Verdadera Locura

Categoría: Entrevistas

Lolo Moldes: «Cráteres son heridas cicatrizadas, que han dejado su huella»

Es músico, compositor, productor musical e ingeniero de sonido. Aunque la relación de Lolo Moldes con el mundo de la música viene de mucho más atrás, de cuando tenía ocho años y empezó a tocar la guitarra. O de cuando comenzó a dar clases en el conservatorio. De hecho, él mismo ha reconocido que ya nació con una guitarra debajo del brazo. Ahora está en pleno proceso de promoción de «Cráteres», su primer audio-libro recién presentado a los medios, y que llevará al leonés el próximo sábado 12 de marzo a la Sala Barco de Madrid. Un trabajo que va más allá de la música, ya que también aúna poesía e ilustración. Esta última, a cargo de los artistas bercianos Cristina Montero, Ana Gaztelumendi, C. C. Sulé, Jorge Solana, El Abrelatas, Javier Carpintero, Roque Castedo, Raquel Palacio, JuanMa Salví y Roberto Canedo.

Pregunta. ¿Qué te llevó a lanzar tu carrera como artista?

Respuesta. Lo cierto es que la inercia me llevó hasta este punto. En ningún momento me planteé lanzar mi carrera musical. Simplemente, llega un día en el que pintas un cuadro que te gusta y decides mostrarlo en público.

P. ¿Cómo nace «Cráteres»?

R. En principio, tan solo eran unos textos y unas melodías que tenía guardados y que poco a poco fueron cogiendo forma. Hasta que se convirtieron en canciones. Pero como además, tenían cierto colorido y carácter desde mi punto de vista, consideré que tenían que complementarse con imágenes. Por eso contacté con unos amigos de El Bierzo, para proponerles que dibujaran las canciones. A ellos les gustó la idea y se volcaron enseguida.

P. ¿Cómo está estructurado este trabajo?

R. Tiene dos partes. En la primera de ellas aparecen las canciones, con las letras de las mismas y su respectiva ilustración. La segunda está dedicada a la poesía y reflexión. Son resquicios que quedaron anotados durante el proceso compositivo y no quise que se perdieran, porque forman parte de toda la creación de «Cráteres».

P. ¿Por qué llamarlo así, «Cráteres»?

R. «Cráteres» es claramente una metáfora. Si tuviera que definirlo con una frase, diría que son heridas cicatrizadas, pero que han dejado su huella. En definitiva, es un mapa del alma. Engloba muchas cosas en cuanto a la temática. principalmente, hacen referencia a cuatro pilares fundamentales: los sentimientos familiares, temas políticos que de alguna manera te mueven, la tierra y el amor.

P. ¿Qué hace especial este trabajo?

R. Es honesto y sincero, ha salido del alma sin ningún tipo de pretensión, más que ser un proyecto terapéutico. Ocurre que después de mucho tiempo viviendo en Madrid, me siento desilusionado con el entorno y decido poner tierra por medio. Me marcho para poner mis ideas en orden y descansar. A partir de ahí, nace y se consolida «Cráteres». Por eso pienso que es honesto y sincero.

P. ¿Cómo ha sido la experiencia de grabar este audio-libro?, ¿repetirías?

R. El formato quizás no lo repetiría, pero el estilo, y los puntos personales y musicales a los que he llegado gracias a «Cráteres», sí que me gustaría conservarlos, porque me han hecho evolucionar y crecer en una dirección que me gustaría seguir investigando.

P. ¿Cómo ha sido el proceso de producción de «Cráteres»?

R. Para conseguir que la esencia de «Cráteres» se mantuviera intacta, todo lo que es el proceso creativo de los temas y las melodías, es una carrera de fondo en la que yo me encerré completamente solo con mis instrumentos. Secuencio los instrumentos que yo no puedo tocar, para luego pasárselos a instrumentistas que sí que pueden hacerlo y que además, aportan su toque personal.

P. ¿Cómo diste con las personas que te iban a ayudar en este proceso?

R. En el tema musical, ya tenía claro con anterioridad a las personas que quería que formaran parte del plantel, porque llevo mucho tiempo trabajando en el mundo de los directos y he coincidido con mucha gente. Y poco a poco vas asociando a las personas que pueden encajar, tanto a nivel profesional como humano. Este último aspecto es muy importante para que el proyecto creciera.

A nivel artístico, el diseño de los dibujos fue previo al proceso de producción. Con anterioridad, pasé a unos amigos unos bocetos de los temas al desnudo, tan solo con la guitarra y la voz, para que no se vieran influenciados por otros artificios. Y sobre eso, construyeron sus obras. No hubo ningún tipo de restricción en este sentido, cosa que ha hecho que «Cráteres» tenga mucha más fuerza.

P. ¿Qué supone para ti presentar tu disco en la Sala Barco de Madrid?

R. Pues imagínate. La Sala Barco es una de las más emblemáticas de la ciudad. Llegar de fuera y poder actuar allí es todo un lujo.

P. ¿Alguna sorpresa para el concierto del 12 de marzo?

R. Bueno, algo hay pensado [risas]

24 febrero 2016
Juanjo Payá: «Un periodista cultural es todo lo bueno que sean sus reportajes»

Juanjo Payá (Novelda, 1983) es licenciado en Ciencias de la Información por el CEU de Elche y ha cursado el Máster de Estudios Literarios en la Universidad de Alicante. Actualmente, compagina su trabajo en la sección de Cultura del Diario Información con la subdirección del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert al tiempo que ultima su tesis doctoral. Siempre ha estado vinculado al mundo de la cultura, gracias a la estrecha relación de su familia con el escritor Azorín. Su pasión por las letras y el periodismo lo han llevado a ser quien es hoy como profesional, y quizás también como persona.

Pregunta. ¿Por qué decidió estudiar periodismo?

Respuesta. En primer lugar, por mi amor por la literatura. Yo tenía claro que lo que me gustaba era escribir y disfrutar de la literatura. Sabía que el periodismo era una oportunidad de poder dedicarme a ella o, al menos, acercarme al oficio de escritor.

P. ¿Y qué le llevó a dedicarse finalmente a la sección de Cultura?

R. Siempre he vivido muy ligado a la cultura y a la literatura, porque he tenido una familia dedicada a ello. Mi padre gestiona los fondos culturales de la Fundación CAM de la provincia de Alicante y trabaja con referentes y legados como el de Carlos Arniches, Azorín, el marino Jorge Juan o el escritor Gabriel Miró. Uno siendo niño apenas lo percibe pero, poco a poco, descubre que existen esos libros y se acerca a ojearlos. Así es como empecé a amar el mundo de las letras y las humanidades. En la carrera, durante los estudios de periodismo, esa inquietud se disparó. Entonces ya todo vino encadenado: la carrera, el máster de Estudios Literarios… hasta hoy, en mi trabajo como periodista cultural del Diario Información de Alicante en una tarea que compagino con la realización de mi tesis doctoral sobre Azorín.

P. Y de ahí, al periodismo cultural…

R. Uno no encuentra la vocación de la noche a la mañana. Esto es un proceso de maduración, que va poco a poco. De hecho, recuerdo que el primer día que llegué a la redacción del Diario Información junto a todos los becarios, me acerqué al despacho del director (por entonces, el cargo lo ocupaba Francisco Esquivel) y estuve toda la tarde hablando sobre cultura con él y cuando llegó el momento de asignarnos sección, me dijo: «Juanjo Payá, usted a deportes». Me llamó la atención, pero mi sorpresa fue mayúscula cuando vi que deportes tiene mucho de cultura en lo que se refiere a redacción periodística. Tiene ciertos aires literarios. Ahí fue donde descubrí a lo que me quería dedicar, hasta que finalmente di el salto a la sección cultural. Había cumplido un sueño.

P. Desde pequeño, ha crecido muy ligado a Azorín… Además del aspecto personal que le une a él, ¿qué más le motivó a centrar su trabajo de fin de máster y su tesis en él?

R. Para mí, hay dos «azorines». El Azorín periodista; el Azorín escritor. Aunque él siempre se consideró periodista. De hecho, él era un joven de provincias que quería ser periodista y se marchó a Madrid para hacerse un hueco entre los periódicos más importantes de la época, como El Imparcial. Y lo consiguió.

Por otro lado, me fascina la originalidad en la redacción de Azorín. Fue original, renovador y revolucionario en su estilo periodístico. Es más, se adelantó al «Nuevo Periodismo» de Tom Wolfe con rasgos como la combinación de la primera y tercera persona en la escritura; la descripción minuciosa de la escena; su lenguaje preciso… Azorín fue un visionario en la manera de entender el oficio periodístico en sus crónicas políticas, de viajes, culturales o de costumbres. Fue un periodista universal, prolífico, que trabajó tantos y tantos temas que solo merece mi admiración y la de otros muchos.

