Verdadera Locura

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  • El alter ego de Andrés Andújar

    El alter ego de Andrés Andújar

    «Es un personaje que lo que quiere es pasárselo bien y no dejar indiferente a la gente con la que interactúa». Ese es Andy Andújar, el alter ego de Andrés. Humorista, monologuista o showman. «Andy es todo lo que no puedo hacer en mi día a día», asegura el polifacético artista.

    Nacimiento

    Puede decirse que Andy Andújar nació el mismo día que Andrés. «Esta faceta la tengo desde pequeño. Lo que pasa es que he empezado a explotarla durante estos últimos años. Me sentía un poco oprimido por la rutina y la monotonía, necesitaba sacar mi otro yo al exterior». Una necesidad que llevó a este comediante estudiar Arte Dramático en Madrid. «Cuando estás metido en el mundo de la actuación, siempre hay un gusanillo dentro que te pide que sigas», afirma el cómico. Así que un buen día, cámara en mano, salió Andy Andújar. «Me disfracé y empecé a interactuar con la gente, a provocarla en cierto modo para ver sus reacciones». Masuno Imagen llegó después. Tras un periodo de indecisión y unos cuantos vídeos vistos, la productora empezó a «echarle un cable» al showman.

    ¿Qué hace Andy Andújar?

    Ganas de divertirse, unos cuantos disfraces y a probar a la gente en la calle. Casi parece un experimento sociológico para ver cómo reaccionan los ciudadanos de a pie, ante un tipo vestido de pollo e incluso de Jesús. «Hay gente que se parte de risa, gente que se asusta, personas que te quieren pegar y otras que se quedan con la boca abierta», explica Andújar. A veces roza la provocación con sus actuaciones, pero no deja de ser parte del espectáculo. ¿Y qué pasa entonces cuando los viandantes no se toman demasiado bien la broma? «Cuando grabamos el sketch de Jesucristo, lo hicimos justo al lado de la iglesia de Playa Lisa. Fue un momento delicado. Íbamos dos compañeros y yo, y a uno de ellos casi le tiran la cámara al suelo. Terminamos de rodar y recoger el material, nos subimos al coche que estaba aparcado muy cerca y las personas que salían de la parroquia empezaron a tirarnos piedras», narra el comediante.

    Fase de producción

    «Es cierto que en los sketches hay mucha improvisación, pero nosotros siempre escribimos un guion con lo que queremos hacer y con las localizaciones», cuenta Andújar. En este sentido, su amigo Rafa Rojas le ha ayudado mucho. De mayo a agosto, Andy se dedica a grabar todos y cada uno de sus vídeos, para editarlos y colgarlos durante el resto del año. A la espera de terminar con la segunda temporada, el humorista ha realizado algún que otro proyecto paralelo. Junto a sus compañeros de teatro, versionó el videojuego mundialmente conocido, Angry Birds. De esta manera, los Andy Birds se disfrazaron de pájaros furiosos, fueron a la plaza del Mercado Central de Elda con una cama elástica y se lanzaron contra la gente. Además, realiza funciones musicales, bien versionando melodías de otros artistas o interprentando alguna propia. «El show que estamos preparando, es un relato de hora y media, en el que compaginamos sketches, la representación de varios actores y música en directo. Contamos la historia de cómo Andy Andújar se convierte en una estrella y relacionamos cada vídeo con una canción».

  • Pago Justo

    Pago Justo

    Año 1968, Dagenham (Inglaterra). 187 mujeres trabajando en la planta de Ford de la ciudad británica, por un salario ínfimo en comparación a los 55.000 hombres del taller. Rita O’Grady y el resto de costureras de la empresa automovilística, se unen en pro de la igualdad salarial y social, inexistente en ese «mundo de hombres». Un parón de 24 horas que se transforma en una huelga de 3 semanas, y que provoca la desestabilización de toda una empresa. Con el delegado sindical y la secretaria de trabajo de su lado, las mujeres siguen adelante sin ser conscientes de todo lo que podrían llegar a conseguir. Gracias a su labor, el gobierno británico aprobó en el año 1970, la Equal Pay Act.

