Verdadera Locura

Categoría: Música

Versos Rotos quema Madrid

Fotos de Alicia Delicado

Llegaron a Madrid desde Alicante, con la intención de «quemar» Costello Club y lo consiguieron. Puede que la sala no estuviera a rebosar, pero que hicieron bailar al público es un hecho. Vinieron a jugársela y no salió mal. Una hora de concierto que se esfumó casi como un suspiro y que dejó a más de uno con ganas de más. Y es que Versos Rotos supo cerrar con «energía» un buen concierto, que sus compañeros de la banda «Naranja» abrieron con acierto.

Pregunta. El año pasado publicasteis «Vacío Cuántico», ¿cómo lo definiríais?

Versos Rotos. «Vacío Cuántico» ha sido un gran salto en nuestra carrera, ya que lo grabamos con José Caballero, que es un productor de renombre. Además, justo este año, tras grabar el EP, le han dado el Premio al Mejor Productor Independiente. Y lo cierto es que ha sido un lujo trabajar con él, porque es un profesional que ya sabe cómo funcionan las cosas en este ámbito, lo que además te motiva a seguir en este mundo.

P. Precisamente, la siguiente pregunta era que cómo fue la experiencia de grabar junto a José Caballero en los Estudios Neo.

VR. José, además de ser un gran profesional, es una gran persona. Es un hombre muy llano y sencillo, lo que nos ha ayudado mucho. Y la manera que tiene de trabajar es muy metódica e intensa.

P. ¿Qué significa el tema «Energías» para vosotros?

VR. «Energías» engloba en un solo tema, el ideal y la historia de «Versos Rotos». Es lo que sentimos, lo que necesitamos. Nosotros seguimos peleando por nuestro sueño. Y es que «Energías» es precisamente eso: la lucha constante por los sueños. Así lo hemos querido reflejar en el videoclip, mediante la historia del protagonista, interpretado por Raúl D’Alessandro, quien pelea día a día por ayudar a su madre enferma. Poco a poco, gracias al esfuerzo, su vida va mejorando. Es una metáfora de nuestra propia vida. En nuestro caso, nuestra lucha es en el mundo de la música, que es muy duro.

P. ¿Cómo fue la experiencia de grabar el videoclip y trabajar junto al cineasta David Valero y al boxeador Raúl D’Alessandro?

VR. Fue una experiencia muy positiva y muy bonita, porque no habíamos grabado nunca un videoclip de la forma en la que hemos hecho este. El videoclip anterior se hizo realizando varias tomas mientras nosotros tocábamos en directo. Sin embargo, el vídeo de «Energías» exigía una tarea previa de pre-producción, que duró varios meses. Se grabó en octubre, pero en junio ya sabíamos cómo sería: teníamos los guiones con las respectivas escenas. A todo este trabajo no nos habíamos enfrentado nunca, pero la verdad es que David Valero lo hizo todo muy fácil. Nosotros éramos cuatro niños disfrutando de tres días de grabación.

Y en cuanto a Raúl, hizo un enorme trabajo. Sin ser actor, ya que él se dedica al boxeo, hizo un «papelón», con expresiones que realmente reflejaban el dolor de ver a su madre mal y tener que ayudarla.

Fue un lujo trabajar con todo el equipo. Desde David y Raúl, hasta Miguel con el tema de la fotografía y Sandra con el atrezzo, pasando también por las chicas de maquillaje. Todos se portaron de maravilla y hubo un buen rollo increíble.

P. El hecho de que San Vicente del Raspeig también se volcara con el proyecto, supondría un subidón…

VR. La verdad es que sí. Hubo mucha gente que se prestó como figurante. Y a nivel de comercios, también se volcaron muchísimo. Ninguno nos cerró las puertas, más bien al contrario: todo el mundo fue muy servicial, querían que hiciéramos este trabajo y nos apoyaron mucho. Fueron tres días intensos, de no sé cuántas horas de trabajo, pero muy bonitas. ¡Y la verdad es que ya tenemos ganas de que David piense en el siguiente videoclip! [Risas].

P. ¿Qué ha supuesto para vosotros actuar en Madrid, en Costello Club?

VR. Es la primera vez que actuábamos nosotros por nuestra cuenta, sin ser teloneros de ninguna otra banda, aunque sí que compartimos escenario con «Naranja». Nosotros organizamos el concierto y vinimos a jugárnosla [risas]. Era motivador porque era la primera vez que veníamos, sin saber realmente qué pasaría. Además, Costello Club era una sala en la que teníamos que tocar sí o sí. Lo teníamos claro desde que nació la banda o al menos desde que cambió de rumbo el proyecto. Y en casi nuestro décimo aniversario, venir a Madrid era obligatorio. Además era un reto para nosotros, porque estamos acostumbrados a hacer bolos en Alicante y allí más o menos, podemos saber cómo pueden funcionar, pero en Madrid no.

P. Casi 10 años como banda. ¿Tenéis pensada alguna manera de celebrarlo?

VR. Precisamente, en la furgoneta lo estuvimos discutiendo. La idea es hacer algo, pero el qué y el cómo todavía no se saben [risas]. Hay que hacer algo porque es obligatorio. En el quinto aniversario lo hicimos y en el décimo también. Hay que celebrarlo porque parece que si no se hace, no pasan las cosas.

6 marzo 2016
El fin de gira de Dorian tiene fecha

La celebración de los 10 años en activo de Dorian ha arrasado en todos los escenarios por los que la banda ha pasado, desde que esta comenzara en 2015. Pero como todo, tiene su fin. Y este tour de los catalanes no es una excepción. Ya están confirmadas las dos fechas con las que el grupo pondrá el broche final a «Diez años y un día».

Madrid será el penúltimo lugar por el que Dorian pasará. La sala La Riviera se covertirá en el escenario perfecto para despedirse del público madrileño, el próximo 4 de noviembre. Por su parte, Barcelona, ciudad de origen de la banda, cerrará con la gira «Diez años y un día». El 18 de noviembre, la Sala Apolo pondrá punto y final a este año de celebración, que ha estado lleno de sorpresas.

