Categoría: Reportajes

  • El arte de Toval

    El arte de Toval

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    “Cuando comienzas una pintura es algo que está fuera de ti. Al terminarla, parece que te hubieras instalado dentro de ella”, dice el artista colombiano Fernando Botero. Cristóbal Pérez, “Toval”, lo sabe bien. De pequeño descubrió el mundo de la pintura, y a los 18 años cogió por primera vez unos pinceles. Ha sido profesor, pero actualmente se dedica exclusivamente al arte: “Tengo muchos amigos que combinan docencia y pintura. Pero yo, desde el principio sabía que quería dedicar mi vida a lo que mejor sabía hacer. Creo que puedo aportar un granito más a este mundo”.

    Trabajo duro

    Ha ganado multitud de certámenes de pintura de toda España. Numerosas galerías de arte, nacionales e internacionales han expuesto sus trabajos. Países como México, Estados Unidos o Inglaterra han visto pasar las obras de este joven pintor. Puede que haya gente que lo considere suerte, pero la suerte hay que ganársela a base de esfuerzo. “Para hacerse un hueco en el mundo de la pintura no hay ningún secreto. Lo más importante es trabajar, trabajar y trabajar. Y por supuesto, creer en uno mismo aunque te nieguen o se rían de tus pretensiones y tu trabajo”, asegura Cristóbal Pérez.

    El proceso

    La pintura, como el resto de manifestaciones artísticas, es un modo más de expresión, de liberación, una vía de escape, que puede convertirse en la forma de vida de muchos artistas. ¿Cómo plasmar pictóricamente ese “yo” interior? “Siempre hay alguna cosa que me obsesiona. Solo hay que encontrar el momento para destriparlo y sacarle todo el jugo posible. Fotografío, dibujo, tomo apuntes y pinto las obras definitivas basándome en el medio natural. Al final, expongo mi trabajo”, cuenta Toval. “Es muy emocionante representar con tu visión personal lo que todos somos capaces de ver. Existen tantos colores y formas. Realmente, hay miles de excusas para representar el paisaje”.

    Venezia

    Venecia

    Un libro, una canción, una frase o una ciudad son suficientes para inspirarse, para sentir, para plasmar artísticamente una realidad. La Ciudad de los Canales fue el marco ideal para crear Venezia, una de las obras del malagueño Cristóbal Pérez. “Esa ciudad me tenía loco antes de visitarla. Pero cuando puse el pie por primera vez en aquellos puentes, supe que debía dedicarle una o varias exposiciones. Aúna arquitectura, agua, historia, opulencia y decadencia. Lo sublime de la ruina, el verde moho, el rojo ladrillo y el mármol blanco me terminaron enamorando”, explica.

    Ahora hay que mirar al futuro. La nueva obra de Toval, Traffic está ya dando la vuelta al mundo. “Comenzó en Berlín y llegará a Murcia en poco tiempo. Además, pasará por Zaragoza, Nueva York, Barcelona y Oviedo. Este trabajo cerrará el ciclo de exposiciones de 2015”, asegura el joven artista.


     

    Web: http://www.cristobalperezgarcia.com/

    Twitter: @tovaltoval

  • Villanueva aterriza en solitario

    Villanueva aterriza en solitario

    Villanueva

    “Vigo ve nacer un nuevo proyecto musical, esta vez con muchos años de madera. Este primer trabajo nos traslada a lugares donde todos hemos estado alguna vez, canciones sobre el constante viajar, conocer gente, compartir experiencias y volar, volar mucho”. En mayo de 2014, Villanueva lanza su primer disco en solitario. Como dice él, con el objetivo de ser escuchado.

    El nacimiento de Villanueva

    “Había dejado mi grupo anterior porque tenía otras inquietudes musicales y sentía la necesidad artística de desarrollarlas. No con el ánimo de grabar un disco, si no con las ganas de hacer algo que me mantuviera tranquilo conmigo mismo”, asegura el artista. “Se puede decir que mis orígenes vienen de mucho garitear y pueblear por amor al arte”, cuenta. Su carrera musical comenzó con el grupo Gardening, con el que editó su primer single. Posteriormente, llegó Martynez. En esta banda, se desarrolló y potenció su estilo, que pasó del más puro estilo punk- rock al stoner. A día de hoy, ha formado su propio equipo, que ha tenido muy buena recepción por parte del público en muy poco tiempo. “Hace unos meses, Villanueva no existía para el resto de la gente. Todo lo que me está ocurriendo, lo recibo como un premio”, afirma el cantante.

    Artistas y estilos de referencia

    “Los géneros que me han influido como personas son el punk y el hardcore. De ellos he aprendido valores del Do It Yourself, que hacen que no me arrepienta de mis decisiones”, explica Villanueva. ¿Y qué hay de sus artistas de referencia? Desde David Bowie hasta Iggy Pop, pasando por REM, Wilco, Patti Smith, Nick Cave y “por supuesto mi querida Velvet Underground”. Todos estos músicos son los que lo han ayudado a ser quien es.

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    Viajes de ida

    Bajo el título de Viajes de ida, Villanueva aterriza en el panorama musical en solitario. Ángel Luján fue la persona que animó al artista a crear el disco, tras escuchar sus temas. “Comenzamos a trabajar día y noche, metidos en una especie de burbuja creativa”, cuenta. “Una vez tuve mis canciones grabadas, me planteé buscar una discográfica que lo editara. Afortunadamente, Esmerarte se cruzó en mi camino”, añade el músico. Con una gran importancia de las letras, este primer trabajo muestra la esencia real de Villanueva. “Reconstruye con mimo el itinerario de cada uno de sus viajes musicales”. Ramiro Nieto (The Rights Ons), Carlos Sosa (Fuel Fandango), Javier Doria (Annie B. Sweet) u Óscar García (Tuya) son algunos de los artistas que han participado en la grabación del disco. ¿Entonces, cómo definir más concretamente este trabajo? Viajes de ida ofrece una mezcla de rock y de pop. El propio Villanueva lo describe: “Es un disco sincero. Tiene un punto de veneno y melancolía, entendiendo por melancolía una tristeza agradable”.

    Tal como asegura el artista gallego, “Villanueva no es especial y no quiere serlo”.


     

  • El imperio del perro ya está aquí

    El imperio del perro ya está aquí

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    “En las últimas décadas hemos visto como los niños pijos y los chicos de la periferia han montado bandas para llenar un vacío cultural, para ofrecer a su generación un himno que cantar. Pero esa libertad ha ido tomando un camino oscuro en el que la música ha perdido parte de su sentido social”. Así definen sus orígenes los componentes del grupo indie El imperio del perro.

    Diego Cabeza, Javier Casanueva, Pedro Ortiz y Juanma García comenzaron sus andadas a principios de 2013. En homenaje a una de las obras del pintor Miguel Cabeza, crearon El imperio del perro. “Nos pareció ideal aprovechar algo cedido por otro artista, que había sido utilizado en una materia distinta. El nombre ya tenía color y forma antes de nosotros darle la identidad musical”, cuentan los componentes de la banda.

