, Australia, México o Rusia, pues (más allá del dolor de pagar los vuelos) se hace. Las conversaciones de backstage son impagables, eso sí.
Entre los cabezas de cartel, están los madrileños Toundra. ¿Por qué ellos?
Ellos fueron una de las bandas protagonistas de la primera edición, en ese momento estaban en plena explosión, fue su primer concierto con orquesta y creo que tanto ellos como nosotros guardamos un recuerdo imborrable de aquel momento. En este reinicio de festival, nos propusimos reeditar aquel cartel y ellos fueron la primera banda contactada y cerrada. Me cuesta pensar en el AMFest sin el éxito de Toundra a nivel nacional. Supongo que nosotros también hemos contribuido y personalmente, al estar en Aloud Music, los sigo sintiendo parte de la familia y es una gozada seguir haciendo historia juntos después de todos estos años.
¿Tenéis alguna «espinita» clavada, algún artista que querríais que tocara en el festival y todavía no lo ha hecho?
¡Muchas espinas! Es como si hubiéramos abrazado un rosal o un limonero. Reitero la humildad del festival y los presupuestos casi ridículos que hemos manejado todos estos años. Pero con paciencia, las espinas salen, cicatrizan y curan. Tenemos mucho tiempo para seguir soñando y convencer a todas esas bandas que todavía no han podido venir.
Por cerrar un poco: ¿qué nos vamos a encontrar en el AMFest los próximos 12, 13 y 14 de octubre?
Música de calidad, propuestas originales y arriesgadas, el buen sabor de los conciertos pequeños y cercanos, y un equipo de gente apasionada intentando que estés cómodo y disfrutes.
«Parkour Nights» es el nuevo trabajo de Julieta Jones. Un LP en el que exploran nuevos sonidos, ofreciendo así una nueva versión de sí mismos. «Parkour Nights» es el trabajo más ecléctico de la banda hasta el momento. Once temas, muy distintos entre sí, interpretados y entendidos bajo un mismo prisma que nos arrastrarán desde la melancolía hasta el lado más festivo de la banda.
Muy atentos a los pasos de esta banda. Pasos que, de momento, los llevarán a Barcelona el próximo sábado 20 de octubre.
¿Cómo surge el concepto de «Parkour Nights»?
El concepto Parkour lo asociamos a noches de locura y desenfreno. Además, es el nombre de un chat de Whatsapp que tenemos con los amigos.
Un titular que defina este nuevo trabajo.
Prozac musical para un día de mierda.
Cuatro años entre un trabajo y otro. ¿Cómo ha sido todo este proceso?
Ha sido largo y complicado en algunos momentos, pero también muy reconfortante. El hecho de haber pasado a ser un dúo también fue crucial para acabar haciendo lo que hemos hecho.
Se ha dicho de «Parkour Nights» que amplia todo vuestro espectro sonoro. ¿Creéis que es así y por qué este cambio o evolución?
Amplía el espectro sonoro, porque hemos trabajado con muchos más elementos que en los anteriores trabajos. Necesitábamos algo más, no nos valía hacer un disco con el que nos sintiésemos contentos, teníamos que hacer un disco del que nos sintiésemos orgullosos a pesar de lo que opinase público y crítica.
De hecho, tiene unos tintes muy electrónicos. ¿Consideráis que es complicado trabajar este género en España?
No especialmente, era más complicado hacer música con influencias de los 90’s.
¿Qué importancia tiene para vosotros el mensaje en vuestras canciones?
Para nosotros mucha, cada tema explica una historia. Al ser en inglés habrá gente que las entenderá y otra que no. Pero en contenido es igual de importante que el continente.
¿Por qué «All the Children Die» como primer adelanto?
Es un tema que nos gusta especialmente, además empieza por A, tenía que ser éste.
¿Cómo surge la idea del videoclip?
Surgió de un millón de brainstormings. ¿Dónde empezó? Ya ni nos acordamos, pero queríamos que fuese algo un poco perturbador, con mujeres, mostrando la belleza de cada una de ellas siendo muy diferentes entre sí.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Julieta Jones?
