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“El periodisme ajuda a canviar els esdeveniments”

Ha treballat en Onda Rambla i Onda Cero. De Cadena Ser ha sigut redactora d’informatius, cap de la secció de Societat i cap d’informatius en Barcelona. Mònica Peinado Molina (Monòver, 1975) porta des dels 18 anys treballant per arribar on ha arribat. Actualment, és responsable de la informació de Barcelona, Infraestructures i Mobilitat de Cadena Ser.

Pregunta. Per què estudiar periodisme?

Resposta. Ara mateix per les oportunitats laborals no…És, més bé, una professió vocacional. En general, no està ben pagada, ni té uns horaris estables. Però dona l’oportunitat d’explicar les coses, acostar-te a llocs, persones i esdeveniments, denunciar injusticies i, a més, ajuda a transformar la realitat. A més, arriba a influir en la societat.

P. Com és un bon periodista?

R. Ha d’actuar amb rigor. Ha de parlar amb totes les parts implicades i ha d’oferir un relat que s’aproximi a la realitat. Á més, no val explicar el que ens han dit en roda de premsa i ja. Hem d’anar més enllà. Contar el que passa de veritat. I hem d’estar preparats per saber-nos moure i comunicar a través de tots els canals. Això inclou les xarxes socials.

P. De quina manera ha canviat el periodisme des de que va començar a estudiar fins ara?

R. L’essència és la mateixa. El periodista ha d’explicar les coses que passen tant objectivament com pugui. Sabem que l’objectivitat 100 % no existeix, però l’obligació de qui transmet notícies és contrastar les informacions i parlar amb tots els implicats per a donar una imatge més aproximada a la realitat. El que sí que ha canviat són les eines amb les que treballem. A nivell de documentació, els buscadors d’internet ens faciliten molt la feina perquè ens permeten accedir de forma ràpida a documents, entre altres coses.

P. I en el cas de la ràdio?

R. En la ràdio, els avenços tecnològics ens han donat també molts avantatges. Una persona amb un telèfon pot anar a buscar la noticia i passar-la de forma inmediata amb una qualitat de so que abans era impensable. A diferència del que passava fa uns anys, les informacions tenen un període de vida molt curt.

P. Els periodistes són tan influents? Creu que la gent us castiga molt si us equivoqueu?

R. Hi ha periodistes més influents que altres. Crec que depèn de la trajectòria que hagin tingut i del respecte que s’hagin guanyat. També depen molt del mitjà en el que treballen. Quan hi ha errors, crec que no ens castiguen especialment, a no ser que l’error hagi estat fet de mala fe. Però és evident que el periodista s’exposa cada dia amb la seva signatura, la seva veu o la seva cara, i pot ser criticat per altres periodistes o pels ciutadans.

P. Els periodistes ess deixen manipular fàcilment pels grans poders?

R. Crec que en general, no. Però sí que hi ha pressions a la direcció del mitjà que, a vegades no tenen cap efecte, i d’altres sí i s’arriben a traslladar als periodistes.

P. Tenint en compte la situación espanyola actual (vagues, escraxes, manifestacions, desnonaments…), són els medis de comunicació considerats amb la causa?

R. Els mitjans de comunicació han d’explicar el que està passant i denunciar allò que , des del punt de vista dels valors que defensen, no és acceptable. És evident que són també un negoci i volen guanyar diners. En funció de la línia editorial, els mitjans abanderen algunes causes i critiquen el que consideren denunciable.

P. Com ha de reaccionar un periodista davant situacions instantànees i “polèmiques”? Com la de Sigfrid Soria a Twitter, que de seguida eixí en Cadena Ser parlant.

R. La ràdio és immediatesa. La capacitat de reaccionar ens ha diferenciat tradicionalment d’altres mitjans com els diaris o la televisió, i no hem de renunciar a aquest avantatge. Quan es produeix un fet com aquest, intentem parlar amb els protagonistes.

P. Al llarg de la seua carrera, haurà tingut situacions compromeses. Com ha eixit d’elles?

R. Els moments més difícils es produeixen al instant de donar una notícia incòmoda. Les trucades es multipliquen: la del cap de premsa, la del secretari, la del seu col.laborador, la del propi protagonista…Tots intenten fer-te creure que no ho has entés prou bé, i que això que expliques no és així. Per això, és important tenir ben lligats els extrems de les informacions.

P. Alguna d’aquestes experiències es pot contar?

R. Un dels moments més complicats, va ser durant el Ple del Parlament que analitzava l’esfondrament del barri del Carmel de Barcelona. Pasqual Maragall va dir que Convergència i Unió cobrà el 3% de comissions de les constructores. Tots ens vam sorprendre molt per les seues paraules. Jo sense temps per pensar-ho, vaig explicar en directe que el President de la Generalitat estava acusant CiU d’haver cobrat diners il.legalment.

Ha trabajado en Onda Rambla y Onda Cero. De Cadena Ser ha sido redactora de informativos, directora de la sección de Sociedad y directora de informativos en Barcelona. Mónica Peinado Molina (Monóvar, 1975) lleva desde los 18 años trabajando para llegar donde ha llegado. Actualmente, es responsable de la información de Barcelona, Infraestructuras y Movilidad de Cadena Ser.

Pregunta. ¿Por qué estudiar periodismo?

Respuesta. Ahora mismo, por las oportunidades laborales no. Es, más bien, una profesión vocacional. En general, no está bien pagada, ni tiene unos horarios estables. Pero da la oportunidad de explicar las cosas, acercarte a lugares, personas y acontecimientos, denunciar injusticias y ayudar a transformar la realidad. Además, influye en la sociedad.

P. ¿Cómo es un buen periodista?

R. Tiene que actuar con rigor. Debe hablar con todas las partes implicadas y debe ofrecer un relato que se aproxime a la realidad. No vale explicar lo que nos han contado en las ruedas de prensa y ya. Debemos ir más allá. Contar lo que pasa de verdad. Y debemos estar preparados para saber movernos y comunicar a través de todos los canales. Eso incluye las redes sociales.

P. ¿De qué manera ha cambiado el periodismo desde que empezó a estudiar hasta ahora?

R. La esencia es la misma. El periodista debe explicar las cosas que pasan tan objetivamente como pueda. Sabemos que la objetividad 100% no existe, pero la obligación de quien transmite las noticias es contrastar las informaciones y hablar con todos los implicados para dar una imagen más aproximada de la realidad. Lo que sí ha cambiado son las herramientas con las que trabajamos. A nivel documental, los buscadores de internet nos ayudan mucho, porque nos permiten acceder rápidamente a documentos, entre muchas otras cosas.

P. ¿Y en el caso de la radio?

R. En la radio, los avances tecnológicos nos ha dado también muchos adelantos. Una persona con un teléfono puede ir a buscar la noticia y pasarla de forma inmediata con una calidad de sonido que antes era impensable. A diferencia de lo que pasaba hace unos años, las informaciones tienen un periodo de vida muy corto.

P. ¿Los periodistas son tan influyentes?, ¿cree que se les castiga demasiado si se equivocan?

R. Hay periodistas más influyentes que otros. Creo que depende de la trayectoria que hayan tenido y del respecto que se hayan ganado. También depende del medio en el que trabajen. Cuando hay errores, creo que no nos castigan especialmente, al no ser que el error lo hayan hecho a mala fe. Pero es evidente que el periodista se expone cada día con su firma, su voz o su cara, y puede ser criticado por otros periodistas o por los ciudadanos.

