Categoría: Música

  • Muntz regresan a Madrid, con su nuevo trabajo «Pneuma»

    Muntz regresan a Madrid, con su nuevo trabajo «Pneuma»

    Los descubrimos apenas unos meses, precisamente en Madrid. Y la verdad es que nos ganaron desde el minuto 1 con su arrolladora energía y con su insaciable talento. La nueva promesa del rock alternativo, se llama Muntz y vienen desde un pequeño pueblo de Ciudad Real: Alcázar de San Juan. Precisamente, en mayo, presentaban oficialmente su nuevo trabajo en la capital. Es el momento de «Pneuma». Un momento que permanece tan vivo que, de hecho, tendrá un segundo asalto: este mismo viernes 26 de octubre, en la Sala Alive.

    Además, no estarán solos. Ya que se subirán al escenario con ellos, los madrileños Bware. A su cargo, correrá abrir el concierto. Una banda que bebe directamente de los sonidos más indie-rock. Un sonido con el que experimentaron, tras la salida de su primer trabajo autoproducido, «Bware» (2013).

    «Pneuma», la gran apuesta de Muntz

    Un total de cinco cortes de carácter conceptual, conforman este nuevo EP, que supone un gran salto para la banda alcazareña. A través de «Coming for you», «Sirocco», «Drift», «Delta» y «Light in your eyes», nos sumergimos en los submundos de Muntz, descubriendo a cuatro jóvenes con mucho talento. De hecho, llama especialmente la atención la energía que transmiten en cada concierto y la profesionalidad con la que se desenvuelven sobre el escenario.

    Además, este año ha sido muy prolífico para la banda, que ha girado por multitud de lugares de la geografía española. Este concierto en Madrid, forma parte de la segunda parte de la gira en la que han dividido la presentación de «Pneuma».

    En su breve pero intenso recorrido, han resultado ganadores del Certamen de Jóvenes Creadores, además de actuar en plataformas de gran relevancia como Basik Sessions.

    Sin duda, una fecha marcada a fuego en la que no faltará una buena doble ración de rock. Si todavía no tienes tu entrada, consíguela en Wegow antes de que se acaben.

    https://www.youtube.com/watch?v=BJuo8GRC8gE

  • The Prussians y su buena dosis de «Karma» incendiaron Madrid

    The Prussians y su buena dosis de «Karma» incendiaron Madrid

    Ese momento en el que descubres nuevas bandas en directo y, a pesar de no haberlas seguido desde hace tiempo o escucharlas desde siempre, eres capaz de disfrutar igual. Es lo que nos pasó el pasado 11 de octubre en Moby Dick Club. Era la gran noche de The Prussians. Y de Adam Giles Levy, encargado de hablar el concierto de los mallorquines. Ambos, presentaban en vivo, sus nuevos trabajos. La banda, presentaba «Karma». Y el artista británico, «Península».

    Adam Giles Levy tenía la gran tarea de abrir el concierto, un concierto al que la gente fue llegando poco a poco, enganchándose al artista británico. Él solo con su guitarra, acompañado tan solo por el batería Jack Usher. No necesitó más para adentrarnos por las luces, sombras y fantasmas («Ghosts») de su recién estrenado trabajo, «Península». Además, no faltaron temas de su anterior EP, «Unravelled». Nos faltó tiempo con él. Fue inevitable no adentrarnos en su mundo con él. Magia y efectos especiales fue lo que el artista consiguió transmitir durante su concierto. Dejando el listón muy alto, dieron paso a The Prussians.

    Con los mallorquines, la sala se estaba empezando a llenar. El calor y la energía se estaban empezando a notar y ellos ni siquiera habían empezado. Pronto, y una a una, fueron apareciendo los temas de este nuevo «Karma». Ni un alma («Soul») saldría con vida de allí. Nos dirigieron,, a todos, hombres y mujeres («Man & Woman»), a través de carreteras peligrosas («Dangerous Road»). El objetivo final era llegar al lugar («The Place») perfecto, al punto álgido de la noche. Ese punto en el que el mundo pareciera terminar («Worlds End»). Aún quedaba noche para que ese momento llegara y nos quedáramos completamente a solas («Alone»). Algo más de una hora de verdadero espectáculo, en el que The Prussians repartieron una buena dosis de «Karma» a todos los asistentes.