    Las referencias musicales

    El imperio del perro se caracteriza por sus ritmos y movimientos, y por supuesto, por su toque revolucionario. Pero, ¿cómo definir mejor su estilo musical? Ese indie-rock con influencias británicas y sus letras en castellano, es lo que los lleva a clamar “cuidado con el perro”. Sin embargo, todo artista tiene unas referencias en lo que a su ámbito de trabajo se refiere. Cuatro componentes forman El imperio del perro. Cuatro vías con influencias musicales diferentes, que le dan a la banda un toque heterogéneo y exótico. Pero tal como dicen, no solo son músicos, también son melómanos de música que parece ya olvidada. “Si hablamos del sonido y composición, buscamos producciones americanas del peso de Queens of the Stone Age, Arctic Monkeys y otros no tan conocidos como Dead Man Bones”, explica Diego Cabeza. “Pero todo esto pasa por un filtro del elegante estilo británico a la hora de componer y de enfocar nuestra música”, añade.

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    El indie actual

    “Hay propuestas interesantes, pero creemos que el concepto del indie español ya está manido. Esto se refleja en la calle, en la que encontramos muchos grupos cortados por el mismo patrón de tendencias”, afirman los chicos de El imperio del perro. El término indie es demasiado amplio, y opiniones sobre él habrá tantas como personas en el mundo. Entonces, ¿qué diferencia a esta banda de otras del mismo género? “Nosotros somos de esos grupos que han decidido ofrecer una alternativa musical pero de forma independiente”, aseguran. “Se puede decir que somos más rock y menos pop. Además, la forma de enfocar nuestro trabajo es diferente: buscamos ser más agresivos y salvajes, pero sin olvidar la actitud y la elegancia”, explica el vocalista Diego Cabeza.

    La importancia del mensaje

    Uno de los conceptos más asociados a la música indie, es el de los mensajes, el de las letras. Una llamada de atención a la sociedad, una queja ante una situación injusta o el tratamiento de temas que no podemos afrontar hablando. Pero, ¿todas las canciones de este género deben traer consigo un mensaje de subversión? “La etiqueta indie está desvirtuada. No por hacer algo de forma independiente estás mandando un mensaje más cargado”, opinan los integrantes de la banda. “El mensaje para nosotros es algo muy importante. Vemos en la música una forma de hacer justicia poética y no podemos evitar utilizarlo”.

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    De lo personal a lo comercial

    El mundo de la música es realmente difícil y “Roma no se construyó en tres días”. Al igual que el dicho popular, emerger y sacar tu proyecto artístico a flote requiere dedicación y trabajo. “A las grandes masas se les vende algo que nosotros consideramos pobre. Si lo que se les vendiera fuera intelectualmente correcto, ser comercial sería sinónimo de ser un triunfador”, cuentan los cuatro artistas. “La mayoría de nosotros queremos vender lo que nos gusta. Y consideramos bueno nuestro trabajo, a pesar de lo que les parezca a otros. La educación del individuo es la que debe solucionar la pobreza musical a la que llegamos”, añaden. ¿Este hecho es exclusivo de la música comercial? No lo parece. “Estamos ante la moda del indie. Es complicado ser independiente si no suenas como los grupos que encuentras en los carteles de los festivales españoles”, aseguran desde El imperio del perro.


     

  • Los libros salen a la calle

    Los libros salen a la calle

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    “Ver a alguien leyendo un libro que te gusta, es ver a un libro recomendándote a una persona”. Sentarse en el banco de un parque o en la arena de la playa y encontrar una novela olvidada por alguien. O quizás no. Tal vez haya sido colocada estratégicamente para que la descubras. Bookcrossing y Adopta un libro han llegado para revolucionar el panorama literario y cultural.

    Bookcrossing

    Bookcrossing nació en el año 2001, gracias a la aportación del norteamericano Ron Hornbaker. A día de hoy, este movimiento ha marcado un antes y un después en el concepto tradicional de literatura: cualquier persona puede registrar y liberar sus libros en cualquier lugar, de manera gratuita y voluntaria. “Nuestra meta es convertir el mundo entero en una gran biblioteca. ¿Cómo lo hacemos? Dejando multitud de obras en distintos puntos públicos: trenes, parques, centros comerciales o cafeterías”. Tal es la expansión de este fenómeno, que en noviembre de 2013, más de 10 millones de libros estaban ya recorriendo el planeta.

    Los principios básicos

    Bookcrossing funciona bajo unas reglas, conocidas como “las tres erres”: read, register y release. La primera de las fases, consiste en “leer un buen libro”, como dice Inmaculada García, archivera de la Biblioteca para Jóvenes CUBIT. Posteriormente, llega el registro. En este punto del proceso, se le asignará a la obra un número identificativo, que equivale al DNI de las personas. Gracias al BookCrossing IDentification, los lectores pueden decir dónde están, en qué lugar han encontrado las obras y explicar qué planes tienen para ellas. Finalmente, los libros terminan liberándose.  “Puedes dárselo a un amigo, dejarlo en un banco del parque, olvidarlo en una cafetería. En cualquier caso, se notifica vía email cuando alguien hace una entrada en el diario de ese libro. ¡Y si escribes notas de liberación, otros pueden ir de caza e intentar encontrar el escrito”, explica Inmaculada García. El único inconveniente, es que una vez prestadas y “olvidadas” las obras, los usuarios no podrán recuperarlas.

    Adopta un libro

    Esta iniciativa, surgida en Venezuela, ha conseguido expandirse hacia multitud de lugares de Latinoamérica y del mundo. Con los objetivos de promover la educación, la cultura y la lectura, “Adopta un libro nació como una idea viral para posicionar a la agencia Interactiva Agency y las Revista NOS.3, pero se convirtió en un emprendimiento de impacto social”, explica uno de sus creadores, Diego Prada.

    Lectura y cultura, van de la mano

    “Los lectores se ven gratamente sorprendidos de poder hojear y llevarse el título que más les guste en ese momento, de manera libre y gratuita. Es una estupenda filosofía para compartir lecturas personales que, poco o nada hacen ya en las estanterías de nuestras casas”, cuentan desde Bookcrossing. Escritores y editoriales no tienen por qué preocuparse. Tal como explica Inmaculada García, “compartir lecturas ha sido una muy buena referencia para descubrir libros y autores que, de otra manera, nunca tendrías posibilidad de leer. E indudablemente, la mejor forma de adquirir una buena lectura para regalar o para uno mismo pasa por la recomendación de algún otro lector”.

     


    http://www.bookcrossing.com/

    @AdoptaUnLibro

  • La velocidad del vacío

    La velocidad del vacío

    Dorian la velocidad del vacio nuevo disco 2013

    Año 2003, Barcelona. En la Sala Apolo están sonando grupos como Radio Futura. Mientras, tres amigos, Marc Gili, Belly Hernández y Bart Sanz van dándole forma a la banda, su banda. Como un pequeño homenaje a Oscar Wilde, nació Dorian en 2004. Diez años después, este grupo indie-electrónico ha dejado tras de sí una enorme estela, a la que no se le ve el final. Quizás, la base de este éxito, se deba a esa forma que tienen de decir las cosas, a ese proceso de producción del sonido, a las bases y arreglos, a la manera de componer. Según Belly, todo esto es lo que los hace especiales.

