Categoría: Entrevistas

  • Villanueva: «Zoo Para Dos fue como una pastilla para el dolor»

    Villanueva: «Zoo Para Dos fue como una pastilla para el dolor»

    Cuando no hay fuerza para seguir adelante, llega «Zoo Para Dos». Este fue el mejor antídoto para Villanueva. Y para todos los que, hemos caído en sus garras. Positivismo, garra, fuerza y sexualidad. Una liberación constante que permanecerá muchos meses más, sobre los escenarios. En Madrid estará, de nuevo, el próximo 17 de mayo.

    ¿Cómo nace «Zoo Para Dos»?

    En los dos últimos años, cuando estaba con la gira de «Viajes de ida», me pasaron cosas que antes no me habían sucedido. Es la primera vez que pierdo familiares directos y uno de mis amigos sufrió cáncer, del que terminó recuperándose. Han pasado mogollón de cosas y uno también va observando. Y va haciendo canciones, como respuesta a sensaciones que le podrían destrozar.

    El disco es muy positivo, para todo lo que pasé. Y la verdad, es que fue como una pastilla para el dolor. Aunque después se me empezó a ir de las manos, y el álbum derivó al placer y el hedonismo. Hay bastante referencia al sexo y al vino. El disco tiene ese toque sexy, a la vez que déspota. Pero también ese punto de: fuera dolor.

    ¿Qué expectativas tenías con el disco y las ha cumplido?

    Yo realmente no estoy en la música, para expectativas. Con todo lo que acabo de contar, necesito canalizar o escupir cosas que me retuercen por dentro. Entonces mi expectativa era conocerme a mí mismo aún más.

    ¿Y te ha servido para conocerte a ti mismo?

    Sí, indudablemente.

    ¿Cómo ha sido la respuesta del público?

    Pues en honor a la verdad: la respuesta fue muy lenta. Que no pasa nada. Creo que Villanueva no es un proyecto de pelotazo, ni nunca lo va a ser. Pero es cierto que a final de año, miro hacia atrás y digo: «Ostras, parece que son más». Hay que plantar mucha semilla.

    ¿Cómo definirías «Zoo Para Dos» en dos o tres palabras?

    Hedonista, disfrutón, sexy y cabrón.

    ¿Hay alguna canción que sintetice la esencia del disco?

    «Hoy es la última». Quizás me equivoque, pero es la que me sale a bote pronto.

    Hace poco, se publicaba el videoclip de «El día de el equilibrista». ¿Por qué este tema?

    Para eso me tengo que remontar a «Ella» como primer single. No hay que dar explicación, me flipaban las guitarras [risas]. Pero este tema era diferente. No hay que ruborizarse por pensar o querer pensar, que todo puede ir a mejor. Y yo quería hacer un homenaje con esta canción. Un homenaje a la gente de a pie, que se levanta con sus pequeños dramas y tiene que pasar su día.

    Has participado en el disco homenaje a Nada Surf. ¿Cómo llega este proyecto a ti?

    Me emociono un poco con este tema. En el año 98, descubrí una canción que se llamaba «Popular», escuchando Los 40 Principales. Y me flipó la voz y la manera de frasear que tenían. Pero no solo a mí: también al resto de mi clase. Y es que, todas las pandillas de amigos, tienen como dos o tres bandas comunes, que los unen. En nuestro caso, era Nada Surf. Así que, cuando me dijeron que si quería participar, por supuesto, dije que sí.

    Me comentaron en diciembre, que tenía que ser la canción «Hi Speed Soul». Y al día siguiente, estuve pensando en que podría hacerla en castellano. Pedí permiso y me lo dieron. No traduje la canción, porque no encajaría. Así que hice la mía propia. Y fue la hostia.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Villanueva?

    Tocar, tocar y tocar. Y continuar con la gira. A Madrid volveré el 17 de mayo, por ejemplo. Y entre toda la movida de conciertos, estoy ya maquetando cosas nuevas. Este material lo estoy ya presentando en formato acústico.

    Esta es la playlist de Villanueva

  • Alberto Torres: la combinación perfecta entre talento y trabajo

    Alberto Torres: la combinación perfecta entre talento y trabajo

    Piano, guitarra, violín, voz. Alberto Torres es el artista 10. Pegó el salto en «La Llamada». Desde ese momento, se ha rodeado de grandes artistas como Bely Basarte, Sofía Ellar, Leiva, El Chojin o Angy. Pero pronto, promete sorprendernos con su proyecto en solitario. Los primeros coletazos los viviremos este jueves 15 de marzo en la Búho Real, junto a Tania García y Yerai Cortés.

    ¿En qué momento empieza Alberto Torres su proyecto en solitario?

    Yo vengo del clásico y de tocar el violín en el Conservatorio. Aunque siempre he tenido curiosidad por las optativas de composición. Sin embargo, nunca he hecho nada que considerara que estuviera a la altura de publicarse. Pero tras compararme mi primera guitarra acústica, se aceleró todo y he acabado viciándome como un animal. Así que estoy empezando a componer con letra a partir de ahí. Fue una especie de diario, de sacar mis emociones fuera.

    ¿Y cuándo tendremos disco tangible de Alberto Torres?

    Tangible es la palabra clave en todo esto. Hace casi un año, me plantee sacar disco como tal. Pero he cambiado de estrategia, ya que ahora estoy valorando el publicar single por single, a modo de sesiones acústicas con invitados de lujo. Creo que no tiene sentido sacar un disco completo, cuando nadie me conoce y no he publicado nada antes.

    De momento, tengo unas 70 canciones, de las que seleccionaré 9 o 10, y las iré publicando poco a poco. Mi idea es publicar material con una calidad increíble. Quiero hacer una especie de pseudo – EP en acústico y en el que la gente, pueda conocerme y consumirme a través de las plataformas digitales.

    ¿Más tarde, lo publicarías todo como EP?

    Claro. La idea es empezar a publicar single a single, de manera progresiva. Y cuando esté todo, concentrarlo en un mismo EP y dejar claro que todos esos singles forman parte de un mismo proyecto. Ahora para arrancar, ésta me parece buena estrategia, para testar y recibir feedback del público.

    De los 70 temas que tienes, ¿cómo vas a hacer para seleccionar solo 9?

    Pues va a ser complicado. Pero, como compositor, divido en dos mi material. Por un lado, están los temas que te sirven para sacar todo aquello que te oprime el pecho. Y por otro lado, están las canciones que surgen para calmar la mente inquieta y que pueden estar guays también. Pero realmente, los temas que han salido vomitados de dentro, a la gente le llegan como muy reales. Y esos son los más valiosos.

    ¿Cuándo empezaremos a escuchar nuevo material?

    Pues mi idea es dejar todo grabado para verano. Y ya a finales o principio de otoño, empezar a publicarlo. Pienso a medio plazo. Verano va a ser el ultimátum: este año, pasaré mis vacaciones encerrado en el estudio.

    Te hemos visto colaborar con muchos artistas, como Bely Basarte, Sofía Ellar o Angy, entre muchos otros. ¿Cómo surgen estas colaboraciones?, ¿hay alguien que se te haya quedado en el tintero?