P. ¿Considera que la figura periodística de Azorín es lo suficientemente reconocida por la sociedad?

R. Por desgracia, no. Mucha gente vincula a Azorín con la dictadura de Franco. Pero se desconoce que, al final de nuestra Guerra Civil, Azorín regresa a cambio de un silencio. Fue su precio. También se desconoce las cartas que remitía al dictador para permitir el regreso de los republicanos exiliados y el cese de los fusilamientos… No soy un experto en este campo azoriniano, pero Azorín, pese a lo que digan sus detractores, se mojó y se volcó por quienes sufrían.

Por otro lado, no se le reconoce todo lo que hizo en el apartado periodístico. Él, por ejemplo, cuando escribe La ruta de Don Quijote, que son una serie de crónicas que le encargan en El Imparcial, recorre los pueblos de la Mancha por los que se supone que pasó Don Quijote y entrevistaba a sus gentes y habitantes. Y lo más curioso es que las propias personas que vivían allí en 1905, veían a Don Quijote, a pesar de ser un personaje ficticio. Es una maravillosa narrativa periodística que nos traslada a aquel tiempo.

P. ¿Hay algún periodista contemporáneo que se parezca, narrativamente, a Azorín?

R. Lo que suelo decir es que si cogiera ahora mismo un periódico nacional y me pusiera a leer artículos, estoy seguro que más de uno se ha copiado o se ha dejado influir por él. Azorín marcó lo que es una forma de escribir y de entender el periodismo. De hecho, si lees alguna crónica suya, podrías identificarla hasta sin ver su firma. Eso es algo que me gusta de él y que intento trasladar a mi caso personal. La personalidad, la firma y huella, el estilo que aflora en los artículos, nuestra marca personal de periodista, es lo que nos distingue y diferencia de los demás.

P. ¿Cree que su estilo tiene algo de Azorín?

R. Sí, claro. ¡Aunque ojalá me pareciera una mínima parte a Azorín! Sí es cierto que la originalidad de Azorín, su estilo, su huella y marca personal de periodista… son lecciones que intento llevar a cabo en mi oficio periodístico.

P. ¿Qué es lo que más le llama la atención de Azorín?

R. Además de la originalidad y de esa manera que tuvo de crear el «Nuevo Periodismo», me llama mucho la atención la forma que tiene de rescatar los clásicos «olvidados» de nuestra literatura. Y que también, por cierto, trabaja en la prensa. Su deseo, su objetivo, era difundir también la literatura, y utiliza para ello el canal del periodismo, de los periódicos. Eso es también periodismo cultural. Difundir literatura, arte, música, cine… cultura… por medio de los periódicos.

P. Hablando de su tesis, ¿es ésta una ampliación de su Trabajo de Final de Máster?

R. Sí. En mi TFM trabajé el periodo azoriniano de 1904–1905, cuando Azorín escribe para El Imparcial. Una época en la que publica los artículos de La ruta de Don Quijote y, por otro lado, La Andalucía Trágica… unas crónicas de denuncia cuando Azorín viaje a Jerez y el campo andaluz y descubre a pueblos sin agua, cultivos y tierras que se mueren, enfermos sin médicos, padres, niños y ancianos pasando hambre… Todo eso lo vuelca en unas crónicas durísimas contra la clase política que chocan con los intereses de los propietarios de El Imparcial, lo que motiva su despido.

Tras este análisis, he decidido volver a los orígenes de Azorín para mi tesis. Los literarios y, también, los periodísticos. De ahí el campo principal de mi investigación, y donde cabe la esencia de un Azorín comprometido, de denuncia, original, renovador y revolucionario con su periodismo.

P. ¿Cuándo empezó a trabajar en el Diario Información?

R. Este verano del 2016, serán doce años en Información, que es el periódico referente en mi provincia. Hoy por hoy, y a diferencia de la época de Azorín, para trabajar en un buen medio y ganarse la vida no hace falta buscarse la vida en la capital. Comencé mi carrera en Información en la sección de Deportes, donde aprendí mucho (primero con Vicente Crespo como jefe, después con Toni Cabot). Pero mi verdadero camino siempre fue el periodismo cultural, de hecho siempre que podía, intentaba colaborar con ellos, con algún artículo o alguna crítica literaria. Así estuve hasta que un año el director me llamó y me comentó que necesitaba a alguien en cultura, y que contaba conmigo porque le gustaba mi perfil. Y ya han pasado diez años desde entonces.

P. ¿Por qué cree que la sección de Deportes bebe también de la de Cultura?

R. Cuando me dijeron que comenzaría en la sección de Deportes, lo primero que hice fue empaparme de lo que se estaba haciendo. Me dedicaba a leer las crónicas de Santiago Segurol, que trabajaba en El País, para informarme. José Sámano, Orfeo Suárez… periodistas que aportan un toque musical, y muy literario, a sus textos deportivos. Descubrí entonces una manera de indagar en estas crónicas y de atrapar al lector. Todo muy fácil, tiempo después, para trasladar al periodismo cultural.

P. ¿Qué tiene la cultura que no tenga otra sección de cualquier periódico?

R. Es una pregunta difícil. Siempre tuve claro que quería una profesión que me llenara y me enriqueciera como persona. Y eso me lo ha dado la cultura. Es cierto que a veces el ejercicio de la profesión nos ciega y nos estresa, pero yo en el periodismo cultural he encontrado ese espacio que para mí es un bálsamo.

P. ¿En qué consiste su rutina diaria como periodista cultural?

R. Buscar temas. Un periodista cultural es todo lo bueno que sean sus reportajes. El periodismo no es copiar y pegar. En la sección de Cultura del Diario Información, dedicamos la primera, segunda y tercera página, sino más, a temas que buscamos los periodistas. Eso es algo que nos diferencia y distingue de los demás medios. Temas que hablan de lo que les preocupa o interesa a nuestros lectores, de Alicante y provincia.

Mi rutina, que no lo llamaría así, es buscar temas culturales. Escribo un día de videojuegos, otro de literatura, mañana de móviles, pasado de cómics, y puede que también de teatro, música, cine o lo que sea. La cultura ha evolucionado, ha sufrido un cambio radical, y se ha expandido en muchos otros campos especialmente influenciada por las nuevas tecnologías.

P. ¿Cómo se realiza la selección de temas culturales en el periódico?

R. Los temas los marca el redactor-jefe en coordinación con el resto del equipo. Se evita saturaciones de un mismo tema y se marca una planificación (ahí incide también la agenda mediática de esa semana). Aunque la previsión puede cambiar por un “última hora”. Los temas alicantinos y provinciales (nos debemos siempre a nuestros lectores) se combinan con los nacionales o internacionales que proceden de agencias como EFE o Europa Press (y que editamos los periodistas). (más…)

8 febrero 2016
María Menéndez-Ponte: «Soy muy Peter Pan»

«Hay que hablar de los problemas del día a día. Y la literatura tiene que servir como reflejo de este mundo»

A pesar de haber estudiado Derecho, las letras siempre han formado parte de la vida de María Menéndez-Ponte (La Coruña). «De hecho, la rareza mía fue estudiar Derecho». Carrera a la que posteriormente siguió la de Filología. De ahí pegó el salto a la escritura, a la que se dedicó profesionalmente tras el fallecimiento de su padre. Sus hijos siempre fueron esa inspiración necesaria para crear su literatura, principalmente infantil y juvenil. Y de esta manera, nacieron obras como «Nunca seré tu héroe», cuyo personaje principal tiene mucho de su hijo Álvaro.

Pregunta. ¿Qué le empujó a escribir literatura infantil y juvenil?

Respuesta. Yo creo que ya de por sí soy muy Peter Pan, para empezar. También me casé muy joven y mi primer hijo lo tuve con 20 años. Entonces yo creo que no llegué a salir del mundo infantil y juvenil. La verdad es que con mis cuatro hijos me pareció mágico, porque sus infancias las viví muy a fondo. Escribía siendo ellos pequeños y es que tenerlos, me hizo conectar con mi yo infantil, me hizo reencontrarme. Entonces comprendí que ese era mi mundo, aunque en sus inicios no pude dedicarle demasiado tiempo. Así que empecé en este mundo como un hobby, pero después decidí dar el salto profesionalmente tras el fallecimiento de mi padre. Comencé a escribir como una posesa y la escritura me sirvió como desahogo.