P. ¿Los periodistas se dejan manipular fácilmente por los grandes poderes?

R. Creo que en general no. Pero sí que hay presiones de la dirección del medio que, a veces no tienen ningún efecto, pero otras sí, si se llegan a trasladar al periodista.

P. Teniendo en cuenta la situación actual española (huelgas, escraches, manifestaciones, desahucios,…), ¿están siendo los medios considerados con la causa?

R. Los medios de comunicación deben explicar lo que está pasando y denunciar aquello que, desde el punto de vista de los valores que defienden, no es aceptable. Es evidente que también son un negocio y quieren ganar dinero. En función de la línea editorial, abanderan unas causas y critican lo que consideran denunciable.

P. ¿Cómo ha de reaccionar un periodista ante situaciones instantáneas y polémicas? Como la Sigfrid Soria en Twitter, que en seguida salió en Cadena Ser hablando.

R. La radio es inmediatez. Eso es lo que nos ha diferenciado tradicionalmente de otros medios como los periódicos o la televisión, y no debemos renunciar a esta ventaja. Cuando se produce un hecho como este, intentamos hablar con los protagonistas.

P. A lo largo de su carrera habrá tenido situaciones comprometidas. ¿Cómo ha salido de ellas?

R. Los momentos más difíciles se producen al instante de dar una noticia incómoda. Las llamadas se multiplican: la del jefe de prensa, la del secretario, la de su colaborador, la del propio protagonista…Todos intentan hacerte creer que no has entendido bien y que eso que explicas no es así. Por eso, es importante tener bien ligados los extremos de las informaciones.

P. ¿Alguna de estas experiencias se puede contar?

R. Uno de los momentos más complicados fue durante el Pleno del Parlamento, que analizaba el derrumbamiento del barrio del Carmel de Barcelona. Pascual Maragall dijo que Convergència i Unió cobró el 3% de las comisiones de las constructoras. Todos nos quedamos sorprendidos por sus palabras. Sin tiempo para pensar demasiado, tuve que explicar en directo que el Presidente de la Generalitat estaba acusando a CiU de haber cobrado dinero ilegalmente.

30 agosto 2014
¿Qué es la literatura indie?

Literatura indie, música indie, cine indie. Sin duda alguna, este término inglés se ha convertido en el adjetivo perfecto para muchas palabras. Pero, ¿quién sabe lo que significa realmente? Según las definiciones, este concepto hace referencia a cualquier manifestación realizada de manera independiente, al margen de los convencionalismos y las modas establecidas. En el ámbito de la literatura, el género indie es el que se desarrolla sin la ayuda de la industria editorial. Tal como explica la escritora Carol Munt, “Los escritores independientes se caracterizan por no tener a sus espaldas una editorial que les abale, ya que son en sí mismos su propia editorial”.

El origen de la literatura indie

“El boom de los autores indies llegó de la mano de Amazon, primero en EEUU y posteriormente se extendió a otros países”, explica Carol. “Aquí en España, comenzó en 2012. Fue entonces cuando muchos decidimos publicar nuestras obras en formato Kindl. Guiados por la experiencia, aprendimos y nos ayudamos los unos a los otros con consejos e incluso haciendo publicidad de lo escrito por otros compañeros”, continúa. Amazon es, sin duda, la plataforma líder en el ámbito de la auto-publicación. De hecho, junto al periódico El Mundo, ha puesto en marcha el I Concurso de Escritores Indies. De cualquier manera, como afirma Carol Munt, existen otros lugares como Bubok o Lulu, en los que los escritores pueden editar sus obras sin pasar por los filtros de las editoriales.

La figura del escritor independiente

“El escritor indie es como un hombre orquesta, que controla hasta el último detalle de su obra”. Así define Carol Munt a estos artistas. “Los autores independientes somos todos los que, cansados de ver rechazados nuestros manuscritos por editoriales y por agentes literarios, nos lanzamos a la aventura de auto-publicar nuestros textos”. ¿Hasta dónde llegan las funciones del literato independiente? “El escritor indie, no solo edita su obra, con todo lo que ello conlleva (maquetación en digital y papel): también diseña su propia portada y se auto-publicita, utilizando las redes sociales (Facebook, Twitter, blog, Google +)”, explica la novelista. Es un hecho: en los últimos años, ha habido un auge de escritores que se han lanzado al mundo de la literatura independiente. ¿Puede ser esto una amenaza para las editoriales? Para Carol Munt, “el peligro al que se enfrentan es al gran avance del libro digital; al que no se han amoldado a tiempo, al menos en España. Mientras que los autores que se auto-publican venden sus libros a un precio moderado, las editoriales tienden a mantener unos precios altos, con el fin de cuadrar sus ingresos”.

La música indie, un símbolo de protesta

En el panorama musical, multitud de grupos han surgido y han alzado sus voces en contra de la situación actual, amparándose bajo el género indie. “Supongo que en nuestro caso, el hecho en sí de optar por la auto-publicación ya es un símbolo de protesta. Quizá no lo hagamos con ese objetivo en mente, pues nuestro verdadero deseo es poder mostrar nuestras obras al público. Reclamamos lo que es nuestro, tener todos los derechos de nuestra creación”, explica Carol Munt. Pero, ¿existe alguna diferencia más respecto a los textos publicados por las editoriales? Según la escritora, el contenido de las obras no varía: “En el mundo de la literatura independiente, podemos encontrar novelas de ficción, románticas, ensayos, poesías…Nuestros textos no tienen por qué contener un mensaje subversivo”.

La carrera de Carol Munt

“Con diez años escribí mi primer relato y con trece una novela corta que, cuando la leo me dan ganas de llorar de lo mala que es (risas). Luego me dio por la poesía, y no fue hasta los treinta que me propuse escribir novela”, cuenta Carol Munt. La misma escritora madrileña define su recorrido de esta manera: “Estudié la diplomara de Trabajo Social y lo hice empujada por un impulso vocacional. Un impulso que me llevó de igual manera a buscar otro cauce que me permitiera ofrecer un poco de felicidad a los demás; cauce que encontré en la escritura y en la creación de historias”. Con dos novelas escritas (“La promesa” y “Y Lao Tse bajó de los cielos”) y una tercera en proceso, la joven autora reconoce haber trabajado muy duro para sacar adelante su trabajo. “Cuando publiqué «La promesa» en Amazon estuvo casi un año entre los más vendidos de su categoría, esto fue gracias a la publicidad que hice de ella tanto en mi blog como en las redes sociales. Luego, y debido al tiempo empleado en escribir mi segunda novela, fue bajando posiciones. Es complicado mantenerte cuando tienes que seguir con tu verdadera pasión, que no es otra que la de crear historias”. La recepción del público ha sido muy positiva. Así y todo, reconoce que siempre hay comentarios negativos hacia sus novelas. “Pero es un hecho que he decidido asumir. Cuando te auto-publicas en una plataforma como Amazon sabes que el lector puede opinar como le plazca. Hasta ahora han sido más los comentarios y reseñas positivas que las negativas, aunque he de decir que una buena crítica negativa puede ayudarte también a crecer como escritor”, narra Carol Munt.

