Verdadera Locura

Categoría: Música

42 Buttons: «Jugamos con una esencia musical antigua, pero pasada por el filtro moderno»

Era el mes de enero cuando se juntaban David Romero (bajo), Pável Mora (teclado y voz), Javi Torres (guitarra y voz), José Medina (batería) y Fran Vela (trombón). Así nacía 42 Buttons, aunque el germen de lo que hoy es la banda ya estaba implantado. Poco a poco, han iniciado una carrera meteórica: se alzaron ganadores del concurso de bandas de Fender y actuaron en el Festival Cultura Inquieta. Con nuevos proyectos en mente, la banda getafense promete dar mucho juego.

’42 Buttons’ en Cultura Inquieta – Foto: Carlos Díaz Casado

Pregunta. ¿Cómo nace 42 Buttons?

Respuesta. Anteriormente, teníamos otra banda que se llamaba H, pero acabó disolviéndose. Sin embargo, nos quedamos tres de este grupo anterior y ahí empezó a formarse lo que es hoy 42 Buttons. Decidimos no venirnos abajo e irnos a tomar cerveza, que es lo que mejor se nos da y la mejor manera que tenemos de pensar [risas]. Hablamos de lo que queríamos hacer y de hacia dónde direccionar la banda en esos momentos. Entre otras cosas, decidimos dar un pequeño giro en el estilo.

P. ¿Y por qué ese nombre? Porque es un tanto curioso.

R. Hemos conseguido que llame la atención. Se le ocurrió un día a Pável y al final se quedó. Nos gusta dejar la explicación de porqué nos llamamos así, un poco en el aire [risas]. La verdad es que no nos gustan los nombres que son algo. Además, desde el minuto 0, en internet somos los primeros en salir cuando buscas 42 Buttons. Lo cierto es que lo único que ha requerido que nos sentemos y hablemos es el hecho de hacia dónde queríamos dirigir la banda, en cuanto al estilo. Todo lo demás ha venido rodado.

P. ¿Y qué estilo es el que os define más?

R. No lo sabemos muy bien. Nos han definido de muchas maneras y nos han comparado con cosas que jamás nos hubiéramos imaginado. Lo que intentamos buscar es la base de la música negra funk-soul más clásica, pasada por un filtro un poco más actual, introduciendo entre otras cosas, voces procesadas y bases más electrónicas. Jugamos con la esencia antigua, pero pasada por el filtro moderno. De hecho, esa esencia se nota también en la propia construcción de los temas. No seguimos una estructura tan marcada y abrimos paso a la creatividad y la improvisación. Además, dejamos que prime la instrumentación. Aunque poco a poco, estamos dejando paso a las voces y están surgiendo algunas letras. Por ejemplo, Matías Muñoz, una poeta de Getafe, compuso un poema «Bodrum Beach», específicamente para uno de nuestros temas. Lo que tenemos claro es que, dentro de las pocas letras que tenemos, éstas tengan un mensaje que traspase y llegue a la gente.

P. En muy poco tiempo, montáis la banda, os presentáis al concurso de bandas de Fender, ganáis y actuáis en el Festival Cultura Inquieta. ¿Qué supuso para vosotros todo eso?

R. Inicialmente, sentimos incredulidad, sorpresa y mucha emoción. Nos encontrábamos en esos momentos validando nuestra propuesta musical y dijimos: «Vamos a ver cómo se traga esto el público»: temas de siete minutos, cambios de compás o cambios de ritmo. No sabíamos cómo iba a responder la gente, pensábamos que nos dirían: «Bueno, sois un poco rayados, ¿no?» [risas]. Sin embargo, ocurrió todo lo contrario. En realidad, fue una meta, una manera de ponernos en marcha. Aunque dudamos. Tres días antes del concierto, estuvimos pensando si concursar o no, porque no veíamos el proyecto lo suficientemente maduro. Y luego, mira. Durante las dos semanas antes de la final, estuvimos dando un giro al repertorio y a la estética. Y fue ahí cuando hicimos un bolo realmente potente y la gente reaccionó de manera muy positiva. Luego, actuar en Cultura Inquieta fue increíble, también nos colocaron un día mejor que el que estaba previsto. Además, en todo momento nos trataron como una banda más, a pesar de haber sido ganadores de un concurso y no estar incluidos en el cartel. Todo ello nos dio confianza en el proyecto y nos demostró que a la gente también le gustan las cosas diferentes.

P. ¿Cómo fue compartir escenario junto «Aurora & The Betrayers» y la «Fundación Tony Manero»?

R. Compartir escenario con dos bandas grandes es increíble, no dejas de tocar con personas que tienen ya un enorme recorrido en este mundo. Además, estuvimos hablando con todos ellos detrás del escenario y son gente muy maja. No sabemos si fue bien o mal, pero acabamos a las tantas de la madrugada con la «Fundación Tony Manero» [risas]. La verdad es que compartimos muy buen momento con ambos grupos en el backstage. Fue un lujo actuar con bandas grandes, sin quedar por debajo de ellos en ningún momento. Y aprendimos mucho de ellos.

P. Vais a publicar en breves el DVD con la actuación en Cultura Inquieta. ¿Cómo va el trabajo de post-producción?

R. Va fenomenal. Y suena muy, muy interesante. Posiblemente para finales de mes o principios del próximo, ya estará a punto.

P. ¿Y cuál es el siguiente paso de 42 Buttons?

R. Vamos dando pequeños pasos continuamente. Estamos cerrando varias cosas interesantes en Getafe, en Madrid y fuera también. Además, también estamos hablando para llevar a cabo una propuesta cultural con otros artistas. Pero todo ello está todavía en proceso. Aunque lo inminente, es la publicación del DVD.

LOS TEMAZOS DE «42 BUTTONS»

Ten, de Pearl Jam

Wish you were here, de Pink Floyd

Cualquier tema de Jimi Hendrix

Welcome to the jungle, de Guns N’ Roses

A galopar (Alberti), de Paco Ibáñez

15 octubre 2016
Nastasia Zürcher: «My flight ha supuesto dar un paso con el que llevaba toda la vida soñando»

Es la reciente ganadora del Premio Martín Códax da Música 2016, en la categoría Blues, Funk & Soul. Además, también se ha alzado con el primer galardón en el I Certamen de Canción de Autor en Galego, con su tema «Voar». Sin embargo, Nastasia Zürcher se ha sumergido ahora en una nueva aventura: la presentación de su primer LP, «My flight». Un trabajo que llega a escenarios madrileños, el próximo 16 de octubre en El Intruso.

¿Cómo empieza Nastasia Zürcher en el mundo de la música?

Pues de forma muy natural, la verdad. Nací en una familia de músicos y amantes de las artes, lo que hizo que desde muy pequeña estuviera inmersa en universos muy musicales. Mi abuela era arpista y profesora de piano, mi papá es pianista, compositor de bandas sonoras para teatro y cine. También es profesor de MIDI y últimamente está muy metido en todo el tema de dibujos animados, muy enriquecedor todo. Así que desde que llegué a este mundo, ese fue mi día a día: escuchar y descubrir.

¿Qué estilo musical te define más como artista?

Quizás el neo soul o neo pop soul, junto con world music serían los dos grandes estilos generales. Mi manera de cantar es muy negra, pero a la vez juego mucho con registros suaves, más limpios, incluso con agudos y armonías más propias de las músicas del mundo.