  • Full: «Capadocia tiene la misma cantidad de amor, de misterio y de rabia»

    Full: «Capadocia tiene la misma cantidad de amor, de misterio y de rabia»

    «Capadocia» ya está en la calle desde el pasado viernes 19 de octubre. Y con él, Full han lanzado su disparo más certero y más maduro. Desde ya, la banda sevillana está preparada para llevarlo al directo, primero en acústico y, luego, en eléctrico. La gran fecha en Madrid será el próximo 16 de febrero en la Sala Ochoymedio.

    Hace unos días, pudimos hablar con Javi Valencia, vocalista de Full. Y esto es lo que nos contó sobre su nuevo álbum de estudio.

    ¿Cómo surge el concepto de «Capadocia»?

    Cuando estás componiendo un disco, siempre hay un punto en el que te planteas: «¿y qué nombre le pongo a esto?». Pero me di cuenta de que en el momento en que cree las canciones, cada una de ellas era como una especie de capas internas. Eran como un sitio al que bajar y en el que analizar la situación: el por qué estaban las canciones en ese punto y cómo habían llegado hasta allí. Todos los temas tenían ese punto en común y quería buscar un nombre que recogiera todo ese concepto. Y siempre me ha gustado la arqueología y la historia, sabía del desierto de la Capadocia, conocido por sus ciudades subterráneas y, al final, me vino a la mente. Al final, era como una analogía de todas esas capas internas mías.

    ¿Digamos que ese es el hilo conductor del disco?

    Sí. El disco, en realidad, tiene canciones muy diferentes entre sí, ya que hablan sobre un momento diferente, sobre una cultura diferente, tienen un estilo diferente. Son viajes de profundidades.

    Vuestros temas tienen profundidad en las letras y transmiten sensaciones. Pero, ¿piensas que la música en general, ha perdido esos valores?

    Sí, por supuesto. De hecho, la música que lleva mucho tiempo teniendo éxito es el reaggeton. Y de profundidad, para mí, tiene poco. Respeto mucho los gustos, pero mi opinión la tendré.

    ¿Y cómo competir contra eso?

    No creo que se trate de competir. Al final, el consumo de la música, es lo que te da el indicativo de cómo funciona todo. Entonces, el problema en sí no es el reaggeton. El problema es la sociedad. ¿Y cómo se arregla eso? [risas]. Es lo que interesaría arreglar. Y tampoco creo que se trate de eso. El punto está en que, para determinados sectores, es mucho más fácil el tenerte controlado, si piensas menos.

    Volviendo un poco al disco: un titular que defina «Capadocia».

    Es un conjunto de canciones que guardan la misma cantidad de misterio, de amor y de rabia.

    «Alfombra Roja», «Historia Perdida» y «Zombies» fueron los primeros adelantos. ¿Por qué?

    Creo que muestran mucho la esencia de Full, además de avanzar ese plus que buscábamos, en cuanto a perfeccionamiento en la composición, armonías, sonidos, arreglos. En fin, muchísimas cosas. Además, cada canción es diferente. Son como tres vértices distintos de la banda. Era lo más representativo.

    Un canción.

    «X».

    ¿Por qué?

    Es una canción, cuyo estilo de música me llama mucho la atención. Además, tiene un color con el que nos gustaría seguir trabajando, que nos gustaría seguir explorando. Tiene su punto de rock, su punto de pop, su punto de soul. Tiene muchos grooves y muchos cambios armónicos. Pasan muchísimas cosas en esa canción. Además, la letra te lleva por lugares muy concretos. Aunque no sepas exactamente el miedo del que se habla, es un tema que te deja entrever esa problemática.