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En realidad no existe una fórmula maestra que te proporcione el éxito, supongo que no es más que esfuerzo, tesón y hablar siempre desde la verdad – Carol Munt (@CarolMunt)

24 agosto 2014
«Kings of street» 2013

“Kings of the Street” es el campeonato nacional de break dance, que acoge anualmente a bailarines de multitud de países. Durante todo el año, los ‘b-boys’ se preparan para mostrar sus mejores pasos. Los minutos anteriores al inicio del evento son decisivos.

Además de los concursantes inscritos, 14 parejas más pudieron participar en el concurso, tras pasar un filtro en el que batallaron. Asimismo, los jueces eligieron a 4 bailarines más, y los mezclaron entre ellos para después competir.

Desde que el ‘b-boying’ naciera en los años 70, han sido hombres los que han practicado este baile urbano. Sin embargo, cada vez hay más mujeres que bailan ‘break dance’, igualando en nivel a los chicos.

Entre batalla y batalla, el presentador, Karpot de “Fresh Flesh” Barcelona, repartió bolsas con ropa de regalo. La última la sorteó entre dos niños que, con mucha destreza, imitaron los pasos de baile de los competidores más experimentados. El público se sorprendió al ver a estas jóvenes promesas.

Uno de los invitados especiales de la gala, fue el reconocido ‘b-boying’, “El Jinchu”. Este monovero, lleva alrededor de 20 años bailando, y en varias ocasiones ha intentado promover este baile urbano en Monóvar.

Todos los grupos ansiaban llegar a la final, pero solo dos de ellos lo consiguieron. Kiry y Damián, de “Carnales Squad” se quedaron a las puertas de la última ronda, pero ‘El Brujillo’ y ‘Movie One’ fueron más afortunados que ellos.

Tras una larga tarde, los miembros del jurado: Xisco Hustle kidz, Pepito 7$ y Thomaz RockaFellaz, proclamaron campeones a “Lunatiks Crew”, dúo formado por ‘El Brujillo’ y ‘Movie One’. Por detrás, se quedó el grupo “Skill Cypher”.

21 agosto 2014
Adaptarse o morir

Miguel de Unamuno, Ramón María del Valle-Inclán, Vicente Blasco Ibáñez, Ramiro de Maeztu, Antonio Machado, Pío Baroja, y por supuesto, Azorín son solo algunos de los escritores que pertenecieron al grupo de la Generación del 98. Todos ellos eran unos intelectuales en el ámbito de las letras. Por la etapa en la que vivieron, sus escritos y ellos mismos estuvieron marcados por una crisis moral, política y social generada por la pérdida de las colonias hispanas en Sudamérica. Es por eso que escribieron sobre el regeneracionismo y defendieron ciertas posturas con un tono hipercrítico.

José Martínez Ruiz, alias Azorín, no se escapó. Al menos en sus primeros años. De Azorín conviene recordar que fue el autor de esta generación más longevo, tras Manuel Gómez-Moreno. Con los tiempos que corrían, la única manera de vivir más años (dejando a un lado la genética) era acostumbrarse al régimen y no meterse con nadie. Así que, la filosofía de la época se resumiría en esta frase: adaptarse o morir.

Azorín fue uno de los (pocos o muchos) intelectuales que dio bandazos políticos. El monovero escribió a favor de casi todas las ideas políticas. De hecho, su interés por las ciencias políticas hizo que se inmiscuyera en numerosos partidos para escribir “desde dentro”, en primera persona. Sin embargo, se asqueó y se marchó indignado por la parafernalia que envolvía este mundo. En realidad, el escritor fue un visionario, porque el enfado que mostró por la política de esa época, es el que muestra la mayoría de la población por la actual situación con los políticos.

En referencia a esos bandazos ideológicos, dice Juanjo Payá, periodista y estudioso de Azorín, que los intelectuales están en todo su derecho de cambiar de ideología y moverse de un lado político a otro. Es una manera de ver y de pensar sobre lo que ocurre a su alrededor, de verlo desde diferentes ángulos, pero con un mismo estilo literario.

Caso aparte es la dictadura. Según Andrés Trapiello, hay que entender la parte humana de los cambios ideológicos de los autores como Azorín, que vivió la pérdida de las colonias españolas en América, la I Guerra Mundial, el Crack de la Bolsa de Nueva York, una II Guerra Mundial, una Guerra Civil, una dictadura y los inicios de la democracia española. Durante el franquismo, José Martínez Ruiz era ya muy mayor, y exiliarse hubiera supuesto morir fuera de su patria y caer en el olvido como periodista y escritor. Habría sido vetado en España por exiliarse, su legado se habría quedado perdido en un lugar extranjero. De esta manera, pensó que callarse en ciertos aspectos políticos era lo mejor para poder estar los últimos años de su vida y morir en su país. Otros compañeros intelectuales como Francisco Ayala o Francisco Umbral se lo echaron en cara. Tal vez pensaran que un escritor debía morir por sus ideales o marcharse para no sentirse cohibido. Pero Azorín quería sobrevivir, comer. Así que, si eso suponía aceptar el régimen (que no defenderlo), lo haría. Y así fue.

Los inicios de José Augusto Trinidad Martínez Ruiz como periodista se dieron en el diario El País, en el año 1896. Escribía artículos muy revolucionarios, con ideas anarquistas, republicanas y federalistas. Sus escritos en el diario llegaron a ser polémicos en medio de una sociedad regida por un gobierno más bien conservador. Criticó y puso en duda valores sociales como vienen a ser el matrimonio y la propiedad. Por eso mismo, fue despedido a los tres meses. Se alejó demasiado de los ideales políticos del periódico, que aunque era de carácter republicano y anticlerical, no quería ser el centro de atención por publicar artículos de tal calibre.

En La Vanguardia trabajó durante 14 años, de 1904 a 1918. El periódico fue creado en 1886 por los hermanos Godó, pero en él, el político Práxedes Mateo Sagasta estuvo inmiscuido. Por tanto, el periódico nació con un carácter liberal- progresista. Pero, poco a poco, se ha transformado en un diario más conservador.

Posiblemente, este medio fue la base de la consolidación de Azorín como articulista, por la cantidad de textos que escribió y publicó, alrededor de unos 600. En sus inicios, el ilustre escritor mostró su faceta más anarquista. El interés del periódico por Azorín surgió a raíz de la publicación de La Voluntad. Esta novela, alejada del naturalismo de la época, plasma la situación de una España que en un siglo no había cambiado absolutamente en nada.

Uno de los artículos del monovero versa sobre los dirigentes de la época. De hecho, se llama “Los políticos”. Es llamativo el contraste entre lo que describe y pensaba Azorín el 25 de julio de 1916 en La Vanguardia sobre los gobernantes, a lo que sucede hoy día con ellos. En este artículo, el escritor de Monóvar ensalza la figura del político como un personaje público del que todo el mundo habla y al que todos juzgan si se equivoca, cuando él en realidad cree que los políticos son “románticos y generosos” y entregados a la vida de la ciudadanía. Hoy en día, los dirigentes españoles están bastante mal considerados, todo ello, producto del descontento de la sociedad. Visto el artículo, se puede decir que está bastante alejado de la postura del Azorín anarquista y revolucionario del principio. Se puede observar, pues, a un Azorín más relajado, prudente y sosegado.