    La velocidad del vacío

    Así llegamos a 2014 con una larga carrera y varios discos. El último de ellos, La velocidad del vacío. México fue el lugar elegido para grabar el último trabajo del grupo. “Es un país al que hace tiempo que vamos, lo consideramos nuestro segundo hogar, tenemos muchos amigos y unos fans muy fieles”, cuenta Belly Hernández. “Para una banda también está bien alejarse un poco de su día a día, de su casa. Eso hace que nos concentremos mejor”, añade. Además, su productor, el británico Phil Vinall ha trabajado previamente en este país y conoce bien los estudios de grabación. “La verdad es que lo pasamos muy bien. Es nuestro trabajo más completo, donde se ve todo nuestro desarrollo como músicos. Sin duda, es el disco que a mí me gustaría escuchar”, explica Belly. Con La velocidad del vacío, se han alejado del estilo que los caracterizaba hasta ahora, centrándose en un pop-rock más orgánico. Según la pianista de Dorian, “este disco contiene algunas de las mejores composiciones escritas por Marc, como El temblor”.

    Expansión latinoamericana

    Latinoamérica se ha convertido en uno de los lugares con mayor número de fans de Dorian. Millones de seguidores de México, Argentina, Colombia o Chile, entre muchos otros, esperan con ansia cada concierto de la banda barcelonesa. Todo músico crece y evoluciona con el afán de viajar, conocer lugares y llevar el trabajo propio más allá de las fronteras nacionales. Objetivo cumplido. Belly matiza y habla sobre el público iberoamericano, “Latinoamérica es un continente muy grande, con culturas diferentes, pero que comparten con nosotros el idioma. Eso es muy fuerte: recorres muchos kilómetros y te entienden. Ese fondo cultural que compartimos con ellos, no lo podemos desaprovechar”.

    La importancia de las letras

    Aquí entra el valor de las letras, el valor de lo que Dorian cuenta en sus canciones: desamor, drogas, pérdidas, entre muchos otros temas, que directa o indirectamente forman parte de la sociedad actual. “Las letras han sido un factor muy importante de cara a empatizar. Marc es muy buen cronista, explica las cosas y conecta con la gente. Disfruta componiendo, le encanta la literatura y la poesía”, explica Belly Hernández. Es el mensaje lo que termina enganchando al público.

    Inicios complicados

    Como en muchos otros aspectos, comenzar en el mundo de la música es muy complicado. El boca a boca se convierte en el elemento decisivo para expandirse. Adentrarse en el género indie, puede ser incluso más difícil. Como dice la teclista de Dorian, “no hay ninguna mano negra ni estrategias comerciales de por medio”. A base de pluri-emplearse y perder dinero, muchos grupos independientes se han consolidado y se han hecho visibles dentro del panorama musical actual. A pesar de todas las dificultades del camino, el trabajo, el empeño y también la suerte, te abren muchas puertas. Y es que, como dice Belly, “sudar tanto la camiseta para lograr hacerte un hueco, te hace valorar mucho más tu trabajo”.

    El género indie

    Tradicionalmente, la música indie se ha diferenciado de la comercial por su contenido reivindicativo. “Este género ha destacado por su temática, más enfocada a la denuncia social. Con la situación actual, es normal que cada vez haya más gente que sienta la necesidad de protestar, de quejarse”, explica Belly. ¿Y qué piensan de la música comercial? “Es lícito que existan este tipo de canciones y artistas. De hecho, cumplen su función, que es llegar al público. El éxito puede confundir, pero lo importante es hacer lo que tú pienses en cada momento”, cuenta la teclista. “No es bueno adaptar tu música al mercado. Lo ideal es que la gente te entienda a ti como artista. Para eso, es muy importante no traicionarse y no tener miedo”. Como dice el dicho popular, “quien no arriesga, no gana”.

    Dorian en Elda

    El domingo día 7 de septiembre, el grupo barcelonés pasó por la ciudad de Elda. Dos horas de concierto, que supieron a poco. Un público participativo y unos artistas entregados, que a pesar de sufrir un pequeño percance con uno de los instrumentos, no dejaron indiferentes a sus fans. Uno de los momentos más emblemáticos de la noche, fue cuando interpretaron su tema Soda Stereo, en homenaje al artista Gustavo Cerati, líder de la banda del mismo nombre.

    Por lo pronto, a Alicante volverán el día 31 de octubre. La Sala One de San Vicente del Raspeig abrirá sus puertas a Dorian, que actuará junto a la banda de rock argentina Babasónicos.

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  • ¿Qué es la literatura indie?

    ¿Qué es la literatura indie?

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    Literatura indie, música indie, cine indie. Sin duda alguna, este término inglés se ha convertido en el adjetivo perfecto para muchas palabras. Pero, ¿quién sabe lo que significa realmente? Según las definiciones, este concepto hace referencia a cualquier manifestación realizada de manera independiente, al margen de los convencionalismos y las modas establecidas. En el ámbito de la literatura, el género indie es el que se desarrolla sin la ayuda de la industria editorial. Tal como explica la escritora Carol Munt, “Los escritores independientes se caracterizan por no tener a sus espaldas una editorial que les abale, ya que son en sí mismos su propia editorial”.

    El origen de la literatura indie

    “El boom de los autores indies llegó de la mano de Amazon, primero en EEUU y posteriormente se extendió a otros países”, explica Carol. “Aquí en España, comenzó en 2012. Fue entonces cuando muchos decidimos publicar nuestras obras en formato Kindl. Guiados por la experiencia, aprendimos y nos ayudamos los unos a los otros con consejos e incluso haciendo publicidad de lo escrito por otros compañeros”, continúa. Amazon es, sin duda, la plataforma líder en el ámbito de la auto-publicación. De hecho, junto al periódico El Mundo, ha puesto en marcha el I Concurso de Escritores Indies. De cualquier manera, como afirma Carol Munt, existen otros lugares como Bubok o Lulu, en los que los escritores pueden editar sus obras sin pasar por los filtros de las editoriales.

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    La figura del escritor independiente

    “El escritor indie es como un hombre orquesta, que controla hasta el último detalle de su obra”. Así define Carol Munt a estos artistas. “Los autores independientes somos todos los que, cansados de ver rechazados nuestros manuscritos por editoriales y por agentes literarios, nos lanzamos a la aventura de auto-publicar nuestros textos”. ¿Hasta dónde llegan las funciones del literato independiente? “El escritor indie, no solo edita su obra, con todo lo que ello conlleva (maquetación en digital y papel): también diseña su propia portada y se auto-publicita, utilizando las redes sociales (Facebook, Twitter, blog, Google +)”, explica la novelista. Es un hecho: en los últimos años, ha habido un auge de escritores que se han lanzado al mundo de la literatura independiente. ¿Puede ser esto una amenaza para las editoriales? Para Carol Munt, “el peligro al que se enfrentan es al gran avance del libro digital; al que no se han amoldado a tiempo, al menos en España. Mientras que los autores que se auto-publican venden sus libros a un precio moderado, las editoriales tienden a mantener unos precios altos, con el fin de cuadrar sus ingresos”.