    He tenido muchísima suerte hasta ahora. Y todo el mundo al que le he dicho de colaborar, me ha dicho que sí. También es verdad, que el tema colaboración, lo quiero tratar con mucho mimo. En mi proyecto personal, me encantaría colaborar con invitados guays, pero que se adapten a las canciones. Quiero mantener la identidad de los temas.

    De momento, las canciones que he ido enseñando, han tenido muy buen feedback. Falta cuadrar bien con ellos, para que salgan adelante. Aunque igual puede caerse alguna colaboración.

    ¿Y cómo llegan a ti proyectos como «La Llamada»?

    «La Llamada» fue el germen, el fénix. Me sirvió para despertar y madurar. Los Javis fueron los que me dieron la oportunidad de abrirme al mundo. Yo llego con 18 años, justo después de acabar 2º de bachillerato. De hecho, hice las pruebas al Conservatorio, mientras estaba ya en el musical de «La Llamada».

    Llegué al proyecto gracias a Mario Marzo, que era compañero mío de clase. Se lo dijeron a él en principio, pero por fechas no podía. Y me lo comentó a mí, porque pensaba que yo podía encajar. Así que fui, hice el casting y les gusté.

    ¿Cómo vas a hacer para que la gente distinga entre tus propios temas y las colaboraciones?

    En realidad, no es una etiqueta que me pese. De hecho, creo que acompañar a otros artistas no es algo que me vaya a restar a mi a nivel profesional. Por poner un ejemplo: César Pop. Acompaña a Leiva a sus conciertos, pero también hace música en solitario y tiene sus propios conciertos. Y la gente va a verlo. Por lo que, ir con Leiva le suma.

    En mi caso, lo veo como algo bueno. La gente me va a ver y se va a sorprender. En plan: ¿y este, que canta con estos artistas, de dónde ha salido?

    Recapitulando: el 15 de marzo estás en la Búho Real con Tania García y Yerai Cortés. ¿Cómo afrontas este concierto y cómo se dan las colaboraciones?

    Tengo muchas ganas de este concierto y por diversas razones. Tania y yo nos conocemos desde hace tiempo, porque vino de corista con Angy. Luego volvimos a coincidir y tuve la oportunidad de conocer a Yerai, que es su pareja. Los dos son increíbles.

    Tania tiene algo especial. Ella canta y la gente se calla. Así que, compartir su primer concierto con ella y con Yerai, me parece increíble. Será especial, porque podré testar mis temas, pero también acompañarla.

    Esta es la playlist de Alberto Torres, para Verdadera Locura

  • Anaut: «Con Hello There tratamos de marcar nuestro camino»

    Anaut: «Con Hello There tratamos de marcar nuestro camino»

    Anaut regresa. Con sus particulares influencias de soul, R&B, folk y rock. Pero también con toques distintos. Con ese afán de experimentar y de sentir la libertad en sus pieles, nace «Hello There», su reciente puesta de largo. El disco lleva apenas unos días en la calle, pero su nombre ya resuena. Y más que lo hará, porque ahora toca girar, girar y girar.

    ¿Cómo surge «Hello There»?

    Nace tras acabar la gira de «Time Gones On». Decidimos hacerlo los cuatro músicos del grupo, de manera muy libre, trayendo ideas muy variadas. Buscando nuevos caminos, saliendo de lo clásico y explorando nuevas vías. Y aquí estamos.

    ¿Cómo afrontáis el despegue de este nuevo disco?

    Con muchas ganas y cariño. Aunque también un poco expectantes: estamos deseando ver qué pasa y cómo lo acepta la gente. Pensamos que es un cambio. Y como todos los cambios, te deja el «gusanillo» ahí en el estómago.

    ¿Qué expectativas tenéis?

    Las mejores posibles. Es un cambio, una evolución. En ningún caso es una ruptura. Estamos muy ilusionados y los conciertos van a ser muy divertidos.

    ¿Cómo se produce esa evolución en el sonido?

    Probando, arriesgando, dejándonos llevar bastante. Este disco, lo hemos hecho como «soltando los perros». Arriesgándonos y no censurándonos para nada. También nos hemos dejado llevar mucho por la experiencia y por las cosas que pasan en los conciertos. En esta última gira, nos hemos sentido más libres para experimentar e improvisar sobre el escenario. Al final, cosas que probábamos en directo y que veíamos que funcionaban, las trasladábamos al estudio.

    Toda esta evolución, os ha permitido desarrollar un sonido propio. ¿Cómo definiríais el sonido Anaut?

    0% intelecto y 100% intuición [risas]. En realidad, en este disco se empieza a ver, pero el sonido Anaut todavía se está desarrollando. Las influencias están claras, pero estamos en ello, seguimos buscándolo. Es todo un poco ensayo-error. Pero de cualquier manera, la libertad y el pasarlo bien, siempre deben ir por delante.

    Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el disco en dos o tres palabras? 

    Rock and Roll [risas]. «Hello There» viene un poco por eso, por decir «hola, aquí estamos». No rompiendo con lo anterior, pero tratando de marcar nuestro camino.

    Al final, entre unas cosas y otras, te acaban encasillando, pero tú quieres seguir teniendo la libertad para hacer lo que quieras. Y este disco va un poco por ese camino.

    Entendemos entonces que, en cierto modo, huis de las etiquetas. 

    Para lo malo sí, para lo bueno no [risas]. Eso tiene un punto positivo, que es darte a conocer en una escena concreta o en ciertos festivales. Pero, en realidad, nosotros no hemos dejado de hacer la música que queremos. Y eso que somos músicos que tenemos influencias diversas. Al final, nuestra música no es música de género, tiene muchos matices.

    ¿Por qué apostar por la auto-producción?

    Nosotros apostamos por el trabajo en equipo. Nos gusta tener el control sobre la música que hacemos y tenemos a personas que nos ayudan en determinados ámbitos (comunicación, booking, etc). En este disco, nosotros hemos grabado antes en nuestro estudio, para saber a lo que nos enfrentábamos. Después de eso, nos hemos dedicado a completarlo en varios estudios.

    «I will see you again» fue el primer adelanto. ¿Por qué?

    Nos encantaba. Además, fue la primera canción que mezclamos. Era la que más clara teníamos y también era la más diferente, en comparación al segundo single, que es «The Difference». Nos apetecía que el primer adelanto fuera un reflejo de lo que estamos haciendo ahora.

    ¿Cómo afrontáis la gira y qué esperáis?

    Ahora mismo estamos ensayando el disco nuevo en el local. Tenemos muchas ganas de empezar con la gira y lanzarnos a la carretera. También tenemos la esperanza de ver público nuevo, además de los clásicos, que nunca fallan.

  • James Maad: «Future 3 nace como un canto a la frustración»

    James Maad: «Future 3 nace como un canto a la frustración»

    Personalidad, vanguardia y una gran puesta en escena. Así es James Maad. Un James que regresa a escena con su revolucionario y rompedor single, «Future 3». Esta es su gran apuesta para revolucionar la música electrónica desde dentro. ¿Para su próximo EP? Todavía hay que esperar un poco. Pero paciencia, amigos.

    ¿Cómo surge «Future 3»?