Este año, fuiste ganadora de la categoría Blues, Funk & Soul en los III Premios Martín Códax da Música. ¿Qué sentiste al conocer la noticia?

¡Fue una alegría inmensa, la verdad! Como quien dice, con este proyecto como solista, acabo de llegar al panorama musical, así que tus compañeras y compañeros de profesión reconozcan y valoren tu trabajo con este pedazo de premio, desde luego es una motivación muy grande. Y ya hablando del momento mismo en el que dijeron: «La ganadora es…Nastasia Zürcher», pues claro, luego no conseguía quedarme quieta en el asiento durante el resto de la gala. Mi madre me daba pequeños codazos para que dejase de mirar al suelo, la botella (bueno, botellón…) y escultura del premio.

¿Cómo fue presentar el tema «Voar», incluido en el disco, en el I Certamen de Canción de Autor en Galego?

Realmente era y es la única canción en gallego del disco, así que no hubo más opciones de repertorio propio. Era o todo o nada, y al final, fue y mucho. ¡Una alegría!

Además, ganaste el primer galardón. ¿Qué significa este premio para ti?

Pues mucha alegría ver que tu trabajo gusta y llega. Es un tema muy personal, pero a la vez con una temática que, pienso, a todos nos ocupa la mente y corazón en algún momento de nuestra vida. Ver que la gente conecta con el mensaje y esencia de tus creaciones, es el mayor de los reconocimientos.

¿Qué ha supuesto para ti publicar tu primer LP, «My flight»?

¡Wow! Pues un paso con el que llevaba casi toda la vida soñando, algo que, hasta que ves que es real, que estás grabando, luego editando, que eliges portada del disco, que anuncias fecha de lanzamiento, parece como casi utópico. Y desde luego, a nivel profesional, ha sido y es de las cosas más enriquecedoras que he hecho hasta la fecha. Cada día es un master en aprendizaje.

¿Podrías definirlo en pocas palabras?

Me gusta definirlo como ecléctico, atrevido y sobre todo muy auténtico. Fue creado en absoluta libertad creativa por mi parte, dejándome fluir en todo momento por lo que sentía, es un trabajo muy sincero.

¿Cómo fue el proceso de grabación?

Además de muy emocionante, fue realmente bueno y perfecto para un estreno en dicha aventura profesional. Lo grabamos en Baeza (Andalucía), en los Estudios Alisrecords junto a Pachi García, que es el coproductor artístico y quién también se encargó de la mezcla y mastering. Ha sido muy productivo y divertido trabajar con Pachi, creo que entendió muy bien desde el principio lo que necesitaba (y que era mucho menos de lo que yo pensaba que necesitaba!), así que una vez establecidos los roles, lo grabamos en dos viajes a lo largo del verano 2015.

¿Cómo te sientes ante la inminente presentación de tu disco en Madrid?

¡Con unas ganas tremendas de que llegue la fecha! Llevaba tiempo deseando estrenarme con este formato tan especial en la capital, ciudad en la que además viví durante dos años y la cual me encantó y sorprendió para bien. Ahora toca compartir el camino hecho, el trabajo materializado, y las ganas, la verdad, que son inmensas.

¿Qué supone para ti compartir escenario junto a Beat Trío, el 16 de octubre?

Como decía es un formato muy especial al que le tengo un cariño muy grande. Juntos mis temas evolucionaron y cobraron todavía más personalidad. Estoy muy a gusto con el trío, tanto a nivel instrumentación, la cual me encanta, como a nivel personal. Mis dos compañeros de aventuras son pura maravilla, es una gozada construir y evolucionar con y junto a ellos!

¿Y qué significa para ti actuar junto a la artista invitada, Ana Santa?

Ya ves, nivelón que nos acompañará el 16 de octubre en el Intruso. Conocí a Ana hace poco más de medio año, y la verdad es que me encanta su rollo y manera de cantar. Creo además que encaja perfectamente en el formato Beat Trío, así que promete ser una noche muy emocionante.

¿Cuál es el siguiente paso, tras la presentación en la capital?

Estamos ahora con la gira de otoño, en la que actuaremos en varias ciudades de Galicia y en Madrid el 16 de octubre. Tuvimos un verano muy bueno a nivel de bolos, así que seguir la onda en la que estamos y expandir cada día más el proyecto. También estoy muy metida en la composición del segundo disco, el cual llegará para finales de 2017 si todo sigue su curso natural.

LOS TEMAS DE NASTASIA ZÜRCHER

How come you don’t call me, de Prince y cantado por Alicia Keys, allá por 2001.

To Zion, mítica y tan perfecta canción de Lauryn Hill.

Talking, de Fuel Fandango.

Stop your step!, de Verónica Ferreiro.

90s Music, de Kimbra.

4 octubre 2016
Nebraska: «La habitación de los espejos ha sido nuestro punto de inflexión»

2015 fue el año clave para Nebraska. Álvaro, Manu, Arturo y Paco se metían al estudio y «daban a luz» su primer EP: «La habitación de los espejos». Ahora, la banda murciana se encuentra en plena vorágine de conciertos de presentación. Tras quedarse finalistas en los concursos del Festival Gigante y del Granada Sound, Nebraska promete dar mucha guerra.

Fuente: Nebraska (Facebook)

Pregunta. ¿Cómo nace Nebraska?

Nebraska. Manu y yo [Álvaro] nos conocemos desde hace bastante tiempo y siempre nos ha gustado la música. De hecho, hemos pasado por varias bandas. Fue entonces cuando nos encontramos con Arturo y Paco, y creamos Nebraska.

P. ¿Cuáles son vuestras principales influencias musicales?

N. Antes del EP, las influencias eran muy indies, del estilo de Supersubmarina, Love of lesbian o Izal. Pero después de grabar, éstas desaparecieron. Perdimos un poco el control de la situación y las influencias cambiaron. Paco Román, el cantante de Neuman, fue el productor del disco y quien puso «la guinda al pastel». La verdad es que nos gusta mucho la línea que hemos adoptado. Así que ahora las influencias son algo más duras, «más sucias».

P. «La habitación de los espejos» es vuestro primer EP. ¿Qué significa para vosotros?

N. Supone mucho, porque ha sido el primero. Además, ha sido el punto de inflexión de Nebraska. Antes seguíamos una línea muy básica, pero a partir del EP, de grabarlo dónde y con quién lo grabamos y de todo lo que nos costó sacarlo, cambiamos. Ha sido «un parto muy duro» e intenso, pero a la vez muy gratificante. Hemos aprendido cómo hacer las cosas, cómo componer e incluso cómo grabar.

P. ¿Cómo fue el proceso de grabación?

N. Grabamos el EP en la Sala de Máquinas de Lorca con Paco Román como productor y Manuel Torregrosa como ingeniero de sonido. El proceso fue brutal, la mejor semana de nuestras vidas. Nosotros nos presentamos con seis temas y no sabíamos los que iban a salir. Pero Paco nos dejó claro enseguida los cinco que irían en el EP. Empezamos a grabar y de repente, las canciones cambiaron radicalmente. Pero el resultado nos emocionó. De hecho, el día que escuchamos los temas finales, se nos erizó la piel.