    La música indie, un símbolo de protesta

    En el panorama musical, multitud de grupos han surgido y han alzado sus voces en contra de la situación actual, amparándose bajo el género indie. “Supongo que en nuestro caso, el hecho en sí de optar por la auto-publicación ya es un símbolo de protesta. Quizá no lo hagamos con ese objetivo en mente, pues nuestro verdadero deseo es poder mostrar nuestras obras al público. Reclamamos lo que es nuestro, tener todos los derechos de nuestra creación”, explica Carol Munt. Pero, ¿existe alguna diferencia más respecto a los textos publicados por las editoriales? Según la escritora, el contenido de las obras no varía: “En el mundo de la literatura independiente, podemos encontrar novelas de ficción, románticas, ensayos, poesías…Nuestros textos no tienen por qué contener un mensaje subversivo”.

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    La carrera de Carol Munt

    “Con diez años escribí mi primer relato y con trece una novela corta que, cuando la leo me dan ganas de llorar de lo mala que es (risas). Luego me dio por la poesía, y no fue hasta los treinta que me propuse escribir novela”, cuenta Carol Munt. La misma escritora madrileña define su recorrido de esta manera: “Estudié la diplomara de Trabajo Social y lo hice empujada por un impulso vocacional. Un impulso que me llevó de igual manera a buscar otro cauce que me permitiera ofrecer un poco de felicidad a los demás; cauce que encontré en la escritura y en la creación de historias”. Con dos novelas escritas (“La promesa” y “Y Lao Tse bajó de los cielos”) y una tercera en proceso, la joven autora reconoce haber trabajado muy duro para sacar adelante su trabajo. “Cuando publiqué «La promesa» en Amazon estuvo casi un año entre los más vendidos de su categoría, esto fue gracias a la publicidad que hice de ella tanto en mi blog como en las redes sociales. Luego, y debido al tiempo empleado en escribir mi segunda novela, fue bajando posiciones. Es complicado mantenerte cuando tienes que seguir con tu verdadera pasión, que no es otra que la de crear historias”. La recepción del público ha sido muy positiva. Así y todo, reconoce que siempre hay comentarios negativos hacia sus novelas. “Pero es un hecho que he decidido asumir. Cuando te auto-publicas en una plataforma como Amazon sabes que el lector puede opinar como le plazca. Hasta ahora han sido más los comentarios y reseñas positivas que las negativas, aunque he de decir que una buena crítica negativa puede ayudarte también a crecer como escritor”, narra Carol Munt.

     

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    En realidad no existe una fórmula maestra que te proporcione el éxito, supongo que no es más que esfuerzo, tesón y hablar siempre desde la verdad – Carol Munt (@CarolMunt)

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  • «Kings of street» 2013

    «Kings of street» 2013

    1) ENSAYOS

    “Kings of the Street” es el campeonato nacional de break dance, que acoge anualmente a bailarines de multitud de países. Durante todo el año, los ‘b-boys’ se preparan para mostrar sus mejores pasos. Los minutos anteriores al inicio del evento son decisivos.

     

    2) CRIBA

    Además de los concursantes inscritos, 14 parejas más pudieron participar en el concurso, tras pasar un filtro en el que batallaron. Asimismo, los jueces eligieron a 4 bailarines más, y los mezclaron entre ellos para después competir.

     

    3) MUJERES

    Desde que el ‘b-boying’ naciera en los años 70, han sido hombres los que han practicado este baile urbano. Sin embargo, cada vez hay más mujeres que bailan ‘break dance’, igualando en nivel a los chicos.

     

    4) NIÑOS

    Entre batalla y batalla, el presentador, Karpot de “Fresh Flesh” Barcelona, repartió bolsas con ropa de regalo. La última la sorteó entre dos niños que, con mucha destreza, imitaron los pasos de baile de los competidores más experimentados. El público se sorprendió al ver a estas jóvenes promesas.

     

    5) JINCHO

    Uno de los invitados especiales de la gala, fue el reconocido ‘b-boying’, “El Jinchu”. Este monovero, lleva alrededor de 20 años bailando, y en varias ocasiones ha intentado promover este baile urbano en Monóvar.

     

    6) SEMIFINAL - BRUJILLO

    Todos los grupos ansiaban llegar a la final, pero solo dos de ellos lo consiguieron. Kiry y Damián, de “Carnales Squad” se quedaron a las puertas de la última ronda, pero ‘El Brujillo’ y ‘Movie One’ fueron más afortunados que ellos.

     

    7) FINAL - BRUJILLO

    Tras una larga tarde, los miembros del jurado: Xisco Hustle kidz, Pepito 7$ y Thomaz RockaFellaz, proclamaron campeones a “Lunatiks Crew”, dúo formado por ‘El Brujillo’ y ‘Movie One’.  Por detrás, se quedó el grupo “Skill Cypher”.

  • Adaptarse o morir

    Adaptarse o morir

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    Miguel de Unamuno, Ramón María del Valle-Inclán, Vicente Blasco Ibáñez, Ramiro de Maeztu, Antonio Machado, Pío Baroja, y por supuesto, Azorín son solo algunos de los escritores que pertenecieron al grupo de la Generación del 98. Todos ellos eran unos intelectuales en el ámbito de las letras. Por la etapa en la que vivieron, sus escritos y ellos mismos estuvieron marcados por una crisis moral, política y social generada por la pérdida de las colonias hispanas en Sudamérica. Es por eso que escribieron sobre el regeneracionismo y defendieron ciertas posturas con un tono hipercrítico.

    José Martínez Ruiz, alias Azorín, no se escapó. Al menos en sus primeros años. De Azorín conviene recordar que fue el autor de esta generación más longevo, tras Manuel Gómez-Moreno. Con los tiempos que corrían, la única manera de vivir más años (dejando a un lado la genética) era acostumbrarse al régimen y no meterse con nadie. Así que, la filosofía de la época se resumiría en esta frase: adaptarse o morir.

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    Azorín fue uno de los (pocos o muchos) intelectuales que dio bandazos políticos. El monovero escribió a favor de casi todas las ideas políticas. De hecho, su interés por las ciencias políticas hizo que se inmiscuyera en numerosos partidos para escribir “desde dentro”, en primera persona. Sin embargo, se asqueó y se marchó indignado por la parafernalia que envolvía este mundo. En realidad, el escritor fue un visionario, porque el enfado que mostró por la política de esa época, es el que muestra la mayoría de la población por la actual situación con los políticos.

    En referencia a esos bandazos ideológicos, dice Juanjo Payá, periodista y estudioso de Azorín, que los intelectuales están en todo su derecho de cambiar de ideología y moverse de un lado político a otro. Es una manera de ver y de pensar sobre lo que ocurre a su alrededor, de verlo desde diferentes ángulos, pero con un mismo estilo literario.

    Caso aparte es la dictadura. Según Andrés Trapiello, hay que entender la parte humana de los cambios ideológicos de los autores como Azorín, que vivió la pérdida de las colonias españolas en América, la I Guerra Mundial, el Crack de la Bolsa de Nueva York, una II Guerra Mundial, una Guerra Civil, una dictadura y los inicios de la democracia española. Durante el franquismo, José Martínez Ruiz era ya muy mayor, y exiliarse hubiera supuesto morir fuera de su patria y caer en el olvido como periodista y escritor. Habría sido vetado en España por exiliarse, su legado se habría quedado perdido en un lugar extranjero. De esta manera, pensó que callarse en ciertos aspectos políticos era lo mejor para poder estar los últimos años de su vida y morir en su país. Otros compañeros intelectuales como Francisco Ayala o Francisco Umbral se lo echaron en cara. Tal vez pensaran que un escritor debía morir por sus ideales o marcharse para no sentirse cohibido. Pero Azorín quería sobrevivir, comer. Así que, si eso suponía aceptar el régimen (que no defenderlo), lo haría. Y así fue.