Por otra parte, entre los años 1914 y 1947 se dedicó a escribir en ABC. Es curiosa la cantidad de años que trabajó para el diario de Torcuato Luca de Tena, pero hay que matizar que lo hizo de manera intermitente. ¿Por qué? ABC es un periódico conservador y monárquico. En 1930, cae el rey Alfonso XIII y se instaura la II República española. Por tanto, los 25 años de trabajo del literato en ABC caen en saco roto. A partir de entonces, se suceden diversos hechos: seis años bajo mandato republicano y posterior guerra. Azorín aprovecha para recuperar sus pensamientos progresistas iniciales y marcharse a Francia durante la guerra. En 1941, adopta de nuevo ideales conservadores que le permiten regresar a este diario. He aquí, posiblemente, su afán por no ser olvidado en un país ajeno al suyo y la aceptación del régimen franquista y de las ideas de este diario. Fue corresponsal de guerra de este periódico durante la I Guerra Mundial. De hecho, recientemente se han recuperado 29 artículos escritos por él en el año 1918, cuando estaba en Francia visitando a los ejércitos aliados. El objetivo era recoger las impresiones y analizar la intervención de Estados Unidos en el conflicto. Según José Luis Vicente Ferris, director de publicaciones del Instituto Juan Gil Albert, el trabajo de Azorín en este espacio de tiempo «se tradujo en unos textos que por su contenido no cayeron bien en determinados círculos intelectuales de la época». Aun así, el desconocimiento de la población sobre EEUU, hizo que no le prestaran atención.

Obviamente, de Azorín se podrán decir muchas cosas. Se puede pensar que era un interesado o un vendido por no “mojarse” por una tendencia concreta a lo largo de su enorme trayectoria, pero no se debe juzgar sin conocer: que escribiera por y para todos los pensamientos políticos tampoco es horrible. Hay que saber situarlo en el contexto en el que vivió y saber entenderlo. Pero sobre todo, y más nosotros que estudiamos periodismo, hay que reconocer el valor de esta figura que supo recoger la realidad española de su tiempo desde todos, absolutamente todos, los puntos de vista, escribiendo cada vez desde una ideología diferente.

13 agosto 2014
El futuro del cómic

El alto crecimiento de internet a finales de los años 90, supuso que el web-cómic aumentara de manera considerable. Muchos dibujantes dieron el salto del papel a la red, digitalizando sus tiras o creándolas exclusivamente para este medio. Web- cómics como User Frendly, PvP o Penny Arcade marcaron el inicio de esta nueva era.

“A los web-cómics se les aplica la lógica del blog: son publicaciones periódicas, con sus comentarios y con la posibilidad de buscar una página concreta o consultar un archivo”, explica Laurielle Maven, dibujante de El vosque. “Hay variaciones: cómics que se suben de golpe a Internet, en lugar de periódicamente, o cómics que se descargan pero no se leen online. Algunos webcómics nacen con una historia cerrada desde el principio, y otros comentan la actualidad o los temas que interesan a sus autores. Hay historias que se pueden publicar en papel y otras que es imposible”, explica.

Financiación

“Hay algunos webcómics que sí cuentan con algunas subvenciones, especialmente a la hora de publicarse en papel, pero no es lo habitual”, asegura Laurielle. “Lo bueno de internet es que no necesita recursos materiales para gestionar tu trabajo. No se necesita ni financiación ni gente apoyándote, con tener ganas puedes sacar tu cómic adelante”, cuenta el dibujante Óscar Oliva (Eggest). Además, explica que basta con tener una tableta o un escáner para hacer cómics. ¿Y qué beneficios se pueden obtener de los webcómics? “Los mismos que con los blogs. Muchos no recaudan dinero, otros consiguen lo justo para pagar el servidor y otros son el principal medio de vida de sus autores”, dice Laurielle Maven. “Con los webcómics pasa lo mismo: cualquiera puede aceptar donaciones por PayPal, vender camisetas o buscarse otros modelos de financiación, como el crowdfunding”, añade.

Dibujo vs guion

Un cómic no solo son dibujos, también es literatura. Por eso es imprescindible que tenga una historia. Pero, ¿imagen y guion están al mismo nivel? Para Eggest, no: “Creo que el guion es más importante. Un dibujo es atrayente, pero si el guion no tiene enganche, al público no le gustará. Hay gente que dibuja muy bien, pero cuenta una historia que no apetece leer”. Sin embargo, Laurielle no piensa lo mismo: “Para mí es un error separar ambos aspectos. Un guion excelente con un mal dibujo no se entenderá, y un dibujo excelente con un mal guion no enganchará al lector. De la misma manera, una tira con mucho texto será un mal cómic”. Por eso, la clave para la dibujante de El vosque “es que el guionista y el dibujante entiendan que se trata de un trabajo de equipo”.

¿El papel o el web-cómic?

La aparición de las historietas en internet puede abrir un gran debate: ¿son mejores las publicadas en papel o las colgadas en la red? Las dos opciones son igual de válidas y correctas, pero está claro que opiniones habrá tantas como personas. Según Laurielle Maven, “son formatos distintos perfectamente combinables. En general, los web-cómics tienen las mismas ventajas que los blogs con respecto al formato tradicional: logísticamente son mucho más flexibles y ágiles, permiten una respuesta inmediata de los usuarios y tienen facilidad para llegar a todo el mundo”. Óscar Oliva añade: “En internet, hay cómics de cualquier temática y cualquier género. No hay filtros, por lo que todo lo que tenga cabida en tu cabeza puede subirse a la red. El inconveniente, es que los dibujantes de web-cómics no tienen el mismo renombre que los de las grandes casas como DC o Marvel”.

The game is a life

Buenas ideas y trabajo duro son los pilares principales para triunfar y para conseguir todo lo que uno se proponga. Quizás la tarea más complicada de un artista sea dar a conocer su trabajo. Pero gracias a los blogs y a las redes sociales, la difusión es más fácil. The game is a life surgió como medio para hablar sobre videojuegos. En este espacio, los dibujantes Manu Segura, Óscar Oliva y Antxon Echeveste pueden colgar sus trabajos sin ningún reparo. Óscar (Eggest) es dibujante y está trabajando en un cómic para The game is a life. “En una semana, puedo dibujar cuatro o cinco tiras y las publico conforme las acabo”. Actualmente, para dibujar no se necesitan demasiados medios. La manera de trabajar de Eggest es sencilla: “Tengo una tableta y me defiendo con ella. Ahí tengo diseñadas tres o cuatro viñetas, y sobre ellas dibujo. Aunque algunas veces, he dibujado en papel y después he escaneado mi trabajo”.

El Vosque

Uno de los ejemplos más conocidos de web-cómic es el de El Vosque. En 2009, Laurielle y Morán crean esta historieta de fantasía y asesinatos ambientada en un reino mágico. Según los autores, en su cómic, “las hadas son alérgicas a las flores, los elfos un peligro público y las cosas tienden a explotar”. Los inicios de El vosque no fueron tan complicados como parecen: “Nosotros empezamos con parte del camino recorrido, ya que Morán tiene otro web-cómic con mucho público, Eh Tío!”, cuenta Laurielle. “Pero sólo con la fama inicial no habríamos conseguido mucho: publicamos regularmente, escuchamos a nuestros lectores e intentamos hacerlo siempre lo mejor posible”, añade. El método de trabajo es sencillo: “Morán es el guionista y yo la dibujante. Semanalmente, me pasa guiones y yo los dibujo, los maqueto y los subo a la web. Ahí la gente comenta lo que pasa o lo que cree que va a pasar. Eso nos es muy útil para ver las cosas que no están claras y para retocar las siguientes páginas”, explica Laurielle. La dibujante cuenta que esta historia está llegando a su fin. De cualquier manera, el público todavía puede disfrutar de El vosque. Y también de los Woodies, historieta paralela que guioniza y dibuja ella de manera más sencilla. “En este web-cómic tratamos los temas del día a día de este mundo”.