    Un compromiso con la igualdad, que en la película va más allá del enfrentamiento con las instituciones parlamentarias británicas. La huelga de las trabajadoras de Ford no solo causó rencillas con la empresa automovilística y el gobierno, que no concebían una profesionalización del trabajo de las mujeres. La misma protagonista se enfrenta a su marido, que en un momento dado le echa en cara que nunca se ha portado mal con ella. «Ahora eres un santo, ¿es lo que me estás diciendo, Eddie?, ¿eres un maldito santo porque no has abusado de nosotros? ¡Esto es como debe de ser! ¿De qué crees que va toda esta maldita huelga? De hecho tienes razón, no eres un borracho, no eres jugador, te ocupas de los niños, no nos pegas a ninguno. ¡Oh, qué suerte tengo!, ¡por el amor de Dios, así es como debe de ser! Intenta entender eso. Son derechos, no privilegios».

    En la misma línea, está el discurso final de Rita O’Grady ante los delegados de los Sindicatos de Trabajadores. «Estamos juntos en esto, hombres y mujeres. No estamos divididos por sexos. Sino por aquellos que están dispuestos a aceptar la injusticia. No es un privilegio el que las mujeres podamos aspirar a tener los mismos derechos que los hombres, es una cuestión de principios y justicia».

    Una lucha contra el machismo y la desigualdad, comparable a la batalla librada por las sufragistas. Una lucha que hoy continúa, aunque de manera más sutil.

    http://www.youtube.com/watch?v=DZ509hHkHO8

  • Somos Flanagan

    Somos Flanagan

    Mataró, 2006. Vic, Juli, Joan, Ferran, Pablo y Coqui creaban Flanagan e iniciaban su andadura en el mundo de la música, paso a paso pero sin flaquear. «Con paso lento, pero seguro». Tras presentar varias maquetas y diversos EPs, su primera gran criatura ha nacido, como «culminación de un proceso y al mismo tiempo como comienzo de una nueva etapa». Se llama «Algún Valiente».

    1. ¿Qué os hace diferentes?
    Nos gustan las melodías claras, arreglarlas a guitarrazos, y procuramos hacer conciertos potentes y divertidos. En verdad nuestra intención es hacer algo actual y fresco, pero no somos de escuchar mucho lo que están haciendo otras bandas.

    2. ¿Cuáles son vuestras principales influencias?
    Aquí sí que cada uno de la banda es de su padre y de su madre. Hay cosas de Radio Futura, Queen, The Smiths, cantamos Calamaro en el coche, veneramos a James Brown , crecimos con Dire Straits, nos vuelven locos los riff de AC/DC, los coros de los Beach Boys. Podríamos estar un buen rato diciendo nombres y aun nos dejaríamos alguno.

    3. Publicasteis en 2014 «Algún Valiente», vuestro primer LP. ¿Cómo nació vuestra criatura?, ¿y qué lo hace tan especial?
    Antes hicimos una maqueta y un EP, pero teníamos siempre la sensación de que no nos salía la energía que sacábamos en los directos. Fue entonces cuando decidimos que en «Algún Valiente» no nos tenía que volver a pasar lo mismo.

    4. ¿Cómo fue trabajar con Valen Nieto?
    La mezcla perfecta de no parar de reír y trabajar duro. Nos dejó libertad para hacer lo que llevábamos preparado del local de ensayo. Hay un momentazo suyo en una parte de una canción. Después de tenerla toda preparada nos preguntó: «Chicos, ¿qué queréis conseguir con esto? Es que esto no se hace así». Las reacciones no se hicieron esperar. La verdad es que Valen Nieto es una persona muy grande.

    5. ¿Qué significa la expresión «estribillos de chicle»?
    Creemos que «estribillos de chicle» es sinónimo de melodías fáciles de recordar, pero eso es cosa de Juanma Morón, amigo de la banda que aparte de ayudarnos con la letra de «Bastante más práctico», escribió la biografía. Nos aseguró que era una buena expresión.

    6. En vuestra gira, pasaréis por Madrid, Barcelona, Toledo y Zaragoza. ¿Vendréis a Alicante?

    La verdad es que nos lo están preguntando bastante. Ahora mismo si nos llega para el alquiler de la furgoneta y gasolina, vamos. De hecho tenemos muchas ganas.

    LA CANCIÓN DE FLANAGAN

    – La sinfonía nº 9 de Beethoven.

  • Conociendo a BudaSam

    Hard – rock con aires bilbaínos, y con influencias del rock de finales de los 80 y principios de los 90. BudaSam nace en 2011, de la mano de Iván González y Kike Herrero. Tras preparar las canciones del que sería el primer EP, «decidimos que queríamos desarrollar el grupo y tocar en directo», cuenta Kike. Y así se subieron al tren de BudaSam, Aitor Etxebarrena, Iñigo Arbaiza y Ander Alonso.

