Verdadera Locura

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La Habitación Roja

En el año 1994, L’Eliana vio nacer a La Habitación Roja. Jorge Martí y José Marco fueron los impulsores de la banda, a la que pronto se unieron Pau Roca, Marc Greenwood y Jordi Sapena. Dos décadas después, este grupo enmarcado dentro del género indie-rock, se mantiene unido, convirtiéndose así en uno de los más consolidados del panorama musical español.

Veinte años de música

“La Habitación Roja no nació en un momento puntual. Al principio, éramos un grupo de amigos que se juntaban para hacer canciones y pasar un buen rato juntos. Sí que es cierto que en los inicios, tras grabar nuestra primera maqueta, nos recorrimos toda Valencia dando conciertos”, explica el guitarrista del grupo, Pau Roca. Pero mantenerse tantos años en el ámbito musical, sin duda es complicado. Y más cuando se llevan a cabo otros proyectos paralelos. Juntarse, hacer las canciones y grabar puede ser un problema. Sin embargo, Pau cuenta que es lo más difícil es encontrar a las personas adecuadas. “Nosotros hemos tenido suerte porque nos complementamos, congeniamos y trabajamos muy a gusto. Hay muy buena comunicación entre nosotros”.

Indie-rock

El género indie se ha convertido en los últimos años en un fenómeno mundial, imposible de frenar. Multitud de grupos e incluso escritores se enmarcan dentro de esta corriente, asociada a la independencia. El Sonorama es uno de los grandes festivales musicales, en el que actúan muchas de estas bandas y por supuesto, La Habitación Roja no ha sido una excepción. “No es la primera vez que actuamos, pero siempre es una gran experiencia participar en este festival”. Sin embargo, aunque se les etiquete como grupo “indie-rock”, ellos prefieren no encuadrarse dentro de ningún género. “Nosotros vamos haciendo las canciones de la manera que más nos gusta, no nos planteamos ningún estilo ni pensamos en qué pasará”, cuenta Pau Roca.

La moneda al aire

Los componentes de La Habitación Roja han llegado a 2014 unidos y con nueve trabajos publicados. La moneda al aire es el último y quizás, el mejor disco de su carrera. Con menos guitarras y con mayor potencia en la base rítmica, los arreglos y las voces, La Habitación Roja ha alcanzado un gran reconocimiento. “Las canciones debían funcionar con menos elementos y había que tirar menos de la distorsión en las guitarras. También nos apetecía llegar más allá en un tipo de canción en el que no nos hemos prodigado mucho”, cuentan los chicos de la banda. El lugar de la grabación ha sido muy especial para ellos, ya que por los Estudios Rockfield de Gales han pasado artistas como Black Sabbath, Motorhead, Oasis, New Order o Coldplay. “Un montón de nuestras bandas y cantantes favoritos han estado en estos estudios. Ha sido muy gratificante grabar en Rockfield. Además, queríamos que nuestro disco naciera en el mejor estudio y con los mejores medios técnicos”.

Tal como prodigan, “la suerte está echada y la moneda está en el aire”.

6 noviembre 2014
Dorian y Babasónicos en Alicante

Hablar con artistas a los que admiras es siempre un placer. Y si además son grandes personas, el placer es todavía mayor.Verlos en directo en Elda y compartir unos minutos con ellos fue realmente increíble. Aunque pensé que no lo conseguiría, logré entrevistarlos. Belly Hernández fue quien me atendió y respondió a todas mis preguntas.

Ayer, mi compañera Jennifer y yo tuvimos la oportunidad de entrevistarlos de nuevo. En esta ocasión, Marc Gili fue el portavoz de la banda. A continuación, dejo el enlace con la entrevista que le realizamos.

¡Muchas gracias por la atención y por la paciencia!

A las 20.30, en la Sala One de Alicante, Dorian y Babasónicos.

31 octubre 2014
Fran Cazorla y su Reloj

“Cuando el azar juega haciendo que un objeto del pasado llegue a manos de alguien, es porque el destino tiene algún plan. Cuando Mary tropezó con aquel reloj, lo primero que vio fue el regalo perfecto para su marido. Un reloj que les llevará a intentar resolver un misterio oculto tras el paso de los años, y convertirá su presente en algo que no podían haber imaginado”.

Los libros de misterio, intriga y casos sin resolver siempre me han fascinado. Quizás por eso, desde que llegó a mis manos esta obra, me llamó la atención ese breve resumen de la contraportada. Comencé a leer con curiosidad. He de reconocer que me costó engancharme, tal vez por el estilo, que me recordaba más al lenguaje conversacional que al literario. Pero la historia y la trama me llamaban especialmente la atención. De hecho, el final me encantó. Ni mi mala costumbre de leer la última página del libro antes de tiempo, me quitó la sorpresa al acabar la novela.