Sorpresas como la publicación del disco «Diez años y un día», en el que Marc, Belly, Lisandro, Bart y Víctor rescataron grandes temas de su discografía, como «A cualquier otra parte», «La tormenta de arena» o «Los amigos que perdí» (intepretada en este trabajo junto al vocalista de Love of lesbian, Santi Balmes). Además, introdujeron nuevas canciones como «Arrecife», una de las más coreadas en este último año. Un disco con el que han conseguido reinventar algunos de sus temas más emblemáticos, en clave de unplugged.

En cualquier caso, todavía quedan muchas fechas por delante y varios meses hasta que el tour finalice. De cualquier forma, ambos conciertos, tanto el de Madrid como el de Barcelona, son dos citas ineludibles. Durante las más de dos horas que dure cada espectáculo, no faltarán las sorpresas. Y es que el aniversario se merece una buena celebración, y más cuando ésta está ya finalizando. ¿Qué mejor manera de cerrar esta gira, que actuar junto a otros artistas invitados?

AGENDA

Madrid, 5 de marzo. Wegow Day. Sala But

Córdoba, 11 de marzo. Sala Hangar.

Málaga, 12 de marzo. Sala Eventual Music.

Gandía, 25 de marzo. San San Festival.

Elche (Alicante), 9 de abril. Elche Live Festival.

Monterrey (México), 15 de abril. Festival Pa’l Norte.

Guadalajara (México), 16 de abril. Guadalajara.

Ciudad de México, 23 de abril. Festival Vive Latino.

Bogotá (Colombia), 28 de abril. Sala Armando Club.

Vilalba (Lugo), 30 de abril. Festival FIV de Vilalba.

Granada, 21 de mayo. Órbita Festival.

Palencia, 11 de junio. Festival Palencia Sonora.

Arnedo, 1 de julio. Fárdelej Music & Vida Festival

Vinaròs, 8 de julio. Festival ElectroSplash

Madrid, 4 de noviembre. Sala La Riviera.

Barcelona, 18 de noviembre. Sala Apolo.

3 marzo 2016
Mirémonos y la magia de las palabras esdrújulas

Año 2009, una pintada en una pared de Malasaña con la palabra «Mirémonos» sirve de inspiración a Miguel [Bosch] y Álex, dos amigos que ya desde hacía algo más de un año había empezado a tocar juntos, sin ninguna pretensión más que la de divertirse. Tras la llegada Helmut con sus baquetas, se dieron cuenta de que «Mirémonos» podría ser especial. Aunque todavía faltaban dos integrantes más: Payín y Vicky, que se incorporaron después. Han pasado unos años desde ese graffiti de Malasaña. Y tan solo tres días faltan para que actúen junto a Varry Brava y Dorian en el festival Wegow Day. La primera actuación desde diciembre, para la que tienen alguna que otra sorpresa preparada.

Pregunta. ¿Qué tiene la palabra «Mirémonos», para que al verla en un graffiti, la adoptarais como nombre de la banda?

Respuesta. Mirémonos es una palabra con muchas connotaciones artísticas. Creemos que representa la conexión entre el espectador y el artista, entre la obra y el observador. Eso y que además es una palabra esdrújula, y las esdrújulas molan [risas].

P. ¿Qué supuso grabar vuestro primer EP, «Kaizen» y ganar posteriormente el premio de Creación Joven del Ministerio de Cultura?

R. Nos hizo gran ilusión, además de que nos animó a seguir con el proyecto. Fue un subidón, porque fue lo primero que grabamos y no solo nos hizo ganar el premio, también nos llevó a otros países como Bélgica e hizo que apareciéramos en medios de comunicación.

P. En 2011 llega «Jägermeister», trabajo producido en los estudios de Hans Krüger. ¿Cómo fue trabajar con él?

R. Fue muy positivo. Este EP hizo que encontráramos a nuestro productor y nuestros estudios de grabación. De hecho, no hemos vuelto a pisar otros [risas]. Además, con Hans hemos creado ya un vínculo y también un sonido, el sonido «Mirémonos».

P. Y el hecho de que «Mondosonoro» considerara el EP entre los cinco mejores del año, también os daría una buena dosis de energía, ¿no?

R. Sí, la verdad es que sí. Aunque sí que es verdad que el tema cayó en un momento en el que ese estilo musical estaba bastante en auge, ya que era un indie muy rítmico. Luego, nosotros nos hemos despegado un poco de eso. Pero en ese instante cayó muy bien, y que «Mondosonoro» lo reconociera fue un gustazo.

P. Con «Porno» asentais vuestro estilo, el estilo «Mirémonos». Pero, ¿cómo lo definiríais vosotros?

R. En realidad, «Porno» nos sirvió para asentar el estilo del primer disco. «El triángulo de las Bermudas» es una propuesta de rock alternativo tropical, que se mezcla también con una base rítmica electrónica. A partir de ahí estamos tomando otras raíces, pero la base para «El triángulo de las Bermudas» surgió ahí, en «Porno».

P. ¿Cómo fue dar el salto de dos EPs a un LP, como es «El triángulo de las Bermudas»?

R. Abarca mucho. También fue más caro [risas]. Lo cierto es que no es nada fácil, ni a nivel económico ni a nivel de producción. Grabar un disco supone pensar en «el todo», ya que cuando haces un EP o un single, tan solo realizas canciones sueltas. Con el LP tienes que crear un concepto, un marco sobre el que construir todos los temas. En nuestro caso, juntamos diferentes conceptos como son, por un lado, lo misceláneo y oscuro, y por el otro, los ritmos tropicales y caribeños. De ahí el nombre, «El triángulo de las Bermudas». Realizar este disco fue todo un reto, que también nos ha abierto muchas puertas, como encontrar el sello discográfico con el que estamos ahora o a nuestros mánagers.