    Como un torbellino, la banda bilbaína arrasó con uno de sus primeros singles No lo dejes escapar, situándose en la cabeza de la lista de la emisora Euzkadi Gaztea. Pero no solo eso. Participaron en el recopilatorio El Nuevo Legado de Efecto Diablo, siendo el segundo grupo más votado, y también aparecieron en el programa radiófonico Pecado Mortal, tras ser seleccionados entre más de 500 bandas.

    Y durante este periodo de actividad incesante, grabaron sus dos primeros videoclips. El primero de ellos, Vivir. Gracias a la ayuda de los impulsores de Proyecto Vivi: India, Nepal, China, Vietnam y Camboya se convirtieron en algunos de los paisajes más representativos del vídeo. «En cada lugar que visitaban, pedían la colaboración de las personas, que al final aparecían con la letra de la canción escrita en carteles. Luego nosotros nos dedicamos a editar las imágenes», explican. El segundo de sus videoclips, tiene un escenario completamente diferente. Con Beso Vudú, pasan de lo «exótico» de Asia, a lo más «rockero». Un concierto, el público, la música de BudaSam y la sala La Cúpula de Bilbao.

    Y en primavera de 2014, con la ayuda del productor Jagoba Ormaetxea, vio la luz el primer disco de la banda de Bilbao, Ensuciando el silencio. Una combinación de ritmos pausados, sentimentalistas y otros más duros, más rockeros, más «guitarreros». Un trabajo producto de la fluidez, de la rotura de los esquemas. «No seguimos ningún proceso de creación determinado. Un día podemos llegar con un ritmo de guitarra, y otro con unas frases escritas, por lo que le damos más prioridad al texto. Nos han criticado porque no seguimos una línea concreta y porque después de escuchar las canciones, no saben encasillarnos dentro de un estilo musical», narran los artistas.

    ¿Qué hay del futuro, entonces? «Estamos componiendo nuevos temas. Algunos están ya bastante avanzados. De todos modos, es un proceso que requiere tiempo, y más ahora que lo estamos compaginando con la gira», aseguran. Paciencia, pues.

  • Durango14, surf & roll en estado puro

    «Cinco jinetes unimos nuestras fuerzas a finales de 2011 y así nace Durango14, con la intención de darle un giro de 360º a la música instumental». Así se definen en sus redes sociales, los cinco jinetes llamados David, Ruri, Alfie, Pablo y Joe. O Durango 14 cuando saltan a los escenarios. Con dos discos a las espaldas, Vol.1 y Vol.2, la banda madrileña prepara un espectáculo dirigido a los más pequeños de la casa. El estreno: el sábado 14 de febrero, en la Sala Tú de Malasaña.

    Pregunta. ¿Por qué darle la vuelta al concepto de banda y hacer música instrumental?

    David Pardo. Siempre quisimos hacer una banda instrumental, principalmente porque nos apetecía, pero también porque no hay nada de raro en que no haya voz. Queríamos que los cinco instrumentos fueran solistas y no acompañantes. Además, nos gusta que todo el mundo nos pregunte por qué no metemos un cantante.

    P. ¿Cuáles son vuestras influencias musicales?

    DP. Las influencias de Durango14 son tan variadas como los gustos de sus miembros, que escuchamos de todo. Hay surf, pero también hay toques de Hendrix, Zeppelin, Black Sabath, con toques “oldies” como Los Brincos, y las nuevas influencias de gente como Muse o Black Keys.

    P. ¿Qué significa la expresión “surf & roll espeso”?

    DP. Es más que una expresión, una manera de ver la música, que parte de la música surf hasta un sonido mucho más espeso, pantanoso, con guitarras distorsionadas, saxo afilado, y groove a muerte. Además, influye la manera de actuar en el escenario, siendo en el fondo, un concierto de rock & roll.

    P. ¿Esperabais tal éxito para el grupo, al publicar vuestro primer trabajo Vol.1?

    DP. Nacimos para ser grandes o morir en el intento. No hay otra alternativa, y nuestras fuerzas van para ello. No obstante, haber tocado en Los Conciertos de Radio 3 unos cinco meses después de que saliese el disco, poner música a MotoGP, o ganar los únicos dos premios a los que nos hemos presentado, con la posibilidad de estar tocando en Dublín representando a España, son puntazos con los que no contábamos.