Ser conciso, ir directo al grano y evitar los rodeos son tres aspectos que valoro mucho a la hora de elegir libro. Pero sin pasarse. Hay lugares, sensaciones, objetos que merecen ser explicados al detalle. En El reloj me he encontrado con ambas cosas. La aparición del reloj en las vidas de Mary y Andrés o el inicio de su viaje son dos cuestiones que se han resuelto con la agilidad necesaria. Y eso me gusta. Sin embargo, la brevedad de la novela me ha dejado con ganas de más. Todavía tengo incógnitas en mi cabeza, que de haber tenido más páginas por leer, seguro que habría resuelto. ¿Qué es realmente esa muñeca?, ¿qué hay del pintor?, ¿qué ocurre realmente con la familia? El misterio que envuelve la obra merece ser explicado largo y tendido. El aspecto positivo es que las fotografías de los lugares y los objetos que se encuentran los personajes, refuerzan la obra y ayudan mucho a situarse.

Detrás de cada novela, de cada obra, hay una labor inmensa que hay que reconocer. La opinión del público es importante. Pero la satisfacción con uno mismo por el trabajo bien hecho también lo es. Espero tener la oportunidad de volver a leer a Fran Cazorla, porque la verdad es que El reloj me ha sorprendido gratamente.

«Adquirir el hábito de la lectura es construirse un refugio contra casi todas las miserias de la vida» (William. S. Maugham)

26 octubre 2014
Tras la estela de Versos Rotos

Año 2006, se acerca el festival de fin de curso. Alberto Guillén, Tomás Gomis, Jordi Hernández y Juan Toledo van a clase juntos y deciden actuar en su instituto. No tienen un nombre artístico, pero su profesora de literatura les echa una mano. Así nace Versos Rotos. Ocho años después continúan trabajando juntos. Con dos EPs publicados y un concurso que marcó un antes y un después en su trayectoria, se preparan para grabar su tercer trabajo en febrero.

La inspiración

“Alberto trae la base rítmica y la melodía de la voz. A partir de ahí, trabajamos los cuatro hasta que todo va cogiendo forma. A veces, salen canciones completamente diferentes a las que teníamos pensadas”, explica Tomás. “Juntos sacamos lo que es el eléctrico: la batería, el bajo, que la guitarra vaya en armonía con la voz. Esto es lo más difícil”, aclara Alberto. “A veces, la inspiración viene en dos horas y en otras ocasiones tarda una semana en aparecer. Para escribir las letras, intento motivarme, contagiarme”, añade el vocalista.

El punto de inflexión

Como cada año, la concha de la Explanada de Alicante acoge el certamen de Promoción de Música Joven. Era el año 2010 cuando los chicos de Versos Rotos se presentaron, proclamándose al fin los ganadores de esta decimotercera edición. “A partir de ese momento, recibimos llamadas para actuar en diferentes lugares. Lo cierto es que cualquier concurso te ayuda: no solo aumenta la repercusión mediática, también nuestra motivación. Además, coincidió con la salida de nuestro primer EP”, explica Juan. “Ganar un premio significa que otras personas reconocen tu trabajo”, añade Tomás. Este fue el verdadero punto de inflexión para la banda. “La música pasó de ser un hobby a ser algo serio. Día a día, trabajamos para profesionalizarnos más”, asegura Jordi.

Hemistiquio

“Hemistiquio nace en un momento en el que necesitábamos grabar. Nuestro último trabajo fue en 2010 y habían pasado 3 años desde entonces. Teníamos un sonido diferente al del primer EP, así que hablamos con Roberto, el productor y comenzamos a grabar”, cuentan los artistas. Intenso, eléctrico, enérgico, bailable. Así es Hemistiquio, según los chicos de Versos Rotos. Tanto nacional como internacionalmente, la acogida ha sido enorme. “Gracias a las redes sociales, nuestro trabajo ha llegado hasta Latinoamérica. En España, hemos actuado en Madrid, Barcelona, Cádiz, Murcia. Al principio no salíamos de Alicante”, narran. “Nuestro proyecto ya tiene otra perspectiva. Antes éramos un grupo de amigos que se juntaban para pasarlo bien”.

Sobrevivir en el mundo de la música

¿Quién no sabe lo sacrificada que es la música? Tiempo, dedicación, trabajo y sobre todo, paciencia. Nadie te regala nada en la vida, y menos en el ámbito artístico. Durante los ocho años de vida de Versos Rotos, Alberto, Tomás, Jordi y Juan han compartido escenario con Love of lesbian, Miss Caffeina, Sidecar, Supersubmarina, Sexy Zebras y The Sunday Drivers. “Ves de otra manera la música, ya que trabajas con grupos que viven prácticamente de este mundo y te contagian esas ganas de seguir. Siempre nos repiten lo mismo: que trabajemos y nunca tiremos la toalla. La gente nos anima a pelear por nuestro proyecto”, cuentan los jóvenes artistas. Desde 2008 están luchando por hacerse un hueco en el panorama musical, con la única ayuda de ellos mismos. “De momento, salimos adelante con nuestros propios medios y recursos. Podríamos recurrir al crowdfunding, pero es un arma de doble filo y no nos atrevemos a hacer una campaña de este tipo”, explican. “De todos modos, si algún día tuviéramos que hacerlo, nos lo plantearíamos”, añaden.