P. En diciembre publicásteis el single «Carnaval». ¿Qué supone este tema?

R. «Carnaval» ha sido una especie de broche final a lo que consideramos que es el concepto de nuestro primer disco, basado en unos ritmos más latinos. Ahora salimos un poco de lo tribal y de lo orgánico, para enfocarnos en otra dirección. Es un punto de inflexión entre lo que hemos hecho hasta ahora y lo que vendrá a continuación.

P. ¿Cómo os plantean participar en Wegow Day?

R. Fue sin más, ya que tanto a nuestros mánagers, como a los organizadores les encajó que participáramos. Esto es como todo. También influye mucho el hecho de que estés ahí.

P. ¿Qué significa para vosotros compartir escenario con Varry Brava y Dorian?

R. Siempre es interesante. Con Dorian ya hemos actuado un par de veces y ha sido genial. Son muy majos y se han portado muy bien con nosotros. Nos encantan como músicos y como personas. Con Varry Brava no hemos coincidido en ningún festival ni en ningún concierto. Aunque sí que nos encontramos en el «Tapas» en 2011 [Festival de los Sentidos]. Los dos grupos nos presentamos a un concurso, que ellos consiguieron superar quedándose en la final. Nosotros fuimos semifinalistas. La verdad es que volver a coincidir con Varry Brava en otra etapa de nuestras carreras, es una experiencia muy especial.

LAS INSPIRACIONES DE «MIRÉMONOS»

Beach House // FOALS [Red Sox Pugie] // Coldplay // Nirvana // Beatles

1 marzo 2016
EMDIV Music Festival y el concurso de bandas

Verano, tiempo libre, vacaciones, amigos y ¡festivales de música! Cada día que pasa, queda menos para el 25 de junio, fecha en la que se celebrará la quinta edición del EMDIV Music Festival de Elda. Miles de espectadores se volverán a reunir en el antiguo campo de fútbol Pepico Amat, en un espectáculo de lujo. Supersubmarina, Zahara, Sidonie, Varry Brava, los irlandeses Delorentos o Ley DJ, se conforman como los pilares del cartel. Un cartel que se complementa con las bandas y DJs locales: Olivia, We are England, Yiorch, Corrientes Circulares DJs o Cristian Set Roc, entre muchos otros.

Cuarta guerra de bandas

Una edición más y por cuarto año, la organización del festival, junto al programa «Corrientes Circulares» y el medio online @murciaindie, ha puesto en marcha un concurso de bandas. Entre los premios del ganador, está la actuación en el festival, la aparición en medios de comunicación o la entrevista acústica en el programa radiofónico, «Corrientes Circulares».

Solistas o bandas rock, pop o electrónica. Unos sencillos pasos de inscripción en la plataforma social riffbizz. 45 minutos de actuación. Tras los breves conciertos, se elegirán a tres finalistas. Uno de ellos será escogido por el público, otro por el programa «Corrientes Circulares» y el tercero, por el medio digital @murciaindie. Finalmente, los tres elegidos actuarán de nuevo el 16 de abril, en un lugar todavía «por determinar».

29 febrero 2016
Conchita: «La tristeza de la Vía Láctea es lo más bonito que he escuchado en años»

Aunque nació en Buenos Aires, Andrés Lewin pasó la mayor parte de su vida en Madrid. Desde el minuto uno y hasta su último aliento, la música lo ha acompañado y ha formado parte de él. Sus canciones, que empezaron sonando en pequeñas salas, eran el mejor reflejo de su persona. Este 2016, estaba preparado para presentar su nuevo disco, «La tristeza de la Vía Láctea», pero de manera inesperada, el joven cantautor bonaerense fallecía, dejando su trabajo a un paso de ser publicado. Por ese motivo, sus amigos se han comprometido a mostrar el 16 de marzo en la Sala Galileo, la ópera prima del argentino, justo como el propio Lewin tenía programado.

Junto a artistas como Luis Ramiro, Marwan, Pablo Cebrián o María Valverde, entre otros, la cantante Conchita interpretará los temas que componen «La tristeza de la Vía Láctea». De hecho, en esta ocasión, ha sido ella quien ha querido recordar a Lewin.

Pregunta. ¿Cómo y dónde conociste a Lewin, qué te unió a él?

Conchita. Conocí a Lewin hace más de diez años. Tocábamos en Libertad 8, en el búho real. Creo que me lo presentó Luis Ramiro en un concierto. En esa época pasaba mucho tiempo junto a Marwan, Luis Ramiro o Lewin. Todos hemos seguido nuestro camino, pero siempre hemos seguido viéndonos y compartiendo nuestra música.

P. ¿Cómo era, qué lo definía, como persona y como artista?

C. Lewin era una persona completamente imprevisible, es imposible recordarle sin reírte, le pasaban cosas increíbles todo el rato. Era divertido, muy divertido, porque no reaccionaba nunca como cualquier otra persona reaccionaría. Cada mensaje, cada llamada suya, cada mail era especial. Y así son sus canciones también, que cuentan historias increíbles pero las cuenta tan bien, que parece que estuviste allí con él. Recuerdo que me convenció hace muchos años para que le fuera a ver a Libertad 8, me dijo que fuera sola, que disfrutara de ver un concierto yo sola. La verdad es que nunca lo había hecho y fui. Recuerdo que me reí muchísimo, y también lloré. Cuenta las cosas de una manera muy especial, eso me encanta de él, cada vez que me cantaba un tema me transportaba a otro universo, donde sólo llego con él. Y la verdad es que es increíble.

P. La tristeza de la Vía Láctea, considerada la ópera prima de Lewin. Pero, ¿tú cómo la describirías?, ¿en sus temas hay «tristeza» o algo que nos evoque al título del disco?

C. «La tristeza de la Vía Láctea» es lo más bonito que he escuchado sin duda en muchos, muchos años, no porque se haya ido Lewin, ni mucho menos. Se lo dije una y otra vez, los temas son buenísimos, las letras van más allá de lo que es escribir bien. Consigue que te metas dentro de la canción, dentro de la historia. Consigue que estés ahí con él, en una fiesta loca de animales, enamorándote en Tel Aviv, haciendo con él el camino de Santiago. En cuanto al nombre del disco, viene por la canción de Halley, en cuanto la escuches, lo entenderás.