    Cuando empecé a enfrentarme a mi siguiente proyecto musical, tras haber acabado «Nobody Will Remember Us», en 2016, hice una presentación en el Café La Palma. Ahí tuve como una dosis de realidad. Porque cuando estás de promo y tienes un impacto en los medios, a veces, crees que eso generará el mismo impacto en el público. Entonces, en el concierto, creía que llegaría al «sold out» y me quedé muy lejos de eso.

    En mi caso, siempre he sido muy exigente conmigo mismo. Y «Future 3» nace como un canto a la frustración que yo sufrí en ese momento y que también sufren muchos otros artistas. En realidad, me sirvió como terapia. De ahí, que la canción sea más agresiva que las anteriores.

    ¿Va a ser todo así a partir de ahora o «Future 3» será el punto de inflexión de algo completamente nuevo?

    Soy yo quien compone las melodías y las letras. Así que, en mi caso, sí que tiene mucha influencia el momento emocional en el que me encuentro. «Future 3» coincidió con un momento personal delicado, porque no sabía muy bien hacia dónde estaba yendo. Estaba atravesando una crisis existencial bastante fuerte y, ahora mismo, no me encuentro en el mismo punto. Esta canción, más bien, ha servido como inicio del disco conceptual que está por llegar.

    Las canciones del nuevo disco, son menos agresivas que «Future 3», pero son oscuras. Hay un poco de todo. Pero las letras suelen hablar del amor y de cosas que me han pasado a mi. Excepto una que, quizás, es más hardcore incluso.

    Con este nuevo tema, cambias el estilo musical y, de hecho, el título parece premonitorio, alegando directamente al futuro. ¿Esto es así?

    Totalmente. Es un punto y aparte hacia un nuevo estilo. Hasta «Nobody Will Remember Us», estaba muy influenciado por la música de los 80. A mi último EP, traté de darle un rollo de glamour y sofisticación, que en estos momentos, dejo completamente de lado. Ahora habrá sonidos más electrónicos y menos mainstream. Es todo más extraño.

    ¿Y cómo afectará el cambio a la puesta en escena?

    El cambio ya se ha empezado a experimentar. Antes siempre iba acompañado de otra persona. Entonces yo estaba más libre para moverme sobre el escenario. Pero tomé la decisión de hacerlo yo todo: porque me sentía capaz y porque así me liberaba de la presión de ensayar, cada dos por tres, con otra persona. Esto me da menos libertad para moverme, pero me da más seguridad, porque soy yo quien controla absolutamente todo.

    Lo que cambiará a partir de ahora, serán las proyecciones. Éstas seguirán una lógica respecto a la nueva estética que quiero llevar.

    ¿Cuándo podremos escuchar algo nuevo?

    Mi problema es que no sé todavía cuándo saldrá el nuevo disco, ni cuál será el siguiente single. Sí que sabemos que grabaremos con Guille Mostaza. Pero las canciones pueden mutar y evolucionar mucho desde la demo inicial, hasta la versión final.

    ¿Cómo es el trabajo de la autoproducción?

    Para mi es muy liberador, la verdad. Te permite controlar al 100% tu obra. Aunque sí que es cierto que, cuando voy al estudio de grabación, siempre hay un productor que aporta su toque. Me pasó con «Future 3», que cambió como un 70 o 75% respecto a la demo original.

    Autoproducirme me ha hecho más libre y más seguro, a la hora de defender mi producto en el estudio. Estoy ilusionado con este proyecto, porque creo que va a ser muy coherente.

    ¿No ves arriesgado dedicarse a la música electrónica en este país?

    Totalmente. En una situación como la mía, me encuentro en el limbo. Porque en España se entiende la electrónica de manera muy purista. Si te sales del house, ya te metes directamente al pop. Y yo quiero hacer melodías mucho más arriesgadas.

    A pesar de ello, yo quiero apostar por lo vanguardista. Y creo que esto me va a dar una mayor credibilidad.

    ¿Cómo recibiste la noticia de tu aparición en el programa «Siglo XXI», de Radio 3?

    Fue muy guay. Porque en un proyecto como el mío, no tengo muchos lugares en los que sonar. Así que, el ir escalando esas colinas que te hacen ilusión, mola mucho. Y más, cuando hemos hecho una promoción muy artesanal, porque no hay detrás una maquinaria de una multinacional. Lo hemos hecho todo con la mayor humildad posible. Y que «Future 3» llegara a «Siglo XXI», fue toda una ilusión.

    En el punto en el que estamos, ¿cuáles son los siguientes pasos de James Maad?

    Ahora mismo, mis siguientes pasos son: grabar mi próximo EP. Y me gustaría crear un proyecto audiovisual. El disco va a ser conceptual, «Future 3» entra dentro de esa estética nueva que quiero adoptar, y quiero que todas las canciones tengan su respectivo vídeo. Quiero que cada una de ellas, tenga su propio sello audiovisual, pero que todas ellas reflejen un conjunto.

     

  • Elías Serra y su «Inevitable» apuesta por la música

    Elías Serra y su «Inevitable» apuesta por la música

    Colgó el cartel de «sold out» en Costello, el mismo día que presentaba «Inevitable», su último trabajo. Un trabajo del que ya no quedan copias y que pronto se re-editará. Elías Serra es el claro ejemplo de que con esfuerzo y tesón, se puede conseguir cualquier cosa. Así que, toca seguirle la pista muy de cerca.

    Si en Costello te lo perdiste, el 25 de mayo tendrás una segunda oportunidad para verlo en Madrid: toca la Sala Boité, con banda.

    ¿Cómo surge el concepto de «Inevitable»?

    «Inevitable» viene de lo que cuenta la letra de la propia canción. El «es inevitable no acordarme de ti» habla de un sentimiento de desesperanza, de intentar olvidar a una persona y no poder dejar de recordarla.

    Aun así, el concepto que después le di al disco, fue otro: para mi es inevitable seguir con la música. Y hay que seguir apostando, a pesar de todas las trabas que tiene este mundo. Siempre con la ilusión por delante.

    Precisamente, la siguiente pregunta era: ¿qué es para ti inevitable?

    La música.

    ¿Cómo fue trabajar con Candy Caramelo, como productor?

    Fue genial y toda una sorpresa. Lo llamé, por un amigo que tenía su contacto. Sabía que Candy Caramelo iba a ser muy buen candidato para grabar el disco. Tras llamarlo y pasarle las canciones, comenzamos a trabajar. La verdad, es que esa fue la primera sorpresa de todo este proceso.

    Tras él, estaba todo su equipo humano, al que también admiro. Luego, la guinda del pastel, fueron las colaboraciones (Rulo y El Twanguero).

    Ahora que el disco lleva unos meses rodado, ¿ha cumplido tus expectativas?

    La verdad es que sí. A ver, no es que espere algo concreto, pero tampoco me planteo dónde puede llegar. Fue genial pasar de no tener nada, a completar el crowdfunding. Luego, una vez publicado el disco, tampoco tenía expectativas. Sé que esto es una carrera de fondo y lo tengo marcado a fuego. Aún así, ha cumplido mis expectativas. De hecho, cada día me llegan mensajes de personas que lo han escuchado y que les gusta. No esperaba tanto.

    De hecho, en la presentación en Costello colgaste el cartel de «sold out». ¿Cómo recuerdas ese momento?