Marcar la diferencia

“Parecerá un tópico, pero lo que nos hace diferentes como artistas, es que somos amigos. Pero cuatro amigos de verdad, que comparten experiencias del día a día y disfrutan haciendo música”, asegura Tomás Gomis. “Además, desde el festival de fin de curso de 2006, tenemos un objetivo común, Versos Rotos. Nuestra amistad y unión nos han mantenido hasta ahora. Son los valores que nos dan la fortaleza que necesitamos”, concluye. Así hacen vibrar a la gente y consiguen no dar tregua durante sus conciertos. Pop, rock, indie, ¿qué más da? “Dejamos que cada uno interprete nuestra música. El estilo sale de manera paralela a nuestras canciones”.

«Que empiece ya esta función»

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17 octubre 2014
El arte de Toval

“Cuando comienzas una pintura es algo que está fuera de ti. Al terminarla, parece que te hubieras instalado dentro de ella”, dice el artista colombiano Fernando Botero. Cristóbal Pérez, “Toval”, lo sabe bien. De pequeño descubrió el mundo de la pintura, y a los 18 años cogió por primera vez unos pinceles. Ha sido profesor, pero actualmente se dedica exclusivamente al arte: “Tengo muchos amigos que combinan docencia y pintura. Pero yo, desde el principio sabía que quería dedicar mi vida a lo que mejor sabía hacer. Creo que puedo aportar un granito más a este mundo”.

Trabajo duro

Ha ganado multitud de certámenes de pintura de toda España. Numerosas galerías de arte, nacionales e internacionales han expuesto sus trabajos. Países como México, Estados Unidos o Inglaterra han visto pasar las obras de este joven pintor. Puede que haya gente que lo considere suerte, pero la suerte hay que ganársela a base de esfuerzo. “Para hacerse un hueco en el mundo de la pintura no hay ningún secreto. Lo más importante es trabajar, trabajar y trabajar. Y por supuesto, creer en uno mismo aunque te nieguen o se rían de tus pretensiones y tu trabajo”, asegura Cristóbal Pérez.

El proceso

La pintura, como el resto de manifestaciones artísticas, es un modo más de expresión, de liberación, una vía de escape, que puede convertirse en la forma de vida de muchos artistas. ¿Cómo plasmar pictóricamente ese “yo” interior? “Siempre hay alguna cosa que me obsesiona. Solo hay que encontrar el momento para destriparlo y sacarle todo el jugo posible. Fotografío, dibujo, tomo apuntes y pinto las obras definitivas basándome en el medio natural. Al final, expongo mi trabajo”, cuenta Toval. “Es muy emocionante representar con tu visión personal lo que todos somos capaces de ver. Existen tantos colores y formas. Realmente, hay miles de excusas para representar el paisaje”.

Venecia

Un libro, una canción, una frase o una ciudad son suficientes para inspirarse, para sentir, para plasmar artísticamente una realidad. La Ciudad de los Canales fue el marco ideal para crear Venezia, una de las obras del malagueño Cristóbal Pérez. “Esa ciudad me tenía loco antes de visitarla. Pero cuando puse el pie por primera vez en aquellos puentes, supe que debía dedicarle una o varias exposiciones. Aúna arquitectura, agua, historia, opulencia y decadencia. Lo sublime de la ruina, el verde moho, el rojo ladrillo y el mármol blanco me terminaron enamorando”, explica.

Ahora hay que mirar al futuro. La nueva obra de Toval, Traffic está ya dando la vuelta al mundo. “Comenzó en Berlín y llegará a Murcia en poco tiempo. Además, pasará por Zaragoza, Nueva York, Barcelona y Oviedo. Este trabajo cerrará el ciclo de exposiciones de 2015”, asegura el joven artista.

Web: http://www.cristobalperezgarcia.com/

Twitter: @tovaltoval

13 octubre 2014
Alicante, «De Polvo y Flores»

Cinco chavales con ganas de componer y hacer música decidieron juntar sus sueños allá en 2005. El proyecto en el que se embarcaron con más ilusiones que apoyos dio nombre a Miss Caffeina, un grupo “pop con alma de rock” que actualmente es uno de los referentes en el panorama nacional. Alberto, Álvaro, Antonio y Sergio se suben a los escenarios de gran parte del país y hoy, a las 00.00 horas, aterrizan en Alicante para llenar de polvo y flores la ciudad.

¿Por qué el nombre de Miss Caffeina para la banda?

Alberto: Miss Caffeina es una canción de Buenas Noches Rose, grupo por el cual Sergio y Álvaro se conocieron. En 2005 cuando formaron la banda, decidieron hacerle una especie de homenaje.

¿Qué estilo es el que más identifica a Miss Caffeina?

Alberto: Preferimos no definirnos porque las autodefiniciones lo único que hacen es limitar la creatividad y condicionar al público. Aunque supongo que somos una banda pop con alma de rock.

En muchas ocasiones se tiende a comparar con otros artistas. ¿Qué tiene Miss Caffeina que otros no?

Alberto: No sabría decirte porque desde dentro es muy difícil verlo. Lo que sí tenemos claro es que nuestro concepto de la música y del espectáculo en sí, muchas veces es bastante diferente a lo que vemos a nuestro alrededor.

¿Cuáles son vuestras principales influencias?