P. ¿Cómo se deja ver la personalidad de Lewin en este trabajo?

C. En todo. El disco es Lewin, lo hizo de la mano de Pablo Cebrián. Discutían cada parte, cada acorde, cada todo. No hay nada donde no esté Lewin en este disco, y es lo que lo hace especial. Pablo ha sabido expresar perfectamente lo que es Lewin, pasaron muchas horas juntos los dos encerrados en el estudio. Lewin estaba feliz con el resultado, le dieron mil vueltas, era justo como él quería que fuera.

P. Recordabas que cuando empezasteis en el mundo de la música, pegabais carteles en los buses, y él se preguntaba hasta dónde llegarían vuestras caras. ¿Hasta dónde llegaron?

C. Eso nunca lo sabremos.

P. ¿Cómo ha sido sacar adelante este proyecto póstumo y evitar que quedara escondido en un cajón?

C. Que se quedara en un cajón nunca fue una opción. Cuando Lewin se fue, el disco estaba terminado a falta de mezclar. Nunca se nos habría ocurrido dejarlo en un cajón. Es un disco precioso, y lo que hemos hecho, entre todos, es sacarlo tal y como él quería. Intentaremos que su música llegue lo más lejos posible, estoy segura de que a la gente le va a encantar.

P. ¿Qué supone para ti, como artista y como amiga de Lewin, interpretar sus canciones en Galileo?

C. Me da muchísima pena no poder verlo ese día desde el otro lado. No poder estar sentada y verle cantar. Lo haremos lo mejor que podamos e intentaremos que sea un día de celebración, celebraremos la salida de su disco como él hubiese querido e intentaremos que la gente se quede feliz, que conozcan su música para que hablen de ella y la compartan. Todos los que vamos a estar sobre el escenario ese día somos amigos suyos, gente que ha compartido con él muchas cosas, y sobre todo gente que le quería y le quiere mucho. Así que haremos todo lo posible para que sea una noche increíble y sentirle con nosotros.

25 febrero 2016
Lolo Moldes: «Cráteres son heridas cicatrizadas, que han dejado su huella»

Es músico, compositor, productor musical e ingeniero de sonido. Aunque la relación de Lolo Moldes con el mundo de la música viene de mucho más atrás, de cuando tenía ocho años y empezó a tocar la guitarra. O de cuando comenzó a dar clases en el conservatorio. De hecho, él mismo ha reconocido que ya nació con una guitarra debajo del brazo. Ahora está en pleno proceso de promoción de «Cráteres», su primer audio-libro recién presentado a los medios, y que llevará al leonés el próximo sábado 12 de marzo a la Sala Barco de Madrid. Un trabajo que va más allá de la música, ya que también aúna poesía e ilustración. Esta última, a cargo de los artistas bercianos Cristina Montero, Ana Gaztelumendi, C. C. Sulé, Jorge Solana, El Abrelatas, Javier Carpintero, Roque Castedo, Raquel Palacio, JuanMa Salví y Roberto Canedo.

Pregunta. ¿Qué te llevó a lanzar tu carrera como artista?

Respuesta. Lo cierto es que la inercia me llevó hasta este punto. En ningún momento me planteé lanzar mi carrera musical. Simplemente, llega un día en el que pintas un cuadro que te gusta y decides mostrarlo en público.

P. ¿Cómo nace «Cráteres»?

R. En principio, tan solo eran unos textos y unas melodías que tenía guardados y que poco a poco fueron cogiendo forma. Hasta que se convirtieron en canciones. Pero como además, tenían cierto colorido y carácter desde mi punto de vista, consideré que tenían que complementarse con imágenes. Por eso contacté con unos amigos de El Bierzo, para proponerles que dibujaran las canciones. A ellos les gustó la idea y se volcaron enseguida.

P. ¿Cómo está estructurado este trabajo?

R. Tiene dos partes. En la primera de ellas aparecen las canciones, con las letras de las mismas y su respectiva ilustración. La segunda está dedicada a la poesía y reflexión. Son resquicios que quedaron anotados durante el proceso compositivo y no quise que se perdieran, porque forman parte de toda la creación de «Cráteres».

P. ¿Por qué llamarlo así, «Cráteres»?

R. «Cráteres» es claramente una metáfora. Si tuviera que definirlo con una frase, diría que son heridas cicatrizadas, pero que han dejado su huella. En definitiva, es un mapa del alma. Engloba muchas cosas en cuanto a la temática. principalmente, hacen referencia a cuatro pilares fundamentales: los sentimientos familiares, temas políticos que de alguna manera te mueven, la tierra y el amor.

P. ¿Qué hace especial este trabajo?

R. Es honesto y sincero, ha salido del alma sin ningún tipo de pretensión, más que ser un proyecto terapéutico. Ocurre que después de mucho tiempo viviendo en Madrid, me siento desilusionado con el entorno y decido poner tierra por medio. Me marcho para poner mis ideas en orden y descansar. A partir de ahí, nace y se consolida «Cráteres». Por eso pienso que es honesto y sincero.

P. ¿Cómo ha sido la experiencia de grabar este audio-libro?, ¿repetirías?

R. El formato quizás no lo repetiría, pero el estilo, y los puntos personales y musicales a los que he llegado gracias a «Cráteres», sí que me gustaría conservarlos, porque me han hecho evolucionar y crecer en una dirección que me gustaría seguir investigando.

P. ¿Cómo ha sido el proceso de producción de «Cráteres»?

R. Para conseguir que la esencia de «Cráteres» se mantuviera intacta, todo lo que es el proceso creativo de los temas y las melodías, es una carrera de fondo en la que yo me encerré completamente solo con mis instrumentos. Secuencio los instrumentos que yo no puedo tocar, para luego pasárselos a instrumentistas que sí que pueden hacerlo y que además, aportan su toque personal.