    Alguien con quien colaborar.

    Como puedo decir a cualquiera, diría a Silvia Pérez Cruz. Creo que es de las voces más increíbles.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Full?

    Pues empezaremos con la gira por distintas FNAC de España, presentando algunos temas en acústico y firmando disco. Además, hemos anunciado que el 16 de febrero, arrancamos gira oficial en la Sala Ochoymedio de Madrid. Tenemos más cosas preparadas, pero ya iremos anunciando poco a poco.

    ¿Qué es lo más loco que os ha pasado, siendo Full?

    Cada día hay una. Al final, hay tantas que se te van olvidando otras. Pero creo que la locura más grande, viajar con la primera furgoneta que teníamos. En realidad, nos jugábamos la vida de manera constante. Al final, preferíamos ni pensar en eso y, por eso, creo que no nos llegó a pasar nada. Bueno, una vez nos quedamos tirados, pero finalmente, llegamos a tiempo. De hecho, en el último concierto que tuvimos en Crevillente, la furgoneta llegó en grúa. Y eso que era más nueva.

    La carretera es algo con lo que hay que llevar mucho cuidado. Se pasan más horas ahí que en los escenarios. Hay que ser muy conscientes de cómo y en qué condiciones hacer los viajes.

  • Llorente: «Es la gente corriente la que realmente cambia la historia»

    Llorente: «Es la gente corriente la que realmente cambia la historia»

    Lo descubrimos hace unas semanas en Galileo Galilei, y sabemos con certeza que Llorente tiene estela y magia. Esta misma semana, regresa a Madrid para seguir presentando su trabajo, «Gente Corriente». La cita será en Libertad 8. Por fortuna, esta no será la única ocasión que veamos al artista en la capital, pues el próximo 10 de noviembre, actuará en Jazzville.

    A propósito de este nuevo trabajo, pudimos entrevistarlo y esto es lo que nos contó.

    ¿Cómo surge el concepto de «Gente Corriente»?

    Siempre he pensado que hay grandes historias que contar detrás del común de los mortales pese a no estar en las portadas la prensa.

    Adoro los personajes secundarios, lo que ocurre detrás del foco, y detesto los histrionismos y divismos, algo bastante asociado al mundo de la música, por cierto.

    ¿Por qué esa oda, por qué esa relevancia a la gente corriente?

    La gente corriente es muy relevante. Estoy convencido de que más allá de los líderes, es la gente corriente la que realmente cambia la historia.

    Melancolía, nostalgia, ¿por qué rescatar todos esos sentimientos en este trabajo?

    Son sentimientos que siempre me han acompañado, por lo que más que un rescate es un ejercicio de coherencia. Personalmente, tanto la melancolía como la nostalgia me resultan muy útiles para revisar cosas pasadas, aprender y afrontar el futuro desde un punto de vista renovado y mucho más amplio. Además son ingredientes que mezclan muy bien con la música.

    Un titular que defina este álbum.

    «Gente corriente» pretende emocionar rebuscando debajo de lo que no se ve.

    Una canción de «Gente Corriente».

    Si tuviera que elegir una me quedaría con «Arrugas». El mensaje del estribillo resume muy bien la esencia del disco: «Para partir no me llevaré nada, salvo las arrugas de mi cara». Creo que lo realmente importante es el mapa que cada uno vamos construyendo poco a poco en la piel con todo aquello que vivimos, reímos, lloramos.

    ¿Cómo fue grabar en los Estudios Tripolares?

    Una experiencia genial. Compartir dos semanas de grabación con gente a la que admiro tanto como Fabián y Juan Marigorta para mí fueron unas vacaciones soñadas en León. Ver cómo crecían las canciones día a día en el estudio fue de lo más emocionante. Lo pasamos muy bien jugando y probando diferentes posibilidades. Estoy deseando volver a grabar con ellos.

    ¿Cómo se dieron las colaboraciones con Fabián y Jesús Cifuentes?