El éxito cosechado por este nuevo formato, hizo que en 2008 se celebrara el Concurso Nacional de Webcómics en Español. Sin embargo, este auge no es suficiente para que guionistas y dibujantes españoles puedan vivir de este mundo. Mientras en EEUU existen empresas dedicadas única y exclusivamente al web-cómic, en España hay muy pocos casos, ya que como dice Laurielle “es un campo muy nuevo”.

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Imágenes cedidas por Laurielle Maven y Eggest

7 agosto 2014
Un blanco y negro, por favor

Llegar un martes a la universidad, saber que vas a dar 4 horas de castellano y pensar: «Esto va a ser horrible»; y más cuando te enteras de que van a poner una película en blanco y negro. Sin embargo, al final descubres que 12 hombres sin piedad es una gran obra.

Pongámonos en situación: un juicio por homicidio. Doce hombres han de determinar la inocencia o culpabilidad de un joven, acusado de asesinar a su padre. Las pruebas son muy evidentes: el chico es culpable. Por este motivo, once de los doce hombres del jurado quieren llevarlo a la silla eléctrica. Pero, ¿de verdad las pruebas están tan claras? Para el miembro número ocho (Henry Fonda), no. En ningún momento dice estar seguro de la inocencia del joven, pero sí que demuestra su capacidad de análisis.

Esta película es un claro ejemplo de la debilidad de la mente humana. Debilidad porque en muchas ocasiones, dejamos que ciertos acontecimientos de nuestra vida nos inunden mientras llevamos a cabo otras tareas. Por ejemplificar: a uno de los miembros del jurado, la falta de su hijo durante los dos últimos años, no le permite ver con claridad los razonamientos de los demás. De ahí, la mentalidad cerrada que muestra durante todo el largometraje.

También es reconocible la facilidad que toda persona tiene, de ser influenciada. De ahí, que muchos de los miembros del jurado cambien tanto de opinión. Al fin y al cabo, solo uno de ellos se mantiene firme en su postura.

Por último, es importante destacar la cantidad de prejuicios humanos. Varios de los integrantes del jurado, sin saber realmente si el acusado es inocente o culpable, lo consideran agresivo e incluso mala persona.

«Si no cree al muchacho, ¿por qué cree a la mujer? Son los dos de la misma calaña».

5 agosto 2014
El mundo de Cosplay

El cosplay es un fenómeno originado en Japón que consiste en disfrazarse de personajes de videojuegos, cómics o películas. Empezó como un simple movimiento, que a día de hoy se ha transformado en toda una cultura. Concursos, tiendas especializadas e incluso personas que se dedican profesionalmente a este mundo. Desde su nacimiento en los años 70, esta práctica ha experimentado un gran crecimiento.

Puede que en España, el cosplay no esté tan arraigado ni tan desarrollado como en otros países, pero hay grandes cosplayers en el territorio nacional, que no solo han destacado en este país. En 2009, las barcelonesas Bereniç Serrano y Laura Hernández consiguieron el segundo premio del concurso mundial de cosplay, celebrado en Japón. Pero ellas no son las únicas que han destacado en este ámbito: Mike Valo y Ae-Chan son dos de los más importantes. Han participado en numerosos concursos y han sido jueces de otros tantos. Además, tienen una tienda online dedicada al cosplay. Por su parte, la murciana Glory Roller está dejando tras de sí una estela de galardones. Este año, ha conseguido el primer premio del concurso de cosplay del IV Salón del Manga de Alicante.

El reconocimiento

Hacerse un hueco en este mundo no es nada fácil. “Es muy complicado ser conocido en este mundo, y más ahora que está tan de moda hacer eventos sobre cultura japonesa o videojuegos”, afirma Glory Roller. “Además, cada vez hay más gente que destaca”, añade. Por su parte, Mike Valo y Ae-Chan piensan de diferente manera “el reconocimiento es un aspecto subjetivo, ya que el cosplay suele hacerse para pasar un buen rato con los amigos y no tratar de ser famoso”. No obstante, ambos creen que siempre hay gente con un alto egocentrismo y con “aires de grandeza”. “Por suerte, estas personas son las que menos abundan en nuestro mundillo”, asegura la pareja. En la misma línea, se pronuncian Larxenne y Alice in Cosplayland: “¿Es difícil ser conocido? Sí y no. Este mundo no es tan diferente de otros, como el del arte. Si quieres destacar, tienes que trabajar duro y ser fiel a ti mismo a la hora de elegir lo que te gusta”.

Lara Valentine ha destacado el papel de la mujer dentro de este mundo. “Es difícil hacer solo armaduras y agradar al público. Hoy en día, se ve más a una mujer que enseñe escote que a otra que haga sus propios trajes. Todo es muy superficial”.

Con o sin reconocimiento, existe un patrón común en los inicios de estos cosplayers. ¿Qué puede mover a una persona a introducirse en el mundo del cosplay? Pasión por los cómics y los videojuegos, y fascinación por los grandes disfraces de otros cosplayers. De esta manera, el cosplay se convierte en una forma de vida para muchas personas.

Primeras andadas

“El cosplay me parece una buena forma de poder recrear un personaje que te gusta. No es simplemente un hobby, también es una forma de aprender nuevas técnicas de creación”, dice Lara Valentine. “Siempre me ha encantado crear, hacer manualidades y pintar. Pero realmente empecé en este mundo en 2007. Con unos amigos, hice un grupal de Bleach. Continuamos juntos hasta que en 2009, decidí hacer cosplays individuales”.

El interés de Glory Roller por este mundo también viene de lejos. “Llevo desde los 5 años dedicándome al cosplay, aunque a los 16 años lo dejé por los estudios. Así que, el primer traje que tuve fue el de Bella, de La Bella y la Bestia, porque las princesas me encantaban. Todavía conservo el vestido con mucho cariño”. Tiempo después, Glory comenzó a crear sus propios trajes. “En 2011, asistí al salón de Murcia SeRemanga y me gustó tanto el ambiente que en el año siguiente volví. Me presenté a un concurso de cosplay como Miku. La gente estuvo muy contenta, decían que me había metido mucho en el papel y que me parecía físicamente al personaje”.

La historia de Mike Valo es más sencilla. “Me gustaba disfrazarme y vi la oportunidad de hacerlo de mis personajes favoritos. En 2006, hice mi primer cosplay de Cloud (Final Fantasy). Mis conocimientos sobre confección eran mínimos, por lo que el traje quedó un poco simple”. Por su parte, a su pareja Ae-Chan, el interés por la confección le viene de familia. “Mis tías y mi abuela son modistas. He aprendido mucho de ellas, pues han sido para mí un modelo a seguir”. Con todas las técnicas aprendidas, la cosplayer diseñó su propio disfraz de Aeris (Final Fantasy) para su primer Salón del Manga, y desde entonces no dejó de crear cosplays. “En 2004, fui al Salón del Manga de Barcelona, simplemente para buscar información del evento. Allí vi a mucha gente vestida de sus personajes favoritos. Así que me animé y decidí hacerlo yo también”.