P. ¿Cómo diste con las personas que te iban a ayudar en este proceso?

R. En el tema musical, ya tenía claro con anterioridad a las personas que quería que formaran parte del plantel, porque llevo mucho tiempo trabajando en el mundo de los directos y he coincidido con mucha gente. Y poco a poco vas asociando a las personas que pueden encajar, tanto a nivel profesional como humano. Este último aspecto es muy importante para que el proyecto creciera.

A nivel artístico, el diseño de los dibujos fue previo al proceso de producción. Con anterioridad, pasé a unos amigos unos bocetos de los temas al desnudo, tan solo con la guitarra y la voz, para que no se vieran influenciados por otros artificios. Y sobre eso, construyeron sus obras. No hubo ningún tipo de restricción en este sentido, cosa que ha hecho que «Cráteres» tenga mucha más fuerza.

P. ¿Qué supone para ti presentar tu disco en la Sala Barco de Madrid?

R. Pues imagínate. La Sala Barco es una de las más emblemáticas de la ciudad. Llegar de fuera y poder actuar allí es todo un lujo.

P. ¿Alguna sorpresa para el concierto del 12 de marzo?

R. Bueno, algo hay pensado [risas]

24 febrero 2016
El festival Wegow Day agota las entradas

El próximo sábado 5 de marzo, Ochoymedio Club (Sala But) se convertirá en el escenario del festival indoor Wegow Day, por el que pasarán tres bandas de las grandes bandas del panorama indie español. Los catalanes Dorian, que se alzan como cabeza de cartel, Varry Brava y Mirémonos son los grupos elegidos para participar en este espectáculo.

Wegow es quien organiza este evento musical. Esta página web, la pionera y primera red social que conecta a personas amantes de la música en directo y con gustos musicales similares, ha aprovechado la celebración de su segundo aniversario para reunir a Dorian, Varry Brava y Mirémonos en un mismo escenario. Por el momento, el éxito de Wegow Day ha sido tal, que a poco más de dos semanas del espectáculo, se han agotado todas las entradas.

Un festival que dará comienzo el 5 de marzo a las 20.00 horas y que durará hasta la medianoche. Tras la actuación de estas tres bandas referentes en España, diversos DJs residentes harán disfrutar con sus sesiones el resto de la noche. Por lo que, desde la finalización del concierto de estos grupos y hasta las 2 de la madrugada, los asistentes podrán acceder a la sala de manera gratuita.

La apertura de puertas será a las 19.30 horas, aunque hasta las 20.00 horas no dará comienzo este mini-festival. La primera banda en actuar será Mirémonos, a la que seguirá Varry Brava, alrededor de las 21.00 horas. Dorian, primer grupo en confirmar y cabeza de cartel, saldrá al escenario sobre las 22.00 horas y se encargará de cerrar el Wegow Day.

Dorian

Este grupo procedente de la ciudad de Barcelona, se ha convertido a lo largo de sus 10 años de vida en un referente de la música indie, no solo en España, también en bastantes países de Latinoamércia como México, donde han actuado en multitud de ocasiones. Con su último trabajo, «Diez años y un día», han celebrado su décimo aniversario como banda. De hecho, durante 2015 recorrieron numerosos escenarios de todo el mundo. Entre las sorpresas de este disco, ha habido colaboraciones con otros artistas, como Santi Balmes (Love of lesbian). Además, en su gira de presentación contaron con nuevos instrumentos, como violín, viola y violonchelo .

Varry Brava

Esta banda murciana creada en el año 2009, saltó al panorama musical con la que fue su primera maqueta «Ídolo» en 2010. Poco a poco, fueron adquiriendo mayor repercusión tras aparecer en los «Conciertos» de Radio 3. Además, con este trabajo recorrieron algunos de los escenarios y festivales más importantes a nivel nacional. En 2012, llegó su primer álbum «Demasié» y dos años después, su último trabajo, «Arriva: 16 Horas de Juego y 4 Litros de Bebida energética», con el que consiguieron «colarse» en la lista de discos más vendidos.

Mirémonos

Un graffiti en una pared de Malasaña les dio el nombre del grupo en el año 2009. Y a continuación, llegó su primer EP «Kaizen», con el que ganaron el concurso Creación Joven del Ministerio de Cultura. 2011 se planteó como año productivo para los madrileños, que publicaron su single «Jägermeister», considerado por la revista Mondosonoro como uno de los cinco mejores demos del año. «Porno» surgió en 2012, mientras que en 2014 nació su último EP, «Triángulo de las Bermudas». A finales de 2015, realizaron y subieron a Bandcamp, el single «Parece carnaval».

17 febrero 2016
La revolución «Copacabana»

Tres días de concierto. Tres días con el cartel de «sold out» colgado en las puertas del Teatro Circo Price de Madrid. Izal lo ha conseguido, gracias a su obra maestra «Copacabana». Durante las noches del 21, el 22 y el 23 de enero, los madrileños presentaron su nuevo trabajo al público, que insaciable, lo dio todo ante el escenario. Al menos, durante la primera de las citas e imagino sin miedo a equivocarme, que también durante las otras dos.

El pasado jueves 21 de enero, Izal saltaba al escenario y abría su espectáculo con el tema que da título a este nuevo trabajo, «Copacabana». Incluso antes de que sonara alguna nota, el público, enloquecido, se levantó de sus asientos para empezar a darlo todo. Y efectivamente, nadie se sentó hasta que el mismo concierto finalizara.

No faltó la música, del mismo modo que tampoco faltaron palabras, no solo de agradecimiento a los asistentes. También las hubo para las salas de conciertos, que no dejan de ser centros culturales en los que, día tras día, nace y crece la música. De esta manera, Mikel Izal aportó su pequeño grano de arena: «Las salas pequeñas son muy importantes. Sin salas pequeñas, no hay salas grandes. Nadie empieza tocando en un Circo Price. Id a ver conciertos en salas pequeñas, os llevaréis grandes sorpresas».