Por el momento, la presentación del disco el 20 de octubre en La Nau, Barcelona.
¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?
Un jueves cualquiera en Madrid, entre Cuatro Caminos y Nuevos Ministerios. Típico bar de barrio en el que, en algún punto, los vecinos se agolparán para ver el Mundial, beber y fumar. Nosotras tenemos una cita con el cantautor barcelonés, Bertt Que. Lleva apenas unos días de promo en la capital y ya ha aprovechado para comprarse una nueva guitarra, que acaba mostrando entre entrevista y entrevista. Nosotras venimos dispuestas a preguntarle por su nuevo trabajo y sobre algunas cosas locas.
¿Cómo nace el proyecto de Bertt Qué?
Yo llevo muchos años, desde los 16, tocando la guitarra. Y al cumplir los 18 o 20, me junté con los colegas y monté una banda, Marionetas. Hasta finales del año pasado, estuvimos girando y haciendo bolos. Pero llegados a un punto, nos plantamos y dijimos: «un poco de seriedad, ¿quién está dispuesto a dejarlo todo y dar un paso más profesional?». Y desgraciadamente, ninguno se mojó en ese aspecto. Pero yo llevaba cinco años dedicándome a la música y quería seguir con ello. Si al final seguía componiendo, ¿por qué no iba a poder seguir defendiendo mis canciones? Después de pensarlo mucho y echarle valor, decidir emprender el proyecto en solitario.
En enero ya me decidí y grabé las canciones que tenía. Y desde ese momento, no he parado.
Aunque tu estilo es diferente al del resto de cantautores al uso, ¿cómo diferenciarte de todos ellos?
Si es cierto que aunque he iniciado un proyecto en solitario y tengo un rollo más cantautor, estoy intentando enfocarme más a un estilo que, en España no está muy explotado. O que creo que no se estila demasiado. Que es el folk. Considero que las canciones que estamos haciendo, tienen un sonido peculiar. Un estilo que los cantautores de hoy en día, no están haciendo. Dentro de esta faceta, no quiero explotar la temática del amor. Además, trabajo un sonido típico cantautor con banda, pero virando más hacia el rock.
¿Cómo desmarcarte de todo eso? Haciendo algo distinto, dentro del mismo estilo musical.
Das mucha importancia al mensaje de las canciones. ¿Crees que, en cierto modo, por culpa de determinados géneros en auge, dicho mensaje se está perdiendo?
Hoy en día, ya sabemos que la música que más se mueve hoy en día, por lo que sea, es el trap y el reggaeton. Y realmente, si analizas las canciones, piensas: ¿en serio este mensaje lo está cantando medio mundo? Yo creo que la gente no es consciente del mensaje que se está lanzando con esas canciones. Y ya no solo esas canciones, el estilo musical. Un género que, sobre todo, degenera la imagen de la mujer.
Yo siempre le he dado mucha importancia a las letras. Sobre todo en este proyecto. También es cierto que quiero dejar atrás el concepto del amor y me estoy enfocando más hacia el significado de libertad, el de sentirse cómodo y capaz de hacer lo que uno quiere. Y quiero que el proyecto sea un reflejo de este mensaje, que es lo que yo tengo en mente y es un poco también lo que he experimentado. Lo de salir de una banda y comenzar con mi proyecto.
¿Cómo nace el concepto de este disco?
Precisamente por lo que comentaba. Surge bajo el concepto de: «déjalo todo atrás, ten valor y vuelve a empezar, aunque sea arriesgado». Aunque luego tu trabajo y sacrificio no tenga el reconocimiento que esperabas. Pero hazlo, para que tú puedas sentirle libre, contento y, sobre todo, realizado.
¿Cómo lo definirías en dos o tres palabras?
Ahí me habéis pillado [risas]. A ver, es que si lo escuchas, es un reflejo de mí. El disco en sí, es muy sencillo. Son canciones sin solo de guitarra, ni introducciones, ni nada. Es un trabajo muy natural.
Estás publicando single por single. ¿Por qué apostar por esta técnica?