    P. ¿Cómo surge la idea de este espectáculo para los niños?

    DP. Todo este show nace gracias a la visión de David, de la Sala Tú. Anteriormente, habíamos tocado en la calle o en otros espectáculos, y los niños siempre bailaban y disfrutaban más que nadie de nuestras canciones. A raíz de un concierto en esta sala, surgió la idea de hacer un musical o espectáculo para los peques. Es una buena idea para que vayan escuchando música y asistiendo a conciertos desde enanos.

    P. El hilo conductor del espectáculo son vuestros temas del segundo disco, pero ¿de qué manera los hilaréis?

    DP. No sólo del segundo disco, también habrá temas del primero, y alguna sorpresa en forma de versión. Los temas, al prescindir de letra dan lugar a múltiples interpretaciones. Nosotros hemos elegido la nuestra y lo hemos presentado en forma de guion teatral, en el que nuestro protagonista, un joven aracenense, decide hacer todo para perseguir sus sueños, y las canciones nos servirán como hilo conductor.

    P. ¿Cómo podrán participar los niños?

    DP. Queríamos hacer un espectáculo teatral destinado a niños y mayores, de tal manera que disfrutaran todos los públicos. En el caso de los peques, van a ser protagonistas de algunas de las historias y nos van a ayudar a conducir la trama. Y hasta aquí puedo leer. Hay que ir a verlo.

    LAS CINCO MEJORES CANCIONES PARA DURANGO14

    1. It won’t be long, The Beatles

    2. Knights of Cydonia, Muse

    3. Thriller, Michael Jackson

    4. Bohemian Rhapsody, Queen

    5. Hijos del agobio, Triana

  • Croqueta y Empanadilla

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    «Si yo soy una empanada, tú eres una croqueta». Así empezó todo. Inspirándose en un viaje a Berlín, que «fue un desastre», Ana Oncina comenzó a dibujar el que sería su primer cómic.

    Desde pequeña

    “Desde pequeña he sabido que quería dedicarme a dibujar. Cuando iba al colegio, empecé con el manga y el anime, y descubrí que me gustaba hacer cómics e ilustraciones», explica Ana. Pasó el tiempo, y llegó el momento de acabar el instituto y empezar la universidad. «Me planteé qué hacer, porque Bellas Artes tenía pocas salidas, pero como estábamos en la época de que nada tenía salidas, decidí irme a Valencia”. Eso sí, teniendo claro a qué querría dedicarse en el futuro. Y le salió bien.

    Croqueta y Empanadilla

    El primer tag dibujado fue el del viaje a Berlín. «Era una historia con principio y final, así que las siguientes las estructuré de la misma manera». Un cómic, con tintes autobiográficos, en el que la ficción y la realidad se mezclan de una manera realmente interesante. Desde la combinación de personas y alimentos, hasta la aparición de un perro y un gato, que «en realidad no existen, pero son un proyecto de futuro». Una vez terminadas todas las ilustraciones, los familiares y los amigos de Ana Oncina, la animaron a que publicara las aventuras de Croqueta y Empanadilla, y aunque no era su idea inicial, lo hizo. «Hice un portfolio, con los personajes, con una idea sobre cómo iba a ordenar la historia y con algún tag hecho. Lo mandé todo a un montón de editoriales, y al día siguiente me llamó La Cúpula». Y la acogida no se hizo esperar. Seis ediciones desde marzo de 2014. “No me imaginé que tuviera tanto éxito, pensaba que a nadie le interesaría ver mi vida en dibujos. Pero resulta que, en realidad, somos todos bastante parecidos».

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    Técnica e influencias

    El proceso de creación es sencillo. La joven eldense, explica su técnica a la hora de dibujar. «Primero hago los bocetos, luego los paso a limpio y los escaneo. A la hora de pintar y maquetar, empleo el photoshop». En cuanto a las fuentes de inspiración, la dibujante Ana Oncina, reconoce que la gente compara sus ilustraciones con las de Hora de Aventuras. «Seguramente sea así, porque la verdad es que estos dibujos me encantan», añade. Pero esta no es la única influencia que recibe: «Al entrar en la universidad, empezó a gustarme el cómic europeo underground. Y aunque hace tiempo que no leo mangas, supongo que la influencia continúa latente”.

    La continuación

    ¿Qué pasará con Croqueta y Empanadilla?, ¿seguiremos viendo y leyendo sus aventuras? Por supuesto. «Ahora mismo, estoy dibujando la segunda parte del cómic, que espero publicarlo en primavera», asegura Ana.