    ¡Genial! Porque tampoco esperaba que en el concierto debut en la capital, hubiera tanta gente. Fue muy emotivo, porque también era el primer concierto con banda. Totalmente inesperado. Además, esa noche también fue maravillosa.

    ¿Con qué dos o tres palabras sintetizarías el disco?

    De puta madre [risas].

    Copias del disco agotadas y próxima re-edición de «Inevitable». ¿Cómo afrontas este hecho?

    También fue algo totalmente inesperado. En un principio, sacamos 1.000 copias. Y yo pensaba que eran demasiadas. Es cierto que tenía muchos discos vendidos por el crowdfunding, pero pensaba que no iban a volar tan rápido. Pero la realidad, es que la gente hasta me pide el disco por redes sociales.

    Ahora con la re-edición, quiero incluir algo nuevo, distinto. Igual una canción nueva o en acústico. Hay que darle una vuelta a ese asunto.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Elías Serra?

    Tocar, tocar y componer. Y pensando ya en el siguiente disco, pero esto desde hace unos meses. Hay que trabajar y seguir para adelante.

  • Muntz: «The Autocrat surge a raíz de una crítica a nuestro primer trabajo»

    Muntz: «The Autocrat surge a raíz de una crítica a nuestro primer trabajo»

    Talento a raudales y un rock alternativo muy particular. Así son Muntz. Prometen regresar muy pronto con trabajo nuevo, aunque mientras tanto, tenemos mucho «The Autocrat» del que disfrutar.

    Como curiosidad, ¿por qué Muntz?, ¿hasta dónde la influencia de los Simpsons en vuestro nombre?

    Cuando comenzamos, teníamos una carpeta con todos nuestros archivos, que se llamaba «The trip of the father of Nelson Muntz». Ese fue el punto de inicio. Al final, como el nombre era tan largo, decidimos quedarnos simplemente con «Muntz».

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo trabajo, «The Autocrat»?

    El concepto de este tema surge a raíz de una crítica a nuestro primer trabajo, «Hypna». La crítica decía que se nos notaba una cierta rabia contenida y que no la estábamos dejando salir. Eso sirvió para darnos cuenta de que teníamos que demostrar de lo que éramos capaces. Así surgió «The Autocrat», nuestra forma de demostrar que también podíamos dejar salir un lado más macarra de nosotros, sin dejar de lado nuestra esencia.

    La canción, además, consiste en una conversación interior, que representa la lucha interna de cómo juzgar el arte sin ser hipócrita. Es un tema complicado de abordar y da para múltiples interpretaciones.

    ¿Qué expectativas teníais con él cuando lo publicasteis?, ¿las está cumpliendo?

    La única expectativa que teníamos era demostrar que podíamos hacer algo más crudo, más macarra, dejando de lado la armonía de la música y centrándonos más en la sensación que producía la escucha. Hemos jugado más con rítmicas difíciles, con subidas y bajadas, cortes secos. De esta forma, las canciones se puedan disfrutar sin pensar tanto.

    Para sintetizar: ¿cómo definiríais este trabajo en dos o tres palabras?

    Potencia, matiz, ritmo.

    ¿Cómo ha cambiado musicalmente Muntz, desde «Hypna»?

    A lo largo de nuestra historia, hemos sufrido cosas buenas y cosas malas, pero todas ellas nos han llevado a aprender y crecer como banda.

    Una de las grandes diferencias, es que ya nos conocemos entre los miembros. Cosa que no era así cuando empezamos con Muntz. Ahora hay más compenetración, somos más maduros musicalmente, más profesionales en un escenario y en el día a día. En definitiva, tenemos más ganas que nunca de seguir haciendo música.

    Con «Hypna» trabajasteis con Juan Blas, en Westline de Valdemorillo. ¿Cómo fue esa experiencia?

    Enriquecedora a la par de dolorosa. Entrar a un estudio es algo muy cruel: se nota hasta el más mínimo de tus fallos, vas contrarreloj, son días de no parar. Tienes que estar alerta todo el tiempo para grabar, escuchar, pensar en soluciones a problemas que puedan surgir o hacer arreglos de última hora, en partes que quedan vacías.

    Además, al trabajar con un profesional como Juan, se nota todo mucho más. No obstante, cuanto más duro es el estudio, más satisfactorio será el resultado. Así que como dice el dicho: «Sarna a gusto no pica».

    ¿Qué supuso para vosotros ganar con «Hypna», el Certamen de Jóvenes Creadores?

    Primero lo más evidente: un orgullo y una satisfacción al recibir un premio gracias a nuestro trabajo. Sin embargo, lejos de las cosas más obvias, para nosotros era algo casi necesario. Nos encontrábamos preparando nuestro nuevo trabajo y nuestro guitarrista había dejado la banda. Así que no sabíamos cómo hacer frente a la vida de grupo con uno menos.

    Para nosotros ha sido un salvavidas, una sensación de respirar tranquilos de nuevo, de perder todo aquel agobio y de recordar lo bonito que es tener un grupo. Nuestro «hijo» había recibido un premio, lo habíamos defendido en el escenario y habíamos logrado que se reconociera nuestro trabajo. Fue el abrazo que el grupo necesitaba.

    ¿Huir o no de las etiquetas?, ¿por qué?

    Nosotros siempre hemos tenido una curiosa vista de las etiquetas. Pese a que no las consideramos malas como tal, sí que creemos que para cierta gente una etiqueta, cierra puertas. Si tú ves un cartel que pone «Concierto de Muntz», si te gusta la música irás, a ver que tal. Sin embargo, si el cartel reza «Concierto de Muntz: Metal en directo», un posible consumidor de otro género, puede pensar que no le merece la pena ir.

    Podemos concluir que no hay que huir de las etiquetas, pero sí hay que utilizarlas de forma inteligente.

    Sois un grupo de rock alternativo. ¿No creéis que es arriesgado hacer ese tipo de música, con todo el auge de la música mainstream / comercial?

    Hacemos la música que nos gusta, realmente. Vivimos cada una de las notas que tocamos en un escenario. Si forzamos nuestra creatividad para hacer música más mainstream, probablemente conseguiríamos público más fácil, pero en el escenario se vería que no disfrutaríamos. Cuando alguien viene a uno de nuestros conciertos, queremos que se vaya a casa convencido de que lo que hacemos en el escenario es 100% real.

    ¿Cuándo podremos escuchar nuevo material de Muntz?

    Pronto habrá noticias acerca de este tema, pero de momento podemos decir que cuando nuestro nuevo trabajo llegue, aún no se habrá marchado del todo el frío del invierno, pero ya se atisbará el calor del verano.

    Para cerrar la entrevista: si pudierais hacer una playlist para todos los fans de Verdadera Locura, ¿qué canciones recomendariais?

    Nos ha costado ponernos de acuerdo pero hemos acabado con esta selección de 3 temas cada uno (adivinad de quién son cada uno).

    Grace de Jeff Buckley, 15 Steps de Radiohead, 5/4 de Gorillaz, We carry on de Portishead, Nous sommes d’ici de Daitro, El scorcho de Weezer, The grand conjuration de Opeth, Earthborn evolution de Beyond Creation y The Harrowing Years de Insomnium.