P. ¿A nivel profesional, cómo fue trabajar con Paco Román y Manuel Torregrosa?

N. A nivel profesional es brutal, porque los dos son gente muy seria, comprometida y que tiene las cosas claras. Eso creemos que es fundamental, porque si tú tienes algo tan preciado como una canción o una obra de arte, no se la vas a confiar a cualquiera que se ría. Por eso, confiamos en personas que trataran nuestro trabajo con respeto.

P. «Que empiece el baile» ha sido el primer single. ¿Qué tiene este tema de especial?

N. Una vez tuvimos todo el EP, «Que empiece el baile» fue la canción que más sabíamos que gustaba a la gente, porque es muy movida y muy alegre. Además, tiene una energía especial. Cuando llegamos al estudio, de hecho, Paco nos dijo exactamente lo mismo. A nivel personal, también le tenemos mucho cariño por el mensaje que tiene, por el buen rollo que transmite. En el fondo habla de que, pase lo que pase, hay que seguir para adelante y ponerse a bailar.

P. ¿Qué ha supuesto para vosotros quedar finalistas en el Festival Gigante y en el Granada Sound?

N. Nos ha servido para darnos cuenta de que nos movemos mucho más de lo que creemos. Y de que, a pesar de llevar muy poco tiempo, si seguimos por este camino, podemos convertirnos no en finalistas, sino en ganadores de estos concursos. Sí que es cierto que teníamos claro que no ganaríamos. Pero lo importante al fin y al cabo, es estar ahí, estar presente. Este año a lo mejor no era el nuestro, pero quizás el siguiente sí que lo sea.

P. ¿Cómo fue presentar el disco en Madrid, en Costello Club?

N. Ha sido impresionante, increíble. La sala Costello es un lugar por el que hemos visto pasar grupos que hemos seguido, como Sidecars. Al vernos tocar allí, nos emocionamos. Además, la gente también respondió muy bien al concierto.

P. ¿Y cómo fue compartir escenario con Ayer?

N. Fue genial también, porque son muy agradables. Trabajan muy bien y a nivel humano y profesional, son brutales. Nos trataron también muy bien y con mucho respeto. Es de esos grupos con los que da gusto trabajar.

P. ¿Cuál es el siguiente paso de Nebraska?

N. El siguiente paso es tocar mucho. De hecho, tenemos varias fechas por Murcia, Valencia, Granada y Madrid. Con el EP giraremos un año entero, hasta septiembre u octubre. Después nos plantearemos grabar un disco. Y en diciembre del próximo año, puede que nos metamos en el estudio.

LOS TEMAZOS DE NEBRASKA

Wonderwall, de Oasis

Pequeña gran revolución, de Izal

Alcohol and cigarettes, de Oasis

Sympathy for the devil, de The Rolling Stones

You can’t always get what you want, de The Rolling Stones

Other side, de The Red Hot Chili Peppers

22 septiembre 2016
Eyre Suárez: «Chaveleando es un tributo a Chavela Vargas, un camino por canciones con las que creó su propia biografía»

Chavela Vargas se convierte en la protagonista del nuevo disco de la solista vasca, Eyre Suárez. En «Chaveleando», la vocalista rinde homenaje a la artista mexicana. En este primer trabajo de Eyre, se han seleccionado los mejores temas de Vargas. Canciones que, a pesar de no ser suyos, supo dar un toque muy particular.

Pregunta. ¿Quién es Eyre Suárez?

Eyre Suárez. Es difícil describirse a uno mismo, la verdad. Pero así a grandes rasgos, puedo decir que me considero buena persona, aunque eso tendrán que corroborártelo las personas de mi entorno.

P. ¿Cómo comienzas en el mundo de la música?

ES. Curiosamente, ya en la escuela cuando tenía cinco años en lugar de hacer alguna otra actividad, la maestra que teníamos solía ponerme a cantar de pie sobre su mesa para todos mis compañeros, así que supongo que ya desde niña tenía esa vocación.

En cursos posteriores recuerdo cantar en las clases de dibujo, que estaba considerado como una asignatura maría [risas]. En los cumpleaños de mis amigos con nueve o diez años, también cantaba.

Me encantaba componer, y es una cosa que hoy en día sigue fascinándome. El hecho de decir las cosas a través de la música y llegar a emocionarlas maravilloso.

P. ¿Con qué género te sientes más identificada?

ES. Me siento identificada con el pop más indie aunque no lo parezca, pero mi verdadera pasión son los cantautores. Siempre me han encantado. Comencé a escuchar a Aute y a Rosa León con nueve años en unas vacaciones con mi familia en Béjar. Me pasé las tardes de aquel verano escuchándolos en la casa de una pareja que vivía allí y fue estupendo. Aute por ejemplo es un cantante al que tengo un cariño especial porque me marcó bastante. A través de él fui descubriendo a Joaquin Sabina, Serrat, Victor Manuel. Más adelante a Mercedes Sosa, Mari Trini, Martirio, que me chifla. Y ya más actuales me quedo con Vanesa Martin, Manuel Carrasco, India Martinez, ¡y cómo no Rosana! Me encanta la positividad de Rosana para todo [risas].

P. ¿Qué tiene Chavela Vargas para rendirle homenaje?, ¿qué significa ella para ti a nivel artístico?

ES. Chavela me resulta fascinante. Es la libertad hecha persona, el feminismo bien entendido. Imagina una persona cantando «Ponme la mano aquí Macorina» hace cuarenta años. Cantando con ese sentimiento tan característico, y no cambiando el género de las letras a las canciones. Si se está cantando a una mujer porque la letra es así y la compusieron así, pues es así y punto. ¿Para qué iba a cambiarlo ella? Es que es única. Auténtica Chavela. Con un par.

A nivel artístico para mí Chavela significa la ruptura de las reglas establecidas hasta el momento. Es una cantante que a pesar de no tener un gran instrumento vocal transmite como la que más, y nos enseña que eso es lo que importa, esa conexión con el público, ese dejarse llevar por las emociones aunque supusieran tristeza y saliéramos llorando de sus conciertos. Siempre digo que si cada uno de nosotros ejerciera la libertad como hizo Chavela el mundo sería de otra manera.

P. ¿Es complicado reinterpretar los grandes temas de Chavela Vargas?, ¿cómo hacerlos tuyos y darles tu propio toque personal, sin perder su esencia original?

ES. Efectivamente es muy complicado interpretar esos temas, pero creo que hemos conseguido hacerlo gracias a ese toque de blues, ese prescindir de trompetas y guitarrones como ya hiciera la propia Chavela en su momento.

P. ¿Podrías definir «Chaveleando» en pocas palabras?

ES. Es un tributo a Chavela Vargas, un camino por canciones que no fueron compuestas por ella y con las que sin embargo creó su propia biografía. Si estudiamos a Chavela con detenimiento nos daremos cuenta de que cada una de ellas refleja un momento de su vida. Exceptuando María Tepozteca, que es un tema que ella misma compuso y que también forma parte de otro episodio de su vida.

P. ¿Es este disco el primero, tu primer contacto con el mundo musical?, ¿qué ha supuesto para ti la publicación del mismo?

ES. Supone una meta conseguida. Yo quería hacer un homenaje a Chavela sí o sí. Ha habido algún contratiempo, pero la publicación del disco ha supuesto para mí una gran satisfacción. Un sueño cumplido.