P. ¿Qué es más complicado, escribir literatura infantil o juvenil?

R. A mí no me parece una más complicada que la otra, ya que paso muy fácil del yo niño al yo joven. Me siento muy cómoda con los dos. Sí que es verdad que mis hijos tienen mucho que ver con mi literatura, porque empecé escribiendo literatura infantil cuando ellos eran pequeños y conforme crecían, me pasé a la juvenil. Ellos me han marcado los tiempos. De hecho, «Nunca seré tu héroe» lo escribí cuando mi segundo hijo, Álvaro, pegó el salto a la adolescencia. Ese libro además me sirvió mucho de autoayuda. La literatura te permite empatizar mucho con la gente.

P. Hablando de «Nunca seré tu héroe», ¿qué supuso publicar esa novela tan personal?

R. Para mí supuso mucho porque entre otras cosas, fue el detonante para las siguientes novelas. Me causó adicción a la literatura juvenil, además de hacerme cómplice de mi hijo, porque él se sentía reflejado totalmente con Andrés, el personaje principal del libro. Y como madre, «Nunca seré tu héroe» me sirvió de terapia. Las tramas son ficticias, pero el personaje sí que está basado en la vida real, en mi hijo Álvaro.

P. Luego llegó la segunda parte, «Héroe a mi pesar». ¿Qué significó para ti la continuación de la historia?

R. En realidad llegó después de 17 años. En cada encuentro, la gente me pedía que continuara con la historia de Andrés. Y yo respondía que era Andrés el que tenía que venir a buscarme. Un día vino, pero estaba escribiendo otras cosas y la fuerza con la que me llamó el personaje, despareció. Yo también tenía mis miedos, porque cuanto más tiempo pasa, más te despegas. Pero el ánimo de los chavales me empujaba a seguir con la segunda parte. Inesperadamente, Andrés vino para «darme el coñazo» y mantuvimos un intenso pulso, hasta que me senté y volví a escribir. En este caso, el refrán «No quieres caldo, pues toma tres tazas» me viene genial, porque de hecho, la tercera novela saldrá posiblemente el curso próximo.

P. Pupi es el personaje que más ha marcado tu trabajo. ¿Cómo nace?

R. Nació por un encargo que me hicieron en la editorial SM, ya que necesitaban un personaje para libros de texto dirigidos a niños de primero y segundo de primaria. Entre todas las peticiones que hicieron, eligieron finalmente el mío. En realidad, Pupi soy yo de pequeña. De hecho, yo me sentía un poco extraterrestre como él, porque pensaba que la cigüeña se había equivocado de planeta y me había dejado donde no era. El mundo de los adultos me parecía totalmente incoherente y lo veía todo de manera extraña. Además, como a Pupi, a mí me encantaban las aventuras, aunque las mías siempre acababan en castigo.

P. En tus novelas juveniles, tratas todo tipo de aspectos. En «Yo digo amor, tú dices sexo», hablas sobre sexo sin tapujos. ¿Hacen falta más obras de este tipo entre los adolescentes?

R. Fue una obra que cuando se escribió, no había nada de ese tipo. Siempre he sido un poco pionera en lo que se refiere a literatura juvenil. Sí que es cierto que esta novela me la pidieron en el momento en el que la escribí, es decir, fue más bien un encargo. Sirvió mucho, sobre todo en las clases que se daban sobre educación sexual. La novela va intercalando los relatos de la pareja, en cada capítulo hablaba uno: primero ella y luego él. Así conseguí confrontar los problemas y las preocupaciones de cada uno de ellos, que se basaban principalmente en la falta de comunicación. Mi hijo pequeño Diego y sus amigos me ayudaron mucho a la hora de escribir, porque estaban en bachillerato y yo necesitaba meterme un poco en la piel de los jóvenes actuales.

P. ¿Cómo surge «El cuerpo deshabitado»?

R. Esta novela fue una locura. Pienso que hay historias que parece que te las dicten y te salen solas, mientras que hay otras con las que te peleas constantemente. Pues ésta fue una con las que me peleé. Nació muy mal. Fue mi tercera novela escrita, aunque haya sido la última publicada. Cuando la escribí, cometí un error garrafal, que fue creerme que ya era escritora, cuando eso es imposible: nunca se es escritora, porque estamos continuamente aprendiendo. A esto hay que añadir que ésta fue una novela de «laboratorio», cuando debería haber salido de dentro, «de las tripas». Quería complicar la historia metiendo muchos personajes y haciendo difícil el lenguaje. Al final salió un engendro, aunque hasta el final una no se da cuenta de ello. Tras finalizarlo, el libro se fue al cajón y cuando lo retomé, encontré muchos fallos que corregí. Pero a pesar de rehacerla, seguía habiendo errores garrafales y la novela no acababa de convencerme. Al final, recurrí a una amiga mía que es guionista y escritora, le pasé el texto y me dijo algo que en el fondo sabia, pero no quería reconocer, que uno de los personajes de la novela no pegaba demasiado en la historia. Cuando me lo dijo, me di cuenta y «me lo cargué». Tras eso, la novela me encantó. La verdad es que esta me ha servido mucho como ejercicio literario.

P. ¿Hay muchas Aldaras actualmente?

R. Muchísimas, cada vez mas. Vivimos en un mundo en el que el físico nos lo quieren meter a capón. A los jóvenes, les están dando una realidad muy falsa. Pero claro, a esa edad, cuando no tienes todavía la personalidad hecha y estás llena de miedos y de complejos, te crees todo lo que te dicen. Todo esto hace que muchas chicas – y chicos- dejen de comer, por ejemplo. Al final todo eso se va contagiando de una a otra. Sin embargo, el tema alimentario no es el único problema que la novela trata. «El cuerpo deshabitado» habla de la falta de autoestima, ya que durante la adolescencia peleas continuamente con tu cuerpo. Del mismo modo, también se trata el conflicto continuo entre padres e hijos. Luego el tema de ser «vasalla» de aquellas a las que consideras amigas, lo que hace que se pierda la personalidad. Y por supuesto, el tema de las relaciones amorosas entre adolescentes y las confusiones que estas producen a esas edades.

P. ¿Cómo ha sido realizar el booktrailer del libro?

R. Fue muy bien, la verdad. Nos ha ayudado a grabarlo una amiga de mi hija. De hecho, se ofreció ella a grabar el booktrailer, porque le encantó el libro. Aunque sí que es cierto que fue muy difícil hacerlo, porque en un minuto o dos tienes que explicar la novela, para que la gente se haga una idea del argumento. Así y todo, queda todavía alguna cosa por hacer, hay que perfilar el booktrailer.

P. Principalmente escribe literatura infantil y juvenil, pero ¿tiene alguna adulta o le gustaría escribirla?

R. Yo siempre he pensado que tengo libros, que a pesar de ser juveniles, pueden ser leídos por adultos. «El cuerpo deshabitado» es un ejemplo de ello. Igual que mi novela «Si lo dicta el corazón», que está ambientada en la época de Jesucristo. Aunque el personaje central es un adolescente, la han leído muchos adultos. Me inventé la historia y le dediqué toda una novela al joven rico, que apenas nombran en la Biblia. En cuanto a escribir novela adulta, no lo descarto, quizás cuando yo misma salga de mi propia adolescencia. De momento, estoy muy cómoda escribiendo literatura infantil y juvenil, porque conecto muy bien con ellos.

1 febrero 2016
El trabajo autobiográfico de Digo Detroit
El año 2012 fue clave para el nacimiento de la banda barcelonesa «Digo Detroit». Felipe Cedeño (voz, guitarras y sintes), Pilar Rodríguez (voz y sintes), Javier Areste (bajo) y Jordi Vergara (batería y percusiones) son los componentes de este grupo, que surgió tras la disolución del proyecto «Sweater». Un año después de publicar su disco debut «Reflejos», regresan a los escenarios con el EP, «Ascendente».

Pregunta. ¿Cómo nace Digo Detroit?

Felipe. Después de varios años en Sweater y por su disolución por inquietudes, me apetecía hacer algo diferente. Tenía claro que quería un dueto para las voces y buscar un sonido más nostálgico y actual a la vez, así que empecé a buscar a los mejores músicos que conocía para ver si les apetecía ser parte de este proyecto.

Con Javi (bajo) ya había tocado varios años y Jordi (batería), que había tocado con Javi en otros grupos, se unió rápidamente. La última en aterrizar fue Pilar (voz y teclados), con la que estamos muy en sintonía y con quien fue muy fácil compenetrarnos.

P. ¿De dónde viene ese nombre?

F. La verdad es que el nombre del grupo fue una decisión muy difícil, los mejores nombres ya están cogidos así que buscar uno no fue fácil. Al final las soluciones se presentan solas. Mientras estaba sentado en un bar de Barcelona tomando un café, en el grupo de Whatsapp iban escribiendo: «yo Digo…», otro «yo Digo…». Iban surgiendo varias opciones y justo delante de mi había un cartel de baseball de Detroit. Y finalmente salió «Digo Detroit».