Por su parte, el dúo formado por Larxenne y Alice in Cosplayland cuentan la historia que las unió: “Nos conocimos en un concurso del Salón del Manga de Murcia. Gracias a unos amigos en común, supimos la una de la otra. Pero pasaron seis meses hasta que hablamos y decidimos trabajar juntas”. Pero el contacto con el cosplay les viene de lejos. Larxenne comenzó en 2007: “Una amiga me convenció para ir a un evento disfrazadas de personajes de una serie que le gustaba. Por entonces, me estaba iniciando en el mundo otaku y me pareció divertido probar”. Alice tuvo unos comienzos diferentes: “Empecé en 2009, en el Salón del Manga de Murcia. Ya había ido a algunos eventos y había visto a gente disfrazarse. Mi primer cosplay fue de Tifa Lockhart (Final Fantasy), hecho con ropa adaptada y cortada para que se pareciera al personaje”. Dos personas diferentes que han formado un tándem inseparable: “Lo que nos gusta de trabajar juntas es que tenemos gustos contrarios. A Alice le gusta el anime y el manga, y a mí los videojuegos”, explica Larxenne.

Vivir del cosplay

“Con los tiempos que corren, nadie debería dedicarse exclusivamente al cosplay”, aseguran Larxenne y Alice. Lara Valentine corrobora esta afirmación: “Ningún cosplayer puede aspirar a vivir de esto. Hay mucha gente destacada en este ámbito, pero en España este trabajo no está para nada reconocido. A los cosplayers nos ven como personas raras que van a convenciones frikis”.

Mike Valo y Ae-Chan son contundentes con su opinión: “En España, a diferencia de EEUU, es imposible vivir del cosplay profesional. A pesar de que las empresas cuentan con más servicios profesionales de cosplay, sigue siendo una medida de marketing usada por pocas compañías del sector”. Sin embargo, atisban un rayo de luz para este sector: “Desde hace unos meses, se ha visto un incremento en la demanda de cosplayers profesionales por parte de empresas o particulares. Por eso, nosotros hemos creado el servicio profesional de CosModels”. Lara Valentine también comenta este hecho: “Puedes tener la suerte de que una compañía de videojuegos te vea y llegues a trabajar para ellos. Personalmente, no conozco a nadie que lo haga, pero cosplayers famosas como Kamui, Missyeru, Jessica Nigri o Yaya Han creo que sí que viven de esto”.

No es el mejor momento para vivir del cosplay, pero siempre puede ser una alternativa profesional. Ae-Chan trabaja en una tienda de videojuegos, pero en su tiempo libre diseña vestidos que vende a través de su tienda online Pinku Crown, creada en el año 2007. “La tienda empezó siendo de ropa y accesorios para Ball Jointed Dolls (muñecas articuladas). Más tarde, Mike me animó a diseñar para personas. Me alegro mucho de haber dado ese paso, porque prefiero crear trajes para la gente de a pie. Los diseños que más hago son de fantasía y gyaru”.

Desde fuera, el cosplay son personas vestidas de personajes muy variopintos. Sin embargo, es mucho más: es arte, es trabajo, es un modo de vida.

2 agosto 2014
Bienvenidos a Isla Grosa

Hallazgos fenicios, restos romanos, residencia de piratas, lugar de paso, territorio para navegantes. Así era Isla Grosa, en Murcia. “Ha sido un punto de referencia clave en la Historia de la Navegación”, cuenta Carlota Pérez-Reverte, co-directora del Proyecto Isla Grosa. “La navegación frecuente y la presencia del llamado Bajo de la Campana han hecho que, en diferentes épocas, numerosos barcos se hundieran en este entorno”.

¿Qué es el Bajo de la Campana?

Según las cartas de navegación, al este de Isla Grosa existe una formación calcárea de 100 metros cuadrados, conocida como Bajo de la Campana. Esta zona ha causado multitud de naufragios en diferentes épocas históricas. “El nombre viene dado por una campana que se instaló en el Bajo en el siglo XIX, con el fin de alertar a las embarcaciones de su existencia”, explica Carlota. Hoy en día es un yacimiento, del que ya se han extraído piezas fenicias, púnicas y romanas.

Las primeras prospecciones

“El pecio del Bajo de la Campana fue localizado en 1958, durante los trabajos de voladura y recuperación de chatarra procedentes de barcos modernos”, cuenta la co-directora del proyecto. “Sobre el año 1959, un grupo de buceadores extrajo 12 colmillos de elefante, que se donaron al Patronato de Arqueología Subacuática de Cartagena en 1979”, continúa. La primera prospección profesional se realizó en 1972, seguida por una segunda en el año 1988. En esta última, se confeccionó la planimetría del yacimiento, o representación a escala del terreno.

Los tesoros aparecidos

La mayoría de los descubrimientos se han encontrado alrededor del Bajo, ya que Isla Grosa y el Farallón están todavía por investigar. Entre los hallazgos, han aparecido un barco fenicio del siglo VII a.C, un barco romano republicano y otro imperial.

En el navío fenicio han encontrado desde colmillos de marfil, con los que elaboraban bienes de prestigio, hasta piezas como quemaperfumes. Además de lingotes de estaño y cobre, peines de madera, ánforas y juegos de ponderales. Como dice la arqueóloga Carlota Pérez- Reverte: “se ha hallado un cargamento, con materias destinadas a convertirse en objetos de lujo para las élites”. Aun así, “los grandes descubrimientos fueron los elementos de vida a bordo: cestas de esparto, piñas para hacer fuego, cuatro cuchillos de marfil, ámbar, agujas, anzuelos…”, explica la co-directora del Proyecto Isla Grosa. “Además, también se encontró un pequeño pedestal de piedra, que posiblemente sirviera para realizar los ritos religiosos necesarios para una travesía segura”, añade.

Proyecto Isla Grosa

“El problema de Isla Grosa es que no se han hecho trabajos de investigación: no se sabe qué hay o dónde está. Hay hallazgos puntuales y noticias de buceadores, pero se debe cartografiar el fondo para localizar, evaluar, proteger e investigar estos restos”, cuenta Carlota Pérez-Reverte. “Por otra parte, el seguimiento del Bajo ha permitido constatar que hay expolio. En esta zona, tenemos una idea del material que se está perdiendo, pero en el entorno de Isla Grosa, están desapareciendo pedazos de historia que ni conocemos”. Ante esta situación, la pregunta es: ¿no hay ningún modo de impedir el expolio? La arqueóloga explica: “Isla Grosa tiene una serie de figuras legales de protección relacionadas con su medio natural, pero hasta ahora no se ha contemplado ninguna para proteger su patrimonio”. Por eso, este trabajo es tan importante y necesario, “con él solicitaremos la incoación de la isla y sus aguas, como Bien de Interés Cultural”, cuenta Carlota. Según la co-directora, contra la expoliación hay dos caminos: el legal y el de la educación. “Los buceadores que se llevan un asa de ánfora o cualquier otro resto arqueológico a modo de recuerdo, no son conscientes del daño que están haciendo. Mover o sacar un objeto es como alterar la escena de un crimen”.

Financiación

“El proyecto se ha basado en tres pilares: investigación, formación de estudiantes y difusión. Este tercer punto ha sido fundamental para nuestra financiación”, cuenta la arqueóloga Carlota Pérez-Reverte. AdARQUA ha puesto en marcha numerosas actividades complementarias: visitas de buceadores, talleres infantiles, charlas y conferencias. Como dice la co-directora del proyecto: “Los arqueólogos trabajamos para la sociedad, y debemos revertir en ella el resultado de nuestras investigaciones. No sólo mediante la divulgación sino también intentando que las personas sientan suyo el patrimonio y se impliquen en su protección”.