Durante alrededor dos horas, la banda madrileña no sólo presentó su nuevo trabajo, sino que también realizó un repaso de algunos de los temas más destacados de su discografía. De esta manera, sonaron canciones como «Oro y humo», «Tambores de guerra», «La mujer de verde», «Tu continente» o «Magia y efectos especiales», entre muchas otras. Y por supuesto, el mítico «Pánico práctico». Quizás, uno de los momentos más emblemáticos fue cuando sonó «Pequeña gran revolución», tema que habla de la pequeña sobrina del vocalista, quien aprovechó para avanzar que al día siguiente se la dedicaría a sus padres, que asistirían a verle.

«El baile» fue el tema que cerró el concierto, junto a una lluvia de confeti de colores. ¿Hay alguna manera mejor de finalizar un espectáculo que bailando? Aunque Mikel Izal supo poner la «puntillita». «Posiblemente este sea el concierto más increíble de nuestras vidas. Seguramente haya más, pero éste ha sido genial». Y muy posiblemente, el público coincida con el vocalista del grupo madrileño. Incluyo yo, una iniciada en el mundo revolucionario de Izal, llegó a pensarlo. Sin duda, un grandísimo concierto. No hay palabras suficientes para definirlo.

24 enero 2016
El trabajo autobiográfico de Digo Detroit
El año 2012 fue clave para el nacimiento de la banda barcelonesa «Digo Detroit». Felipe Cedeño (voz, guitarras y sintes), Pilar Rodríguez (voz y sintes), Javier Areste (bajo) y Jordi Vergara (batería y percusiones) son los componentes de este grupo, que surgió tras la disolución del proyecto «Sweater». Un año después de publicar su disco debut «Reflejos», regresan a los escenarios con el EP, «Ascendente».

Pregunta. ¿Cómo nace Digo Detroit?

Felipe. Después de varios años en Sweater y por su disolución por inquietudes, me apetecía hacer algo diferente. Tenía claro que quería un dueto para las voces y buscar un sonido más nostálgico y actual a la vez, así que empecé a buscar a los mejores músicos que conocía para ver si les apetecía ser parte de este proyecto.

Con Javi (bajo) ya había tocado varios años y Jordi (batería), que había tocado con Javi en otros grupos, se unió rápidamente. La última en aterrizar fue Pilar (voz y teclados), con la que estamos muy en sintonía y con quien fue muy fácil compenetrarnos.

P. ¿De dónde viene ese nombre?

F. La verdad es que el nombre del grupo fue una decisión muy difícil, los mejores nombres ya están cogidos así que buscar uno no fue fácil. Al final las soluciones se presentan solas. Mientras estaba sentado en un bar de Barcelona tomando un café, en el grupo de Whatsapp iban escribiendo: «yo Digo…», otro «yo Digo…». Iban surgiendo varias opciones y justo delante de mi había un cartel de baseball de Detroit. Y finalmente salió «Digo Detroit».

P. ¿Cuáles son vuestras principales influencias?

F. Cada uno tiene los suyos, pero los Beatles, Radiohead, Portishead, Massive Attack y Unkle, están en la lista.

De los Beatles, destacamos las melodías, son brillantes y nosotros creemos que las melodías son cruciales para los temas. De Radiohead y Portis, su vanguardismo, su crudeza y su afán de evolución, además de su obsesión por un sonido único. De Massive Attack y Unkle, el ser unos grandes de la música electrónica y el trip hop han influenciado la atmósfera que buscamos, el tipo de clima que queremos crear con nuestros temas

¿Qué palabra o palabras identifican a Digo Detroit como banda?

F. Unión , experimentales , introspectivos , soñadores

P. ¿Qué estilo musical os definiría mejor?, ¿pop, rock alternativo?

F. Una fusión entre pop rock, música electrónica y trip hop/R&B con tintes del indie nacional.

P. ¿Qué importancia tienen las letras en vuestras canciones?

F. Las canciones del disco quieren trasmitir nuestro estado interior, lo que sentimos, lo que compartimos de una forma individual, pero siempre buscando llegar a quienes nos escuchan. Ellos son nuestro ascendente.

Las letras son importante porque giran en torno a sentimientos intensos, más concretamente, en torno al momento en que esos sentimientos crecen, ascienden en intensidad.

P. ¿Qué supuso vuestro álbum debut, «Reflejos»?

F. «Reflejos» fue el punto de partida, fue probar un nuevo proyecto y ver que era algo sólido, creíble. Nos dio la fuerza para creer en esto y poder evolucionar en nuestra música. «Reflejos» fue un disco concebido a base de recapitulación de temas que se habían ido haciendo en una etapa anterior, pero que no vieron la luz. Ahora con «Ascendente» hemos encontrado nuestro sonido y nuestro lugar.

P. Ahora habéis publicado el EP, «Ascendente», el cual habéis autoproducido. ¿Qué ventajas tiene la autoproducción?

F. Lo mejor de la autoproduccion es que controlas todo, desde el sonido, los tiempos de salida de un trabajo, con quién quieres trabajar a la hora de grabar o masterizar. Lo peor es la inversión económic,a pero no todo va ser perfecto. La verdad es que por ahora nos ha ido muy bien con esta fórmula.

Digo Detroit ASCENDENTE

P. ¿Qué hace diferente este trabajo del anterior, por ejemplo?

F. En cuanto al sonido, teníamos claro lo que queríamos: unas bases solidas y contundentes, que se mezclaran lo mejor posible con melodías indie pop y con un toque electrónico. La verdad es que llevábamos mucho tiempo queriendo hacer algo así y creemos que ahora es el momento.

P. ¿Hasta qué punto las canciones de «Ascendente» son autobiográficas?

F. Hasta el punto más objetivo. Todas la letras son autobiográficas de momentos que hemos vivido o padecido, y sinceramente cualquier persona se puede sentir identificada o al menos eso creemos. ¿Quién no ha querido a algo o alguien alguna vez?