     

  • Denea en corto: o cómo evolucionar a un ritmo vertiginoso

    Denea en corto: o cómo evolucionar a un ritmo vertiginoso

    Denea es la típica banda que gana. Que gana cuando los ves en directo. Pero que ganan, sobre todo, cuando los tienes cara a cara hablando. Cuando los tienes en corto. Con su «8 Rojo», comenzaron a despuntar. Pero es que con su «Denea en corto» están empezando a brillar.

    «8 Rojo» lleva rodando casi un año. ¿Cómo ha sido la acogida?, ¿ha cumplido vuestras expectativas?

    La acogida fue genial. De hecho, el primer concierto en Madrid fue increíble, porque fue la primera vez que vimos a alguien cantar los temas. Las expectativas se han ido cumpliendo y no solo eso, también estamos continuamente aprendiendo. Todo eso hace que sigamos evolucionando y creyendo en el proyecto.

    ¿Y de qué manera habéis evolucionado, desde aquel primer concierto en La Palma?

    Como de la noche al día. Ha sido un triple crecimiento: personal, profesional y como grupo. Hemos aprendido a organizarnos, a cómo sacar las cosas de la manera más eficiente y también hemos descubierto todas las cosas que se tienen que hacer en una banda. Además, tenemos mucha más confianza en nosotros mismos, no nos asusta dar un concierto mañana mismo. Hemos madurado y tenemos las prioridades muy claras.

    Tras publicar «8 Rojo» y haber girado en eléctrico, os lanzasteis al acústico con «Denea en corto». ¿Cómo surge este proyecto?

    La idea inicial del «Denea en corto», era ir súper en acústico, como en las Basik Sessions. Después lo consultamos con nuestro productor, Alberto Martín, y le encantó la idea, pero nos dio otra perspectiva. Empezamos a sumar cosas y nos preparamos el «stage» como si fuera un eléctrico.

    El cambio de formato tiene muy buena acogida y nos está permitiendo llegar a gente que no nos conocería de otra forma. Vamos a sitios más reducidos, con entrada gratuita. Por el lugar, no tenemos problemas: tú danos un espacio y tocamos [risas].

    Ahora que habéis probado ambos formatos, ¿qué preferís: acústico o eléctrico?

    Eze: Eléctrico.

    Borja: Yo, depende. Ahora tengo muchas ganas de eléctrico, porque hace mucho tiempo que no hacemos uno. Además, con el eléctrico, descargas mucha más energía y adrenalina. Y en un «Denea en corto», no descargas tanto, porque sabes que como te pases de frenada, se nota. Pero los dos tienen su magia. Al final, todo se basa en saber diferenciarse del resto de bandas, haciendo algo distinto. Pero sin perder la calidad.

    Irene: Yo, después de la chapa de Borja, me quedo con el «Denea en corto» [risas].

    Habláis de diferenciaros del resto de bandas. Así que, ¿qué diferencia a Denea de otros grupos?

    Somos mucho más feos que el resto de los grupos y la gente podría venir a comprobarlo a todos los directos [risas]. No, a ver, en lo musical no es que nos diferencie algo en concreto. Nosotros intentamos ser auténticos y sinceros en todo lo que hacemos. Habrá gente a la que le guste, y gente a la que no.

    Hay cierto simbolismo en todo lo que hacéis. Desde el propio nombre de Denea, hasta el mismísimo «8 Rojo». ¿Qué será lo próximo?

    Borja: A ver qué idiotez me sale [risas]. Lo próximo van a ser dos EPs. Uno grabado en directo, desde Lavalab; y otro desde una azotea. Se van a llamar igual, «8 Rojo».

    Eze: En cuanto al por qué de grabar en directo, tres canciones en acústico y tres en eléctrico, es porque queremos que haya una representación física de lo que hacemos en directo. Esto es lo que somos y así sonamos.

    Borja: Después de eso sí que queremos sacar algún single. Aunque no sabemos qué simbolismo tendrá [risas].

    La última vez que hablamos, comentabais que en lo que respecta a las letras, tenéis una vertiente muy Edgar Allan Poe y Bécquer. ¿Por qué ese romanticismo en ellas?

    Borja: A mi siempre me ha apasionado el romanticismo. «Rimas y leyendas» de Bécquer, me parece brutal. Igual que los relatos misteriosos de Edgar Allan Poe. Y la influencia en las letras, era porque veníamos de un Denea más así, más oscuro. No sabemos si en el Denea que viene ahora, ese mundo tendrá tanta representación. Quizás sí que tenga algo, porque lo llevamos un poco dentro.

    Pero bueno, las letras no dejan de ser literatura. Y en nuestro caso, no nos gusta ser explícitos con ellas.

    ¿Habrá más luz en las próximas canciones?

    ¿Más luz como «La Luz»? [risas]. Es posible. Tenemos cositas nuevas que, inevitablemente, comparamos con los anteriores temas. Y hay uno que podría cuadrar. Que después llegará a Lalavalab y Alberto lo cambiará entero [risas].

    Ahora mismo estamos componiendo y, aunque no sabemos lo que pasará en el futuro, tenemos ganas de que pase, sea lo que sea. Sí que nos gustaría salirnos un poco del «8 Rojo». Nos gusta jugar y experimentar, para volver siempre hay tiempo.

    Para acabar: ¿qué música de otros artistas suena en el «8 Rojo»?

    Borja: Yo estoy escuchando mucho a Rosalía.

    Irene: A mí me encanta Vetusta Morla. Aunque últimamente, me estoy aficionando también a Taiacore.

    Eze: Penny Necklace, ya que la descubrí hace poco gracias a Borja.

  • Ecoband y su reivindicación a la sencillez, con «Un Buen Sencillo»

    Ecoband y su reivindicación a la sencillez, con «Un Buen Sencillo»

    El sábado, por fin, debutaron con «Un Buen Sencillo». Era la puesta de largo de este nuevo trabajo de Ecoband, que veía la luz unos días antes. Ya con su nuevo EP en la calle, los valencianos llegan dispuestos a darlo todo por todo territorio nacional. Carretera y manta. Y a rodar.

    ¿Cómo nace «Un Buen Sencillo»?

    De un cabreo [risas]. No, qué va. «Un Buen Sencillo» es una reivindicación a la sencillez en la música, ya que se ha vuelto todo un poco loco. Parece que ahora todo vale. Entonces «Un Buen Sencillo», aparte de jugar con el hecho de que es un buen tema, habla de la sencillez. Por eso dice, «¿qué coño son los peces procesados?» o «¿qué leches son las niñas imantadas?». Es un poco de broma, aunque parezca mala leche. Es buen humor.

    Tras la salida del single, ¿cómo afrontáis la publicación del EP?

    Pues nos saldremos, porque después de buenos trabajos previos, este no iba a ser menos [risas]. Lo que muchas veces nos falta es la difusión de medios como los vuestros. Porque temas buenos hay muchos, pero se necesita llegar a la gente, con la ayuda de los medios.

    ¿Cómo ha sido la acogida de este primer single?

    Pues la verdad es que ha sido genial. Lo bueno de este single es que gusta a muchos palos y a gente muy diversa. Eso es lo que nos mola de la canción: que es sencilla y gusta. Es de los singles más sencillos y directos que hemos grabado nunca. Además, no ha sido premeditado: ni siquiera nosotros nos imaginábamos que fuéramos a encajar en tantas ramas.