Museo subacuático y yacimiento escuela

Estas nuevas exploraciones traerán consigo, la creación de un museo subacuático. “En la campaña que llevaremos a cabo este año no está prevista la extracción de material. En esta prospección localizaremos, documentaremos e investigaremos los restos”, dice Carlota. ¿Cómo funcionará el museo, entonces? “Lo que haremos será una ruta en un yacimiento arqueológico, como se hace en muchos lugares, solo que en el mar. Hemos colocado una serie de paneles que explican cómo se hicieron las excavaciones y cuentan la historia del pecio fenicio y los restos romanos”, narra la arqueóloga.

Del yacimiento escuela, Carlota Pérez-Reverte dice que es un curso muy práctico, en el que habrá actividades prácticas en tierra y dos inmersiones diarias. “Hemos intentado que sea completo, para que los alumnos aprendan y disfruten”, añade.

“Nuestros principales objetivos son mostrar el valor del patrimonio de Isla Grosa, hacer a la sociedad partícipe y crear un recurso sostenible, cultural y de calidad”, concluye Carlota.

29 julio 2014
K-Maleón, símbolo de la cultura libre

De una manera u otra, la mayoría de gente sabe qué es la cultura. Sin embargo, ¿cuántos sabrían explicar el significado de “cultura libre”? Mil definiciones habrá, pero una destaca: “cultura libre es aquella que no tiene intermediarios, gestoras ni sociedades que interfieran en la libre comunicación de los artistas con su público”.

Pero, ¿y quiénes son esos intermediarios? Tony, coordinador del festival cultural K-Maleón, explica: “Hay multitud de sociedades de gestión, como la SGAE, AEDE o CEDRO, que defienden un sistema de derechos obsoleto. Al final, lo único que consiguen es proteger su propio modelo de negocio e impedir que los artistas hagan lo que quieran con su obra.”.

Reivindicaciones

“Nosotros luchamos para que los creadores sean dueños de su obra y la distribuyan como lo estimen conveniente, utilizando el tipo de licencia que prefieran o incluso poniendo su obra en dominio público”, explica Tony. “Además, son tiempos difíciles y la gente debería tener acceso a la cultura, independientemente de si pueden o no pagarla. La cultura no es una mercancía más, es un derecho humano”, añade.

Y bajo estos ideales de libertad nació K-Maleón, un festival cultural organizado por gente de León. Y para quien no sepa el porqué del nombre, ellos mismos lo explican: “El camaleón es un ser mutante que se mimetiza con su entorno para pasar desapercibido, y que esconde en su piel todos los colores del arcoíris. K-Maleón, como el animal que nos da nombre, también es mutante y colorista, pero ha decidido dejar de pasar desapercibido”.

Financiación

Arrancar proyectos de este tipo no es nada fácil, y más cuando no se cuenta con un apoyo firme. ¿Cómo ponerlos en marcha cuando no tienes ayuda? Tony, uno de los componentes de K-Maleón, explica: “La palabra clave es autogestión. Nosotros nos lo guisamos y nos lo comemos todo, nos ayudamos y confiamos en que cada artista se ocupe de su parte. Luego hay un pequeño grupo que gestiona el festival”. A lo que añade: “el hecho de que se celebre una vez al año y prácticamente en verano, que es cuando estamos más libres, ayuda bastante. Sería imposible mantener algo así más allá de una fecha puntual”. Aun así, K-Maleón no tiene nada que envidiar a otros festivales de este tipo, ya que después de cuatro años continúa al pie del cañón: “en el mundillo de la cultura libre ya somos bastante conocidos fuera de León, y en la ciudad creo que todo el mundo sabe lo que hacemos e incluso reconoce a nuestra mascota”. Las redes sociales, los carteles y, sobre todo, el “boca a boca” les ha beneficiado mucho. “De todas formas tampoco queremos hacer convocatorias enormes, hacemos el festival para divertirnos”, cuenta Tony.

Vivir del arte

En muchas ocasiones, los amantes del arte buscan consagrarse en este mundo y poder vivir de él en algún momento de sus vidas. “A lo largo de estos años, en K-Maleón han participado tanto creadores profesionales como aficionados. Ha habido todo tipo de casos: personas que han tenido que emigrar de León para poder ganarse la vida, personas que ni siquiera se plantean que lo que hacen sea su trabajo e incluso gente a la que no le va mal y vive del arte”.

Solo hay una cosa clara: en el ámbito de la cultura, hay mucha precariedad. Tal y como afirma Tony, “es muy difícil llegar a vivir de tu creatividad”. Lo que sí que es un hecho para el coordinador de K-Maleón es que se necesitan más proyectos reivindicativos: “creo que a los que vivimos de la cultura nos cuesta mucho plantearnos respuestas colectivas a nuestros problemas. Este mundo está lleno de individualidades, de egos, de envidias…Además, hay una competencia feroz. Afortunadamente esto está cambiando”.

21 julio 2014
La Bella y la Bestia

Hace unas semanas, escribía: “no se necesitan muchos actores para llenar el escenario, ni una historia muy elaborada para ocupar todas las butacas”. Hoy, puedo añadir que tampoco hace falta que los artistas sean unos expertos para que aplauda hasta no notarme las manos. Nunca hay que subestimar a nadie, ni siquiera al más pequeño de la casa, porque nunca sabes hasta qué punto te sorprenderá.

Un cuento infantil, llevado a la animación, y por supuesto, al teatro. ¿Qué obra es, si no La Bella y la Bestia? Habrá sido representada infinitas veces, pero ninguna de ellas es igual a la anterior. Desde el sábado 14 de junio, Monóvar tiene su propia versión.

Cualquier buen resultado, conlleva un gran trabajo y una gran responsabilidad. Ocho meses se dice rápido. Pero es mucho tiempo. Tiempo que pasa en un abrir y cerrar de ojos. En realidad, han sido ocho meses con decorados y trajes hechos a mano, con un grupo grande de niños a los que coordinar, con guiones que memorizar, y partituras y canciones que aprender. Después de tantos días de espera, había bastantes expectativas y muchas miradas puestas en el musical: desde los familiares y amigos, hasta los propios artistas. Sin olvidarnos de los más pequeños, que ya venían preparados de casa.

¿Y qué sería de La Bella y la Bestia sin música? Yo reconozco que tengo muy poco oído musical. Nunca lo he tenido. Pero sí que me he dado cuenta de una cosa, y es que los directos desprenden una magia de la que solo se puede disfrutar una única vez. Habría sido mucho más fácil buscar la banda sonora de la obra en internet, reproducirla el día de la actuación y cantarla, pero sinceramente tiene más mérito que La Artística de Monóvar acompañara a los actores en el escenario. Ese toque tan personal, hizo que esta versión fuera especial.

Lo bueno de cada función teatral es que es única e irrepetible. Precisamente por eso, se disfruta más. Por mucho que veas una obra, cada vez te transmitirá sensaciones diferentes. Gracias al mundo de la interpretación, ves cómo personas a las que conoces de puertas para afuera, se convierten en otras con solo pisar el escenario. Es entonces cuando te das cuenta de que tus hijos, hermanos, primos y amigos son ahora Bella, Bestia, Gastón, Lefou, Maurice, Ding Dong o Lumière. Quizás solo sea el hechizo de la anciana mendiga, que llega a todos los rincones del teatro y transforma a todos y cada uno de los artistas.