Alberto: Cada uno tenemos unos ídolos, muy dispares. Los míos quizás sean Bowie, Mercury, Madonna y Nina Persson

Álvaro: Creo que una de las cosas que más nos identifican es que cada uno tenemos unas influencias muy diferentes y marcadas, que acaban coincidiendo en nuestras canciones. A priori no tendrían mucho sentido juntas, pero la fórmula hasta ahora nos funciona.

¿Cómo fue el paso de la edición independiente a firmar con una multinacional como es Warner Music?

Alberto: La verdad es que fue un alivio. Equipo más grande que confía e invierte en ti. Delegas cosas como la promo, la distribución o el trabajo de oficina, que al final poco tiene que ver con lo musical.

¿Influenció este hecho en vuestra música o seguís siendo los mismos?

Alberto: Suerte que no seguimos siendo los mismos. Ahora nos apetece hacer cosas diferentes y creo que en cada disco será así, pero no tiene nada que ver con estar en un sello. Hemos tenido siempre total libertad artística.

”De polvo y flores” ¿es un antes y un después en la trayectoria musical de Miss Caffeina?

Alberto: Para nosotros sí lo es. Hicimos el disco de nuestros sueños y vino acompañado de una época increíble con una gira de dos años. Ahora lo vemos como un capítulo que está a punto de cerrarse.

Álvaro: Es sin duda un paso de consolidación como banda y una experiencia que nos ha hecho crecer como músicos y a la vez, abrir camino para seguir evolucionando.

La gira acaba en diciembre, ¿se aproxima nuevo disco?

Alberto: Vamos a tomárnoslo con calma. No sabemos cuándo saldrá. Tenemos muchas ideas y muchas canciones, pero no queremos saturar al público. Eso sí, que nadie espere un “De Polvo y Flores 2.0”.

Álvaro: Tenemos muchas ganas de romper con lo establecido.

¿Qué supone actuar en la Volvo Ocean Race de Alicante?

Alberto: Alicante es una de las ciudades donde mejor nos va siempre. Puede que esta sea la cuarta vez que visitamos la ciudad en esta gira y nos despedimos de ella con este concierto. No podemos tener más ganas.

Compartiréis escenario con Dinero y Rosy Finch. ¿Los conocíais?, ¿qué os parecen?

Alberto: Dinero son colegas. Nos conocemos, hemos coincidido en muchísimos conciertos y creo que Tonino ha estado bastantes veces de fiesta con ellos.

Alberto, ¿qué significó para ti cantar con Raphael en el Sonorama?

Alberto: Fue un tanto surrealista para mí. Recuerdo ir con Sergio a verle al Palacio de los Deportes y flipar. Nunca hubiese imaginado cantar con él. Fue una noche mágica. Antes de salir al escenario, creo que me bebí como cinco botellas de agua.

Alberto, sueles salir al escenario con la cara pintada. ¿Por qué lo haces?

Alberto: Cómo decía antes: es parte del espectáculo. Me hace mucha gracia que la gente me lo pregunte, es como: ¿Y por qué llevas tú esa camiseta?

A día de hoy, ¿es la música un negocio o sigue siendo un modo de vida?

Alberto: Tiene que ser ambas cosas para que sea sostenible en todos los sentidos: artístico, económico e incluso humano.

Álvaro: Para unos un negocio y para otros una forma de vida. Realmente, es todo un reto vivir de ella.

Entrevista realizada por Jennifer Gómez y Lourdes Martínez.

¡Hemos salido en el Diario Información! Quien quiera leer la entrevista, que se haga suscriptor o que compre el periódico hoy.

http://www.diarioinformacion.com/cultura/2014/10/08/cantar-raphael-surrealista/1553520.html

8 octubre 2014
Villanueva aterriza en solitario

“Vigo ve nacer un nuevo proyecto musical, esta vez con muchos años de madera. Este primer trabajo nos traslada a lugares donde todos hemos estado alguna vez, canciones sobre el constante viajar, conocer gente, compartir experiencias y volar, volar mucho”. En mayo de 2014, Villanueva lanza su primer disco en solitario. Como dice él, con el objetivo de ser escuchado.

El nacimiento de Villanueva

“Había dejado mi grupo anterior porque tenía otras inquietudes musicales y sentía la necesidad artística de desarrollarlas. No con el ánimo de grabar un disco, si no con las ganas de hacer algo que me mantuviera tranquilo conmigo mismo”, asegura el artista. “Se puede decir que mis orígenes vienen de mucho garitear y pueblear por amor al arte”, cuenta. Su carrera musical comenzó con el grupo Gardening, con el que editó su primer single. Posteriormente, llegó Martynez. En esta banda, se desarrolló y potenció su estilo, que pasó del más puro estilo punk- rock al stoner. A día de hoy, ha formado su propio equipo, que ha tenido muy buena recepción por parte del público en muy poco tiempo. “Hace unos meses, Villanueva no existía para el resto de la gente. Todo lo que me está ocurriendo, lo recibo como un premio”, afirma el cantante.