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    Los inicios de José Augusto Trinidad Martínez Ruiz como periodista se dieron en el diario El País, en el año 1896. Escribía artículos muy revolucionarios, con ideas anarquistas, republicanas y federalistas. Sus escritos en el diario llegaron a ser polémicos en medio de una sociedad regida por un gobierno más bien conservador. Criticó y puso en duda valores sociales como vienen a ser el matrimonio y la propiedad. Por eso mismo, fue despedido a los tres meses. Se alejó demasiado de los ideales políticos del periódico, que aunque era de carácter republicano y anticlerical, no quería ser el centro de atención por publicar artículos de tal calibre.

    En La Vanguardia trabajó durante 14 años, de 1904 a 1918. El periódico fue creado en 1886 por los hermanos Godó, pero en él, el político Práxedes Mateo Sagasta estuvo inmiscuido. Por tanto, el periódico nació con un carácter liberal- progresista. Pero, poco a poco, se ha transformado en un diario más conservador.

    Posiblemente, este medio fue la base de la consolidación de Azorín como articulista, por la cantidad de textos que escribió y publicó, alrededor de unos 600. En sus inicios, el ilustre escritor mostró su faceta más anarquista. El interés del periódico por Azorín surgió a raíz de la publicación de La Voluntad. Esta novela, alejada del naturalismo de la época, plasma la situación de una España que en un siglo no había cambiado absolutamente en nada.

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    Uno de los artículos del monovero versa sobre los dirigentes de la época. De hecho, se llama “Los políticos”. Es llamativo el contraste entre lo que describe y pensaba Azorín el 25 de julio de 1916 en La Vanguardia sobre los gobernantes, a lo que sucede hoy día con ellos. En este artículo, el escritor de Monóvar ensalza la figura del político como un personaje público del que todo el mundo habla y al que todos juzgan si se equivoca, cuando él en realidad cree que los políticos son “románticos y generosos” y entregados a la vida de la ciudadanía. Hoy en día, los dirigentes españoles están bastante mal considerados, todo ello, producto del descontento de la sociedad. Visto el artículo, se puede decir que está bastante alejado de la postura del Azorín anarquista y revolucionario del principio. Se puede observar, pues, a un Azorín más relajado, prudente y sosegado.

    Por otra parte, entre los años 1914 y 1947 se dedicó a escribir en ABC. Es curiosa la cantidad de años que trabajó para el diario de Torcuato Luca de Tena, pero hay que matizar que lo hizo de manera intermitente. ¿Por qué? ABC es un periódico conservador y monárquico. En 1930, cae el rey Alfonso XIII y se instaura la II República española. Por tanto, los 25 años de trabajo del literato en ABC caen en saco roto. A partir de entonces, se suceden diversos hechos: seis años bajo mandato republicano y posterior guerra. Azorín aprovecha para recuperar sus pensamientos progresistas iniciales y marcharse a Francia durante la guerra. En 1941, adopta de nuevo ideales conservadores que le permiten regresar a este diario. He aquí, posiblemente, su afán por no ser olvidado en un país ajeno al suyo y la aceptación del régimen franquista y de las ideas de este diario. Fue corresponsal de guerra de este periódico durante la I Guerra Mundial. De hecho, recientemente se han recuperado 29 artículos escritos por él en el año 1918, cuando estaba en Francia visitando a los ejércitos aliados. El objetivo era recoger las impresiones y analizar la intervención de Estados Unidos en el conflicto. Según José Luis Vicente Ferris, director de publicaciones del Instituto Juan Gil Albert, el trabajo de Azorín en este espacio de tiempo «se tradujo en unos textos que por su contenido no cayeron bien en determinados círculos intelectuales de la época». Aun así, el desconocimiento de la población sobre EEUU, hizo que no le prestaran atención.

    Obviamente, de Azorín se podrán decir muchas cosas. Se puede pensar que era un interesado o un vendido por no “mojarse” por una tendencia concreta a lo largo de su enorme trayectoria, pero no se debe juzgar sin conocer: que escribiera por y para todos los pensamientos políticos tampoco es horrible. Hay que saber situarlo en el contexto en el que vivió y saber entenderlo. Pero sobre todo, y más nosotros que estudiamos periodismo, hay que reconocer el valor de esta figura que supo recoger la realidad española de su tiempo desde todos, absolutamente todos, los puntos de vista, escribiendo cada vez desde una ideología diferente.

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  • El futuro del cómic

    El futuro del cómic

    Brienne, cedida por Laurielle

    El alto crecimiento de internet a finales de los años 90, supuso que el web-cómic aumentara de manera considerable. Muchos dibujantes dieron el salto del papel a la red, digitalizando sus tiras o creándolas exclusivamente para este medio. Web- cómics como User Frendly, PvP o Penny Arcade marcaron el inicio de esta nueva era.

    “A los web-cómics se les aplica la lógica del blog: son publicaciones periódicas, con sus comentarios y con la posibilidad de buscar una página concreta o consultar un archivo”, explica Laurielle Maven, dibujante de El vosque. “Hay variaciones: cómics que se suben de golpe a Internet, en lugar de periódicamente, o cómics que se descargan pero no se leen online. Algunos webcómics nacen con una historia cerrada desde el principio, y otros comentan la actualidad o los temas que interesan a sus autores. Hay historias que se pueden publicar en papel y otras que es imposible”, explica.

    Financiación

    “Hay algunos webcómics que sí cuentan con algunas subvenciones, especialmente a la hora de publicarse en papel, pero no es lo habitual”, asegura Laurielle. “Lo bueno de internet es que no necesita recursos materiales para gestionar tu trabajo. No se necesita ni financiación ni gente apoyándote, con tener ganas puedes sacar tu cómic adelante”, cuenta el dibujante Óscar Oliva (Eggest). Además, explica que basta con tener una tableta o un escáner para hacer cómics. ¿Y qué beneficios se pueden obtener de los webcómics? “Los mismos que con los blogs. Muchos no recaudan dinero, otros consiguen lo justo para pagar el servidor y otros son el principal medio de vida de sus autores”, dice Laurielle Maven. “Con los webcómics pasa lo mismo: cualquiera puede aceptar donaciones por PayPal, vender camisetas o buscarse otros modelos de financiación, como el crowdfunding”, añade.

    Tira para podcast de Freakdom, cedida por Eggest

    Dibujo vs guion

    Un cómic no solo son dibujos, también es literatura. Por eso es imprescindible que tenga una historia. Pero, ¿imagen y guion están al mismo nivel? Para Eggest, no: “Creo que el guion es más importante. Un dibujo es atrayente, pero si el guion no tiene enganche, al público no le gustará. Hay gente que dibuja muy bien, pero cuenta una historia que no apetece leer”. Sin embargo, Laurielle no piensa lo mismo: “Para mí es un error separar ambos aspectos. Un guion excelente con un mal dibujo no se entenderá, y un dibujo excelente con un mal guion no enganchará al lector. De la misma manera, una tira con mucho texto será un mal cómic”. Por eso, la clave para la dibujante de El vosque “es que el guionista y el dibujante entiendan que se trata de un trabajo de equipo”.