    Son colaboraciones más que necesarias y justificadas.

    Fabián colabora en «Aquí». Esta canción está inspirada en su tema «Mis calles de arena». Jesús Cifuentes participa en «Desde el 20 de abril», canción que hace referencia al mítico «20 de abril», de Celtas Cortos. Es un orgullo que hayan querido participar y les estoy muy agradecido por su generosidad y talento.

    Te mueves mucho entre el pop rock, el rock, el folk. ¿Una manera de buscar tu propio sonido o de huir de etiquetas?

    No es un huida sino un reflejo de lo que me ha acompañado siempre. Me encantan muchos estilos distintos de música, por lo que no es raro que en el disco suenen cosas diferentes. Nunca pienso “voy a hacer una canción de un estilo determinado”. La premisa fundamental es que la canción tenga algo que me emocione. Sea del estilo que sea.

    Tres palabras que definan lo que es Llorente, a día de hoy.

    Honestidad, búsqueda y calma.

    Te descubrimos en directo junto a Nadia Álvarez. Fue un concierto muy emotivo y bonito. ¿Cómo lo viviste?

    Tú lo has dicho. Fue una noche emotiva y muy bonita. No era la primera vez que Nadia y yo compartíamos escenario y seguro que vendrán muchas más, pero la noche de Galileo Galilei fue muy especial porque se presentaba el discazo «Mundos sutiles». Nos hizo una ilusión tremenda a toda la banda estar allí, y volvimos a Zaragoza con una sonrisa de oreja a oreja por cómo salió todo y lo mucho que disfrutamos.

    Próximamente, pasarás por Madrid. ¿Cómo afrontas el regreso a la capital?

    Con mucha ilusión. Estamos preparando dos conciertos muy diferentes para lo que viene.

    Este miércoles 24 de octubre, en Libertad 8 haremos algo muy íntimo y acústico, en formato trío, que me apetece muchísimo. Va a ser interesante escuchar las canciones despojadas de casi todos los arreglos. Habrá bastantes sorpresas.

    El sábado 10 de noviembre en Jazzville vendremos con toda la banda y queremos que sea una gran fiesta.

    ¿Siguientes pasos de Llorente?

    Tocar, grabar cosas nuevas y seguir disfrutando de todo esto. De momento, no puedo concretarte más cosas.

    ¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?

    Cualquiera que actualmente se lance a autoproducir sus canciones sabe que está cometiendo un acto inevitable y necesario de locura.

    Si lo que quieres es una anécdota, aquí va la última: No hace mucho, un lunes por la tarde, después de salir de trabajar, conduje más de seis horas para probar una guitarra de segunda mano que había visto en Internet. La guitarra volvió esa misma noche en el maletero.

    La playlist de Llorente

  • The Music Pill regresa, con The Strokes como protagonistas

    The Music Pill regresa, con The Strokes como protagonistas

    El próximo jueves  de octubre, llega a la Sala Siroco de Madrid, una nueva edición de Music Pill. Píldora musical en la que The Strokes serán los grandes protagonistas de la noche, aún sin estar directamente presentes. Y todo, a propósito del 15º aniversario del disco «Room On Fire».

    Pero, ¿por qué escogerlos a ellos? «El rock había muerto, y entonces llegaron ellos. Ninguna banda ha resucitado la música de guitarras en el nuevo milenio y se ha ganado el título de estrellas del rock como The Strokes». Así surge esta nueva edición, bajo el nombre de «The Strokes Music Pill».

    Un evento que estará dividido en dos partes: una más enfocada al arte de la ilustración y otra, a la música. De este modo, inicialmente, habrá una exposición con obras de quince ilustradores, tantos como años cumple el disco anteriormente citado. Originales de diversas técnicas, donde cada artista plasmará su visión de las canciones de The Strokes y el propio grupo. En este sentido, los artistas confirmados son Peeandell, Eva Mez, Isósceles Díaz, Irene Zeta Art, Carmen García, Aarön Arnän, Diebujitos, Laura Fernández Escudero, Anilustrada , Carlos Vicente Punter , Ka, Pilar García, Grisáceos, Nastiplastic y Paula Alconada.