    Web Ana Oncina: http://www.anaoncina.com

  • Je suis Charlie Hebdo

    Je suis Charlie Hebdo

    Miércoles, día 7 de enero. Son casi las 11 de la mañana y gran parte del equipo directivo de la revista satírica Charlie Hebdo está reunido. Tres atacantes vestidos de negro entran en el edificio y comienzan a disparar a quemarropa contra empleados y redactores. Un total de treinta disparos que acabaron con la vida de doce personas e hirieron a diez más. Una situación desastrosa, con víctimas desesperadas que deseaban no haber pasado por ese infierno Tras una huida forzosa y varios heridos y fallecidos en el camino, los terroristas huyeron. Bajo los gritos de “Alá es grande”, habían vengado a Mahoma, que ha sido caricaturizado varias veces por los dibujantes de Charlie Hebdo. El día 9, después de un largo tiroteo, los yihadistas sospechosos han muerto a manos de la policía francesa.

    Este es otro ejemplo más del mundo en el que vivimos. Según la ONU, nadie puede negarnos el uso de internet en ningún lugar del mundo. Sin embargo, pueden asesinarnos por hacer nuestro trabajo. Morir a manos de unos fanáticos religiosos, que emplean el Islam para justificar este tipo de actos, es intolerable. Lo más preocupante es que en pleno siglo XXI, todavía haya tanto radical en la calle, dispuesto a morir por llevarse a unas cuantas personas por delante. ¿En qué nos estamos convirtiendo?

    La vida ya es bastante complicada. No necesitamos pasar por este tipo de situaciones. A estas alturas, todos deberíamos poder reírnos de nosotros mismos y de nuestro día a día. Para eso existen los medios de comunicación satíricos. Para eso están revistas como Mongolia y El Jueves. O Charlie Hebdo. Pero lo cierto, es que si hay algo de lo que estoy orgullosa, es de ser periodista. La grandeza de mi oficio está en no dejar de informar, pase lo que pase.

    Recordad: el próximo número de Charlie Hebdo sale a la calle el miércoles, día 14.

  • Paul Zinnard, músico inquieto

    Paul Zinnard, músico inquieto

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    El año 2010 fue un año clave para Carlos Oliver, o Paul Zinnard, que es como lo conocen en el ámbito musical. Iniciaba una carrera en solitario, motivado por unas inquietudes tan reales como personales. “Paul Zinnard nace después de unos años estando en varias bandas, y tras sentir la necesidad de hacer algo solo. Me apetecía coger la guitarra y no depender de nadie”, afirma el artista mallorquín, afincado en tierras madrileñas.

    Inicios musicales

    “En el mundo de la música empecé muy joven, como muchos artistas. Y en un principio, no sabía si me iba a gustar o no”, explica Paul Zinnard. Bajo las influencias del rock y de bandas como Deep Purple o Radio Futura, el cantante fue formándose y creciendo musicalmente.

    A lo largo de su carrera, ha pasado por bandas como The Bolivians o The Pauls, pero fue durante la grabación del trabajo más reciente de este último grupo, cuando decidió emprender carrera en solitario.

    Clean-cut and rude

    Clean-cut and rude es el tercer álbum en solitario del mallorquín, tras Songs of Hatred and Remorse (2010) y Orbit One (2012). Este último disco, rompe completamente con lo que Paul Zinnard había presentado anteriormente: deja de lado esa música más tranquila, “que llegaba al corazón”, para dar paso a melodías que “entran por los pies” y hacen bailar al público. El propio cantante habla de este último trabajo: “Cada nuevo proyecto nace de las sustracciones del anterior, ya que en cada uno de ellos siempre hay algún aspecto que dejas de lado. En esta ocasión, he decidido retomar los ritmos que aparecían en los discos realizados hace unos años”.

    Portada

    “Lo cierto es que este proyecto se gestó con facilidad. Quería que fuera un disco bastante espontáneo y necesitaba que todo fuera muy ágil, para que la gente no llegara a cansarse de él”, cuenta Paul Zinnard. Y claro que fue una producción frenética: en poco más de un mes, el compositor ya había compuesto las letras. «Casi vomité las canciones», afirma. Lo cierto, es que con la ayuda de Mauro Mietta –pianista que ya participó en discos anteriores- se formó parte de esta obra musical. Rápidamente, Santi Guillén, Miguel de Lucas y a Cristian Chilo, se unieron al proyecto. “Los temas ya los teníamos preparados, así que juntos nos pusimos a ensayar y salió todo prácticamente a la primera”, cuenta el vocalista.