    ¿El papel o el web-cómic?

    La aparición de las historietas en internet puede abrir un gran debate: ¿son mejores las publicadas en papel o las colgadas en la red? Las dos opciones son igual de válidas y correctas, pero está claro que opiniones habrá tantas como personas. Según Laurielle Maven, “son formatos distintos perfectamente combinables. En general, los web-cómics tienen las mismas ventajas que los blogs con respecto al formato tradicional: logísticamente son mucho más flexibles y ágiles, permiten una respuesta inmediata de los usuarios y tienen facilidad para llegar a todo el mundo”. Óscar Oliva añade: “En internet, hay cómics de cualquier temática y cualquier género. No hay filtros, por lo que todo lo que tenga cabida en tu cabeza puede subirse a la red. El inconveniente, es que los dibujantes de web-cómics no tienen el mismo renombre que los de las grandes casas como DC o Marvel”.

    The game is a life

    Buenas ideas y trabajo duro son los pilares principales para triunfar y para conseguir todo lo que uno se proponga. Quizás la tarea más complicada de un artista sea dar a conocer su trabajo. Pero gracias a los blogs y a las redes sociales, la difusión es más fácil. The game is a life surgió como medio para hablar sobre videojuegos. En este espacio, los dibujantes Manu Segura, Óscar Oliva y Antxon Echeveste pueden colgar sus trabajos sin ningún reparo. Óscar (Eggest) es dibujante y está trabajando en un cómic para The game is a life. “En una semana, puedo dibujar cuatro o cinco tiras y las publico conforme las acabo”. Actualmente, para dibujar no se necesitan demasiados medios. La manera de trabajar de Eggest es sencilla: “Tengo una tableta y me defiendo con ella. Ahí tengo diseñadas tres o cuatro viñetas, y sobre ellas dibujo. Aunque algunas veces, he dibujado en papel y después he escaneado mi trabajo”.

    Tira TGIAL 2, cedida por Eggest

    El Vosque

    Uno de los ejemplos más conocidos de web-cómic es el de El Vosque. En 2009, Laurielle y Morán crean esta historieta de fantasía y asesinatos ambientada en un reino mágico. Según los autores, en su cómic, “las hadas son alérgicas a las flores, los elfos un peligro público y las cosas tienden a explotar”. Los inicios de El vosque no fueron tan complicados como parecen: “Nosotros  empezamos con parte del camino recorrido, ya que Morán tiene otro web-cómic con mucho público, Eh Tío!”, cuenta Laurielle. “Pero sólo con la fama inicial no habríamos conseguido mucho: publicamos regularmente, escuchamos a nuestros lectores e intentamos hacerlo siempre lo mejor posible”, añade. El método de trabajo es sencillo: “Morán es el guionista y yo la dibujante. Semanalmente, me pasa guiones y yo los dibujo, los maqueto y los subo a la web. Ahí la gente comenta lo que pasa o lo que cree que va a pasar. Eso nos es muy útil para ver las cosas que no están claras y para retocar las siguientes páginas”, explica Laurielle. La dibujante cuenta que esta historia está llegando a su fin. De cualquier manera, el público todavía puede disfrutar de El vosque. Y también de los Woodies, historieta paralela que guioniza y dibuja ella de manera más sencilla. “En este web-cómic tratamos los temas del día a día de este mundo”.

    El éxito cosechado por este nuevo formato, hizo que en 2008 se celebrara el Concurso Nacional de Webcómics en Español. Sin embargo, este auge no es suficiente para que guionistas y dibujantes españoles puedan vivir de este mundo. Mientras en EEUU existen empresas dedicadas única y exclusivamente al web-cómic, en España hay muy pocos casos, ya que como dice Laurielle “es un campo muy nuevo”.

    El vosque portada 4, cedida por Laurielle maven

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    Imágenes cedidas por Laurielle Maven y Eggest

  • El mundo de Cosplay

    El mundo de Cosplay

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    El cosplay es un fenómeno originado en Japón que consiste en disfrazarse de personajes de videojuegos, cómics o películas. Empezó como un simple movimiento, que a día de hoy se ha transformado en toda una cultura. Concursos, tiendas especializadas e incluso personas que se dedican profesionalmente a este mundo. Desde su nacimiento en los años 70, esta práctica ha experimentado un gran crecimiento.

    Puede que en España, el cosplay no esté tan arraigado ni tan desarrollado como en otros países, pero hay grandes cosplayers en el territorio nacional, que no solo han destacado en este país. En 2009, las barcelonesas Bereniç Serrano y Laura Hernández consiguieron el segundo premio del concurso mundial de cosplay, celebrado en Japón. Pero ellas no son las únicas que han destacado en este ámbito: Mike Valo y Ae-Chan son dos de los más importantes. Han participado en numerosos concursos y han sido jueces de otros tantos. Además, tienen una tienda online dedicada al cosplay. Por su parte, la murciana Glory Roller está dejando tras de sí una estela de galardones. Este año, ha conseguido el primer premio del concurso de cosplay del IV Salón del Manga de Alicante.

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    El reconocimiento

    Hacerse un hueco en este mundo no es nada fácil. “Es muy complicado ser conocido en este mundo, y más ahora que está tan de moda hacer eventos sobre cultura japonesa o videojuegos”, afirma Glory Roller. “Además, cada vez hay más gente que destaca”, añade. Por su parte, Mike Valo y Ae-Chan piensan de diferente manera “el reconocimiento es un aspecto subjetivo, ya que el cosplay suele hacerse para pasar un buen rato con los amigos y no tratar de ser famoso”. No obstante, ambos creen que siempre hay gente con un alto egocentrismo y con “aires de grandeza”. “Por suerte, estas personas son las que menos abundan en nuestro mundillo”, asegura la pareja. En la misma línea, se pronuncian Larxenne y Alice in Cosplayland: “¿Es difícil ser conocido? Sí y no. Este mundo no es tan diferente de otros, como el del arte. Si quieres destacar, tienes que trabajar duro y ser fiel a ti mismo a la hora de elegir lo que te gusta”.

    Lara Valentine ha destacado el papel de la mujer dentro de este mundo. “Es difícil hacer solo armaduras y agradar al público. Hoy en día, se ve más a una mujer que enseñe escote que a otra que haga sus propios trajes. Todo es muy superficial”.

    Con o sin reconocimiento, existe un patrón común en los inicios de estos cosplayers. ¿Qué puede mover a una persona a introducirse en el mundo del cosplay? Pasión por los cómics y los videojuegos, y fascinación por los grandes disfraces de otros cosplayers. De esta manera, el cosplay se convierte en una forma de vida para muchas personas.

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    Primeras andadas

    “El cosplay me parece una buena forma de poder recrear un personaje que te gusta. No es simplemente un hobby, también es una forma de aprender nuevas técnicas de creación”, dice Lara Valentine. “Siempre me ha encantado crear, hacer manualidades y pintar. Pero realmente empecé en este mundo en 2007. Con unos amigos, hice un grupal de Bleach. Continuamos juntos hasta que en 2009, decidí hacer cosplays individuales”.