Artistas y estilos de referencia

“Los géneros que me han influido como personas son el punk y el hardcore. De ellos he aprendido valores del Do It Yourself, que hacen que no me arrepienta de mis decisiones”, explica Villanueva. ¿Y qué hay de sus artistas de referencia? Desde David Bowie hasta Iggy Pop, pasando por REM, Wilco, Patti Smith, Nick Cave y “por supuesto mi querida Velvet Underground”. Todos estos músicos son los que lo han ayudado a ser quien es.

Viajes de ida

Bajo el título de Viajes de ida, Villanueva aterriza en el panorama musical en solitario. Ángel Luján fue la persona que animó al artista a crear el disco, tras escuchar sus temas. “Comenzamos a trabajar día y noche, metidos en una especie de burbuja creativa”, cuenta. “Una vez tuve mis canciones grabadas, me planteé buscar una discográfica que lo editara. Afortunadamente, Esmerarte se cruzó en mi camino”, añade el músico. Con una gran importancia de las letras, este primer trabajo muestra la esencia real de Villanueva. “Reconstruye con mimo el itinerario de cada uno de sus viajes musicales”. Ramiro Nieto (The Rights Ons), Carlos Sosa (Fuel Fandango), Javier Doria (Annie B. Sweet) u Óscar García (Tuya) son algunos de los artistas que han participado en la grabación del disco. ¿Entonces, cómo definir más concretamente este trabajo? Viajes de ida ofrece una mezcla de rock y de pop. El propio Villanueva lo describe: “Es un disco sincero. Tiene un punto de veneno y melancolía, entendiendo por melancolía una tristeza agradable”.

Tal como asegura el artista gallego, “Villanueva no es especial y no quiere serlo”.

1 octubre 2014
El humor absurdo de Sólala

Lea donde lea, de Sólala se dice que tiene un argumento difícil de explicar. Y así es: sencillamente hay que verla. Si bien es cierto que parte de una historia central: una mujer, que en plena posguerra, debe sacar a sus quintillizos adelante. Con un marido en el Frente y un casero acosador, debe ver cómo va perdiendo a todas y cada una de las personas que la rodean. Todo lo demás, es puro espectáculo: magia, sombras y flamenco. “Por encima de la historia, está la actriz y su punto de vista. Esta es una de las bazas de tanta risa: la búsqueda incesante de querer hacerlo bien, con ciertas limitaciones”, cuenta la intérprete Cristina Medina.

Sola ante el público

Con Conversaciones con mamá decía que no hacían falta miles de actores para llenar un teatro. Sólala lo vuelve a demostrar. Una Cristina Medina se come el escenario desde el minuto 0, con su particular número de flamenco. La fórmula maestra: la naturalidad y la sencillez. “La primera foto en un escenario, la tengo con 3 años. Pero mis inicios como actriz se remontan a 1992, en un programa de televisión en Canal Sur”, cuenta Cristina Medina. “Es una profesión que amo por encima de todo y que me enriquece muchísimo a nivel personal. La ilusión por estar delante de un público es una necesidad para mí”, añade. Pero, ¿qué se siente realmente al no tener a nadie más en el escenario? Sin duda alguna, sacar adelante un espectáculo de humor, sin el apoyo y respaldo de otros actores es un tarea muy complicada. “Estar sola en un escenario te obliga a encontrar recursos sobre ti misma, y eso hace que evoluciones –permíteme la expresión- por cojones. Si no, te vas al garete”.

El reestreno de Sólala

Sólala se estrenó en el año 2004, cosechando un éxito rotundo nacional e internacionalmente. La aceptación y las buenas críticas, han hecho que Cristina Medina y su equipo regresen a los escenarios para reestrenarla. Y Sólala ha vuelto con una novedad: la música en directo del pianista Mariano Marín. La propia actriz habla sobre el músico de manera muy positiva: “Es un gran artista y compositor, además de ser alguien con quien me entiendo a la perfección. Estoy feliz de trabajar con él”. ¿Y qué aporta la música en directo a la obra de teatro? “Al tratarse, en parte, de un melodrama en clave muda, tener a un pianista siguiendo al personaje es magnífico”, explica Cristina.

El nacimiento de Pez en Raya

Bajo la firma de Pez en Raya, surge Sólala. Esta compañía de teatro fue creada por la propia Cristina Medina y su compañero de escenario Joan Estrader, hace más de 15 años. Pero, ¿por qué? “Sentía una necesidad de investigar mi propio lenguaje encima del escenario y de aprender todo lo que tiene que ver con hacer un espectáculo. No sólo quería ser actriz, también quería crear mis propias historias”, explica la sevillana. El estilo de Pez en Raya es peculiar. Huyen de los dramas y de las críticas sociales, para hacer reír, con un humor totalmente absurdo, que puede o no entenderse. “Desde nuestros inicios, siempre hemos tenido muy buena acogida por parte del público”, cuenta la artista. “Las carcajadas y el asombro por la energía con la que trabajamos son las reacciones más comunes. Realmente, para nosotros es muy importante la complicidad con el espectador: siempre tratamos de enseñar el placer de estar con ellos”, comenta.