P. ¿Cuáles son vuestras principales influencias?

F. Cada uno tiene los suyos, pero los Beatles, Radiohead, Portishead, Massive Attack y Unkle, están en la lista.

De los Beatles, destacamos las melodías, son brillantes y nosotros creemos que las melodías son cruciales para los temas. De Radiohead y Portis, su vanguardismo, su crudeza y su afán de evolución, además de su obsesión por un sonido único. De Massive Attack y Unkle, el ser unos grandes de la música electrónica y el trip hop han influenciado la atmósfera que buscamos, el tipo de clima que queremos crear con nuestros temas

¿Qué palabra o palabras identifican a Digo Detroit como banda?

F. Unión , experimentales , introspectivos , soñadores

P. ¿Qué estilo musical os definiría mejor?, ¿pop, rock alternativo?

F. Una fusión entre pop rock, música electrónica y trip hop/R&B con tintes del indie nacional.

P. ¿Qué importancia tienen las letras en vuestras canciones?

F. Las canciones del disco quieren trasmitir nuestro estado interior, lo que sentimos, lo que compartimos de una forma individual, pero siempre buscando llegar a quienes nos escuchan. Ellos son nuestro ascendente.

Las letras son importante porque giran en torno a sentimientos intensos, más concretamente, en torno al momento en que esos sentimientos crecen, ascienden en intensidad.

P. ¿Qué supuso vuestro álbum debut, «Reflejos»?

F. «Reflejos» fue el punto de partida, fue probar un nuevo proyecto y ver que era algo sólido, creíble. Nos dio la fuerza para creer en esto y poder evolucionar en nuestra música. «Reflejos» fue un disco concebido a base de recapitulación de temas que se habían ido haciendo en una etapa anterior, pero que no vieron la luz. Ahora con «Ascendente» hemos encontrado nuestro sonido y nuestro lugar.

P. Ahora habéis publicado el EP, «Ascendente», el cual habéis autoproducido. ¿Qué ventajas tiene la autoproducción?

F. Lo mejor de la autoproduccion es que controlas todo, desde el sonido, los tiempos de salida de un trabajo, con quién quieres trabajar a la hora de grabar o masterizar. Lo peor es la inversión económic,a pero no todo va ser perfecto. La verdad es que por ahora nos ha ido muy bien con esta fórmula.

Digo Detroit ASCENDENTE

P. ¿Qué hace diferente este trabajo del anterior, por ejemplo?

F. En cuanto al sonido, teníamos claro lo que queríamos: unas bases solidas y contundentes, que se mezclaran lo mejor posible con melodías indie pop y con un toque electrónico. La verdad es que llevábamos mucho tiempo queriendo hacer algo así y creemos que ahora es el momento.

P. ¿Hasta qué punto las canciones de «Ascendente» son autobiográficas?

F. Hasta el punto más objetivo. Todas la letras son autobiográficas de momentos que hemos vivido o padecido, y sinceramente cualquier persona se puede sentir identificada o al menos eso creemos. ¿Quién no ha querido a algo o alguien alguna vez?

P. ¿Cómo ha sido trabajar con Aleix Sans e Yves Roussel?

F. Un experiencia magnifica, sobre todo por el cariño que tienen y ponen en su trabajo. Entienden perfectamente hasta donde quieres llegar y qué quieres conseguir. Claramente si tuviéramos que repetir, contaríamos con ellos

P. ¿Cómo definiríais «Ascendente»?

F. «Ascendente» tiene muchas lecturas. Mientras trabajábamos en los temas, muchos nos transportaban, por su sonido a un lugar elevado. También las letras giraban en torno a sentimientos intensos, justo en el momento en que esos sentimientos crecen y ascienden en intensidad. Por otra parte, algunos riffs y sonidos de ascendente son de inspiración oriental, por lo que nos pareció que el título ascendente conectaba con esa referencia, pues tus ascendentes, según la filosofía oriental, marcan tu personalidad de forma intrínseca. Nos pareció que conectaba con el tono introspectivo el disco.

P. ¿Por qué ciudades tenéis pensado pasar con este nuevo trabajo?

F. Por ahora hemos hecho Barcelona y Madrid para presentar el nuevo trabajo. En el 2016, confirmaremos más fechas por España, que tenemos ya prácticamente cerradas. Con suerte también iremos a algún festival.

P. ¿Podéis hacer un ranking con las que consideráis que son las 5 mejores canciones?
- A day in Life, de The Beatles
- Paranoid Android, de Radiohead
- Unfinished Simpathy, de Massive Attack
- Smells Like Teen Spirit, de Nirvana
- La mirada de los 1000 metros, de Standstill.
4 diciembre 2015
Dimensions of dialogue, de Lucía Scansetti

Ya desde pequeña Lucía Scansetti apuntaba maneras. Desde que descubriera la música siendo tan solo una niña, su futuro en ella se veía cada vez más claro. Su nombre empezó a sonar en este mundo hace unos años, y ya ha publicado ya tres singles. Ahora, está en pleno proceso de presentación de su nuevo trabajo, Dimensions of dialogue.

Pregunta. ¿En qué momento comenzó tu relación con la música?

Respuesta. El día en el que metieron un piano en mi casa mientras dormía y culparon a Papá Noel de todo el asunto.

P. ¿Cuáles son tus principales influencias musicales?

R. La música que escucho me influye más a nivel de producción que de composición, algunas de las referencias que tuvimos en cuenta a la hora de terminar «Dimensions of Dialogue» fueron: Alt-J, Sparklehorse, Beck o Beth Gibbons

P. ¿Cuánto tiene tu música de estas influencias?, ¿cuánto tiene de Lucía?

R. De Lucía tienen la parte no consciente, que es la mayor parte, y la historia a la que hace referencia.

P. Te han llegado a comparar con M.I.A o Lorde. ¿Qué piensas al respecto?

R. De las comparaciones, en general, que deben ser fruto de un instinto humano de buscar un rastro de lo ya conocido en lo que se acaba de conocer para comprenderlo sin esforzarse demasiado. No me molesta que me comparen con nadie, a veces hasta descubro artistas a los que no había llegado aún, como Soledad Vélez.

Con M.I.A y Lorde concretamente, no soy capaz de encontrarme ningún parecido, aunque me concentre mucho y pase diez días de retiro espiritual para dar con la energía común a todos los seres vivos, pero me gustan las dos.

P. «Cuando parece que estoy a punto de sentir algo, hago una canción y se me pasa» pones en tu bio de Twitter. ¿Una manera de canalizar tus sentimientos?

R. Sí, es como tomar una instantánea de un sentimiento justo antes de que desaparezca. No suelo escribir sobre cosas que me ocurren en el momento, esas las dejo fluir hasta que me da la sensación de que van a mutar en algo muy distinto. Justo entonces escribo sobre ellas para no olvidarme de lo que eran antes del cambio.

P. ¿Cómo fue actuar en el BIME City de Bilbao?

R. Actué dos veces, en una sala muy bonita al lado del río, y en los showcases programados por BIME Pro. Este concierto fue algo peculiar porque lo hicimos en la antesala de las conferencias, era un espacio diáfano con todas las luces encendidas, a plena luz del día, con la gente paseando de un lado a otro y parando a grabar vídeos para luego continuar su marcha como con mucha prisa. Uno de esos conciertos incómodos que hay que defender muy bien por quien pueda estar mirando. Me lo pasé mejor en el primero, pero me hace cosquillas sentirme un poco fuera de lugar, así que el segundo también fue interesante.

P. Tu primer EP salió adelante gracias al crowdfunding. ¿Cómo fue esta experiencia?, ¿esperabas tales resultados?

R. Antes de abrir la campaña, hicimos un pequeño estudio valorando la reacción de mis seguidores a la actividad en redes sociales durante un par de meses, la respuesta a fragmentos de canciones que iban a formar parte del disco, y calculamos aproximadamente cuál podría ser la implicación económica media, para poder fijar un objetivo realista que nos permitiese cubrir el presupuesto estimado de la grabación y producción del disco. Al final recaudamos un poquito más de lo esperado, pero cuando mides todo tan al milímetro, al final no te sorprende cumplir con los primeros objetivos porque estás planeando tantas cosas que lo das por sentado. Así somos. A lo mejor no me llevé la sorpresa de mi vida al lograrlo, pero desde ese momento, aún no ha dejado de sorprenderme el agradecimiento que me puede caber en el cuerpo.