    La maldición

    Clean-cut and rude iba a ser el nombre de un disco que Zinnard grabó junto a The Pauls. Pero este jamás vio la luz. “No lo publicamos porque no era lo que realmente queríamos y esperábamos”, afirma el artista. Un título que permaneció en el olvido hasta que el mallorquín grabó este último álbum: “Entonces me di cuenta de que era el trabajo que yo había deseado hacer”, asegura.

    La sesión fotográfica

    Dejarse llevar por la emoción, no preocuparse ni obcecarse por la perfección absoluta. De ahí la idea de grabar este trabajo como si se tratara de una sesión fotográfica: entrar al estudio y actuar del mismo modo que en un concierto, en vivo y en directo. El resultado final, Clean-cut and rude. Tras la frenética grabación, que duró apenas tres días, llegó el momento de sentarse y elegir: de las once canciones iniciales, en el disco aparecen ocho de ellas. “Queríamos captar, igual que se capta la fuerza de una mirada en una fotografía, la espontaneidad de nuestra producción”, asegura Paul.

    Las recomendaciones de Paul Zinnard

    1. September. Earth, Winds and Fire.
    2. Shoot me all night long. AC/DC
    3. Any time at all. The Beatles.
    4. Sleeping on the sidewalk. Queen.
    5. Strange kind of woman. Deep Purple.

  • Desde México, llega Zoé

    Desde México, llega Zoé

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    Conocida nacional e internacionalmente, la banda latinoamericana Zoé ha llegado al alma de mucha gente con su rock clásico, al más puro estilo de The Beatles, Pink Floyd, The Cure o Depeche Mode. Diecisiete años en el panorama musical y continúan pisando fuerte.

    Formación

    Inicios complicados para el grupo, que gracias al boca a boca empezaron a hacerse un hueco en este mundo. México los vio nacer y emerger. Fue testigo directo de su expansión. “Zoé es una banda de amigos que se conocen desde hace aproximadamente 20 años. Cada uno de nosotros empezó con proyectos separados, hasta que se dio una unión y un arranque oficial en México DF”, explica Rodrigo Guardiola, batería de la banda. Cinco discos de estudio, conciertos y una carrera de crecimiento constante. Quizás esta sea la definición que más se ajusta a Zoé, esa banda cuyo nombre dice tanto, con tan solo tres letras. “Es una palabra que tiene varios significados en distintos idiomas, pero las razones originales por las cuales elegimos esta denominación, fueron su connotación femenina, su brevedad y su potencial gráfico. Además, así se llama la hermana de una persona muy cercana a la banda”.

    La carrera musical

    En el año 2001, Zoé publicaba su primer trabajo. Sony quiso apostar por ellos, pero dos años después, el contrato se rompió. “El grupo nunca dejó de trabajar ni de tocar en vivo. Lo único que sucedió es que encontramos un sello independiente, con el que produjimos la siguiente publicación. La historia con esa discográfica tampoco funcionó y regresamos a la transnacional EMI, con la que actualmente seguimos”, cuenta Rodrigo. Nada frenó al grupo liderado por León Larregui. Zoé, Rocanlover, Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea, Reptilectric y Prográmaton, conforman los cinco discos de estudio de la banda mexicana. Pero sin duda, 2011 fue el punto de inflexión. “Fue el primer año que logramos hacer una gran gira y pisar por primera vez muchas ciudades. Hicimos casi 100 shows por 17 países. Estamos muy agradecidos por el apoyo de la gente”.

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    La importancia de las palabras

    El propio nombre del grupo ya muestra la importancia que tienen las letras para los miembros de Zoé. Sus canciones van más allá de las melodías, con mensajes que hacen pensar y que hacen sentir. “Las letras de León Larregui son una parte esencial de Zoé y tienen un rango de interpretación. Es un humor y un estilo que la gente ya identifica muy bien. Al final los temas son muy universales, así que seguro tienen el poder de hacer un cambio fuerte en las personas que conectan con ellas”, explica Rodrigo Guardiola. Pero la simbología de las letras va más allá. Hasta el nombre de los discos tienen un significado especial. Sin ir más lejos, Reptilectric procede de la unión de Reptil y Eléctrico. El mito maya de la serpiente emplumada sirvió de influencia para la banda mexicana. Según cuenta la leyenda, hace muchos años, existía un templo al que los habitantes llevaban ofrendas. Este lugar estaba custodiado por un guerrero cuyo traje estaba formado con plumas. Una vez llegaron los conquistadores, engañaron a una joven para que los llevara ante el templo. Pensando que era la cómplice de los invasores, el guerrero acabó con la vida de la mujer. Como respuesta, los recién llegados asesinaron al guardián, que se arrastró por el suelo como si fuera una serpiente. Antes de morir, pronunció unas palabras, que hicieron que el templo se hundiera en el agua.