    Por otra parte, también habrá una segunda parte con música en vivo. Cuatro bandas de la escena underground influenciadas por The Strokes, se subirán al escenario e interpretarán sus temas favoritos del grupo, bajo su propio estilo y sonido. De tal forma que las bandas invitadas son Flora Dance, The Blue Bell Band, Especialista Mike y Bad Trip.

    El nacimiento del circuito «Music Pills»

    El ciclo «Music Pills» nace como una nueva iniciativa en la programación de eventos culturales de la mano de la Agencia Demasié. Estas sesiones musicales combinan en una única noche la exposición de obras de ilustradores, música en directo y actividades paralelas, bajo la premisa de homenajear a una banda icónica de la música pop / rock.

    Recordad que la cita es este jueves 25 de octubre en la Sala Siroco. Podéis adquirir vuestra entrada en Molar Discos o a través de la Agencia Demasié.

  • The Amsterdammers: cómo salvar y hacer vibrar a toda una sala

    The Amsterdammers: cómo salvar y hacer vibrar a toda una sala

    Si algo caracteriza a The Amsterdammers es su inconfundible estilo. Con sus estilismos y sus ritmos al más puro estilo «pop naif», encandilan a cualquiera. Además, si se muestran con la seguridad y comodidad con la que se mostraron el pasado 5 de octubre en la Moby Dick, todo adquiere una nueva perspectiva. Tras haber girado por multitud de salas, era hora de presentar de nuevo en la capital, «Things We All Should Know».

    Puntuales a las 21.30 horas, se encargaron de abrir Dharmacide, con su vibrante shoegaze. Con una energía muy característica, consiguieron que todos los asistentes que, poco a poco, iban llegando, entraran en calor. Trinta minutos que, perfectamente, podrían haberse convertido en sesenta o noventa. Sin duda, el de esta banda fue un gran descubrimiento.

    Ya pasadas las 22.00 horas, llegaba el gran ansiado turno de The Amsterdammers. Aunque el objetivo era presentar los temas de este último trabajo, no se dejaron tampoco de las canciones de su anterior trabajo, «Early Twenties». Ya desde el inicio se auguraba un buen espectáculo. Seguridad, conexión con el público, buenas energías y muchas, muchas ganas de pasarlo bien y darlo todo. La mención especial se la lleva, sin duda alguna, Santi Matín, teclista de la banda madrileña, que no dejó de bailar en ningún momento. Por estas cosas es por lo que merece la pena dedicarse a la música. Y es que, si el buen «feeling» sobre el escenario, se proyecta sobre el público, ya está todo conseguido. Suficiente, para hacernos sentir como en casa («Home»).

    Un concierto del que, de manera rotunda, salimos con un pensamiento claro: nosotros sí que queremos ser como The Amsterdammers, muy al contrario de lo que reza su canción, «Don’t Want To Be Like You». Y es que, como si fueran unos verdaderos «Superman», consiguieron rescatarnos a todos, haciéndonos olvidar todo lo que ocurría fuera de Moby Dick.

    Salimos con ganas de un segundo asalto de The Amsterdammers que, por lo pronto, tendrá lugar este sábado 20 de octubre en Basik Sessions.

  • Artabe inundará Live in los Cármenes, con «Soñé con Bicicletas»

    Artabe inundará Live in los Cármenes, con «Soñé con Bicicletas»

    Tras haber cerrado la gira de «Punto Cero» el pasado mes de junio, Artabe trae entre manos uno nuevo proyecto. Este domingo 21 de octubre, a las 19.00 horas, estará en «Live in los Cármenes». Desde los OMC Estudios, el cantautor gallego presentará su «Soñé con Bicicletas». La simbiosis perfecta entre showcase y grabación en el estudio. El objetivo es que el público pueda escuchar al artista en vivo, a la par que la sesión de estudio es grabada.