P. ¿Qué ventajas e inconvenientes ha tenido este proceso?

R. El inconveniente: no contar con el apoyo económico y la infraestructura de una discográfica. La ventaja: no tener que rendir cuentas a una discográfica. No quiero decir que ser independiente tenga mayor mérito (aunque lo crea), quiero decir que por mi forma de ser y de trabajar, no quería dejar mi primer disco en manos de alguien que no lo tratase con el mismo cuidado que yo. La financiación del proyecto por parte de las personas que ya estaban creyendo en él por lo que es ahora y no por el número de reproducciones que puede llegar a tener en radio dentro de unos años, me da mayor sensación de cercanía. Y yo tengo el defecto de desconfiar de todo lo que veo lejos. Hay defectos que te salvan la vida.

P. ¿Cómo nace «Dimensions of dialogue»?

R. «Dimensions of Dialogue» es un registro de las conversaciones que se han desarrollado en mi cabeza a raíz de cosas que no he dicho cuando debía haberlo hecho. No las compuse con la idea de recogerlas en un EP, porque me he acostumbrado a ir sumando temas a mi repertorio en directo a medida que los componía, sin tener que hacer una criba estricta. Pero cuando surgió la idea de entrar en el estudio, llegó el momento de escoger 7 de 40, y quise que las elegidas estuviesen unidas por un concepto común, aunque no perteneciesen a la misma época ni hablasen de lo mismo. Las puse todas encima de la mesa, y se conectaron solas.

P. ¿Cuánto tiempo te llevó preparar las canciones, grabar y publicar este trabajo?

R. La primera canción del disco la compuse hace dos años (Elvis). Desde entonces, he ido recopilando lo que he escrito y llevado al directo, así que casi todas las canciones estaban ya muy rodadas. El disco lo grabamos en una semana; ha sido todo el trabajo posterior lo que ha alargado el proceso: la fabricación, los envíos, la distribución…

P. ¿Qué supone haberlo publicado?

R. Para mí es como tener un hijo que no llora ni se mancha al comer potitos.

P. ¿Cómo definirlo en dos o tres palabras?

R. Yo lo definiría con una palabra aleatoria y su contraria, cualquier cosa con dos extremos que se anulen mutuamente. Pero a ver cómo explicas eso.

P. ¿Cómo fue presentarlo en Radio 3?, ¿y en Honky Tonk?

R. En Radio3 estaba muy nerviosa, me suele pasar cuando hay cámaras grabando, pero quedó bonito. El concierto de la Honky fue mi favorito hasta la fecha, uno de esos bolos redondos de los que al final sólo acabas recordando que perdiste un tacón.

P. ¿Tienes gira ya preparada para presentar este nuevo disco en España?

R. Aún no, pero en cuanto cerremos fechas irán directas a mis redes sociales, siempre hay que estar atento.

P. ¿Presentarás «Dimensions of dialogue» fuera del país?

R. «Dimensions of dialogue» nació aquí para crecer fuera, es un joven de Erasmus.

P. ¿Podrías hacer un ránking con las canciones que más te hayan marcado profesional y/o personalmente?

R. Profesionalmente: «Iron», de Woodkid. Fue la canción que hizo que metiese las narices en la producción.

Personalmente: «Weights and Measures», de Dry the river.

De la infancia: «Total Eclipse of the Heart», de Bonnie Tyler. No sé por qué me llaman hortera cuando digo esto, pero era mi canción favorita en la época de Andy y Lucas y estoy orgullosa. También «Gypsy», de Suzanne Vega, porque me la ponía mi padre todo el rato.

Mía: «Captain Hook» era un descarte absoluto, la retomé cuando fui a México el año pasado, la toqué en directo con los chicos de Big Big Love y desde entonces creo en las segundas oportunidades. En realidad no, pero esta canción me gusta.

https://www.youtube.com/watch?v=waYzHTuOwNs

25 noviembre 2015
Origen, lo nuevo de Bye Bye Lullaby

Era el año 2011 cuando Bye Bye Lullaby nacía en California. Aunque no fue hasta 2012 cuando Esther Valverde y Dani H. Serrano sacaron su trabajo, California. Después de varios años tocando en acústico, era el momento de «empezar de cero y componiendo nuevos temas». Tiempo después, con la llegada de Origen, se unieron a la banda Javi Amado y Gorka Ruiz.

De esta manera, Bye Bye Lullaby ha crecido como banda dentro del género folk-rock. Y entre sus principales influencias, The Beatles, JJ Cale, Calexico, The Kinks, Miles Davis, The Rolling Stones, Guns and Roses o The Doors, entre otros.

Foto: Gus Alves

Pregunta. ¿Qué tiene el folk – rock?

Esther y Dani. Es un género en el que nos movemos cómodamente. Además, es el punto común de los estilos musicales de los miembros de la banda.

P. ¿Cómo fue trabajar con Gloria Hernández Serrano, ilustradora de vuestro disco California?

E y D. Fue una gozada, con Gloria hicimos numerosas reuniones donde nos hacía reflexionar sobre el significado de las letras y sobre las emociones que teníamos al componer los temas, para poder empezar ella a trabajar con conceptos abstractos y hacer los primeros bocetos de las ilustraciones. Estamos encantados tanto con el resultado como con su modo de trabajar el diseño de los dos discos, de hecho gracias a estas reuniones salió la letra del tema Origen.

P. ¿Qué significa para vosotros Origen?

E y D. Significa sobre todo satisfacción, alegría y complicidad, pues además en este disco nos hemos juntado no sólo con dos musicazos, sino también amigos de toda la vida: Gorka y Javi Amado. Lo definiríamos como un disco «fresco, directo y potente».

P. De los trabajos que habéis publicado hasta el momento, ¿cuál ha sido el más importante para vosotros?

E y D. Todos son siempre importantes, son muchas y variadas las emociones que se viven y plasman en las composiciones. El primero fue una ensoñación más intimista, este segundo es de trazo limpio y extrovertido, y más enérgico.

Foto: Gus Alves

P. ¿Qué supuso ganar el Premio Talento Ribera del Sonorama?

E y D. Un placer enorme, un pase para poder tocar en este genial festival y esperamos que también haya contribuido a dar más empuje a Bye Bye Lullaby. Lo pasamos de miedo en el Sonorama y el concierto fue una pasada. A mayores, y gracias a la gente de Ribera del Duero, hemos tenido más difusión y también nos llevaron recientemente a actuar en un ciclo de la Seminci.

P. ¿Cómo vivisteis que vuestro trabajo fuera Top Circular, la semana del 27 de abril en el programa Corrientes Circulares (Cadena Ser)?

E y D. Fue toda una sorpresa, el disco había visto la luz hacía escasas 2 semanas. Desde aquí queremos dar las gracias tanto a Corrientes Circulares como a todos nuestros seguidores, que con sus votos hicieron posible este primer reconocimiento.

Foto: Gus Alves

P. ¿Qué ha supuesto actuar en Radio 3?

E y D. Hemos crecido escuchando Radio 3, nos parece un auténtico lujo formar parte de su historia sonora.

P. ¿Qué cinco canciones de la historia os han marcado como artistas?

E y D. Sultans of Swing, de Dire Straits; Welcome to the jungle, de Guns and Roses; Sing, sing, sing, de Benny Goodman; Grace, de Jeff Buckley; One for my baby (and one more for the road), cantada por Billie Holiday.

5 noviembre 2015
Folk – rock con Stormy Mondays

Jorge Otero, Pablo Bertrand, Dani Menéndez, Danny Montgomery y Rafa Sánchez empezaron en el mundo de la música hace muchos años, «tantos que ya ni me acuerdo», asegura Otero. Durante todo este tiempo, han pasado muchos miembros por Stormy Mondays y como cualquier banda, los primeros conciertos los dieron en la calle hasta que «alzaron el vuelo».

Pregunta. ¿Qué tiene el folk – rock?

Jorge Otero. ¡Estamos intentando averiguarlo con estos discos! Creo que es interesante la mezcla de instrumentos más antiguos con instrumentos eléctricos, y también que la música tenga raíces. En nuestro caso, bebemos del folk de ambos lados del Atlántico, y siempre se filtra algo de nuestra tierra, Asturias.

P. ¿Cómo definiríais vuestra carrera después de tantos años y 14 discos?

J.O. Somos una banda de rock, que ahora mismo está metida en una aventura folk. Somos independientes y hacemos lo que nos gusta.

P. Pioneros en la distribución por internet, ¿cómo fueron los inicios a través de esta plataforma?

J.O. Tenemos una web desde el ’96, y lo primero que hicimos fue intentar averiguar cómo hacer que nuestras canciones sonaran en la Red. Hemos utilizado todos los formatos de audio online que existen, y vivimos la revolución del mp3 en primera persona.