La magia del teatro

A nivel nacional, Cristina Medina es conocida como Nines Chacón. Sin embargo, el teatro forma parte de la actriz desde hace mucho más tiempo que la televisión. “Es especial. Tienes al público delante, percibes en todo momento sus reacciones, y además tú eres la responsable de lo que les ocurre. A mi esa responsabilidad me gusta, me aporta muchísima energía y me gratifica cuando los oigo partirse la caja”, narra la intérprete. Una actriz y una obra que no tienen desperdicio.

28 septiembre 2014
Los ojos de la muerte

Nunca he publicado en el blog una reseña literaria. Pero nunca es tarde para ello. Por eso, cuando la escritora Cristina Argibay contactó conmigo, no pude negarme a leer su obra y hablar sobre ella. Los ojos de la muerte es una novela negra con ciertos tintes de miedo psicológico. Tal como la resume la propia autora en su página web:

«Edgar Mora es un estudiante de medicina que, después de haber muerto su madre, vuelve a encontrarse con su padre, recordando momentos del pasado que deberían de haberse quedado atrás.

En el pueblo en el que pasó su infancia empieza el progreso de Edgar, que nos explicará en primera persona, todos los acontecimientos que le rodearán hasta llegar a descubrir la verdad, su verdad y la de su familia. En este trayecto le acompañarán diferentes personajes, como la seductora Rebeca que le llevará directamente a “la boca del lobo” o la dulce Daniela, que intentará ayudarle a escapar de aquel infierno».

Siempre que analizo algún libro o película, intento extraer de ellos la parte más humana, la más personal. ¿Cómo reaccionaríamos si estuviéramos en el lugar de los personajes? Varios aspectos me han llamado la atención de esta obra. Los ojos de la muerte, pone en evidencia el miedo irracional que tenemos los humanos a esos fantasmas del pasado que nos atormentan, pero que siempre acabamos desenterrando. Con regularidad, también nos aferramos al pasado como un clavo ardiendo: revivimos una y otra vez situaciones que, para bien o para mal, nos han marcado y nos han definido como personas. En el caso de Edgar Mora, es la fascinación por las tétricas pinturas de Chronos, que absorben toda su atención desde que era un niño pequeño. Pero, ¿por qué esa obsesión? He aquí la verdadera esencia de la novela: el amor por el arte va más allá de lo artístico. El pasado familiar de la familia Mora se destapa a lo largo de la historia, descubriendo así dónde reside la fuente real de resentimiento, frialdad, locura e incluso enfermedad.

¿Y qué es lo que he echado de menos? Me ha faltado profundizar más en la mente y personalidad de los personajes. El ritmo frenético de la obra hace que los sucesos ocurran rápidamente. De tanto en tanto, se necesita alguna pausa y alguna explicación más amplia. De cualquier manera, es una novela muy sencilla de leer: está escrita con un lenguaje claro y conciso. Sin duda, la recomiendo. Espero leer más obras de esta autora gallega: Cristina Argibay (@cristinargou).

26 septiembre 2014
El imperio del perro ya está aquí

“En las últimas décadas hemos visto como los niños pijos y los chicos de la periferia han montado bandas para llenar un vacío cultural, para ofrecer a su generación un himno que cantar. Pero esa libertad ha ido tomando un camino oscuro en el que la música ha perdido parte de su sentido social”. Así definen sus orígenes los componentes del grupo indie El imperio del perro.

Diego Cabeza, Javier Casanueva, Pedro Ortiz y Juanma García comenzaron sus andadas a principios de 2013. En homenaje a una de las obras del pintor Miguel Cabeza, crearon El imperio del perro. “Nos pareció ideal aprovechar algo cedido por otro artista, que había sido utilizado en una materia distinta. El nombre ya tenía color y forma antes de nosotros darle la identidad musical”, cuentan los componentes de la banda.

Las referencias musicales

El imperio del perro se caracteriza por sus ritmos y movimientos, y por supuesto, por su toque revolucionario. Pero, ¿cómo definir mejor su estilo musical? Ese indie-rock con influencias británicas y sus letras en castellano, es lo que los lleva a clamar “cuidado con el perro”. Sin embargo, todo artista tiene unas referencias en lo que a su ámbito de trabajo se refiere. Cuatro componentes forman El imperio del perro. Cuatro vías con influencias musicales diferentes, que le dan a la banda un toque heterogéneo y exótico. Pero tal como dicen, no solo son músicos, también son melómanos de música que parece ya olvidada. “Si hablamos del sonido y composición, buscamos producciones americanas del peso de Queens of the Stone Age, Arctic Monkeys y otros no tan conocidos como Dead Man Bones”, explica Diego Cabeza. “Pero todo esto pasa por un filtro del elegante estilo británico a la hora de componer y de enfocar nuestra música”, añade.

El indie actual

“Hay propuestas interesantes, pero creemos que el concepto del indie español ya está manido. Esto se refleja en la calle, en la que encontramos muchos grupos cortados por el mismo patrón de tendencias”, afirman los chicos de El imperio del perro. El término indie es demasiado amplio, y opiniones sobre él habrá tantas como personas en el mundo. Entonces, ¿qué diferencia a esta banda de otras del mismo género? “Nosotros somos de esos grupos que han decidido ofrecer una alternativa musical pero de forma independiente”, aseguran. “Se puede decir que somos más rock y menos pop. Además, la forma de enfocar nuestro trabajo es diferente: buscamos ser más agresivos y salvajes, pero sin olvidar la actitud y la elegancia”, explica el vocalista Diego Cabeza.