    Estrechando lazos y amistades

    Soda Stereo ha sido y es una de las bandas iberoamericanas más influyentes de los últimos años. Ha sido un hito y la principal influencia de muchos grupos de rock: Dorian dedicó una canción a los argentinos; en uno de sus conciertos, U2 realizó un homenaje al que fue el líder de Soda Stereo, Gustavo Cerati; y Shakira le dedicó su tema Sale el sol. Y estos son solo algunos de los tantos recordatorios. En 2006, Zoé actuó en uno de sus espectáculos junto a Cerati, acontecimiento que marcó a los mexicanos. “Soda Stereo y lo que siguió haciendo Gustavo Cerati, son muy importantes para nosotros. Crecimos escuchando sus discos. Gracias a esta banda, nos dimos cuenta de que en Latinoamérica también se podía hacer una carrera seria con la música”, narra Rodrigo.

    La relación de Zoé con España también es muy estrecha. Desde hace años, mantienen una buena amistad con los catalanes Dorian. “Los conocimos por un contacto que compartimos aquí en DF. Hemos actuado con ellos, tanto en México como en España”. Pero el vínculo no termina ahí. Este año 2014, durante diez semanas, participaron junto a Vetusta Morla en la primera edición del Tour Atlántico. “Hicimos 18 fechas con ellos allá y otras tantas aquí en Latinoamérica. Fue un gran momento de esta gira 2014, ya que pudimos conocer muchas ciudades de España, junto a unos grandes amigos”, comenta el batería de Zoé. “Continuaremos de gira hasta julio de 2015 y luego, posiblemente haremos otro disco. También estamos buscando un momento para visitar España”, añade Rodrigo Guardiola.

  • El mundo de Ele

    El mundo de Ele

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    Compositora y cantante. Ella es Elena Iturrieta, Ele. Con una mezcla de folk, soul, rhythm and blues y góspel, la artista aterriza en el panorama musical con su primer trabajo Summer Rain. Pero, ¿quién es Elena? “Sencillamente soy yo. No hay caretas ni máscaras. Pienso que cuando sacas adelante un proyecto tan personal, como para mí es la música, lo que haces es mostrarte cómo eres”.

    Entrar en el mundo de la música

    La educación y la música van de la mano en la vida de Elena. Aunque no ha dejado de hacer su trabajo, el ámbito artístico se ha ido haciendo hueco en su día a día. “Poco a poco, me fui dando cuenta de que disfrutaba mucho con la música”, cuenta la artista. Pero aun necesitaba un último empujón, ese que termina siendo decisivo, el que hace que elijas un camino u otro. “De hecho, cuando entré en este gran mundo, me dije: a ver qué pasa”, añade. La suerte nunca viene sola, pero con su talento, el éxito fue llegando. Pablo Cebrián se encargó de la producción del primer trabajo de Ele, Summer Rain. “Pablo me ha apoyado mucho, porque desde el principio supo lo que quería, lo que necesitaba y me ayudó a mejorar. Una vez terminado el disco, me ofreció firmar con Arcadia Music y acepté”, cuenta Elena. “La verdad es que con esta discográfica, me ha tocado la lotería. En todo momento han respetado mis decisiones como artista”, asegura.

    Las influencias

    No estancarte en un estilo musical. Esa es la clave del éxito de muchos artistas, músicos, compositores o cantantes. Dejarse llevar por melodías y letras diferentes: da igual soul, pop, rock o heavy. Lo importante es escuchar canciones que te transmitan alguna sensación. “Lo realmente importante es tener tu propia manera de hacer las cosas. Lo que te rodea, lo que escuchas y lo que vives es lo que termina influyéndote”. Ele ha evolucionado con un repertorio que va desde Leonard Cohen a Bruce Springsteen. Esta versatilidad a la hora de escuchar música, convierte el trabajo de Elena en una enorme confluencia de géneros.