    Esta fecha es muy especial para Artabe, ya no solo por el nuevo formato que ofrece, también por los músicos que lo acompañarán ese día. Manu Clavijo estará al violín, Juan Barrios al piano y Marta Mansilla a la flauta travesera. Además, el artista ha anunciado en redes sociales, que habrá cuatro colaboraciones muy especiales.

    Al tratarse de un estudio y no de una sala de conciertos al uso, el aforo para la grabación es muy limitado. Un total de 25 personas podrán acudir al evento. Para ello, se puede participar en el mini crowdfunding activado en la misma plataforma de «Live in los Cármenes». Quedan pocas oportunidades y poco tiempo para disfrutar del espectáculo de Artabe este domingo. Así que si no lo has hecho todavía, participa y vive la música.

    Los siguientes pasos de Artabe

    A finales de junio, Artabe cerró la gira de su trabajo «Punto Cero». Un álbum con el que ha girado estos dos últimos años y que lo ha llevado por multitud de ciudades, tanto de España como del extranjero. De hecho, hace apenas unos meses, visitaba Berlín para volver a grabar uno de sus temas más emblemáticos, «Átomos». Un viaje que aprovechó para actuar sobre los escenarios berlineses.

    Tras los grandes conciertos de despedida en Madrid y Ferrol, Artabe se dispone a seguir tocando, para que su música llegue a todos los rincones posibles. Sin embargo, ya está comenzando a esbozar el que será su próximo álbum de estudio, para el que todavía no hay fecha fijada.

  • «Gourmet», la nueva dosis de realidad de Veintiuno

    «Gourmet», la nueva dosis de realidad de Veintiuno

    Hace apenas unas semanas, veía la luz «Gourmet», nuevo trabajo de Veintiuno. Un regreso cargado de honestidad a raudales. Cerca de un año de trabajo que terminó en parto y que culminará este sábado 20 de octubre en la Sala El Sol de Madrid. Este será el primer directo de la banda toledana, tras el lanzamiento de su gran estrenado álbum.

    «Gourmet» está en la calle, pero prácticamente desde el primer single lleva generando comentarios de todo tipo. ¿Qué reacciones esperabais tras su salida?

    Diego. Nuestra intención era que gustase. Ninguna más.

    Yago. Lo que sí que nos pasa es que ahora todos los días hay un tweet o una Storie de alguien compartiendo una canción y eso es muy guay.

    D. Sí, es de lo más guay que está pasando. Hombre, todos los comentarios están siendo desde positivos, en plan: «me encanta el disco que habéis hecho»; hasta cosas más curiosas, como: «antes no me gustabais una puta mierda y ahora me gusta muchísimo». De hecho, respondimos hace poco por redes sociales a un comentario de este estilo. Al final, a la gente lo que le gusta es lo mismo, pero con más presupuesto. Es como a quien le gusta la ropa, pero solo si cuesta 200€.

    Pues a mí me parece muy bien que seáis vosotros quienes digáis este tipo de cosas.

    Jaime. Tenemos un problema y es que no sabemos callarnos.

    Y. Además, creo que es muy fácil ser un mero espectador y decir algo negativo sobre la tele, sabiendo que no te va a contestar. A ver, tampoco te vas a quedar con todo lo malo, pero sí que es cierto que esta es la magia de las redes sociales, que Lil Wayne, Andreu Buenafuente o gente a la que sigues, te puedan responder.

    Coincido en lo de las redes sociales. Pero es cierto que, en el caso de las bandas pequeñas, me parece mucho más arriesgado el no tener filtro y no callarse nada. Las grandes ya de por sí, son fenómenos de masas.

    D. Cuando no tienes aún determinado éxito, decir lo que quieras te viene de puta madre. Porque sea buena o mala, es promo para ti. Nosotros somos conscientes de es tanto un acto de sinceridad, como de promoción. Y no desdeño ninguno de los dos. Que Vetusta Morla o Izal o gente inmersa con gran número de seguidores en redes sociales, se pronuncien sobre un tema controvertido, es mucho más agresivo. La hostia que se pueden llevar esas bandas, puede ser inmensa.