    Letras divertidas y desenfadadas. ¿Hasta qué punto tienen importancia?

    Enrique: Yo siempre digo que no tienen importancia. Pero Fran siempre me dice que sí.

    Fran: Totalmente. Él siempre trata de quitarse mérito con el tema de las letras. Siempre dice: «yo escribo las letras y ya está». Pero no es consciente de lo que su subconsciente está haciendo y creando.

    Al final es lo que a la gente le llega, es lo que cantan.

    Por eso dejamos de cantar en inglés. Porque al principio cantábamos en ese idioma, pero mucha gente nos decía que no nos entendían. Y en realidad, es cierto que la letra es más importante para la gente de lo que, a priori, parece.

    ¿Por qué apostar por el formato EP?

    Hay varias razones. La primera, es el tiempo. Se tarda mucho menos en hacer un EP que un álbum. Otra es el dinero. Aunque la más importante es el impacto, porque tienes que ser una banda con muchos fans y recorrido, para que te escuchen las 12 canciones enteras. Es que ni Beyoncé lo consigue. Con el EP, al menos tenemos los impactos del primer single y el segundo, y de los vídeos. Entonces el 50% del EP sabes que lo escucharán.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Ecoband?

    Todo lo que vaya saliendo. A ver si este verano, «Un Buen Sencillo» se puede escuchar, como mínimo, en 20 sitios. Tenemos fe en ello.

    Para cerrar la entrevista: ¿qué suena cuando estáis de gira?

    Enrique: Si es mi coche, suena de todo. Desde Frank Sinatra hasta The Cure, pasando por Los Chichos o incluso Las Grecas. También me gustan mucho Niños Mutantes o Lori Meyers. Escucho todo tipo de música, menos el reggaeton.

  • «Luminiscencia», la búsqueda de los sueños de Isma Romero

    «Luminiscencia», la búsqueda de los sueños de Isma Romero

    Hay personas que desprenden ángel, tranquilidad, paz. No solo por cómo hablan, por lo que cuentan o por las películas que recomiendan. También por lo que cantan y por cómo lo cantan. Eso es, precisamente, lo que le pasa a Isma Romero. Una filosofía de vida que impregna toda la música que hace. Y que, por supuesto, irradia luz. Llamándose «Luminiscencia» su segundo álbum, no podía transmitir otra cosa.

    Siguiendo toda esa estela lumínica, Isma Romero estará este sábado 17 de febrero en la Sala El Sol. Aunque su luz no se quedará ahí. Llegará, como mínimo, hasta el 6 de junio. Y es que, ese día, dará un concierto benéfico en Costello Club, cuyos beneficios irán íntegros a la investigación contra el cáncer.

    ¿Cómo nace el concepto de «Luminiscencia»?

    En realidad, surge cuando acabé el disco, porque no sabía cómo llamarlo. Me encontré con 10 canciones que hablaban sobre el concepto de la vida y una filosofía positiva frente a las cosas cotidianas. Así que, nace tras darle muchas vueltas a una palabra que definiera el conjunto del álbum. Al final me quedé con «Luminiscencia», que es la capacidad que tiene un cuerpo de emitir luz. Y es una forma de ver la vida: mirar hacia delante siempre.

    ¿Quién te da luz a ti?

    Toda mi gente, mis seres queridos.

    ¿Dónde o cómo se refleja la luz en el disco?

    En la música, por la alegría que transmite, musicalmente hablando. Y por supuesto, en las letras, en la forma de darle la vuelta a la historia y reflejarla según mi propia personalidad y perspectiva.

    Ahora que el disco lleva unos meses rodados, ¿ha cumplido tus expectativas?

    Pues la verdad es que con este disco, intenté llevar a rajatabla el mensaje que transmite: disfrutar. Entonces no me he marcado expectativas. Voy a disfrutar de lo que vaya viniendo. Que no quiero decir que no tenga sueños o ilusiones. Lo que no quiero es aferrarme a las expectativas de: «tengo que». En este disco tengo sueños, no expectativas.

    ¿Y cómo separas un sueño de una expectativa?

    El sueño es algo que deseas y es eterno. Mientras que la expectativa, te quema por dentro y te hace infeliz.

    ¿«Luminiscencia» te ha ayudado a cumplir algún sueño?

    Sí, me ha ayudado a cumplir muchos sueños. Que todavía no han salido.

    «Carlota» fue el primer adelanto del disco, con su respectivo videoclip. ¿Por qué?

    La verdad es que esta canción, para mi no es el single del disco. Sí que puede ser la más pegadiza, porque tiene fuerza, garra y porque habla de una historia de amor. No es la canción que, para mi define el disco, pero sí que es el tema para abrir después de dos años sin nada. Es buena para mostrar mi parte rockera.

    ¿Qué canción define para ti el disco?

    «Fogonazo de luz».

    Siempre siguiendo una dinámica muy «lumínica».

    Sí, la verdad es que sí. De hecho, en un principio, al disco quería llamarlo así.

    ¿Cómo fue grabar con Nigel Walker?

    Muy bien. Fue una experiencia muy positiva, en la que aprendí mucho y que realmente necesitaba. Trabajar con él, que tiene tanta experiencia con otros artistas y bandas, lo recordaré siempre.

    Cambiando un poco de tercio, ¿cómo recuerdas ese paso de Valencia a Madrid y cómo te ha hecho evolucionar personal y profesionalmente?

    He cambiado mucho. Con 18 años, vine con muchas expectativas: con ganas, inmediatez, con ilusión por cambiar de ciudad y con poca paciencia [risas]. Con el tiempo, he asentado la cabeza, aunque siempre he tenido las cosas muy claras. Pero a nivel vital, sí que me he asentado. He aprendido a disfrutar más y he podido desarrollarme como persona.

    ¿Y cómo este proceso, se ha visto reflejado en tu música?

    En mi música, quizás se haya reflejado de una manera más reposada. El primer disco es más cañero y en este segundo, se aprecia un rock más tranquilo. Se nota la madurez de un disco a otro, por las vivencias y experiencias que he ido teniendo. Durante este proceso, he sido consciente de los cambios de mi vida.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Isma Romero?

    Como ya he comentado, no me gusta crearme expectativas. Pero me encantaría seguir tocando todo el año. Tengo idea de continuar todo el año de gira. Y sacaré algo especial. No será un disco completo, porque para eso tengo que contar algo y ya lo he contado todo [risas]. Me voy a dejar llevar.

    Hay una pregunta con la que nos gusta cerrar. Y es: ¿qué música suena cuando estás de gira?

    Pues últimamente, estoy escuchando mucho a Jorge Drexler, porque va mucho en la onda de lo que cuento en el disco y porque me encanta como escribe. A Tom Petty también lo escucho mucho. Suelo ser bastante clásico con la música que escucho. Me pongo mucho a Celia Cruz, porque me gusta bailar mucho también. Tampoco falla John Mayer, Buena Vista Social Club o Muerdo, que los he descubierto hace poco.