Hoy en día, la gente no consume tantos discos como antes. Ese estilo de escucha está muriendo. La gente ahora solo oye singles. Por lo que tengo escuchado por mis padres, antes te ibas a la tienda de discos, porque tu banda había publicado disco y te lo comprabas, sin haber escuchado previamente ningún tema. Y entendías el mensaje que te quería dar el artista con el proyecto entero. Y eso ahora eso no pasa, al no ser que seas un artista ya muy reconocido. La gente no te va a escuchar durante 45 minutos seguidos.
Mi concepto era sacar el disco, pero poco a poco. Después de haber publicado los singles y que el público conociera las canciones. Cuando ya se hayan escuchado, pero de manera más pausada, los reuniré en formato disco para quien quiera tenerlo.
¿Hay título o mejor no pensar en ello aún?
Todavía no, todavía no. No tengo ni diseño del disco, ni título. No tengo nada declarado, de manera oficial.
¿Cómo está siendo grabar en Tropic Studio?
Para mi está siendo la mejor experiencia que he podido tener, porque estoy trabajando con amigos, que en los momentos serios dejan de serlo, para convertirse en profesionales. Pero la confianza que hay es brutal. Nosotros estamos grabando de manera peculiar y ellos me lo están facilitando, porque hay cierta confianza y porque les gusta el proyecto. Ellos le ponen un cariño especial, más allá del trabajo. Y para mí está siendo una experiencia impresionante.
«Bailando Solo» y «El Impulso» han sido los dos primeros singles del disco. ¿Por qué estos temas?
No es porque los haya decidido yo. Simplemente fueron las primeras canciones que compuse en su momento y, por ende, fueron las primeras que empecé a grabar. Eran las que más a mano tenía. Cuando empiezo a grabar una, es porque ya estoy preparando las tres siguientes, para ir avanzando trabajo.
¿Y cuáles son los siguientes pasos de Bertt Que a partir de ahora?
El mes que viene se publicarán dos temas nuevos. Y si Dios quiere y tengo tiempo, entraré a estudio para grabar los temas que ya tengo acabados. De cara al verano, con más tranquilidad, probablemente me encierre en el estudio, porque al final es cuando más tiempo tienes. Luego en septiembre, tengo dos conciertos en Valencia. Y bueno, iré cerrando conciertos poco a poco.
¿Y el disco?
La verdad es que el disco, aún no sé ni cuántas canciones va a tener. Yo voy a ir grabando canciones y, luego, ya haré una selección de las mismas. Pero no me quiero poner fecha, porque no quiero ir con demasiada presión.
¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?
A nivel espectador, fue irme a Londres a ver a Tom Petty. A mí me dan pánico los aviones, pero me hacía mucha ilusión ver a este hombre, porque llevaba por lo menos 30 años sin pisar Europa. Tenía que ir. Justo el concierto coincidía el domingo que acababa el Mad Cool. Claro, tampoco podía ir solo. Así que le pagué todos los gastos a dos amigas que vinieron conmigo al festival y nos fuimos de empalme directamente. El avión salía el domingo a las 6 de la mañana y nosotros acabamos en Mad Cool a las 4. No pasamos ni por casa, desde las 3 de la tarde del sábado. Llegamos a Londres a las 9 de la mañana, tuvimos que recorrer hora y media en bus hasta el hotel, fuimos al concierto y al día siguiente, volvimos a España.
Luego, a nivel músico, lo más loco que he hecho ha sido engañar a mi padre para que me dejara el coche, porque nos habíamos montado una pequeña gira en acústico con la banda. Con la mala suerte de que se lo jodí. Tuve que llamarlo, a 80 kilómetros de Barcelona, para que nos recogiera. Y todo porque le había echado gasolina a un coche de gasoil. A las 2 de la mañana. Mi padre al final me dijo: «no te voy a dejar el coche en la vida».
Esta es la playlist de Bertt Que
Entre todas las canciones que Bertt Que podría haber elegido para que escucharas, ha escogido estas diez.