    El interés de Glory Roller por este mundo también viene de lejos. “Llevo desde los 5 años dedicándome al cosplay, aunque a los 16 años lo dejé por los estudios. Así que, el primer traje que tuve fue el de Bella, de La Bella y la Bestia, porque las princesas me encantaban. Todavía conservo el vestido con mucho cariño”. Tiempo después, Glory comenzó a crear sus propios trajes. “En 2011, asistí al salón de Murcia SeRemanga y me gustó tanto el ambiente que en el año siguiente volví. Me presenté a un concurso de cosplay como Miku. La gente estuvo muy contenta, decían que me había metido mucho en el papel y que me parecía físicamente al personaje”.

    La historia de Mike Valo es más sencilla. “Me gustaba disfrazarme y vi la oportunidad de hacerlo de mis personajes favoritos. En 2006, hice mi primer cosplay de Cloud (Final Fantasy). Mis conocimientos sobre confección eran mínimos, por lo que el traje quedó un poco simple”. Por su parte, a su pareja Ae-Chan, el interés por la confección le viene de familia. “Mis tías y mi abuela son modistas. He aprendido mucho de ellas, pues han sido para mí un modelo a seguir”. Con todas las técnicas aprendidas, la cosplayer diseñó su propio disfraz de Aeris (Final Fantasy) para su primer Salón del Manga, y desde entonces no dejó de crear cosplays. “En 2004, fui al Salón del Manga de Barcelona, simplemente para buscar información del evento. Allí vi a mucha gente vestida de sus personajes favoritos. Así que me animé y decidí hacerlo yo también”.

    Por su parte, el dúo formado por Larxenne y Alice in Cosplayland cuentan la historia que las unió: “Nos conocimos en un concurso del Salón del Manga de Murcia. Gracias a unos amigos en común, supimos la una de la otra. Pero pasaron seis meses hasta que hablamos y decidimos trabajar juntas”. Pero el contacto con el cosplay les viene de lejos. Larxenne comenzó en 2007: “Una amiga me convenció para ir a un evento disfrazadas de personajes de una serie que le gustaba. Por entonces, me estaba iniciando en el mundo otaku y me pareció divertido probar”. Alice tuvo unos comienzos diferentes: “Empecé en 2009, en el Salón del Manga de Murcia. Ya había ido a algunos eventos y había visto a gente disfrazarse. Mi primer cosplay fue de Tifa Lockhart (Final Fantasy), hecho con ropa adaptada y cortada para que se pareciera al personaje”. Dos personas diferentes que han formado un tándem inseparable: “Lo que nos gusta de trabajar juntas es que tenemos gustos contrarios. A Alice le gusta el anime y el manga, y a mí los videojuegos”, explica Larxenne.

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    Vivir del cosplay

    “Con los tiempos que corren, nadie debería dedicarse exclusivamente al cosplay”, aseguran Larxenne y Alice. Lara Valentine corrobora esta afirmación: “Ningún cosplayer puede aspirar a vivir de esto. Hay mucha gente destacada en este ámbito, pero en España este trabajo no está para nada reconocido. A los cosplayers nos ven como personas raras que van a convenciones frikis”.

    Mike Valo y Ae-Chan son contundentes con su opinión: “En España, a diferencia de EEUU, es imposible vivir del cosplay profesional. A pesar de que las empresas cuentan con más servicios profesionales de cosplay, sigue siendo una medida de marketing usada por pocas compañías del sector”. Sin embargo, atisban un rayo de luz para este sector: “Desde hace unos meses, se ha visto un incremento en la demanda de cosplayers profesionales por parte de empresas o particulares. Por eso, nosotros hemos creado el servicio profesional de CosModels”. Lara Valentine también comenta este hecho: “Puedes tener la suerte de que una compañía de videojuegos te vea y llegues a trabajar para ellos. Personalmente, no conozco a nadie que lo haga, pero cosplayers famosas como Kamui, Missyeru, Jessica Nigri o Yaya Han creo que sí que viven de esto”.

    No es el mejor momento para vivir del cosplay, pero siempre puede ser una alternativa profesional. Ae-Chan trabaja en una tienda de videojuegos, pero en su tiempo libre diseña vestidos que vende a través de su tienda online Pinku Crown, creada en el año 2007. “La tienda empezó siendo de ropa y accesorios para Ball Jointed Dolls (muñecas articuladas). Más tarde, Mike me animó a diseñar para personas. Me alegro mucho de haber dado ese paso, porque prefiero crear trajes para la gente de a pie. Los diseños que más hago son de fantasía y gyaru”.

    Desde fuera, el cosplay son personas vestidas de personajes muy variopintos. Sin embargo, es mucho más: es arte, es trabajo, es un modo de vida.

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  • Bienvenidos a Isla Grosa

    Bienvenidos a Isla Grosa

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    Hallazgos fenicios, restos romanos, residencia de piratas, lugar de paso, territorio para navegantes. Así era Isla Grosa, en Murcia. “Ha sido un punto de referencia clave en la Historia de la Navegación”, cuenta Carlota Pérez-Reverte, co-directora del Proyecto Isla Grosa. “La navegación frecuente y la presencia del llamado Bajo de la Campana han hecho que, en diferentes épocas, numerosos barcos se hundieran en este entorno”.

    ¿Qué es el Bajo de la Campana?

    Según las cartas de navegación, al este de Isla Grosa existe una formación calcárea de 100 metros cuadrados, conocida como Bajo de la Campana. Esta zona ha causado multitud de naufragios en diferentes épocas históricas. “El nombre viene dado por una campana que se instaló en el Bajo en el siglo XIX, con el fin de alertar a las embarcaciones de su existencia”, explica Carlota. Hoy en día es un yacimiento, del que ya se han extraído piezas fenicias, púnicas y romanas.

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    Las primeras prospecciones

    “El pecio del Bajo de la Campana fue localizado en 1958, durante los trabajos de voladura y recuperación de chatarra procedentes de barcos modernos”, cuenta la co-directora del proyecto. “Sobre el año 1959, un grupo de buceadores extrajo 12 colmillos de elefante, que se donaron al Patronato de Arqueología Subacuática de Cartagena en 1979”, continúa. La primera prospección profesional se realizó en 1972, seguida por una segunda en el año 1988. En esta última, se confeccionó la planimetría del yacimiento, o representación a escala del terreno.

    Los tesoros aparecidos

    La mayoría de los descubrimientos se han encontrado alrededor del Bajo, ya que Isla Grosa y el Farallón están todavía por investigar. Entre los hallazgos, han aparecido un barco fenicio del siglo VII a.C, un barco romano republicano y otro imperial.

    En el navío fenicio han encontrado desde colmillos de marfil, con los que elaboraban bienes de prestigio, hasta piezas como quemaperfumes. Además de lingotes de estaño y cobre, peines de madera, ánforas y juegos de ponderales. Como dice la arqueóloga Carlota Pérez- Reverte: “se ha hallado un cargamento, con materias destinadas a convertirse en objetos de lujo para las élites”. Aun así, “los grandes descubrimientos fueron los elementos de vida a bordo: cestas de esparto, piñas para hacer fuego, cuatro cuchillos de marfil, ámbar, agujas, anzuelos…”, explica la co-directora del Proyecto Isla Grosa. “Además, también se encontró un pequeño pedestal de piedra, que posiblemente sirviera para realizar los ritos religiosos necesarios para una travesía segura”, añade.