  • Antes: «Triángulos ha sido un aprendizaje para nosotros»

    Antes: «Triángulos ha sido un aprendizaje para nosotros»

    Antes tienen esa capacidad de reinventarse que pocas bandas tienen. No dejan de explotar su álbum debut, «Triángulos». Aunque lo cierto, es que el público tampoco se cansa de escucharlo. Madrid tiene el 24 de febrero una nueva cita para reencontrarse con ellos: el Tatkraft Festival, en el Perro de la Parte de Atrás del Coche.

    Ha pasado casi un año desde que «Triángulos» salió a la calle. ¿Cómo ha sido la acogida?

    Creemos que hemos ido aprendiendo sobre el camino. La mejor fase en la que está la banda es ahora mismo, por todo lo que está moviendo y originando. Quizás deberíamos dejar otro año para hacer balance del disco. «Triángulos» ha sido un aprendizaje para nosotros y todo lo que hemos hecho hasta el momento, ha sido fallo-acierto. A día de hoy, si volviera a salir el disco, tendríamos más armas y nos equivocaríamos menos. Aunque eso no significa que no estemos orgullosos.

    ¿Ha cambiado este disco para bien vuestras vidas?

    La verdad es que ha ido «in crescendo». Tras la salida del disco, hubo una temporada plana, creíamos que en Sonorama iba a reventar, pero en realidad, fue a partir de Moby Dick cuando la banda empezó a ir hacia arriba.

    Tras el concierto de Moby Dick, pasasteis al acústico. ¿Por qué ese cambio de formato?

    Primero, porque hubo un concierto de Wegow, para el que adaptamos las canciones. Y cambiaron enteras, porque re-escribimos todo: el rock, pasó a ser folk, con tintes electrónicos o pop, más de Sidecars o Leiva. Tras ajustarlo todo de nuevo, fuimos a tocar al Café Central de Aranda de Duero. Y en ese concierto, nos dimos cuenta de que nadie nos había aguantado tanto los aplausos. De hecho, nos dieron la enhorabuena por lo bien que sonaban los temas al desnudo. Fue entonces cuando nos planteamos estructurar una gira más acústica.

    Después de este cambio de formato, ¿os planteáis cambiar de género y explorar otros?

    No. Estamos componiendo el siguiente disco, que quizás sea un poco más «británico», pero mezclado con Queens Of The Stone Age y The Royal Blood. Pero sin dar de lado a Foo Fighters. Quizás cantemos un poco más británico e intententemos hacer unas melodías más yankees.

    La parte acústica la tenemos pensada y estructurada, en el sentido de que daremos una vuelta de tuerca a las canciones. Y luego nuestra parte «Antes», más eléctrica se va a mantener. Eso no va a cambiar. Cambiará la intención y un poco el rollo. Llevaremos acústico y eléctrico como dos vías alternativas y paralelas.

    Al hilo del acústico, comenzasteis con las «Sesiones Triangulantes». ¿Por qué?

    Porque vimos que estaba de «puta madre». Así que nos buscamos las maneras de afinar esta parte, explotarla y darle caña a YouTube. Contactamos a gente amiga, como Angy, que ha sido la primera colaboración.

    ¿Cómo fue esa primera toma de contacto con las «Sesiones Triangulantes»?

    Primero las probamos nosotros, para ver si funcionaban. De hecho, de esas pruebas saldrá «Simétrica» en versión acústica, y las otras saldrán con los colaboradores. El miedo que teníamos es que las voces empastaran bien, pero lo conseguimos con éxito.

    ¿Cómo fue la grabación del videoclip de «Héroes»?

    Fue muy bien. Tuvimos una buena idea: oscuridad en el local de ensayo, solo los tres, a modo de habitación del dolor y muchas luces rojas. Joaquín Calle se encargó de la dirección y Abel Acevedo, de la fotografía. Al final, el resultado fue espectacular.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Antes?

    De momento tocar. Tenemos varias fechas confirmadas en acústico. En Madrid, tocamos el 19 de abril en el Café La Palma. Y en eléctrico, estaremos el próximo 24 de febrero en el Tatkraft Festival (que será como un pequeño paréntesis en medio de la gira acústica).

    Para cerrar ya: ¿qué música suena cuando estáis de gira o viajando?

    Joe: Últimamente estoy escuchando mucho lo que ha hecho Dinero por su décimo aniversario. Aunque de ellos, paso directamente a lo último de Harry Styles. También escucho mucho a Queens Of The Stone Age, The Royal Blood o Sia.

    Simón: A mí me pasa un poco como a Joe. Escucho mucho Queens Of The Stone Age o The Royal Blood, pero también me gustan mucho las divas, como Selena Gómez o Rihanna.

    Fotos: Abel Acevedo

     

  • Los madrileños The Noises inician su último viaje con «Sesión»

    Los madrileños The Noises inician su último viaje con «Sesión»

    The Noises es una de las bandas del panorama que más logros están consiguiendo. Y no es para menos. Con «Bellavista» saltaron a escena y han ido creciendo poco a poco, pero sin ningún tipo de frenos. Ahora, regresan con «Sesión». Preparados para arrasar en todos los festivales y salas posibles. Por lo pronto, en Madrid estarán el próximo 21 de abril en Joy Eslava.

    Mientras, nosotros nos quedamos con la entrevista que le hicimos hace unos días a Fran, vocalista de The Noises.

    ¿Cómo surge el concepto de «Sesión»?

    «Sesión» es «Noises» al revés. Con este disco, queríamos darnos la vuelta, más que reinventarnos. No queríamos hacer un disco conceptual, pero sí queríamos jugar con una idea potente. Ya habíamos explotado diversos aspectos en «Bellavista» y en el EP anterior, «El rapto». Empezamos soltándonos con las guitarras, para pasar a hacer algo más de grupo. Y con este disco, queríamos experimentar con el concepto de viaje, de hacer algo que llevara a la gente por el periplo que hemos tenido nosotros, con el tema de la composición y la grabación. Así que «Sesión» es eso: un disco medio conceptual, que narra nuestro propio viaje.

    ¿Entonces es precisamente este viaje, el hilo argumental del álbum?

    Sí. De hecho, los títulos de las canciones tienen o nombres de ciudades, o algo que nos ha evocado a ellas. Todo tiene un por qué.

    Precisamente, queríamos preguntar por qué tanta referencias, no solo a ciudades, también a otras canciones e incluso películas, como «Dentro del laberinto». 

    También jugamos con otros conceptos sobre qué quieres explorar y cosas que te han marcado. El videoclip que hicieron Arcade Fire de «Here Comes The Night Time» es una locura, una pasada y nos flipó. Por eso, acabamos inspirándonos en él.

    Y por ejemplo, para «Levitando en tránsito», nos quedamos con la copla de un grupo que se llama Television. No queremos copiarlo, pero nos inspiramos en el concepto que transmiten, para crear nuestros propios temas.

    «Thelma y Louise» es uno de los temas que compone el disco. ¿Cómo fue trabajar con Carlos Sadness en esta canción? 

    Somos amigos de Carlos Sadness desde hace tiempo. Además, lo admiramos mucho, porque compone, canta, escribe, ilustra: es un artista muy completo. Y tiene las ideas muy claras.