Nadie nunca podrá estar al nivel de Michael Jackson. Pero si alguien pudiera ser su más fiel heredero, bien podría ser Bruno Mars. Aunque él, va más allá, puesto que no solo está influenciado por el Rey del Pop. Mars se mueve a medio camino entre el pop de Jackson, el rock de Elvis Presley, el reggae de Bob Marley o el R&B, entre otros.
Creador de himnos como «Treasure», «Billionaire», «Just The Way You Are» o «Locked Out Of Heaven», Bruno Mars llegará al Wanda Metropolitano de Madrid el próximo 22 de junio. Un concierto muy especial, en el que presentará su trabajo más reciente, «24K Magic».
«24K Magic World Tour» comenzó con la salida de este nuevo trabajo, allá por 2016. Y, lo cierto, es que todavía le queda recorrido. De ahí, que podamos disfrutar de nuevo, del talento de Mars en nuestro país. Hasta nuevo aviso.
Bruno Mars, a su paso por España
El artista hawaiano pasará por las dos grandes ciudades de nuestro país: Madrid y Barcelona. La primera cita será el 20 de junio, en el Estadi Olímpic de la ciudad condal. Mientras que, dos días después, visitará el Wanda Metropolitano de la capital española.
Además, recientemente, anunció a los dos artistas que abrirán ambos conciertos. DJ Rashida será la encargada de arrancar el espectáculo, mientras que la banda DNCE actuará justo antes. Ellos serán quienes consigan que el público entre en calor, antes del gran show final de Bruno Mars.
Estos dos conciertos en España, cuentan con el apoyo de 40 Principales como emisora oficial. Y llegan un año después de su última visita a nuestro país. Una revolución en su momento. Una revolución en estos momentos. Arrasó en la última edición de los American Music Awards. Y todo apunta que también arrasará en Rock In Río 2018, festival del que es cabeza de cartel. Festival que visitará tras ambas fechas en tierras españolas.
A medio camino entre el rock, el glam y la música electrónica, Lemozine presenta su nuevo trabajo: «Things We Should Say». Hace apenas unas semanas, lo presentaron en Hard Rock Madrid y en Basik Sessions. Este disco es su gran apuesta por el rock, el glam y la música electrónica. Y con él, pretenden escalar a lo más alto.
¿Cómo surge el concepto de «Things We Should Say»?
Surge un poco por la necesidad de la banda de crear un disco propio. El núcleo sería el rock, pero teniendo en cuenta las influencias que teníamos cada uno, en nuestro día a día. Hemos escuchado desde metal hasta electro o funk. A pesar de todo ello, la idea era crear un producto totalmente nuevo. Y es que, al final, hacemos rock del siglo XXI, con todas las influencias actuales.
¿No es complejo encajar todas estas influencias musicales?
Claro que lo es. En ciertos momentos, hemos tenido que parar y decir: «esto se nos va un poco de las manos». Aún así, no nos hemos reprimido. Esto es lo que somos y así lo hemos transmitido en el disco.
¿Cómo fue ese proceso de creación y composición?
Dave y Raúl comenzaron hace tres años con el proceso de creación. Comenzaron con la misma idea, pero en catalán. De hecho, llegaron a grabar pero vieron que no funcionó. Así que volvieron a pensarlo y decidieron que fuera en inglés. Para darle un toque internacional y porque al final, el inglés es la lengua materna del rock. Así que hicieron un casting, que fue donde me presenté y me seleccionaron. Ahí fue donde comencé a aportar toda la parte de letras, y ellos toda la composición y creación.
¿Con qué dos o tres palabras definiríais el disco?
Este trabajo es un trabajo orgulloso. Este disco es producto de dos años intensos de trabajo. Es un disco muy trabajado y muy producido. Por eso, lo presentamos con mucho orgullo. Aunque también me gusta presentar el disco como un viaje musical. Porque al final le hemos añadido estos paisajes sonoros, que son cuatro temas nuevos. Es como un libro. Este disco tiene muchos altibajos, tiene de todo.
¿Qué pesa más: la letra o la música?