P. ¿Cómo ha sido la acogida?, ¿cómo te has sentido?

ES. Me siento afortunada. La acogida ha sido espectacular. Yo pensaba que ese tipo de música no iba a calar mucho, pero ese género musical también tiene su público. Me siento doblemente bien por darlo a conocer a aquellos que jamás lo habían escuchado y después de los conciertos se acercan y me comentan: Yo no conocía estas canciones, pero me encantan.

Es muy gratificante pensar que por una hora han dejado de lado sus preocupaciones y han estado escuchándote con detenimiento y sintiendo la música y esas letras tan sinceras.

P. ¿Y después de «Chaveleando», tienes algún proyecto en mente o de momento, seguirás con la promoción y conciertos de este disco?

ES. Hay proyecto, sí. Me gustaría empezar a dar a conocer mis propias composiciones, pero de momento estamos con “Chaveleando”. Seguiré con la promoción chavelera y los conciertos en honor a Chavela.

P. ¿Por qué ciudades pasarás con este trabajo?

ES. Tenemos previsto pasar por Madrid próximamente, aunque nos encontramos muy a gusto en Malaga y los municipios de la costa malagueña. También nos ofrecieron tocar en Valencia y el País Vasco, pero de momento lo tenemos un poco aparcado debido a otros compromisos profesionales, ya que no nos dedicamos a esto al cien por cien. ¡Que mas quisiéramos!.

P. Por finalizar la entrevista: ¿podrías decir cinco canciones que te hayan marcado artísticamente?

ES. Sin duda una de ellas sería «Maria Tepozteca», por la libertad de su letra. Ese «Tepozteca linda de pezón erecto de zapote prieto» es lo más. Otra canción que me marcó fue «Ojos de gata» de Los secretos, porque viví algo muy parecido a lo que dice la canción. También tiene una especial relevancia para mí el tema «Sin más» de la cantante Merche. «Las simples cosas» de César Isella, con esa letra tan maravillosa y poética. Por último me quedo con una de Vanesa Martín, «Hago música» y desde aquí invito a hacer música a todo el mundo.

11 septiembre 2016
El último festival del verano: el DCODE

El fin del verano se acerca. Un final que deja entrever también el fin de los festivales. Pero antes, es el momento del DCODE Festival, «el último festival del verano». Y de nuevo, un ao más, el campus de la Universidad Complutense de Madrid acogerá a grandes grupos del panorama indie, durante 18 horas de música ininterrumpida.

Artistas nacionales e internacionales de la talla de Bunbury, Zara Larsson, Love of lesbian, Kodaline, Mark Ronson, Delorean, Eagles of death metal, Leon Benavente o Triángulo del amor bizarro, entre muchos otros. Además del ganador del concurso BDCODER, que se conocerá hoy 1 de septiembre, tras la gala celebrada en Conde Duque. Entre los finalistas: B-Touch, Labs Trapp, Cintia Lund, Subterráneos y The Monster Lover. Eso sí, para los horarios de las actuaciones, habrá que esperar a las 12 horas de mañana y consultar la app del DCODE.

Un año más, se realizará la Liga Dcode, en la que artistas y asistentes se darán cita en la pista de fútbol. Además, Dcode Festival vuelve a llevar a cabo el proyecto ECODE, junto a Ecovidrio, cuyo objetivo es promover la sostenibilidad.

1 septiembre 2016
El Festival Gigante llega a Guadalajara

Con los últimos resquicios del verano, llegan también los últimos festivales de música. El Festival Gigante es uno de ellos. Durante los días 2 y 3 de septiembre, Guadalajara se inunda de música. Amaral, Zahara, Monarchy, Miss Caffeina, Sidecars, La M.O.D.A, Quique González o La Habitación Roja entre otros, son algunas de las bandas que conforman el cartel de esta edición. Un año más, el Estadio Fuente La Niña se convertirá en el punto de reunión de artistas y espectadores.

Los abonos están disponibles todavía por 30€ y las entradas de día por 25€. El cantante estadounidense Kurt Baker será el encargado de abrir el festival, el viernes 2 de septiembre, a las 17.00 horas. Tras él, se sucederán el resto de artistas por los diferentes escenarios: el de la Plaza Santo Domingo, el escenario Gigante, el Coca-Cola y el Supersubmarina. Por su parte, Alice’s Cream pondrá el broche final al festival, el sábado 3 de septiembre a las 1.45 horas.

En sustitución de Supersubmarina

Los baezanos eran cabeza de cartel del Festival Gigante, pero debido al accidente que sufrieron la pasada semana, Sidonie será la banda que los sustituya. En estos momentos, los andaluces permanecen estables en el hospital. Desde aquí les deseamos una pronta recuperación.

19 agosto 2016
La noche más heavy del Festival Cultura Inquieta

El festival de los festivales daba el pistoletazo de salida el jueves 30 de junio. Desde ese día y durante las siguientes tres semanas, numerosos artistas de distintos géneros, pasarán por el escenario del Festival Cultura Inquieta 2016.

El pasado viernes 1 de julio, fue el turno del heavy español, que vino de la mano de tres de las bandas más emblemáticas del panorama nacional: Saratoga, Ñu y Barón Rojo.

Apenas eran las 9 de la noche cuando Saratoga saltaba a escena, incitando a los espectadores con su nuevo disco, a Morir en el bien, vivir en el mal. Decidieron empezar por «arrasar la ciudad» con A morir, para pasar luego a relatar «una historia que pasó», cuando «en un día gris, él caminaba sin razón». Fue así como Tete Novoa alzó la voz y cantó No sufriré jamás por ti. La Etérea pasión por el Heavy Metal es capaz de poner fin a este sufrimiento. Entonces llegó el momento de «contar hasta diez» y de que se eleven los Vientos de guerra. Una guerra que no le impedirá prometer que Volverá para bailar El último vals. Y sin importar «si existe un final», se produjo el momento de la Resurrección. Sin embargo, el final se acercaba, el concierto pasó Como el viento y Saratoga cerró el espectáculo, cantándole a aquel Perro traidor, ese «que no vale nada» y «que siembra veneno al hablar».

No habían dado las 11 de la noche. Era el turno de Ñu. Comenzaban con un cántico a los Animales sueltos, porque luego Tocaba correr. Y cuando el Fuego comenzó, llegó Ella para calmar «su sed dentro de ti». Más fortalecido y mucho Más duro que nunca, apareció El flautista, quien aseguró totalmente convencido: «Sé quién tiene la llave de una ciudad. Sé quién tiene la espada que vencerá». Una historia que, tras sacarla a relucir, se merecía Una copa por un viejo amigo.

Ya pasada la medianoche, Barón Rojo se preparó para cerrar la noche. «No hay tiempo que perder, en marcha me tengo que poner». Entraron pisando El pedal y «como un auténtico animal», cantaron Al final, perderán. Era el momento de todo tipo de Incomunicación externa. La noche era una de esas tantas Noches de Rock & Roll, en las que había que acabar hasta con las Botas sucias. Todo lo demás sobraba. Hubo momento también para que, como un Fugitivo, apareciera el Hijo de Caín y se proclamara Hermano del Rock & Roll. Es más, su rebeldía contra El presidente, «responsable de todos los males de mi ciudad», le llevó a asegurar: «Resistiré hasta el fin». Y así es como poco a poco, «la magia se desvaneció» con Siempre estás allí, pero la estela de estas tres bandas permaneció incluso después del concierto.