    Entonces, mientras grabábamos en Barcelona, acabamos uno de los días más tediosos y complicados. Así que nuestro producto, Dan Hammond dijo que le iba a pegarle un toque a Carlos. Acabamos cenando, charlando y poniéndonos el disco. Y se quedó enganchado con la canción de «Thelma y Louise», por el trasfondo: por el tema del viaje, del camino y de la gente que vas encontrando.

    Al final, Carlos consiguió darle un toque muy guay. Además, estuvo muy involucrado con la canción y su lanzamiento.

    De «Thelma y Louise» se ha dicho, en concreto Arturo Paniagua, que es «un tema hecho a medida, para una noche de verano que no quieres que acabe nunca». ¿Pensáis lo mismo?

    Sí, la verdad es que sí. Creemos que es una tema muy veraniego. De hecho, el concepto de la canción nació mientras estaba yo en EEUU. Estaba haciendo el viaje de Thelma y Louise, escuché una canción, se me quedó grabado el tempo y empecé a susurrar una movida. Y ya en Madrid, le dimos forma e introdujimos el resto de elementos.

    Ahora, por hacer síntesis: ¿cómo definir «Sesión» en dos o tres palabras?

    Nuestro último viaje.

    Respecto a la gira: ¿cómo la afrontáis y qué expectativas tenéis?

    La afrontamos con muchas ganas. Porque los procesos creativos, aunque son divertidos, tienen su parte pesada. La parte de llevar el disco al directo, es distinta y tiene su encanto. Tienes que pensar cómo hacerlo de la mejor manera. Estamos ansiosos de ver cómo va calando el disco en el público.

  • Tangerine Flavour planea su vuelta, con un disco que será un cañón de energía

    Tangerine Flavour planea su vuelta, con un disco que será un cañón de energía

    Tangerine Flavour, el grupo de rock setentero que no hace revival, planea su vuelta. Y lo hace en marzo, con nuevo disco. Un disco que promete ser un verdadero cañón de energía y electricidad. Por el momento, habrá que conformarse con verlos en directo, el 8 de febrero. La cita es en Moby Dick, en las quintas BalconyTV Sessions.

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo disco, que viene en camino?

    La idea surgió cuando tocamos en la sala The Rose, de Yuncler (Toledo). Alfonso Ferrer estaba como técnico de sonido y ahí fue donde le conocimos. Nos habíamos pasado todo el verano trabajando en nuevos temas y llevábamos tiempo pensando en grabar con él un EP. Pero nada, una, dos o tres canciones solo. Aunque, al final, terminamos plantándonos en septiembre con once temas. Así que decidimos hacer un LP.

    La realidad es que estábamos acabando la gira del EP, llegamos al pueblo de Toledo, que pensábamos que sería uno más. Pero por casualidad, estaba Alfonso y le moló lo que hacíamos. Así que nos dio unas cuantas pautas sobre qué hacer, nos invitó a su estudio a ensayar los temas y, al final, acabamos grabando el disco.

    ¿Cómo es trabajar con él, con Alfonso Ferrer, a nivel humano?

    Es genial. Alfonso es un gran profesional y mejor persona [risas]. Ha trabajado con grandes bandas, como Aurora & The Betrayers, Julián Maeso o Jacobo Serra, y ha tocado además, en la banda de Jero Romero. Así que nos está ayudando muchísimo. Además, tiene una manera muy particular de trabajar: todo va con cintas, con un rollo muy analógico. Cuando entramos por la puerta del estudio, parece que estemos entrando en los años 70.

    ¿Por qué apostar por el crowdfunding y cómo está funcionando?

    El cowdfunding es una alternativa por la que están apostando muchos grupos. Necesitábamos una ayuda final para terminar este trabajo. Tenemos ya la grabación del álbum controlada, pero queríamos sacarlo bonito: con un libreto en condiciones y con su edición en vinilo. Creemos que es una buena fórmula, porque al final, es como vender el disco por adelantado. Es una buena forma de ayudarnos y de recompensar a las personas que creen y que siempre han creído en nosotros. Además, eso te motiva a hacerlo mejor.

    De momento, está funcionando bien y estamos muy contentos con lo que estamos consiguiendo. A ver si la gente termina de animarse y llegamos al objetivo.

    ¿Qué vamos a poder oír, algo similar al EP?

    En el EP no teníamos todavía el camino estipulado. Hacíamos varias cosas que nos gustaban, pero no eramos tan compactos como ahora. El LP irá más en esta dirección. Se escucharán cosas distintas, pero todas suenan a lo mismo. Es diferente, pero la esencia es la misma (la forma de tocar, la forma de buscarlo, la forma de tenerlo). También hemos tenido la oportunidad de grabar con Juli ‘El Lento’ a la batería y Gabri Casanova a los teclados.

    ¿Cómo lo definiríais en 2 o 3 palabras?, ¿qué vamos a encontrar?

    Va a haber tocata y un rollo muy yankee, con muchas voces. Va a tener rock y va a tener folk.

    ¿Se afianzará en este disco el «sonido Tangerine»?

    Nosotros creemos que nace precisamente aquí. Hemos encontrado el «sonido Tangerine» en este disco. Esto es lo que somos, lo que nos representa y lo que queremos mostrar.

    Esto tiene también una justificación. Cada uno es «de su padre y de su madre». Escuchamos música completamente diferente y queríamos que eso también se viera reflejado en el disco. En este sentido, nos ayudó mucho Alfonso, que supo guiarnos y decirnos muy bien, por dónde tirar cada uno de los temas. Somos lo que somos y, como nos decía, sonamos «como un cañón» [risas].

    ¿Arriesgado o no el hacer un disco diferente, con un sonido tan propio?

    Es un disco clásico a priori: muy setentero y americano. Pero Alfonso es muy peculiar y quiso ir más allá. Somos un grupo de rock clásico, pero no somos un revival. Entonces buscamos el contrapunto friki y extraño, buscamos el sonido que se sale de lo normal. Pero sin irnos a las nubes, claro.

    Objetivos con este disco: ¿dónde pretendéis llegar y a quién? 

    Responder a esto es muy difícil. Pero en principio, buscamos llegar al mayor número de personas posibles. También nos gustaría repetir la gira del año pasado y llegar incluso más lejos. Y ya fuimos a casi todos los rincones de España. Así que, nuestro propósito ahora, es llegar a los lugares que no visitamos.

    A largo plazo, y sin irnos de madre, nos encantaría pasar los próximos dos o tres años, girando con este disco. Eso sería lo mejor.

    Con los objetivos claros, ¿cuáles son los siguientes pasos?

    Ya tenemos fechas para la gira del disco, que anunciaremos próximamente. Y la idea es empezar a buscar nuevas salas y festivales. En definitiva, tocar, tocar, tocar y toca. Y tocar, que se nos había olvidado [risas].

    Ahora, para cerrar la entrevista: ¿qué música suena cuando estáis de gira?

    De todo. De hecho, tenemos una playlist de Spotify, que se llama, «The Playlist». Podemos estar, perfectamente, cinco días sin repetir canción. Nos encanta la música y nos encanta descubrir. Además, pasamos de lo clásico («The Rolling Stones» o «The Beatles») a otros grupos que no tienen nada que ver («Rufus.T.Firefly» e incluso «Raphael»).

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