    J. Además, nosotros no tenemos tanto miedo, porque la gente que nos puede leer a nosotros es, a lo mejor, un 1% de la gente que puede leer a esos artistas tan grandes. Entonces, la diferencia entre que 500 o 500.000 personas se te echen encima, es brutal. Por eso, su caso es mucho más controvertido.

    Volviendo un poco a «Gourmet», ¿cómo os sentís vosotros tras el lanzamiento?

    J. «Liberadísimos», ha sido un parto brutal. Desde noviembre del año pasado, teníamos las mezclas hechas. Llevo nueve meses escuchando el disco solo, en mi casa. Ha sido, totalmente, como un parto, porque han pasado nueve meses justos. Doce exactamente desde que empezamos a grabar. Al final, solo hablábamos del disco entre nosotros. De hecho, a la gente a la que le pasamos los adelantos, tras escuchar todo el trabajo, nos han llegado a decir: «¿Pero cómo os habéis podido guardar todos estos temas, durante tanto tiempo?».

    Los singles, de hecho, han salido a cuenta-gotas. Y creo que cada cual, superaba al anterior. En el caso de «El Desfile», tanto el tema como el propio mensaje, me han parecido brutales. Creo que es algo que hay que visibilizar.

    Y. Tampoco nos queríamos abanderar del movimiento «bullying».

    D. Desde luego, del movimiento «bullying» no [risas].

    Y. Del movimiento contra el «bullying». Al final, lo que queríamos era retratar una historia.

    J. En el vídeo, hemos cogido un porcentaje pequeño de la letra y lo hemos expuesto de una manera objetiva. Pero el videoclip no retrata una sola historia o habla de un solo niño. Tampoco se habla del maltrato constante. Digamos que, a veces, se extrapola y se piensa que la canción es abanderada del movimiento. Pero aunque nosotros mismos sufrimos acoso – y por eso escribimos la letra -, no queremos que sea bandera de nada. Es algo que no está mal de reflejar, pero no queremos ser punta de lanza.

    Y. Al final, no todo el disco habla de este tema.

    Pero me llamó especialmente la atención, porque por situaciones similares hemos pasado todos. Y es imposible no sentirme mínimamente identificado. 

    Y. De alguna u otra manera, creo que el colegio es una «mierda», porque a todos en algún momento, no hemos desarrollado toda la empatía que debiéramos.

    D. Lo que, particularmente, no me gusta es la palabra «bullying». Camuflar en otro idioma la realidad, me parece un eufemismo. El acoso escolar es acoso escolar. El acoso sexual es acoso sexual. Hay palabras que escondemos detrás de otras, para que no resulte molesto.

    Retomando un poco: «Dopamina», «El Desfile», «Tu Nombre» y «Cabezabajo» fueron los primeros adelantos. ¿Por qué estos temas?

    J. Creo que eran las cuatro que compartíamos los cuatro. En el resto no coincidíamos.

    D. Además, eran las canciones que iban metiendo a la gente progresivamente en la movida del disco. Hay un par de temas del disco que nos gustan mucho, que son «Delicadeza» y «Por si acaso». Pero eramos conscientes de que si hubiéramos salido con ellos, mucha gente no habría terminado de entrar. Pero porque exigen que entiendas previamente el concepto del disco, la lírica, la honestidad y, por supuesto, el estilo. Con estas cuatro, pudimos marcar un poco el camino de lo que es el disco, sin que el resultado fuera un choque demasiado brusco.

    Una canción del disco.

    D. «Delicadeza»

    Y. «Estela plateada»

    J. «Gourmet»

     

    Un titular que defina el disco.

    D. ¡Escúchalo, joder!

    Y. Exclusivo

    J. Sin prejuicios.

    Este 20 de octubre presentáis «Gourmet» en la Sala El Sol. ¿Cómo afrontáis esta fecha?