3 julio 2016
V edición del EMDIV: el antes y el después del festival

Con la llegada del solsticio de verano, los festivales de música empiezan a desfilar uno tras otro hasta bien entrado el otoño. El Emdiv de Elda ha sido uno de los primeros de este año, aunque el MadCool Festival de Madrid o el Festival de les Arts dejaban entrever todo lo que se avecina en esta etapa estival.

Como signo de buen augurio, Gimnástica fue la banda encargada de abrir el festival con una canción con alta carga de La buena suerte. Eran las 17.20 horas del sábado 25 de junio. A pesar del calor aterrador, los alicantinos fueron capaces de hacer que todos aquellos, que poco a poco, entraban en el recinto, los acompañaran a un especial viaje por la Montaña, su trabajo más reciente. Una travesía en la que tan solo existía una máxima, resumida en Si te veo bailando. Casi una hora que pasó más rápida que el viento. La cima estaba cada vez más cerca. Aunque lo mejor de la escalada, fue poder Saltar en paracaídas, para luego Resetear las mentes de los espectadores. Eso dio paso a Olivia. Eso sí: la sesión de Dimas DJ iba antes.

Siendo uno de los grupos míticos del festival, los eldenses Olivia se subieron al escenario con la clara intención de hacer sudar y bailar a la gente. Y es que ni las horas intempestivas a las que tuvieron que actuar, impidieron que con temas como Lluvia, los espectadores «volvieran a nacer».

Resurgimos y sí, volvimos a nacer. Tras la sesión de los DJs del EMDIV, se hicieron las 8 de la tarde y la «pequeña» Zahara apareció en el escenario. Aunque faltaron algunos comentarios mordaces tan suyos, la dulce voz de la cantante atravesó cualquier tipo de barrera. Bajo la promesa «No le digas a nadie que no llegué a tiempo», la cantante interpretó Merezco, para a continuación llamar al escenario a Marc Ros, cantante de Sidonie. Juntos nos contaron la Historia Universal (El amor no es lo que piensas), de Deluxe. Zahara tuvo tiempo de dejarnos sin respiración, con Oh salvaje, para posteriormente helarnos hasta las entrañas con El frío. ¡Cómo no! La rubia también bailó para nosotros y, rescatando ese «Yola mola mil», la Caída libre fue inevitable. Una caída que sirvió para emprender Camino a L.A. Así durante más de una hora de concierto. Y cuando parecía que la fiesta se iba a alargar hasta el infinito, Aquel letargo sin fin tocó fondo, para dar paso a la siguiente banda.

Así es como llegó Sidonie, tras la sesión de los DJs de Corrientes Circulares. Y es que tras recorrer multitud de Carreteras Infinitas, el trío catalán se plantó en el escenario para presentar éste su último single, además de para anunciar que en septiembre u octubre, publicarán su nuevo álbum. No podían dejarse nada en el tintero, por lo que, con ayuda de Zahara, los chicos de Sidonie sacaron a relucir a Los Olvidados. Un concierto breve pero intenso, en el que Marc Ros demostró eso de que «Yo soy la crema». Y es que ni Un día de mierda, podría haber arruinado su actuación.

Foto: Organización Emdiv

El toque internacional vino de la mano de los irlandeses Delorentos, que actuaron tras el DJ Yiorch. Eran las 11 de la noche. La banda, una de las más aplaudidas en todos los festivales, se mostró agradecida en todo momento con el público. Con canciones como Everybody else gets wet o Did we ever really try?, no dejaron a nadie indiferente. Una actuación que marca un antes y un después en la historia del festival, que por primera vez contó con una banda internacional.

Cristian Set Roc abría la medianoche con su sesión, que seguidamente dio paso a Supersubmarina, quienes a pesar de los problemas técnicos, consiguieron salvar sus respectivas actuaciones. Los baezanos comenzaron haciendo que todos dejaran atrás todos sus miedos, con Samurái. Y para aquellos que aun conservaran su mente Hermética, solo tenían que esperar a que llegara Ana, La Emperatriz. «El ambiente en la ciudad» emergió con la música de Supersubmarina y el público lo «flipó» con la aparición de Kevin McAlister. Con su particular himno de Canción de guerra, aquella Pequeña de las dudas infinitas resurgió con su Puta vida. Pero ni eso consiguió ensombrecer el concierto de los andaluces, que tras su actuación, dieron paso a los DJs, We are England.

Varry Brava fue la última gran banda en actuar, a eso de las 3 de la madrugada. A pesar de las altas horas, loras, a gente lo dio todo. Los murcianos aprovecharon el festival para rescatar su repertorio, que en otoño se renovará con el nuevo disco que están preparando. Así que, ésta fue la oportunidad perfecta para hacer bailar a los espectadores y hacer que algunos de ellos subieran al escenario, para pedirles de manera enérgica: «No gires sobre mí bailando». Tras ellos, Ley DJ se encargó de poner el broche final del festival, que finalizó a las 6 de la madrugada.

29 junio 2016
ELE: «En este fin de gira, cerraremos un ciclo que nos ha dado tanto»

Dos años después de que Summer Rain viera la luz, la artista ELE cierra la gira del que es su primer trabajo. Un disco que se ha expandido como la pólvora y que se ha convertido en banda sonora de series y telediarios. A expensas de entrar de nuevo en el estudio de grabación, ELE está grabando un nuevo tema, con su respectivo videoclip, junto al rapero Nach.

Pregunta. ¿Cómo nace «Summer Rain»?

ELE. A ese tema le puso título mi madre y lo compuse cuando solo tenía 14 años. Me apetecía que el disco se llamase así porque, como cualquier primer disco, era una recopilación de todo lo que había hecho hasta el momento. Además, fue la primera canción que hice y quería metarla ahí a toda costa. También me gustó el hecho de que fuera la última del álbum, ya que es como el final que da comienzo a todo este proceso. Así que al final, surgió así: de la mano de muchos amigos, como Mani, que es el bajista y que me ha empujado a hacer este trabajo.

P. ¿Qué balance haces de estos dos años, desde que se publicara el disco?

E. Muy positivo. Creo que hemos sido muy afortunados, no solo yo, aunque sea la compositora, también todo el equipo que ha estado conmigo. Hemos sido muchos los que hemos trabajado, siempre he tenido el apoyo de la banda, que me ha ido siguiendo, tanto de amigos como de músicos. Promociones Sin Fronteras también ha hecho un excelente trabajo de promoción y Arcadia, que es el sello discográfico. El balance ha sido magnífico, porque nunca te esperas lo que va a pasar. Y es que es mejor no esperar, ya que así te sorprende la vida, siempre positivamente, claro. Y cuando las cosas caen mal, piensas que bueno, también es lógico. El caso es que al final, a la gente parece que le ha gustado y el disco ha aparecido en un montón de medios

P. ¿Cómo te sientes ante el inminente fin de gira?

E. Está ya aquí, la verdad. El 10 de junio ya acabamos la gira en la capital. Aunque sí que es cierto que nos han cogido en algunos teatros para continuar con el tour. Nos están saliendo cosas y se está prolongando la cosa. Yo solo espero que disfrutemos ese día 10, porque para nosotros es algo especial, es cerrar un ciclo que nos ha dado tanto.