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    Summer Rain

    “Este disco es muy especial, porque es el primero que compongo. Tenía muchas ganas de grabarlo y publicarlo”, cuenta Elena Iturrieta. Un trabajo muy cuidado, con unas letras y unas melodías igual de importantes. Cada canción es un mundo. En Positivity y A Thousand Miles Away From You, el coro góspel se convierte en el máximo acompañante de Ele. Daniel and Charlie destaca por sus influencias del jazz de Nueva Orleans, también conocido como dixieland. Otros temas como Calling You, cantado a capella, reflejan el dolor humano ante las pérdidas. “Me encantaría que la gente escuchara Summer Rain y sacara sus propias conclusiones”, anhela la artista. Sin duda, un disco del que no se puede hablar. Sencillamente, hay que sentarse a escuchar.

    «Todo el mundo hace su arte» – Elena Iturrieta

     

  • Miralls & Miratges

    Miralls & Miratges

    Todo empezó en Barcelona en el año 1997. Santi, Jordi, Joanra, Uri y Julián empezaban en el mundo de la música y creaban su primera maqueta para un concurso de la revista Ruta 66. La llamaron Love of lesbian. Pronto, los medios de comunicación bautizaron al grupo con el mismo nombre. Y cuando quisieron cambiarlo, ya era demasiado tarde.

    Evolución

    Los inicios de Love of lesbian estuvieron marcados por sus canciones en inglés. Así nacieron los tres primeros discos de la banda, Microscopic Movies, It is fiction? y Ungravity. “Nos dejamos llevar por el momento, por el país, por lo que se escuchaba en ese momento. Luego nos dimos cuenta de que cantar en inglés no nos llevaba a ningún sitio”, explica el guitarrista de la banda, Jordi Roig. El año 2005 fue su punto de inflexión. Dejaron el idioma anglosajón a un lado y se pasaron al castellano. “Queríamos hacer un trabajo más artístico y más para nosotros”, cuenta Jordi. Y el experimento salió bien, aunque ellos tenían otros planes para el grupo. “Nuestro propósito inicial era sacar un disco, hacer diez conciertos y dejarlo”, añade. Pero los seguidores y el éxito, no dejaron que se marcharan sin más.

    La profundidad de los temas

    “Un artista indie es aquel que sale adelante con sus propios medios. Él se lo guisa y él se lo come. Crea sus canciones, las graba, elige la portada de sus discos”, dice Jordi Roig. En Love of lesbian, Santi Balmes es quien escribe las letras de los temas. “Santi es muy hiperactivo a la hora de componer, puede dedicarle cuatro o cinco folios a una canción. Recrea y retrata historias, cuya fuente de inspiración es la vida misma”, cuenta el guitarrista del grupo. El resultado: temas profundos, capaces de atrapar a quien busque entenderlos. Y por esta razón, están enmarcados dentro del género indie.

    De manera paralela, el vocalista de Love of lesbian, ha publicado varios cuentos y novelas. “Para cualquier banda, es tranquilizador que el líder desarrolle su creatividad escribiendo libros, y no haciendo carrera en solitario”, bromea Roig.

    La noche eterna. Los días no vividos

    En 2012, la banda catalana sorprendía a sus fans con un doble disco, el séptimo trabajo de su carrera, que recogía todas las experiencias vividas durante la gira de 1999. Viajes, conciertos, noches en vela y mañanas dormidas. Todo ello queda reflejado en La noche eterna. Los días no vividos, el disco más importante para los componentes del grupo. “El disco refleja aquellos días en los que no estás, porque vives por la noche”, explica Jordi. Una reflexión sobre la ausencia, la pérdida de momentos por estar lejos, sobre la vida nocturna y sus misterios.

    M&M

    Miralls i miratges. Espejos y espejismos

    “La música como espejo de tu realidad, o la música como creadora de espejismos donde refugiarse. Una dualidad que muchas veces se confunde en una misma melodía y un mismo verso». Bajo esta premisa, nace Miralls & Miratges. Las canciones más hirientes e íntimas de Love of lesbian, llevadas al teatro. “Nos fascinaba la idea de crear un proyecto diferente. No es una obra de teatro, es más bien una representación de algunos de nuestros temas”, explica Jordi Roig. Guillem Albà y Blai Rodríguez son los encargados de teatralizar las melodías de la banda, con la ayuda de cajas de cartón, maniquíes y teatros de sombras.

    «En la habitación de la memoria hay espejos, polvo y alguna bonita mentira», recita Santi Balmes. El público calla y el espectáculo empieza.

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