P. Habéis actuado junto a Slash y Bruce Springsteen. ¿Cómo fueron ambas experiencias?

J.O. Muy distintas. Slash se subió a tocar a nuestro escenario en plenas fiestas de San Mateo en Oviedo, teníamos 17 años. Fue una experiencia totalmente increíble, veinte minutos que parecieron veinte segundos. Con Bruce Springsteen compartí escenario en New Jersey, en el festival Light Of Day para la lucha contra el Parkinson. Me invitó a tocar Joe Grushecky, y nunca olvidaré el codazo que me dio para empujarme al centro del escenario y cantar con Bruce en el mismo micrófono.

P. ¿Qué supone haber sido los únicos españoles en el festival Woodstock ’99?

J.O. En su momento fue una auténtica hazaña, de hecho nos lo sigue pareciendo. Gracias a tener nuestra música en las principales webs dedicadas a la difusión de canciones en mp3, nos eligieron para tocar en el festival. Paradójicamente, nuestro disco apenas se podían comprar fuera de Asturias.

P. ¿Cómo fue ganar el concurso que ganasteis de la NASA?

J.O. Aquí el mérito no es solo nuestro. Es cierto que de 1.350 canciones, la NASA eligió 10, entre ellas la nuestra. Pero nunca hubiéramos ganado sino llega a ser por el apoyo que muchos miles de personas nos dieron en la votación popular. Siempre nos ha gustado la carrera espacial, y ahora formamos parte de ella. Además, gracias a eso salió una pregunta sobre nosotros en Saber y ganar, ¡y eso es otro orgullo!

P. ¿Qué significa para vosotros: Wading The River y The Lay of The Land?

J.O. Son dos discos en uno. Los hemos editado en forma de EP doble porque así los concebimos, eran dos discos separados que acabaron convergiendo. En uno ampliamos nuestro sonido rock de siempre, en otro nos lanzamos por la senda del folk-rock. Forman un conjunto de gran fuerza.

P. ¿Cómo fue la producción de este nuevo trabajo?

J.O. Muy elaborada. Comenzamos en los estudios ACME, nuestro habitual cuartel general de operaciones, con la banda en directo. Fuimos terminando el disco poco a poco en nuestro propio estudio. Y finalmente, Mike Stavrou mezcló las canciones en Australia. Stav fue ingeniero de los estudios AIR de George Martin, y trabajar con él ha sido un auténtico privilegio.

P. ¿Qué ha supuesto publicarlo?, ¿cómo ha ido la presentación del nuevo disco?

J.O. Sobre todo ha supuesto un gran descanso, porque casi ni nos habíamos dado cuenta de que llevamos un año y medio trabajando en el disco. Estamos ahora mismo a punto de presentarlo en directo en Gijón, Barcelona, Madrid y Bilbao. En mayo ya hicimos un preestreno con un single de adelanto, y la acogida fue excepcional.

P.¿Podríais definirlo en dos o tres palabras?

J.O. Un gran disco.

P.Kepa Junkera ha colaborado con vosotros en este nuevo trabajo. ¿Cómo fue trabajar con él?

J.O. Hace años que toca con nosotros el multiinstrumentista Héctor Braga, un auténtico maestro del folk, y gracias a él entramos en contacto con Kepa. Nos gustó mucho que ni se lo pensó un segundo a la hora de dar el sí, y eso que le mandamos la canción más rock del disco, ¡y en la peor tonalidad posible para la trikitixa! Hizo un trabajo excelente.

Recomendaciones de Jorge Otero

Like A Rolling Stone (Bob Dylan)
Thunder Road (Bruce Springsteen)
In The Garden (Van Morrison)
Round Here (Counting Crows)
Be My Downfall (Del Amitri)

https://www.youtube.com/watch?v=7HTBk4XDxj0&list=PLfCxHZ8AdBsPxkTcvTR45EHlDUKs48m0T

16 septiembre 2015
#ViejoMusical

Salamanca, la fiesta de despedida del bar «Viejo Musical», lugar en el que Juanmi y Antúnez se reunían con sus amigos. Este acontecimiento marcó el inicio de la banda homónima. Hoy, son siete componentes los que forman este grupo de profesionales, curtidos en la producción y composición. Juanan, César, Iván, Julio y Borja acompañan a Juanmi y Antúnez en esta travesía.

Pregunta. ¿Cómo nace Viejo Musical?, ¿por qué ese nombre?

Antúnez. Pues siguiendo con el símil, te diría que se concibió en Salamanca, en la fiesta de despedida del bar al que siempre íbamos el grupo de amigos: Viejo Musical. Ese día sonó el primer tema (Para que digas tú) pero el grupo no vió la luz hasta que, años más tarde y después de un largo período de gestación, nos juntamos Juanmi y yo una noche de vinos y guitarras en Coslada, en su casa, y decidimos empezar a trabajar juntos a partir de algunos retales musicales que ambos teníamos hechos. Podemos decir que Viejo Musical nació de dos acordes mal puestos.

P. ¿Qué estilo definiría mejor a Viejo Musical?

Juanmi. En nuestro repertorio se pueden encontrar referencias a muchos estilos: funk, latin, swing, tango, ska, etc. Por eso decidimos usar la denominación #NoTags, porque no fuimos capaces de poner una etiqueta a nuestro proyecto.

P. ¿La expresión #NoTags‬, que habéis estado utilizando, es símbolo de que no os gustan las etiquetas?, ¿o solo la utilizasteis de manera aislada?

Juanmi. No es que no nos gusten las etiquetas, entendemos que son necesarias para que la gente pueda llegar a tu música. El problema es que nos gustan muchos estilos y en nuestras composiciones jugamos con ellos sin ningún tipo de complejo. Por eso cuando nos preguntan ¿Qué tipo de música hacéis? decimos: bueno, pues depende del tema.

Antúnez. Exacto. Siempre es una crítica común a muchos grupos ese “todos los temas suenan igual” y pretendemos que, aún manteniendo un sonido común y una personalidad que defina nuestro estilo, podamos hacer que todos nuestros temas sean realmente distintos unos de otros.

P. ¿Cuál es ese «raro don» que tiene Juan Antúnez como vocalista?

Juanmi. No sabría definir el “raro don”, pero a mí lo que siempre me ha fascinado de Antúnez es la fuerza, la firmeza y la determinación que transmite en cada verso que canta. Tanto su timbre de voz como su modo de interpretar son especiales, no lo has escuchado antes y eso es lo que hace que un repertorio de estilos tan diversos tenga sentido, la voz de Antúnez es la columna vertebral de Viejo Musical.

P. ¿Qué os caracteriza como grupo?

Antúnez. Supongo que el directo. Siempre componemos y trabajamos con una máxima en mente: “El directo tiene que tener algo especial”. Pretendemos que nuestras puestas en escena sean actuaciones en el sentido más literal de la palabra. Para esto no hace falta pintarse en plan KISS pero si adoptar en directo un rol que nos permita crear en el escenario un ambiente divertido que se transmita al público.

P. ¿No es complicado coordinarse, sobre todo a la hora de componer, siendo siete miembros?

Antúnez. La composición es un tema un poco anárquico porque no tenemos una manera metódica de trabajar. Hay temas que surgen de una letra ya completa y sobre ella se monta la música y otros casos en los que es justamente al revés.

Juanmi. Cuando tenemos una idea más o menos clara la grabamos de forma sencilla, con guitarra y voz, y se lo enviamos al resto de la banda para que cada uno vaya creando su papel. Finalmente en el local de ensayo montamos el tema todos juntos.

P. ¿Qué reacciones causa Viejo Musical en el público?

Juanmi. Bueno, eso se lo tendríamos que preguntar al público (risas). La verdad es que cuando estoy sobre el escenario me gusta mucho mirar las caras de la gente, es el mejor feedback que podemos obtener. Esto ayuda a corregir estructuras, duración de determinadas partes, el orden de los temas, etc. Y hace que el espectáculo vaya mejorando concierto a concierto.

Antúnez. Para mí es muy importante mirar a la gente en las actuaciones y ver cómo se van transformando sus caras. Al principio suele haber expresiones de expectación y escepticismo pero se suelen convertir en caras de diversión. Esa es la gran recompensa que buscamos.

P. A modo de ubicación: ¿cuántos trabajos habéis editado?

Juanmi. Por el momento solo hemos grabado la maqueta que tenemos publicada en la web. Tenemos pensado entrar en estudio a corto plazo para grabar nuestro primer álbum, pero queremos asegurarnos de que los temas están bien rodados en directo para plasmar ese carácter de música viva en la grabación.

RECOMENDACIONES

«All along the watchtower», la versión de Jimmy Hendrix

«Demasiado Corazón», de Willy De Ville

«A mis abuelos», de Arturo Sandoval

«Black Celebration», de Depeche Mode

«The End», de The Doors

13 junio 2015
Sentir «Vértigo» con la poesía

Cada persona tiene su propio mundo interior, que no siempre sabe expresar con palabras. Poder hacerlo, y más desde la poesía, puede que sea una de las mejores sensaciones que existan. Hasta las personas más tímidas pueden hacerlo. De hecho, sobre todo ellas. Y es que la sensibilidad va por dentro. «Vértigo» recoge ese mundo interno de su autora, Jennifer Gómez.