P. ¿Cómo definirías el disco?

E. Definirse es limitarse. Y es muy difícil definir este disco. Lo ponen como folk de habitación, aunque también tiene también soul y jazz. Lo que le pasa al disco es que es un conjunto de canciones que cuentan historias mías o de la gente que me rodea. Pasa por varios estados de ánimo, porque en la vida misma no se está siempre feliz. Este álbum es lo que te pasa un poco en tu día a día.

P. El coro góspel, «Góspel Factory» te acompañó en parte del disco. ¿Cómo fue trabajar con ellos?

E. Llevo trabajando con ellos unos 10 años, y claro, quieras que no ya somos una familia. Todos nos apoyamos y todos aparecemos en los proyectos de todos. Así que me apetecía contar con ellos en mi disco. Además, yo compongo siempre con la armonía muy clara en la cabeza. Y en el concierto del día 10, algunos de ellos me acompañarán en el escenario. No todos porque si no, no cabemos. La verdad es que trabajar con ellos ha sido una maravilla. En el disco solo han aparecido personas que conocía desde hace mucho tiempo y que confiaban en mí, aunque no hubiesen escuchado antes mis temas.

P. ¿Y cómo fue trabajar con Pablo Cebrián?

E. Otra maravilla, ¿qué te voy a decir? Pablo es un tío muy perfeccionista, que tiene las cosas muy claras y con un talento sublime. Yo siempre le digo: «Cómo me gustaría hacerte una resonancia para ver cómo brilla esa cabeza» [risas]. Y es que brilla por sí solo. Yo le llevé las canciones y él las completó. Para mí fue un tándem perfecto. De la mano de él es muy fácil tener el disco que tengo.

P. ¿Qué despunta, las letras o la música?

E. Creo que es un «fifty-fifty». A lo mejor hay gente que le da más importancia a las letras por ser en inglés. Pero yo estoy contando unas historias que me han acompañado durante unos años, historias de mis amigos y familiares, así que las siento cuando las canto. Entonces para mí, es la mitad de las canciones.

P. ¿Habrá alguna colaboración especial en el concierto del día 10 de junio?

E. Haremos un poco de claqué, que ya estuvo en Las Ventas; y aparecerán Julian Kanevsky, que grabó también en el disco, o Belén de la Casa, que es mi profesora de chelo. Nos reuniremos la gente que ha participado y que ha estado ahí, apoyándome desde el principio. Todo esto con alguna sorpresa más, que ya se descubrirá el día 10.

P. Entre tus próximos proyectos, hay un single y videoclip junto a Nach. ¿Qué más puedes avanzar sobre eso?

E. Bueno, todavía no han salido, por lo que poco puedo avanzar. Solo que colaborar con Nach ha sido increíble. Es una persona con mucho talento, es un poeta de los pies a la cabeza y tiene un corazón enorme. Le presentamos el tema, gracias a Pablo Cebrián, y a pesar de tener tan solo unos acordes, le encantó. Y al final, creo que hemos hecho algo muy bonito, con un videoclip espectacular para mí. Aunque claro, qué voy a decir yo [risas]. Solo esperamos que a la gente le guste igual que a nosotros.

P. ¿Habrá mucha mezcla de estilos?

E. Efectivamente. Yo sigo un poco en mi línea y Nach en la suya, que es la del rap. Además, yo canto en inglés, mientras que él lo hace en español. Creo que esa fusión siempre es muy buena y positiva.

P. Además de este proyecto, ¿tienes alguno más en mente?

E. La idea es ponerme con el segundo disco en verano. Lo que no puedo decir es cuándo saldrá, porque no lo sé todavía. La cosa es empezar, que es lo difícil: sacar tiempo para hacerlo. Y bueno, a ver si con suerte, en un par de meses más o menos, lo podemos tener todo cerrado.

P. Una última cuestión: ¿qué supuso para ti que «Shadows» y «Another Colour» aparecieran en las series «Vis a vis» y «BYB», respectivamente?

E. Me hizo mucha ilusión. Además, eran días en los que yo no estaba viendo la televisión y me enteré por las redes sociales. Mola mucho que a la gente le sorprenda igual que a nosotros o que incluso te conozcan gracias a estas cosas. Sí que es cierto que sabíamos que iban a aparecer las canciones, pero desconocíamos cuándo. Aunque de lo de «Vis a vis», nos enteramos más tarde y por Twitter. El único caso del que no teníamos ni idea, fue cuando cogieron «Another Colour» para Deportes Cuatro.

6 junio 2016
Edu Quindós: «Still Believe nace tras mucho esfuerzo, pero no lo cambiaría»

El tercer trabajo de Edu Quindós, «Still Believe» llega el próximo 15 de junio, cargado de curiosidades y anécdotas. Aunque los tres primeros adelantos ya han llegado, de la mano de los temas «I Will Be There For You», «It’s Alright» y el homónimo «Still Believe». Según el artista barcelonés, el disco habla de «las cosas cotidianas, no hay luchas ni odios, hay amistad, amor y desamor, algo de picardía y mucho pasado».

¿Cómo se cruza la música en la vida de Edu Quindós?
Como oyente llegó así: de mi madre, Neil Diamond; de mi hermano, música heavy, especialmente AC/DC; de mi hermana, la música pop, new romantics y sobre todo Queen. En la adolescencia, escuché mucho a Dire Straits, U2, Roxette y ya por mí mismo fueron entrando George Michael, Elton John, Bowie, Spandau Ballet y el último en llegar, Glen Hansard, entre otros. Como músico, arranqué en el instituto canturreando con amigos. La primera que canté, mejor no recordar cómo sonó, fue Cryin de Aerosmith. Una facilita.

¿Cuándo decides iniciar tu carrera en solitario?
Sobre 2003 grabé un EP no editado en los primeros meses de vida de la Bucbonera, estudio donde he grabado mis discos. Luego co-fundé la banda Plebeya y al disolvernos, tuve claro que quería tener el control sobre mis canciones a, prácticamente, todos los niveles, así que seguí componiendo y componiendo hasta grabar Stay with Me.

¿Qué importancia tienen para ti las letras?
Es lo último que hago y lo que más me cuesta. Suelo hacer las letras de canciones que igual he acabado, instrumentalmente hablando, meses o incluso años antes. Siempre he dicho que para mí lo más importante son las melodías, pero tras tres discos, creo que no se me da mal escribir y que cuento más cosas de las que creo que puedo contar.

¿Por qué continuar con el inglés?
Es el idioma de la música que he escuchado desde siempre. No tengo casi discos en castellano. De hecho, en Plebeya cantaba y componía en castellano, pero siempre pensé que sonarían mejor en inglés. Como comentaba, ahora soy yo el que me dirijo y produzco así que hago lo que me gusta sin pensar en otras cosas. Si acaban gustando mis canciones, el idioma será lo de menos. Además, creo que la música en inglés sigue vendiendo más en España, ¿no?

¿Qué significa para ti este nuevo disco, «Still Believe»?
Otro gustazo, otra satisfacción. Ir por libre es muy complicado, pero así lo he decidido, por lo que me toca apechugar. De momento me sigo financiando yo mismo los discos, por lo que aparte de lo placentero, que es casi todo, me ha supuesto de nuevo, un buen esfuerzo y sacrificio. Pero no lo cambio por nada.

¿Cómo nace este álbum?
Pues de un momento de crisis económica. Mis ingresos han bajado estos últimos meses por temas relacionados con cambios en mi trabajo. Así que planteé desde el primer momento a Tomàs Robisco (ingeniero de sonido y propietario de Bucbonera Studios) y Luis Robisco (guitarrista, co-arreglista y pieza clave en mis discos) que iba a hacer un disco de producción más austera, que no quería decir que fuera menos que los otros.