La importancia del mensaje

Uno de los conceptos más asociados a la música indie, es el de los mensajes, el de las letras. Una llamada de atención a la sociedad, una queja ante una situación injusta o el tratamiento de temas que no podemos afrontar hablando. Pero, ¿todas las canciones de este género deben traer consigo un mensaje de subversión? “La etiqueta indie está desvirtuada. No por hacer algo de forma independiente estás mandando un mensaje más cargado”, opinan los integrantes de la banda. “El mensaje para nosotros es algo muy importante. Vemos en la música una forma de hacer justicia poética y no podemos evitar utilizarlo”.

De lo personal a lo comercial

El mundo de la música es realmente difícil y “Roma no se construyó en tres días”. Al igual que el dicho popular, emerger y sacar tu proyecto artístico a flote requiere dedicación y trabajo. “A las grandes masas se les vende algo que nosotros consideramos pobre. Si lo que se les vendiera fuera intelectualmente correcto, ser comercial sería sinónimo de ser un triunfador”, cuentan los cuatro artistas. “La mayoría de nosotros queremos vender lo que nos gusta. Y consideramos bueno nuestro trabajo, a pesar de lo que les parezca a otros. La educación del individuo es la que debe solucionar la pobreza musical a la que llegamos”, añaden. ¿Este hecho es exclusivo de la música comercial? No lo parece. “Estamos ante la moda del indie. Es complicado ser independiente si no suenas como los grupos que encuentras en los carteles de los festivales españoles”, aseguran desde El imperio del perro.

21 septiembre 2014
Los libros salen a la calle

“Ver a alguien leyendo un libro que te gusta, es ver a un libro recomendándote a una persona”. Sentarse en el banco de un parque o en la arena de la playa y encontrar una novela olvidada por alguien. O quizás no. Tal vez haya sido colocada estratégicamente para que la descubras. Bookcrossing y Adopta un libro han llegado para revolucionar el panorama literario y cultural.

Bookcrossing

Bookcrossing nació en el año 2001, gracias a la aportación del norteamericano Ron Hornbaker. A día de hoy, este movimiento ha marcado un antes y un después en el concepto tradicional de literatura: cualquier persona puede registrar y liberar sus libros en cualquier lugar, de manera gratuita y voluntaria. “Nuestra meta es convertir el mundo entero en una gran biblioteca. ¿Cómo lo hacemos? Dejando multitud de obras en distintos puntos públicos: trenes, parques, centros comerciales o cafeterías”. Tal es la expansión de este fenómeno, que en noviembre de 2013, más de 10 millones de libros estaban ya recorriendo el planeta.

Los principios básicos

Bookcrossing funciona bajo unas reglas, conocidas como “las tres erres”: read, register y release. La primera de las fases, consiste en “leer un buen libro”, como dice Inmaculada García, archivera de la Biblioteca para Jóvenes CUBIT. Posteriormente, llega el registro. En este punto del proceso, se le asignará a la obra un número identificativo, que equivale al DNI de las personas. Gracias al BookCrossing IDentification, los lectores pueden decir dónde están, en qué lugar han encontrado las obras y explicar qué planes tienen para ellas. Finalmente, los libros terminan liberándose. “Puedes dárselo a un amigo, dejarlo en un banco del parque, olvidarlo en una cafetería. En cualquier caso, se notifica vía email cuando alguien hace una entrada en el diario de ese libro. ¡Y si escribes notas de liberación, otros pueden ir de caza e intentar encontrar el escrito”, explica Inmaculada García. El único inconveniente, es que una vez prestadas y “olvidadas” las obras, los usuarios no podrán recuperarlas.

Adopta un libro

Esta iniciativa, surgida en Venezuela, ha conseguido expandirse hacia multitud de lugares de Latinoamérica y del mundo. Con los objetivos de promover la educación, la cultura y la lectura, “Adopta un libro nació como una idea viral para posicionar a la agencia Interactiva Agency y las Revista NOS.3, pero se convirtió en un emprendimiento de impacto social”, explica uno de sus creadores, Diego Prada.

Lectura y cultura, van de la mano

“Los lectores se ven gratamente sorprendidos de poder hojear y llevarse el título que más les guste en ese momento, de manera libre y gratuita. Es una estupenda filosofía para compartir lecturas personales que, poco o nada hacen ya en las estanterías de nuestras casas”, cuentan desde Bookcrossing. Escritores y editoriales no tienen por qué preocuparse. Tal como explica Inmaculada García, “compartir lecturas ha sido una muy buena referencia para descubrir libros y autores que, de otra manera, nunca tendrías posibilidad de leer. E indudablemente, la mejor forma de adquirir una buena lectura para regalar o para uno mismo pasa por la recomendación de algún otro lector”.

http://www.bookcrossing.com/

@AdoptaUnLibro

17 septiembre 2014
La velocidad del vacío

Año 2003, Barcelona. En la Sala Apolo están sonando grupos como Radio Futura. Mientras, tres amigos, Marc Gili, Belly Hernández y Bart Sanz van dándole forma a la banda, su banda. Como un pequeño homenaje a Oscar Wilde, nació Dorian en 2004. Diez años después, este grupo indie-electrónico ha dejado tras de sí una enorme estela, a la que no se le ve el final. Quizás, la base de este éxito, se deba a esa forma que tienen de decir las cosas, a ese proceso de producción del sonido, a las bases y arreglos, a la manera de componer. Según Belly, todo esto es lo que los hace especiales.