Pregunta. ¿Cuándo empezaste a escribir poesía?

Respuesta. Empecé a escribir hace unos siete años, pero hacía más prosa que otra cosa. Y hace dos años descubrí la poesía moderna, gracias a Carlos Salem y Marwan, que es cantante. Me gustó y a partir de entonces, comencé a encaminar mis escritos hacia la poesía.

P. ¿Qué te motivó a publicar tus poemas?

R. Realmente es más una locura que motivación, porque yo siempre he sido una persona muy reservada. Hay mucha gente que sabía que escribía poesía, pero nadie, a excepción de una amiga, me ha leído nunca. Y una noche de insomnio, me puse a transcribir todo lo que tenía y empecé a buscar editoriales para jóvenes. Di con Pentian, porque me acordé de que un chico al que entrevisté había publicado su primer libro con esa editorial. Y mandé el proyecto.

P. ¿Cómo fue el proceso desde que enviaste la obra hasta que te dieron el visto bueno?

R. Primero tienes que registrarte en la página como autor y mandar tu trabajo. Suelen tardar unas tres semanas en responderte, ya que en los primeros siete días valoran el contenido y si les gusta se ponen a hacer la portada. Entonces es cuando se ponen en contacto contigo para decirte que han aceptado el proyecto, y que empiezas con la campaña de crowdfunding. Si no les gusta, a la semana sí que te contestan y te dicen que no es lo que buscan.

P. ¿Qué hay de la portada?

R. La portada la hacen los de Pentian. Al subir el proyecto, pensé que yo sí que podía diseñarla y me puse en contacto con la ilustradora Clara Luna Igelmo, a la que le di unas pautas. Cuando iba a enseñarme los bocetos, desde la editorial me dijeron que ellos se encargaban de la portada, y que si no me gustaba me darían otra opción. De todos modos, la portada actual no será la defintiva, porque quiero que la portada lleve tildes y que tenga otro tipo de diseño más minimalista, con alguna ilustración o dibujo, más que con una fotografía.

P. ¿Por qué «Vértigo»?

R. Porque «Vértigo» es mi palabra favorita. Aparte de la concepción personal que tengo de ella. Tal como explico en uno de los poemas, la definición de la RAE no tiene ningún sentido, porque para mí vértigo es otra cosa.

P. Para acabar, define «Vértigo».

R. Es más una sensación que se produce dentro de nosotros cuando estallas de alegría o cuando te encuentras con una persona que llevas tiempo sin ver, por ejemplo. A mí me produce más vértigo eso, que asomarme a un décimo piso.

La RAE define al «vértigo»
como:
sensación de inseguridad y miedo a precipitarse desde una altura
o a que pueda precipitarse otra persona.

Dime cómo les explico
a todos esos académicos
que el verdadero vértigo
es el que siento yo al verte;

y que la única inseguridad que existe
es la de no saber
cómo decirte que te quiero.

[…]
Y por favor que no hablen de precipicios
si no saben lo que es correr
para no llegar nunca tarde
y que, sin embargo,
todavía no te haya alcanzado a tiempo.
[…]

Campaña crowdfunding de «Vértigo»

2 junio 2015
La música de Maleso

Jerez de la Frontera fue la ciudad que lo vio nacer y allí es donde Maleso empezó a actuar con tan solo 15 años. Sin embargo, fue Sevilla la tierra en la que el artista creció musicalmente. Tiernos Mancebos y Las Balas fueron las bandas que marcaron el inicio en solitario de Maleso.

Pregunta. ¿Cómo nace Maleso?, ¿por qué ese nombre?

Respuesta. Durante gran parte de los 90 y hasta prácticamente el 2007-2008 fui perdiendo el interés por componer canciones. Veía que lo único que funcionaba eran los grupos de versiones y no parecía que mis temas pudieran interesar a nadie. Con el auge de internet y las facilidades que da la informática da para tener un estudio en tu casa, comencé a grabar algunas canciones que tenía y, cuando vi que juntaba 12, pensé en publicarlas en solitario en internet. Mi propio nombre, Martín León, ya lo usa un cantante canadiense, así que se me ocurrió Maleso, juntando las dos primeras letras de mi nombre y apellidos.

P. ¿Qué estilo te define como artista?

R. Yo no sabría definirme. Me gustan muchos tipos de música y me atrevo con demasiados de ellos. Cuando empecé con Maleso tendía más al pop, a sonidos de los 60 (Beatles, Beach Boys) y de los 80 españoles. Se fueron introduciendo algunos ramalazos de country y mi tercer disco (Sabor campestre y del Oeste Americano) fue un paréntesis exclusivamente country. También han aparecido en mi música tanto rock, como sonidos más acústicos. En mi disco anterior «No es Maleso», la cosa se desmadró aún más y había foxtrot, bossa nova, pseudo copla y hasta una sevillana. Para este último que presento (Adiós para siempre, nos vemos mañana) he recogido un poco velas y está más centrado en pop y estilos adyacentes. Como musicalmente hay muchas influencias, quizás sean las letras las que le dan a lo que hago el sabor Maleso.

P. Gustándote el soul, ¿no te has planteado explorar este género?

R. Sí, claro, tengo mi banda de soul (Soul Mama), con la que solemos hacer versiones de clásicos. También he compuesto algunas canciones souleras, lo que ocurre es que la voz no me da para un estilo tan exigente, así que con Maleso no lo practico.

P. Siete LPs autograbados, autoeditados y auto promocionados. ¿Por qué hacerlo todo uno mismo?, ¿qué ventajas e inconvenientes tiene ser independiente en este sentido?

R. La verdad es que lo hago casi todo yo porque no tengo quien esté interesado en mover mi historia, que no cuadra con los canales comerciales. De todos modos, la tendencia es cada vez más a que los propios músicos se tengan que encargar de todo. Esto es bueno porque el producto final es responsabilidad tuya y tu eres quien decide, y malo porque te obliga a saber de todo y a dedicar una cantidad de energía notable a aspectos no estrictamente musicales. Yo tengo la suerte de contar con Priscila Gago para hacer los vídeos, eso me ha salvado de retirarme por agotamiento. Hay días que querría tener una casa de discos que se encargara de la promoción, como ocurría antes, y otros en los que recuerdo lo frustrante que era no tener control sobre tu obra.

P. En tu último trabajo, hay críticas al sistema judicial, al ferroviario, también hablas del amor. ¿Qué importancia tiene la crítica para ti?

R. Mis dos primeros discos eran muy centrados en las relaciones personales y esas cosas. Ya a partir del tercero, la situación que vivimos empezó a infiltrarse en las canciones y aparecieron «canciones-protesta» como «Candado en el contenedor», «Canción protesta nº 625» o «Pajaritos cabreados». . Para este último disco he recopilado ocho canciones de desamor. Los ramalazos críticos que has detectados creo que son más una autoburla que otra cosa. Me he permitido, con el permiso de la realidad, darle unas vacaciones a la canción protesta y mirarme el ombligo un rato.

P. ¿Puede la música cambiar la situación actual?

R. La música, efectivamente, puede cambiar las cosas a mejor. En este tiempo en el que todas las certezas van cayendo y no hay esperanza que no sufra una traición, la música te da un refugio de verdad y belleza que no depende del paso del tiempo. El reto que tenemos los músicos es hacer música que no solo sea de calidad sino que además le llegue a la gente y sea capaz de sacarla de la comodidad y enseñarle un mundo que no conoce. Esto ocurrió en los 60 en Estados Unidos con la Motown, por ejemplo.

P. ¿Por qué tu LP es un hallazgo?

R. Estoy particularmente feliz con este disco. Es el primero que hago con una temática definida y unitaria. En cierto modo cierra un ciclo musical y personal. Por otro lado, cualquiera puede identificarse con lo que cuentan las letras, que aún así van mucho mas allá de los clichés habituales. Musicalmente está muy trabajado pero buscando siempre la simplicidad en los arreglos.

P. ¿Por dónde pasarás para presentar tu nuevo trabajo?

R. No soy mucho de tocar en directo y tal como está la cosa en las salas no tengo en principio planes de tocar por ahí.

RECOMENDACIONES DE MALESO

Dock Of The Bay – Otis Redding. El ejemplo de que menos es más. Con una ejecución vocal e instrumental espartanas e impecables, un estilo inédito y el alma de una persona al alcance de tus oídos.

You’re the Top – Cole Porter. Es un poco todo lo contrario de la anterior: exhuberancia y desmadre en música y letra. La canción es tan inteligente que ha complido sus 80 años sin que le hayan salido patas de gallo.