¿Cómo lo definirías?, ¿dirías que es tu mejor trabajo hasta el momento?
¿Mi mejor trabajo? Uy, no, no. Todos son mis mejores trabajos. Es un disco nuevo, o unas canciones nuevas, pero no mejores. Diferentes, eso sí, pero como todas las mías. Supongo que habrá gustos para todo. Sí que es cierto, que de momento, quien lo ha escuchado: familia y amigos cercanos dicen que tiene algo especial. Yo creo que al tener menos instrumentos se oye más mi voz, y eso, quizás les gusta más. Pero para mí, mis nuevas niñas tienen unas maravillosas hermanas mayores, y tendrán unas futuras hermanitas igual de maravillosas.

¿Por qué elegir «Still Believe», «I Will Be There For You» y «It’s Alright» como adelantos?, ¿qué tienen estos temas?
Still Believe, aparte de dar título al disco, tiene ya videoclip, por lo que es una buena carta de presentación. Del resto, pues lo dejé en manos del equipo de Cultura Inquieta, que me lleva el contacto con los medios. Me resulta muy difícil escoger, ya que cada canción tiene algo distinto. De hecho, están ordenadas alfabéticamente, como ya hice en Hello, porque no soy capaz de dar un orden. Pero cuando la gente lo oiga, espero que piensen que todas ellas podrían haber sido las escogidas.

¿Cómo fue diseñar tú mismo la portada de este tercer trabajo?
Bueno, con Hello fue también así. Escogí yo la foto, creé el logo y diseñé el interior del libreto. No soy diseñador, pero trabajo con varios y al final aprendes a manejar algunas cosillas. Eso sí, el retoque final lo dejo en sus manos (Estudio Fénix). Con Still Believe, pasé por varias portadas (fotos mías de Instagram) hasta que me hice una sesión de fotos con mi jefe Álex Samaranch (Bamf Producciones) y tuve claro que iba a sufrir un cuadro agudo de «yoísmo» y salir en todas las páginas. Lo de incluir los acordes, pues al ser un disco muy de guitarras acústicas, me pareció bastante apropiado. Quién mejor que Luis Robisco para enseñar a tocar las canciones.

¿Qué importancia tiene el diseño del libreto?
Bueno, cada vez menos por el auge del digital. Yo soy de la época del CD, el vinilo no es lo mío, pero con los CD sigo siendo un clásico. No me gustan los formatos nuevos, soy de caja de plástico con libreto. A partir de ahí, creo que vale la pena que sea atractivo, que tenga algo del autor. En este caso, habiéndolo diseñado yo, pues tiene todo de mí. Caray, lo del «yoísmo» llevado al extremo. Pero, estoy seguro de que si Still Believe gusta, todo lo que lleve cerca será lo de menos.

¿Cómo ha sido trabajar junto a Luis Robisco, Jose Robisco, Jordi Riera, Anna Costa y Laura Soler?
Un gusto, un placer. No podemos olvidar a una de las piezas clave: Tomàs Robisco (Bucbonera Studios), responsable del sonido, y su ayudante Auger Miquel. He tocado con todos ellos. A Jordi y Jose les conozco de hace años y hemos tocado en directo juntos varias veces. Anna Costa fue propuesta de Luis, y es maravilloso cómo suena el chelo. Y a Laura Soler, la conocí a finales de 2015 porque un amigo me dijo que la escuchara. Me encantó su voz y le planteé cantar conmigo una versión de mi canción New Bright World (de mi disco Stay with Me) y acerté de pleno, queda maravillosamente exquisita.

¿Por qué ordenar las canciones alfabéticamente?
Anda, a esto he contestado antes. Básicamente, me cuesta crear un orden que implique una sensación de que priorizo unas sobre otras. Y no, no pongo los títulos para que vayan en un orden determinado. Además, ¿cuánta gente escucha ahora mismo un disco entero en orden?

¿Ansioso porque llegue el día 15 de junio y el álbum vea la luz?
Sí, mucho. El disco está mezclado y masterizado desde octubre. En enero grabé New Bright World – 2015 con Laura, pero bueno, creo que 8 meses de espera es una exageración. El trabajo no me ha permitido sacarlo antes, bendito trabajo.

Para finalizar, ¿por qué es importante romper las reglas a la hora de hacer música y hacer lo que a uno verdaderamente le gusta?
A ver, eso son apreciaciones. Si quieres que sea más «fácil» triunfar como sea, haz lo que pide todo el mundo. Si haciéndolo, sigues siendo feliz, adelante. Yo no quiero eso. Si mi proyecto funciona, mis canciones gustan y la gente quiere más, seré muy, muy feliz, porque son mis canciones. A lo mejor cantando en castellano o en catalán lo tendría más fácil, pero no sería yo, no serían mis niñas, no sería honesto. Estar solo en esto tiene muchas cosas duras, pero tiene algunas muy buenas, una de ellas es tomar mis decisiones.

1 junio 2016
Supersubmarina arrasa con «El Mañana»

Antes de que pudiera llegar El mañana, Supersubmarina salió al escenario del Barclaycard Center de Madrid. Nada podía evitar que ellos cantaran por ese nuevo día que estaba por llegar. Y por si algún alma, todavía Hermética, se negaba a rendirse a los pies de los andaluces tras este primer tema, llegó Ana para echarles una mano. Necesitaban Algo que sirva como luz y allí estaba ella.

«Buenas noches, Madrid. Somos Supersubmarina y venimos de Baeza (Jaén). Y eso es mucho decir para una noche como esta». Y lo cierto es que, ¿por qué hacer presentaciones largas? El concierto tenía que empezar. Apenas eran las diez de la noche y De doce a doce y cuarto, en el Palacio de los Deportes ya no debía quedar nadie, muy a nuestro pesar.

Y es que claro, ¿cómo querer marcharse de allí después de semejante concierto? Completar el aforo de Barclaycard Center es tarea complicada, aunque Jose Chino, Pope, Jaime y Juancha pueden quedarse satisfechos. Tanto en la pista como en las gradas, tan solo se veían cuerpos que, inundados por la música, no podían dejar de saltar. Comprensible esa sensación de querer vivir estas dos horas de concierto en bucle. Pero tranquilos, porque antes de decirnos adiós, Supersubmarina nos dio unas cuantas claves Para dormir cuando no estés.

Ese ambiente guerrero, generado por temas como Enemigo y yo, Hasta que sangren o Canción de guerra, se calmó con Pequeña de las dudas infinitas. Fue empezar a sonar y aparecer en el escenario «la pequeña Zahara» con su dulce voz.

«Sé que tendré el cielo entre mis manos», cantan en Supersubmarina. El cielo no sé, pero al público sí. Un público que entonó cada una de sus canciones, que aplaudió y que bailó, dejando de lado la Puta vida que cada uno pueda o no tener. Y es que siempre, siempre habrá un motivo para bailar. Aunque ese motivo se llame Hogueras. Sobre todo si se llama así. Nunca es tarde para aprender a hacer un molinillo con las manos, dar tres pasos hacia un lado y aplaudir.