Creo que al final es el conjunto de ambas cosas. No habría canciones si no tuviéramos una letra definida. La letra es importante. Siempre buscamos que no sea tan obvio o tan banal. Buscamos un poco las sutilezas, pero sin llegar a ser predicadores. Luego, siempre buscamos los detalles en cuanto a melodía se refiere.
¿Cómo surge el concepto de «Silly Song»?
«Silly Song» surge un poco en las manos de Dave y Raúl, tras el suceso en la Sala Bataclan (París). Todo surgió al día siguiente del atentado y a todos nos dejó como mudos. Ellos dos habían quedado ese día en el estudio y los dos estaban conmocionados por el suceso. Así que la canción fue puro resultado de la emoción. Así que todo fue resultado de la emoción del momento, fue una necesidad de hablar y de contar, pero no desde la crítica. «Silly Song» surge como una celebración de la vida y de todo lo bueno que tenemos alrededor.
Tras los atentados de Bataclan, sentíamos que nos habían atacado. Y «Silly Song» fue nuestra particular demostración de que nos lo pasamos bien haciendo música. Fue nuestra manera de disfrutar lo que hacemos, pero permaneciendo ojo avizor de todo lo que nos rodea.
¿El resto de letras tienen el mismo peso?
Sí, a ver, nos gusta trabajarlas y prestarles cierta atención. Nos gusta hablar de la sociedad en la que vivimos o de la sociedad que nos esclaviza. Tratamos de hacer una pequeña llamada a la sociedad en la que vivimos. Pero esta llamada, siempre la hacemos con humor. Nos gusta predicar, pero también nos cachondeamos de nosotros mismos.
¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música, como banda?
Ayer cenamos en pijama [risas]. Bueno, aún no hemos tenido grandes momentos como banda. Pero en el escenario, sí que nos gusta divertirnos y gamberrear un poco. Nos gusta gritar y saltar como locos.
Sam Smith, creador de himnos como «I’m Not The Only One» o «Stay With Me», llega decidido para cautivar al público español. Directo desde Londres, visita la próxima semana, Barcelona y Madrid. Actuará los días 15 y 16 de mayo, respectivamente. El Palau Sant Jordi y el WiZink Center se convertirán en los escenarios perfectos para sus conciertos.
Estas fechas forman parte de la gira de su último álbum, «The Thrill of it All», que vio la luz el pasado mes de noviembre. Un álbum que llega tras su exitoso debut, «In the Lonely Hour». Con este trabajo, publicado en el año 2014, consiguió cuatro premios Grammy. Además de tres Premios Bitt, un Globo de Oro y un Óscar a la mejor canción, con «Writings on the wall». Un tema que apareció en la película «Spectre» (2015), de la reconocida saga James Bond.
«The Thrill of it All», el trabajo más reciente de Sam Smith
«The Thrill of it All» nació bajo la producción de Steve Fitzmaurice y Jimmy Napes, con los que ya trabajó en su primer álbum. Y desde que se publicara el pasado 3 de noviembre, no ha dejado de cosechar éxitos. Además, este disco tiene un corte o tinte distinto al anterior.
En «In the Lonely Hour» trataba abiertamente sobre los efectos del amor, del desamor y la soledad. Mientras que en este nuevo disco, prometía a sus fans canciones un tanto más alegres. Una alegría que ahonda o pasa por la melancolía por la que atravesó, antes de volver a creer.
Lo que sí es evidente en Sam Smith es que la emoción y el sentimiento siempre van por delante de todo. Es un artista que va más allá de la simple balada. Con este «The Thrill of it All», se adentra profundamente en el mundo del pop, el góspel y el soul. De hecho, uno de los aspectos que más sorprendió, fue el dueto junto a YEBBA en «No Peace».
Sea como fuere, Sam Smith no es un simple músico. Sam Smith hace magia con sus canciones. Una magia que aúna poesía y música, a partes iguales.
Directos desde Venezuela y con sus ritmos latinos, llegan Rawayana. Inundarán la Sala BUT de Madrid con su reggae más «sexual», el próximo 11 de mayo. En esa mezcla de géneros, los caraqueños aúnan ska, reggae, trippy pop y funk. Pero con ese toque mágico que solo la música latina tiene. Un estilo muy propio y marcado, que el pasado años los valió una nominación para los Latin Grammy, en la categoría de «Mejor Artista Revelación».