Reir y llorar – Kiko Veneno. Muchas otras de Kiko Veneno podrían estar en esta lista pero desde que oí la frase «La Coca-Cola siempre es igual pero yo no, yo puedo cambiar» en mi cerebro se derrumbó la separación entre poesía y vida cotidiana.

Help – Lennon y McCartney. De lo primero que oí de los Beatles. La entrada de las voces, el arreglo de coros, la letra, el riff de guitarra, la voz solista de Lennon, imposible acertar más veces en dos minutos y dieciocho segundos

God Only Knows – Brian Wilson y Tony Asher. La canción se merece una entrevista entera para ella sola. Un objetivo a imitar que tiene el inconveniente de ser inimitable.

26 mayo 2015
Acierto y belleza en las obras de Miguel Balbás

PortobelloStreet.es es uno de los portales de decoración españoles. Y Miguel Balbás (Madrid) un artista que va más allá de los convencionalismos artísticos, y que recientemente se ha convertido en «partner» de esta empresa. Desde ahora, sus obras tendrán un hueco permanente en la web de PortobelloStreet. «Un acierto formal o el hallazgo de la belleza», recoge el blog del gigante de la decoración online.

Pregunta. ¿Cómo empezaste tu carrera artística?

Respuesta. Vengo de una familia de artistas de cuyo nombre no quiero acordarme. Balbás es mi apellido materno. Empecé a dibujar y pintarrajear desde que tengo conciencia de ello aunque era muy, muy pequeño.

P. ¿Qué estilo te define más como artista?

R. Le llamaría «neopop». Me encanta hacer obras bellas y decorativas, que conmuevan al espectador y que disfrute de la belleza de las mismas. Siempre en clave subjetiva, claro.

P. ¿Qué técnicas empleas para realizar tus obras?

R. Lo más normal es que dibuje las obras en papel, las escaneé y les dé color con el ordenador. ¡Si fuera a mano, no podría hacer ni una al mes!

P. ¿De qué manera se pueden aprovechar los materiales que hay alrededor para realizar tus obras?

R. Cuando me enfrento a un soporte no digital, aprovecho todo lo que veo en ese momento: mezclo materiales, los distorsiono con otros y los pongo al servicio de la belleza.

P. ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración?

R. Nunca me he planteado nada. Cuando empiezo una obra, comienzo por lo primero que se me pasa por la cabeza. No hago interminables bocetos. Tengo la fortuna de, a base de trabajar y trabajar, conseguir obras llamativas e impactantes. Trabajo hasta quedar satisfecho con lo que tengo delante.

P. Tus cuadros tienen mucho color y mucha luz. ¿Por qué utilizar tanto colorido?

R. Porque me fascina el color. ¡Ayuda tanto! Aunque he hecho obras más apagadas e incluso en blanco y negro, el colorido es la sal y pimienta de mi trabajo.

P. ¿Cómo definirías tus obras?

R. Como un acierto formal

P. ¿Qué supuso para ti ser escogido para colaborar con PortobelloStreet.es?

R. Un espaldarazo a mi carrera. No pinto por pintar. Cuando acabé la carrera no me puse a pintar como un loco sólo por acumular obras. Me dediqué a la publicidad y el diseño. Simplemente no tenía nada que decir u ofrecer al público. Creo que hay que vivir mucho – o intensamente – para poder enfrentarte a un soporte y hacer algo que valga la pena. Cuando empecé a pintar, hacía obras reivindicativas y activistas, pero era mi arteterapia porque la vida me ha jugado muy malas pasadas. Llevo muy poco tiempo haciendo obras alegres, coloridas y bellas sin caer en lo dramático de mis comienzos y que PortobelloStreet.es me eligiera nada más haber empezado mi nueva andadura fue una señal de que iba por el buen camino.

14 mayo 2015
Puro soul con Freedonia

Una escuela de música los unió. El amor por el soul y el deseo de tener vacaciones, hicieron que los miembros Freedonia empezaran su andadura artística, tocando en diversos locales y ganando algo de dinero. Nueve componentes que se fueron juntando poco a poco, y que no han dejado de evolucionar desde el mismo día en el que se reunieron por primera vez. Ritmos y voces desgarradoras que convergen para darle otro punto de vista al soul y erizar a quien los escuche.

Pregunta. Freedonia está formado por nueve miembros. ¿A la hora de componer canciones no resulta complicado coordinarse?

Respuesta. Alguien trae esbozada una idea y esta va sufriendo aportaciones o modificaciones de todos hasta que el tema está listo para ser grabado. Después, cla adaptamos al directo, de manera que la misma canción sigue en constante evolución, o a veces no. Al principio es complicado, pero a medida que vas encontrando caminos para coordinarte y llegar a consensos, compruebas que los resultados son mucho mejores y a gusto de todos.

P. ¿Qué tiene el soul que no tengan otros estilos musicales?

R. El soul es muy sincero y es un estilo muy popular que parte de las músicas afroamericanas de más raíz, llega directamente a los sentimientos y de él parten multitud de estilos que tenemos muy marcados, como el funk, el pop o el rock. Estamos todos mucho más influenciados por el soul de lo que a priori pueda parecernos.

P. ¿Cómo es el proceso de creación de Freedonia?, ¿por qué centrarse en producir singles?

R. Es un proceso colectivo que respeta la individualidad, es muy emocionante vernos todos reflejados. Nuestra forma de entender la edición es muy tradicional, nos gusta grabar en analógico y editar en vinilo porque entendemos que así se dan las condiciones optimas de escucha del producto. Por supuesto también tenemos soportes digitales (CD, mp3), pero son los analógicos los que realmente plasman la fuerza que queremos en nuestras producciones, y desde ese prisma, el single es algo muy importante, ya que nos sirve para destacar uno de los temas del álbum – incluso dando una versión de máster distinta – y editar alguna rareza escondida en la cara B. Como decíamos es algo tradicional del estilo y nos gusta retomarlo.

P. ¿Qué os aporta trabajar de manera diferente a las discográficas y de forma más independiente?

R. Hay muchos tipos de sellos discográficos y no todos tienen una intención mal interesada. El hecho de trabajar de forma independiente nos da la posibilidad de controlar el producto final y asegurarnos de que éste sea lo que realmente nos gusta, tanto en lo musical como en el art – work o el diseño de portada. Para nuestros discos y singles hemos contado con la ayuda de Sweet Records y sus estudios, Funkameba, que funcionan de forma independiente y nos han ayudado mucho para conseguir nuestros propósitos.

P. ¿Por qué recurrir a la autofinanciación?

R. Autofinanciarnos es la única opción viable que barajamos para mantener nuestro proyecto vivo y bajo control. Es nuestro público quien nos financia, lo hicieron a través de crowdfunding con el primer disco. Nosotros intentamos hacer sostenible el proyecto para poder dar conciertos, editar con nuestros propios recursos los siguientes discos, mejorar los shows…Es un camino duro, pero de esta forma solo nos debemos a ellos y a nosotros mismos.

P. ¿Esperabais tal éxito con vuestro primer disco, «Freedonia»?

R. Siempre es un halago que guste y se reconozca el trabajo que hacemos, y en ese sentido estamos muy felices con la respuesta de nuestros dos discos. «Dignity and Freedom» está teniendo también muy buena acogida y eso nos hace pensar que estamos en buen camino, pero tenemos muy presente que hay que seguir mejorando y que trabajar duro es la única opción.

P. ¿Hasta qué punto «Dignity and Freedom» es una declaración de intenciones?

R. Hasta el punto más literal del significado de esas palabras. No somos en absoluto ajenos a lo que nos rodea y creemos que hay que poner en valor esos dos conceptos, siempre y ahora más que nunca.

P. ¿Qué supuso para vosotros actuar en Los Conciertos de Radio3?

R. Un concierto en televisión siempre es una difusión importante de nuestro trabajo. Lamentablemente hay pocos espacios para la difusión de la música y Radio 3 es uno de esos oasis en el desierto, estamos muy agradecidos.

P. Para acabar, ¿podríais hacerme un ránking con las cinco canciones, que en vuestra opinión, han marcado la historia de la música?

R. Es muy complicado decidir qué cinco canciones han marcado más la historia de la música. Por un lado, la historia de la música es realmente grande y las canciones muchas, y por otro, los sentimientos que aporta una canción son muy subjetivos. Animamos a explorar los catálogos de sellos como Stax, Motown y Atlantic. O tomar algún libro, como por ejemplo la «Historia-Guía del Soul» de Luis Lapuente (Dr Soul), y escuchar a los artistas a través de cualquiera de las plataformas actuales de internet. Esta es una aventura muy interesante y enriquecedora.

6 mayo 2015