Tras anunciar la ausencia de Rayden, una de las colaboraciones de la noche, a causa de su reciente paternidad, José Chino quiso homenajear al suyo. Un «muchísimas gracias, papá» dio paso a Con el viento de cara.

«La siguiente colaboración no me hace nada de ilusión. De hecho, me llevo muy mal con ellos. El único puto grupo que tiene un cantante más alto que yo: Izal». Mikel, Alejandro y Alberto aparecieron entre aplausos y ovaciones. Unos pequeños problemas de sonido, acompañado por un «Es que no se os puede dejar entrar en ningún sitio», dicho por Chino, dieron paso a LN Granada.

Aunque ésta fue la última gran sorpresa de la noche, todavía quedaba por poner el broche final. En esta recta final, Supersubmarina demostró que la Niebla y la Arena y sal corren En sus venas.Y todo, para acabar con un apoteósico Cientocero

21 mayo 2016
Full regresa con fuerza

La banda sevillana Full se subía ayer al escenario de la Sala El Sol de Madrid para presentar el que es sus segundo álbum, «Tercera Guerra Mundial». Tres años después de su primer trabajo, Javi Valencia, Bubby Sanchís, Jesús Gutiérrez y Jaime Gutiérrez, regresan a escena con un trabajo mucho más maduro, y de la mano de Warner Music. Un año muy cargado para los andaluces, que se recorrerán la geografía española, entre conciertos y grandes festivales. Entre ellos, el Neox Rock Festival.

Pregunta. ¿En qué momento surge Full?, ¿por qué ese nombre?

Javi Valencia (Full). Full nace de, digamos, un tope al final de la banda que teníamos anteriormente. Éramos prácticamente los mismos integrantes, pero con otro nombre y otro estilo de música. Al final eso se cayó por su propio peso. Así que, tras llevar canciones nuevas al local, decidimos empezar de nuevo y embarcarnos. Surgieron nuevas ilusiones, que nos han traído hasta aquí. Evidentemente, cuando empezamos con los nuevos temas, le dimos vueltas al nombre que queríamos ponernos y ninguno nos valía. Solo sabíamos que queríamos uno corto, que se nos quedase rápido y que dijera algo. Salió Full y no sabemos si por cansancio, al no encontrar ninguno que nos gustase, nos decidimos por él, porque también recogía el concepto que queríamos transmitir: el de ir a por todas, de ir con el depósito lleno. No pensamos que luego iba a ser complicado para buscarnos [risas], pero ya nos valía.

¿Cómo nace «Tercera Guerra Mundial»?

J. Nace porque tenía que nacer. Tras nuestro primer disco, las ganas de continuar y el hecho de seguir tocando para la gente, aumentaron. Así que las ganas de sacar un nuevo trabajo, vienen solas. Y si has aprendido algo, eso después se revierte y se nota en el disco. Creo que al final es cuestión de matemáticas el hecho de que saliera.

¿Podrías definirlo en pocas palabras?

J. Es una clara evolución hacia la línea o una evolución en el camino de Full. Pero no sabría entrar en matices de: «esto es una épica». Y más yo, que soy el compositor. Entonces mi perspectiva es diferente. Aunque sí que he notado, sobre todo también por la respuesta de la gente, que ha habido un cambio, una mejora y evolución hacia la madurez.

¿De qué manera ha evolucionado Full desde «Mi primer atraco»?

J. Ha habido cambios, sobre todo en la madurez del sonido. Las letras, además, abarcan otros temas y se ha intentado crear una narrativa diferente, pero sin perder esa profundidad que ya teníamos con anterioridad.

¿Qué ha supuesto para vosotros publicar vuestro segundo disco con Warner Music?

J. El disco lo hicimos antes de firmar con Warner. Una vez producido el álbum, nos sentamos con ellos, escuchamos lo que nos ofrecían y evidentemente, lo que nosotros les podíamos dar también a ellos. Desde luego, hasta el día de hoy, hemos notado una respuesta mucho mayor en lo referente a medios, de los cuales no disponíamos anteriormente. Al final, son todo respuestas y conexiones. Al llevar tantos años y tantos artistas, podemos usar herramientas que antes estaban mucho más lejos para nosotros.

¿Por qué elegisteis «Aullando» como primer adelanto?

J. Quizás porque era la canción que más a la primera podía entrar, de todas las del disco. También porque era un tema que ya habíamos tocado antes de sacar el álbum, y sabíamos que tenía muy buena acogida. Aunque la gente no la conociera, como conocían las del primer disco. Entre una cosa y otra, pensamos que podría ser la mejor carta de presentación. No es una canción que resume el disco, pero sí que es una muestra de lo que va a venir.

¿Cuál dirías que es la canción que resume el disco?

J. «Tercera Guerra Mundial» por el nombre [risas]. Y porque de todas las canciones, es la que habla un poco sobre lo que es para nosotros la Tercera Guerra Mundial. O más bien, cómo se ha llegado a ella. Es básicamente, una guerra de conciencia. Y de una manera u otra, las canciones del disco hablan sobre ello: la conciencia, la actitud, las situaciones y cómo nos desenvolvemos en ellas.

Poco antes de que el álbum viera la luz, presentasteis en acústico el tema «Gravedad», en Malditos Domingos. ¿Qué significó para vosotros esta presentación?

J. La verdad es que teníamos que interpretar un tema en acústico, uno que te pudieras poner un domingo por la mañana en tu casa. Y vimos que el que más encajaba era «Gravedad», porque es la canción lenta que mejor se puede tocar en acústico. Pero no fue a nivel de presentación, aunque es cierto que después nos gustó el resultado. Fue una especie de guiño al disco, donde aparece el tema, pero no exactamente de la misma manera en la que lo tocamos en Malditos Domingos. El peso de la letra daba indicativos de la línea por la que queríamos ir.

Habéis debutado con grandes artistas en festivales como el SanSan, el Spring Festival; y lo haréis en otros como el Festival de los Sentidos o el Festival de les Arts. ¿Qué supone para vosotros actuar en todos ellos?

J. Es una alegría y honor que todos los años te sigan llamando. En el Arenal Sound, por ejemplo, tocamos por primera vez ya hace unos cuatro años. Y cuando me lo dijeron, salí a la calle corriendo de la felicidad [risas]. Es un orgullo ver cómo tu música llega cada vez a más gente y sitios, y que además, luego recibes una respuesta de ahí. Todas estas buenas sensaciones se incrementan cuando incluso antes de salir al escenario, escuchas al público cantar tus canciones. Es muy bonito y hace que todo esto tenga sentido.

También formáis parte del cartel del Neox Rock Festival. ¿Cómo se os plantea esta oportunidad?

J. Muy bien, como todos los festivales realmente. De hecho, estamos con bandas con las que coincidimos en muchos otros festivales. Al final, se parecen a las quedadas que haces los fines de semana con los amigos [risas]. Y que Neox haya querido contar con nosotros es una alegría.

¿Full es más de festivales o de conciertos pequeños?

J. Cada cosa tiene su momento. Es como decir, ¿tú que prefieres: ir de fiesta o quedarte en tu casa? Según qué día [risas]. En los festivales está claro que te lo pasas muy bien, pero igual que en las salas. Sí que es cierto que en los festivales tienes mucho menos tiempo para actuar. Igual pasa con el repertorio: en los primeros, tiene que ser mucho más dinámico. En una sala puedes jugar mucho más con él.

13 mayo 2016