Un estilo muy propio que ha dado como resultado, «Trippy Caribbean», trabajo que vio la luz en 2016. Un álbum con el que ya giraron el pasado año por Europa. Y con el que regresarán este 2018, de la mano de «Trippy Caribbean World Tour». En esta ocasión, la fecha en Madrid no será la única de la banda en España. Rawayana también visitará Barcelona, el 10 de mayo (Sala Apolo) y Valencia, el día 12 (Sala Jerusalén).
Los orígenes de Rawayana
«Beto» Montenegro, «Tony» Casas, «Fofo» Story y «Abeja» Abeijón son los componentes de Rawayana que, allá por 2007, comenzaron a hacer ruido en Caracas. Más de una década ha pasado y la banda se ha consolidado. En la calle, tres álbumes de estudio: «Licencia Para Ser Libre», «Rawayanaland» y «Trippy Caribbean».
Aunque los definen como banda de reggae, ellos mantienen que la mezcla o la fusión de estilos predomina. Y así lo han demostrado en todos los trabajos de estudio que han publicado hasta el momento.
Así lo demuestra también «Trippy Caribbean», que es su trabajo más reciente. Y con él, se afianzan estilísticamente y como banda también. Calypso, Socca, Rock Steady y Reggae. Pero sin descuidar el Funk y R&B al que nos tenían ya acostumbrados.
¿La clave del éxito de Rawayana? Imposible conocerla a ciencia cierta. Lo que sí se sabe es que la fiesta, el baile y la explosión de sonidos latinos está asegurada. Así que, si todavía no tienes tu entrada para los conciertos en España, consíguela ya en la propia web del grupo o en Ticketea.
Los venezolanos Caramelos de Cianuro regresan este 2018 a España. No ha pasado un año desde su última visita, ya que el pasado mes de julio cruzaron el océano. Por fortuna, la banda caraqueña está inmersa en su gira «Tour Retrovisor 2018», que los llevará por todo el mundo.
Con la llegada de la primavera, Caramelos de Cianuro visitará de nuevo España. El próximo 25 de mayo vuelven a la capital, en esta ocasión, a la Sala MON Live (Madrid). Aunque esta no será la única fecha en España. Dos días después, el 27 de mayo visitan la Sala Bikini de Barcelona.
Una gira en la que deleitarán al público, con sus temas favoritos como «Verónica», «Sanitarios» o «El último polvo». Pero sin olvidar los más recientes, esas canciones que conforman su disco más reciente, «8».
«8», el trabajo más reciente de Caramelos de Cianuro
Llevan ya 25 años en activo. Más de dos décadas, en las que Caramelos de Cianuro han publicado ocho discos de estudio. De esta manera, han conseguido su hueco dentro del panorama rock venezolano.
En 2015, publicaron su álbum más reciente, «8». Y llegó cinco años habían pasado desde el anterior («Lados B»). El disco fue grabado entre Madrid y Nueva York, y está formado por 10 temas. Sorprendieron a sus fans con los adelantos de este trabajo. «Secretos» fue el primer sencillo. Al que siguieron muy de cerca, «Abismos» y «El instante pasó».
Este disco es el trabajo más maduro y personal de la banda hasta el momento. Aunque continúan nutriéndonos con sus temas de amor, sexo y relaciones casuales.
En entrevistas previas, Asier Cazalis, el vocalista reconoció que «es un disco menos guitarrero que el anterior, tiene más sonidos distintos». A lo que añadía: «tratamos de buscar otras texturas, otros lenguajes. Cada disco es un retrato de lo que tú estás viviendo en ese momento que lo estás escribiendo».
En definitiva, «8» se encuentra en esa delgada línea entre reinventarse y arriesgar, y no perder esa esencia tan identificativa de Caramelos de Cianuro. ¿Preparados entonces para verlos en directo? Pronto podréis conseguir las entradas para los conciertos en España.