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    Proyecto Isla Grosa

    “El problema de Isla Grosa es que no se han hecho trabajos de investigación: no se sabe qué hay o dónde está. Hay hallazgos puntuales y noticias de buceadores, pero se debe cartografiar el fondo para localizar, evaluar, proteger e investigar estos restos”, cuenta Carlota Pérez-Reverte. “Por otra parte, el seguimiento del Bajo ha permitido constatar que hay expolio. En esta zona, tenemos una idea del material que se está perdiendo, pero en el entorno de Isla Grosa, están desapareciendo pedazos de historia que ni conocemos”. Ante esta situación, la pregunta es: ¿no hay ningún modo de impedir el expolio? La arqueóloga explica: “Isla Grosa tiene una serie de figuras legales de protección relacionadas con su medio natural, pero hasta ahora no se ha contemplado ninguna para proteger su patrimonio”. Por eso, este trabajo es tan importante y necesario, “con él solicitaremos la incoación de la isla y sus aguas, como Bien de Interés Cultural”, cuenta Carlota. Según la co-directora, contra la expoliación hay dos caminos: el legal y el de la educación. “Los buceadores que se llevan un asa de ánfora o cualquier otro resto arqueológico a modo de recuerdo, no son conscientes del daño que están haciendo. Mover o sacar un objeto es como alterar la escena de un crimen”.

    Financiación

    “El proyecto se ha basado en tres pilares: investigación, formación de estudiantes y difusión. Este tercer punto ha sido fundamental para nuestra financiación”, cuenta la arqueóloga Carlota Pérez-Reverte. AdARQUA ha puesto en marcha numerosas actividades complementarias: visitas de buceadores, talleres infantiles, charlas y conferencias. Como dice la co-directora del proyecto: “Los arqueólogos trabajamos para la sociedad, y debemos revertir en ella el resultado de nuestras investigaciones. No sólo mediante la divulgación sino también intentando que las personas sientan suyo el patrimonio y se impliquen en su protección”.

    Museo subacuático y yacimiento escuela

    Estas nuevas exploraciones traerán consigo, la creación de un museo subacuático. “En la campaña que llevaremos a cabo este año no está prevista la extracción de material. En esta prospección localizaremos, documentaremos e investigaremos los restos”, dice Carlota. ¿Cómo funcionará el museo, entonces? “Lo que haremos será una ruta en un yacimiento arqueológico, como se hace en muchos lugares, solo que en el mar. Hemos colocado una serie de paneles que explican cómo se hicieron las excavaciones y cuentan la historia del pecio fenicio y los restos romanos”, narra la arqueóloga.

    Del yacimiento escuela, Carlota Pérez-Reverte dice que es un curso muy práctico, en el que habrá actividades prácticas en tierra y dos inmersiones diarias. “Hemos intentado que sea completo, para que los alumnos aprendan y disfruten”, añade.

    “Nuestros principales objetivos son mostrar el valor del patrimonio de Isla Grosa, hacer a la sociedad partícipe y crear un recurso sostenible, cultural y de calidad”, concluye Carlota.

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  • K-Maleón, símbolo de la cultura libre

    K-Maleón, símbolo de la cultura libre

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    De una manera u otra, la mayoría de gente sabe qué es la cultura. Sin embargo, ¿cuántos sabrían explicar el significado de “cultura libre”? Mil definiciones habrá, pero una destaca: “cultura libre es aquella que no tiene intermediarios, gestoras ni sociedades que interfieran en la libre comunicación de los artistas con su público”.

    Pero, ¿y quiénes son esos intermediarios? Tony, coordinador del festival cultural K-Maleón, explica: “Hay multitud de sociedades de gestión, como la SGAE, AEDE o CEDRO, que defienden un sistema de derechos obsoleto. Al final, lo único que consiguen es proteger su propio modelo de negocio e impedir que los artistas hagan lo que quieran con su obra.”.

    Reivindicaciones

    “Nosotros luchamos para que los creadores sean dueños de su obra y la distribuyan como lo estimen conveniente, utilizando el tipo de licencia que prefieran o incluso poniendo su obra en dominio público”, explica Tony. “Además, son tiempos difíciles y la gente debería tener acceso a la cultura, independientemente de si pueden o no pagarla. La cultura no es una mercancía más, es un derecho humano”, añade.

    Y bajo estos ideales de libertad nació K-Maleón, un festival cultural organizado por gente de León. Y para quien no sepa el porqué del nombre, ellos mismos lo explican: “El camaleón es un ser mutante que se mimetiza con su entorno para pasar desapercibido, y que esconde en su piel todos los colores del arcoíris. K-Maleón, como el animal que nos da nombre, también es mutante y colorista, pero ha decidido dejar de pasar desapercibido”.

    Financiación

    Arrancar proyectos de este tipo no es nada fácil, y más cuando no se cuenta con un apoyo firme. ¿Cómo ponerlos en marcha cuando no tienes ayuda? Tony, uno de los componentes de K-Maleón, explica: “La palabra clave es autogestión. Nosotros nos lo guisamos y nos lo comemos todo, nos ayudamos y confiamos en que cada artista se ocupe de su parte. Luego hay un pequeño grupo que gestiona el festival”. A lo que añade: “el hecho de que se celebre una vez al año y prácticamente en verano, que es cuando estamos más libres, ayuda bastante. Sería imposible mantener algo así más allá de una fecha puntual”.  Aun así, K-Maleón no tiene nada que envidiar a otros festivales de este tipo, ya que después de cuatro años continúa al pie del cañón: “en el mundillo de la cultura libre ya somos bastante conocidos fuera de León, y en la ciudad creo que todo el mundo sabe lo que hacemos e incluso reconoce a nuestra mascota”. Las redes sociales, los carteles y, sobre todo, el “boca a boca” les ha beneficiado mucho. “De todas formas tampoco queremos hacer convocatorias enormes, hacemos el festival para divertirnos”, cuenta Tony.

    Vivir del arte

    En muchas ocasiones, los amantes del arte buscan consagrarse en este mundo y poder vivir de él en algún momento de sus vidas. “A lo largo de estos años, en K-Maleón han participado tanto creadores profesionales como aficionados. Ha habido todo tipo de casos: personas que han tenido que emigrar de León para poder ganarse la vida, personas que ni siquiera se plantean que lo que hacen sea su trabajo e incluso gente a la que no le va mal y vive del arte”.

    Solo hay una cosa clara: en el ámbito de la cultura, hay mucha precariedad. Tal y como afirma Tony, “es muy difícil llegar a vivir de tu creatividad”. Lo que sí que es un hecho para el coordinador de K-Maleón es que se necesitan más proyectos reivindicativos: “creo que a los que vivimos de la cultura nos cuesta mucho plantearnos respuestas colectivas a nuestros problemas. Este mundo está lleno de individualidades, de egos, de envidias…Además, hay una competencia feroz. Afortunadamente esto está cambiando”.

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