P. ¿Cómo ha sido trabajar con Aleix Sans e Yves Roussel?

F. Un experiencia magnifica, sobre todo por el cariño que tienen y ponen en su trabajo. Entienden perfectamente hasta donde quieres llegar y qué quieres conseguir. Claramente si tuviéramos que repetir, contaríamos con ellos

P. ¿Cómo definiríais «Ascendente»?

F. «Ascendente» tiene muchas lecturas. Mientras trabajábamos en los temas, muchos nos transportaban, por su sonido a un lugar elevado. También las letras giraban en torno a sentimientos intensos, justo en el momento en que esos sentimientos crecen y ascienden en intensidad. Por otra parte, algunos riffs y sonidos de ascendente son de inspiración oriental, por lo que nos pareció que el título ascendente conectaba con esa referencia, pues tus ascendentes, según la filosofía oriental, marcan tu personalidad de forma intrínseca. Nos pareció que conectaba con el tono introspectivo el disco.

P. ¿Por qué ciudades tenéis pensado pasar con este nuevo trabajo?

F. Por ahora hemos hecho Barcelona y Madrid para presentar el nuevo trabajo. En el 2016, confirmaremos más fechas por España, que tenemos ya prácticamente cerradas. Con suerte también iremos a algún festival.

P. ¿Podéis hacer un ranking con las que consideráis que son las 5 mejores canciones?
- A day in Life, de The Beatles
- Paranoid Android, de Radiohead
- Unfinished Simpathy, de Massive Attack
- Smells Like Teen Spirit, de Nirvana
- La mirada de los 1000 metros, de Standstill.
4 diciembre 2015
«Energías», de Versos Rotos

«Es una energía vital la que nos hace sentir, la que nos hace soñar». Así empieza «Energías», el tema de Versos Rotos, que ya tiene su videoclip. Una canción positiva que habla sobre la superación diaria y que así lo demuestra en el vídeo, que vió la luz el pasado lunes 23 de noviembre, gracias también a la ayuda de Mondosonoro.

El protagonista, representado por la promesa del boxeo Raúl D’Alessandro, muestra cómo pelea constantemente contra las dificultades que se le presentan en su propia vida y contra sus rivales en peleas callejeras. De hecho, el día a día del joven del vídeo siempre comienza de la misma manera: «Abre los ojos. Frente a él, pegada en el techo, una pequeña impresión donde aparece el boxeador Muhammad Ali junto a una frase que dice: odié cada minuto de entrenamiento, pero dije: No renuncies. Sufre ahora y vive el resto de tu vida como un campeón». Una madre enferma, peleas ilegales y una historia de amor se hilan y entremezclan durante los 5 minutos que dura la canción.

El cineasta David Valero, director del largometraje «El arca de Noé», estrenado en la sección oficial de la SEMINCI, ha sido el encargado de dirigir el nuevo videoclip de la banda alicantina, Versos Rotos.

Un tema que no solo muestra la energía que desprenden los personajes del vídeo, si no que también está presente en el propio grupo, especialmente en sus directos. «Energías», una canción que se incluye en el último trabajo de Versos Rotos, «Vacío Cuántico».

27 noviembre 2015
Dimensions of dialogue, de Lucía Scansetti

Ya desde pequeña Lucía Scansetti apuntaba maneras. Desde que descubriera la música siendo tan solo una niña, su futuro en ella se veía cada vez más claro. Su nombre empezó a sonar en este mundo hace unos años, y ya ha publicado ya tres singles. Ahora, está en pleno proceso de presentación de su nuevo trabajo, Dimensions of dialogue.

Pregunta. ¿En qué momento comenzó tu relación con la música?

Respuesta. El día en el que metieron un piano en mi casa mientras dormía y culparon a Papá Noel de todo el asunto.

P. ¿Cuáles son tus principales influencias musicales?

R. La música que escucho me influye más a nivel de producción que de composición, algunas de las referencias que tuvimos en cuenta a la hora de terminar «Dimensions of Dialogue» fueron: Alt-J, Sparklehorse, Beck o Beth Gibbons

P. ¿Cuánto tiene tu música de estas influencias?, ¿cuánto tiene de Lucía?

R. De Lucía tienen la parte no consciente, que es la mayor parte, y la historia a la que hace referencia.

P. Te han llegado a comparar con M.I.A o Lorde. ¿Qué piensas al respecto?

R. De las comparaciones, en general, que deben ser fruto de un instinto humano de buscar un rastro de lo ya conocido en lo que se acaba de conocer para comprenderlo sin esforzarse demasiado. No me molesta que me comparen con nadie, a veces hasta descubro artistas a los que no había llegado aún, como Soledad Vélez.

Con M.I.A y Lorde concretamente, no soy capaz de encontrarme ningún parecido, aunque me concentre mucho y pase diez días de retiro espiritual para dar con la energía común a todos los seres vivos, pero me gustan las dos.

P. «Cuando parece que estoy a punto de sentir algo, hago una canción y se me pasa» pones en tu bio de Twitter. ¿Una manera de canalizar tus sentimientos?

R. Sí, es como tomar una instantánea de un sentimiento justo antes de que desaparezca. No suelo escribir sobre cosas que me ocurren en el momento, esas las dejo fluir hasta que me da la sensación de que van a mutar en algo muy distinto. Justo entonces escribo sobre ellas para no olvidarme de lo que eran antes del cambio.

P. ¿Cómo fue actuar en el BIME City de Bilbao?

R. Actué dos veces, en una sala muy bonita al lado del río, y en los showcases programados por BIME Pro. Este concierto fue algo peculiar porque lo hicimos en la antesala de las conferencias, era un espacio diáfano con todas las luces encendidas, a plena luz del día, con la gente paseando de un lado a otro y parando a grabar vídeos para luego continuar su marcha como con mucha prisa. Uno de esos conciertos incómodos que hay que defender muy bien por quien pueda estar mirando. Me lo pasé mejor en el primero, pero me hace cosquillas sentirme un poco fuera de lugar, así que el segundo también fue interesante.