19 junio 2014
Conversaciones con mamá

Arthur Miller decía: “El teatro no puede desaparecer porque es el único arte donde la humanidad se enfrenta a sí misma”. Conversaciones con mamá es un claro ejemplo de ello. Es una obra tan real como magnífica. Los problemas que asolan a nuestra sociedad van desde el trabajo, la crisis y el dinero hasta el amor, pasando por el egoísmo y el orgullo. Y así lo muestran Jaime y su madre. Él está ahogado en un mar de conflictos económicos y personales; y ella, con tranquilidad y buen humor, vive en un mundo donde las penurias ya han quedado atrás. Durante hora y media mantienen una larga charla, en la que rescatan recuerdos y secretos guardados bajo llave. Filosofan, hablan de la vida, dejan de lado la típicas conversaciones telefónicas madre-hijo, que se hacen por cortesía…Esta obra, muestra el valor real de los padres, en especial el de las madres. ¿Qué haríamos sin ellas?

Gran error sería juzgar esta historia sin ni siquiera verla. Puede resultar tedioso ver cómo dos personajes simplemente conversan entre ellos durante una hora y media. Yo misma creía que me cansaría o me aburriría. Pero para nada es así. Desde el minuto cero, Juan Echanove y María Galiana provocan en los espectadores una mezcla de sentimientos, que hace mantenerlos alerta ante los giros que da la historia. Sin duda, para mí, la palabra que mejor define Conversaciones con mamá es sublime. Realmente es una auténtica obra de arte.

Demostrado queda que no se necesitan muchos actores para llenar el escenario, ni una historia muy elaborada para ocupar todas las butacas. Basta con dos artistas y con un guion sencillo y fiel a la realidad de todos los españoles. Sobra con que estén Doña Herminia y Miguel Alcántara, para hacer que el público disfrute de Mamá y de Jaime. Séneca definía esta realidad a la perfección: “La vida es como una obra de teatro: no es la duración sino la excelencia de los actores lo que importa”.

17 mayo 2014
Ser un mecenas

Grecia y Roma fueron, sin duda alguna, las cunas de la cultura en Occidente. Así lo demostraron autores como Horacio y Virgilio, que gracias a la ayuda de Cayo Mecenas se convirtieron en dos de los referentes más importantes de la literatura. Sin embargo, la época de máximo esplendor del mecenazgo fue el Renacimiento: Brunelleschi, Donatello, Rafael Sanzio o Miguel Ángel son solo algunos de los artistas descubiertos por terceras personas.

Esta práctica ha perdurado en el tiempo. Y por supuesto, ha evolucionado. Internet ha abierto muchas puertas a todo aquel que quería sacar adelante su proyecto: cine, música, literatura…ha servido además para descubrir a jóvenes promesas con talentos ocultos. De esta manera, en España surgieron plataformas como Lanzanos o Verkami. Maxi Velloso, Paco Soto, Alfredo Navarro, Pilar Arejo o J.P. Prewitt son solo algunos de los artistas que han revolucionado el panorama cinematográfico y musical alicantino.

Durante años, el micromecenazgo ha funcionado bien. El artista acude con su proyecto a las plataformas de crowdfunding, y a través de ellas, personas y empresas aportan su granito de arena. Para ello, como dice Alfredo Navarro “hay que ser sincero, decir cómo vas a desarrollar tu idea, para que las personas decidan invertir o no”. La verdadera pregunta es que si este modelo de financiación ha dado buenos resultados, ¿por qué cambiarlo? ¿Existe una necesidad real de regular el crowdfunding o es una excusa del gobierno?

El Anteproyecto

Según el gobierno, el proyecto de ley pretende regularizar esta práctica, para “garantizar la transparencia y que los inversores dispongan de información suficiente”. De esta manera, 3.000€ será el límite de inversión por proyecto y 6.000€ por plataforma. Además, el texto preliminar establece que cada empresa debe tener unos requisitos financieros mínimos y un seguro de responsabilidad civil ante cualquier reclamación.

“El crowdfunding te abre más mercado y hace que tu proyecto lo vean más personas además de tu familia y amigos” afirma Alfredo Navarro. Según el cineasta noveldense, “no se debe limitar, sino ayudar”.

“El micromecenazgo es un trato entre partes privadas”, asegura Maxi Velloso. “De lo que debería preocuparse el gobierno es de promover plataformas de este estilo y tratarlas como empresas particulares, sin inmiscuirse en su funcionamiento interno”.

¿Qué pasará entonces si se aprueba la ley? Ambos cineastas coinciden en que surgirán nuevas alternativas si el gobierno consigue limitar y controlar el mecenazgo. “Aparecerá una forma de crowdfunding más privada, sin intermediarios entre el creador y el inversor”, cuenta Velloso. Por su parte, Navarro dice que con menos medios se pueden seguir haciendo buenos proyectos. Pero para ello, “hay que cambiar el chip”.

Micromecenazgo en Estados Unidos

“El crowdfunding en EEUU está mejor visto que en España. La intervención gubernamental se limita a tratar a las plataformas como empresas privadas y punto”, asegura el director argentino. “En Estados Unidos se favorece el crowdfunding, de tal manera que quien invierte dinero en nuevos proyectos, se desgrava un porcentaje de los impuestos. En España también desgrava, pero la costumbre no está tan arraigada”, añade el cineasta noveldense.

Cualquier emprendedor en Estados Unidos puede anunciar públicamente su proyecto con el único fin de conseguir financiación privada. La Administración americana ya se encargó de acabar con la prohibición que impedía esta práctica. Además, permitirá a cualquier ciudadano mayor de 18 años aportar dinero en negocios privados. Y es que, ¿cómo no promover el crowdfunding si en 2014 creará casi 300.000 puestos de trabajo e inyectará 65.000 millones de dólares a la economía americana?

Novelda- Japón 0 euros.

En 2008, Alfredo Navarro se propuso llegar desde Novelda (Alicante) hasta Japón sin dinero. Durante los dos meses y medio que duró el viaje, pasó por París, Venecia, Berlín, San Petersburgo y Vladivostok hasta que finalmente, acabó en Osaka. Navarro contaba cada experiencia vivida en su blog, en el que escribía y subía vídeos a tiempo real. “Lo que pedía era ayuda, no dinero. A cambio de transporte, cama o comida, yo hacía un pequeño reportaje de las vidas de aquellos que me tendían su mano” cuenta el noveldense. Finalizado el viaje y llegado el momento de la post-producción, se puso en marcha el proceso de micromecenazgo. Gracias a la participación de todos los que creyeron en el proyecto, Alfredo Navarro pudo crear su libro-DVD con todas las fotografías y vídeos tomados durante su travesía.

Este es solo uno de los tantos ejemplos que demuestran que el crowdfunding en España funciona. Aunque no lo parezca, la cultura mueve masas. “Cuando inviertes, te tiene que gustar el espíritu más que el proyecto en sí”.

El gran interrogante en estos momentos es: ¿tendrá futuro esta propuesta del gobierno? En cualquier caso, como dice Alfredo Navarro “podrán quitar el crowdfuding, pero internet y las redes sociales, no”.

3 mayo 2014

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