La velocidad del vacío

Así llegamos a 2014 con una larga carrera y varios discos. El último de ellos, La velocidad del vacío. México fue el lugar elegido para grabar el último trabajo del grupo. “Es un país al que hace tiempo que vamos, lo consideramos nuestro segundo hogar, tenemos muchos amigos y unos fans muy fieles”, cuenta Belly Hernández. “Para una banda también está bien alejarse un poco de su día a día, de su casa. Eso hace que nos concentremos mejor”, añade. Además, su productor, el británico Phil Vinall ha trabajado previamente en este país y conoce bien los estudios de grabación. “La verdad es que lo pasamos muy bien. Es nuestro trabajo más completo, donde se ve todo nuestro desarrollo como músicos. Sin duda, es el disco que a mí me gustaría escuchar”, explica Belly. Con La velocidad del vacío, se han alejado del estilo que los caracterizaba hasta ahora, centrándose en un pop-rock más orgánico. Según la pianista de Dorian, “este disco contiene algunas de las mejores composiciones escritas por Marc, como El temblor”.

Expansión latinoamericana

Latinoamérica se ha convertido en uno de los lugares con mayor número de fans de Dorian. Millones de seguidores de México, Argentina, Colombia o Chile, entre muchos otros, esperan con ansia cada concierto de la banda barcelonesa. Todo músico crece y evoluciona con el afán de viajar, conocer lugares y llevar el trabajo propio más allá de las fronteras nacionales. Objetivo cumplido. Belly matiza y habla sobre el público iberoamericano, “Latinoamérica es un continente muy grande, con culturas diferentes, pero que comparten con nosotros el idioma. Eso es muy fuerte: recorres muchos kilómetros y te entienden. Ese fondo cultural que compartimos con ellos, no lo podemos desaprovechar”.

La importancia de las letras

Aquí entra el valor de las letras, el valor de lo que Dorian cuenta en sus canciones: desamor, drogas, pérdidas, entre muchos otros temas, que directa o indirectamente forman parte de la sociedad actual. “Las letras han sido un factor muy importante de cara a empatizar. Marc es muy buen cronista, explica las cosas y conecta con la gente. Disfruta componiendo, le encanta la literatura y la poesía”, explica Belly Hernández. Es el mensaje lo que termina enganchando al público.

Inicios complicados

Como en muchos otros aspectos, comenzar en el mundo de la música es muy complicado. El boca a boca se convierte en el elemento decisivo para expandirse. Adentrarse en el género indie, puede ser incluso más difícil. Como dice la teclista de Dorian, “no hay ninguna mano negra ni estrategias comerciales de por medio”. A base de pluri-emplearse y perder dinero, muchos grupos independientes se han consolidado y se han hecho visibles dentro del panorama musical actual. A pesar de todas las dificultades del camino, el trabajo, el empeño y también la suerte, te abren muchas puertas. Y es que, como dice Belly, “sudar tanto la camiseta para lograr hacerte un hueco, te hace valorar mucho más tu trabajo”.

El género indie

Tradicionalmente, la música indie se ha diferenciado de la comercial por su contenido reivindicativo. “Este género ha destacado por su temática, más enfocada a la denuncia social. Con la situación actual, es normal que cada vez haya más gente que sienta la necesidad de protestar, de quejarse”, explica Belly. ¿Y qué piensan de la música comercial? “Es lícito que existan este tipo de canciones y artistas. De hecho, cumplen su función, que es llegar al público. El éxito puede confundir, pero lo importante es hacer lo que tú pienses en cada momento”, cuenta la teclista. “No es bueno adaptar tu música al mercado. Lo ideal es que la gente te entienda a ti como artista. Para eso, es muy importante no traicionarse y no tener miedo”. Como dice el dicho popular, “quien no arriesga, no gana”.

Dorian en Elda

El domingo día 7 de septiembre, el grupo barcelonés pasó por la ciudad de Elda. Dos horas de concierto, que supieron a poco. Un público participativo y unos artistas entregados, que a pesar de sufrir un pequeño percance con uno de los instrumentos, no dejaron indiferentes a sus fans. Uno de los momentos más emblemáticos de la noche, fue cuando interpretaron su tema Soda Stereo, en homenaje al artista Gustavo Cerati, líder de la banda del mismo nombre.

Por lo pronto, a Alicante volverán el día 31 de octubre. La Sala One de San Vicente del Raspeig abrirá sus puertas a Dorian, que actuará junto a la banda de rock argentina Babasónicos.

9 septiembre 2014