P. Tu primer EP salió adelante gracias al crowdfunding. ¿Cómo fue esta experiencia?, ¿esperabas tales resultados?

R. Antes de abrir la campaña, hicimos un pequeño estudio valorando la reacción de mis seguidores a la actividad en redes sociales durante un par de meses, la respuesta a fragmentos de canciones que iban a formar parte del disco, y calculamos aproximadamente cuál podría ser la implicación económica media, para poder fijar un objetivo realista que nos permitiese cubrir el presupuesto estimado de la grabación y producción del disco. Al final recaudamos un poquito más de lo esperado, pero cuando mides todo tan al milímetro, al final no te sorprende cumplir con los primeros objetivos porque estás planeando tantas cosas que lo das por sentado. Así somos. A lo mejor no me llevé la sorpresa de mi vida al lograrlo, pero desde ese momento, aún no ha dejado de sorprenderme el agradecimiento que me puede caber en el cuerpo.

P. ¿Qué ventajas e inconvenientes ha tenido este proceso?

R. El inconveniente: no contar con el apoyo económico y la infraestructura de una discográfica. La ventaja: no tener que rendir cuentas a una discográfica. No quiero decir que ser independiente tenga mayor mérito (aunque lo crea), quiero decir que por mi forma de ser y de trabajar, no quería dejar mi primer disco en manos de alguien que no lo tratase con el mismo cuidado que yo. La financiación del proyecto por parte de las personas que ya estaban creyendo en él por lo que es ahora y no por el número de reproducciones que puede llegar a tener en radio dentro de unos años, me da mayor sensación de cercanía. Y yo tengo el defecto de desconfiar de todo lo que veo lejos. Hay defectos que te salvan la vida.

P. ¿Cómo nace «Dimensions of dialogue»?

R. «Dimensions of Dialogue» es un registro de las conversaciones que se han desarrollado en mi cabeza a raíz de cosas que no he dicho cuando debía haberlo hecho. No las compuse con la idea de recogerlas en un EP, porque me he acostumbrado a ir sumando temas a mi repertorio en directo a medida que los componía, sin tener que hacer una criba estricta. Pero cuando surgió la idea de entrar en el estudio, llegó el momento de escoger 7 de 40, y quise que las elegidas estuviesen unidas por un concepto común, aunque no perteneciesen a la misma época ni hablasen de lo mismo. Las puse todas encima de la mesa, y se conectaron solas.

P. ¿Cuánto tiempo te llevó preparar las canciones, grabar y publicar este trabajo?

R. La primera canción del disco la compuse hace dos años (Elvis). Desde entonces, he ido recopilando lo que he escrito y llevado al directo, así que casi todas las canciones estaban ya muy rodadas. El disco lo grabamos en una semana; ha sido todo el trabajo posterior lo que ha alargado el proceso: la fabricación, los envíos, la distribución…

P. ¿Qué supone haberlo publicado?

R. Para mí es como tener un hijo que no llora ni se mancha al comer potitos.

P. ¿Cómo definirlo en dos o tres palabras?

R. Yo lo definiría con una palabra aleatoria y su contraria, cualquier cosa con dos extremos que se anulen mutuamente. Pero a ver cómo explicas eso.

P. ¿Cómo fue presentarlo en Radio 3?, ¿y en Honky Tonk?

R. En Radio3 estaba muy nerviosa, me suele pasar cuando hay cámaras grabando, pero quedó bonito. El concierto de la Honky fue mi favorito hasta la fecha, uno de esos bolos redondos de los que al final sólo acabas recordando que perdiste un tacón.

P. ¿Tienes gira ya preparada para presentar este nuevo disco en España?

R. Aún no, pero en cuanto cerremos fechas irán directas a mis redes sociales, siempre hay que estar atento.

P. ¿Presentarás «Dimensions of dialogue» fuera del país?

R. «Dimensions of dialogue» nació aquí para crecer fuera, es un joven de Erasmus.

P. ¿Podrías hacer un ránking con las canciones que más te hayan marcado profesional y/o personalmente?

R. Profesionalmente: «Iron», de Woodkid. Fue la canción que hizo que metiese las narices en la producción.

Personalmente: «Weights and Measures», de Dry the river.

De la infancia: «Total Eclipse of the Heart», de Bonnie Tyler. No sé por qué me llaman hortera cuando digo esto, pero era mi canción favorita en la época de Andy y Lucas y estoy orgullosa. También «Gypsy», de Suzanne Vega, porque me la ponía mi padre todo el rato.

Mía: «Captain Hook» era un descarte absoluto, la retomé cuando fui a México el año pasado, la toqué en directo con los chicos de Big Big Love y desde entonces creo en las segundas oportunidades. En realidad no, pero esta canción me gusta.

https://www.youtube.com/watch?v=waYzHTuOwNs

25 noviembre 2015
Llega «Lavapiés Diverso»

Jazz, blues, rap y música africana inundarán las calles del barrio de Lavapiés, desde el próximo viernes 13 de noviembre hasta el 29 del mismo mes. E incluso poesía, cine, una feria del libro o actividades para los más pequeños. Un año más y por segunda vez, «Lavapiés Diverso» llega a Madrid. Las calles y plazas de este barrio, además del Mercado de San Fernando y el Teatro Price, se llenarán de cultura.

Entre los invitados a este festival, destaca Sekou Kouyate (Guinea Konakri), conocido como «el Jimmi Hendrix de África Occidental», que el 17 de noviembre ofrecerá su primer y único concierto en España, enmarcado dentro de «Lavapiés Diverso». Además, en el festival también actuarán otros artistas como Romina Blanco, cantante argentina, intérprete de tangos; SBS Blues Band, con su innovador blues; el senegalés Kulumbá y sus melodías africanas; la canaria Alicia Ramos; los raperos Emi Rap y Soloh Mateo; o el músico Imulé de Cuba, entre muchos otros más.

La figura de Gloria Fuertes tendrá también un gran peso en esta edición de «Lavapiés Diverso», ya que se le realizará un homenaje muy especial. Y es que la escritora de literatura infantil y juvenil, nació en este emblemático barrio de Madrid.

11 noviembre 2015