    D. Con mucha ilusión, la verdad. Es la primera fecha, el punto de partida del disco.

    J. Yo lo afronto con muchas ganas, aunque he de reconocer que estoy un poco nervioso. Pero, a nivel colectivo, sí que es cierto que aunque estamos emocionados, estamos trabajando como desgraciados también. Lo vamos a hacer muy bien.

    Tras la primera fecha en Madrid, ¿siguientes pasos de Veintiuno?

    D. Estamos preparando una gira de salas muy divertida, para estar entretenidos hasta primavera. Y lanzaremos más vídeos.

    Por cerrar, ¿qué es lo más loco que os ha pasado siendo Veintiuno?

    D. Una locura que recuerdo, un tanto desagradable, fue tener que decirle a un compañero de profesión de quien era fan: «Por favor, si no nos conoces, deja de soltar mierda de nosotros». Me pareció muy triste tener que hacer eso. Me parece increíble que dedicándonos al gremio al que nos dedicamos, en el que todos necesitamos apoyo, haya quien se dedique a poner la zancadilla.

    Y. Lo más loco e inesperado que me ha pasado, ha sido encontrar pareja.

    J. Yo creo que la anécdota más loca que he vivido con Veintiuno, ha sido ver a Yago «ronearle» a Rihanna, mientras ella apartaba el brazo de Pepe. Mientras, el de seguridad diciéndole que no se acercara [risas].

    D. Estábamos en el festival en Lisboa, en medio de una marabunta de gente y creo que todos dimos por hecho que no nos podíamos acercar cuando Rihanna bajó. Pero Yago tuvo un brillo en la mirada y dijo: «yo lo veo» [risas].

  • Sienna llevará a cabo «El Simulacro» en Costello Club

    Sienna llevará a cabo «El Simulacro» en Costello Club

    La música como canal para crear conexiones entre personas. Descubrir el trabajo de un artista es maravilloso, pero lo es aún más descubrir a las personas que se esconden detrás. Conocer a Álex Ruiz, aka, Sienna fue una de las grandes sorpresas de 2017, sin duda alguna. Nos enamoró con «Trágico y Fugaz», y nos ha terminado de enganchar con su nuevo single, «El Simulacro», adelanto de su futuro trabajo.

    Ahora, «Trágico y Fugaz» está llegando a sus últimos directos y, pronto, llegará el momento de disfrutar de nuevo trabajo de Sienna. Pero antes, el artista valenciano pasará por la capital una última vez. La cita es este mismo sábado 20 de octubre. La Sala Costello será, de nuevo, quien acoja al artista y su banda.

    Sienna, trabajo duro y constancia

    Desde que lo vimos hace un año en Costello, Sienna no ha dejado de girar por numerosas salas de España y festivales. Torrevieja, Valencia, el Festival de los Sentidos, el Low Festival, Aspe con Varry Brava y, por supuesto, abrir el concierto de Vetusta Morla en la Plaza de Toros de Alicante.

    Todos estos hitos no han llegado de la noche a la mañana. Tiempo le ha costado a Sienna, que con «Trágico y Fugaz» se desnudaba, mostrando su faceta más sensible, poética y talentosa. Como resultado, un álbum que bien podría definirse en tres palabras. Las mismas tres palabras que usaba el propio Álex, al entrevistarlo el pasado año: «crítica, sexo y relaciones».

    Los próximos pasos de Sienna

    Poco ha avanzado la banda sobre sus próximos pasos. Tras el concierto de este 20 de octubre, poco se sabe. Lo único que nos han desvelado ha sido el primer single de su nuevo trabajo. «El Simulacro» ya está en la calle, para sorprendernos con un sonido completamente distinto. Más futurismo, más electrónica, pero siempre con un rasgo en común: y es que el sello Sienna es inconfundible.

    ¿Tú te lo vas a perder? Todavía hay entradas en Wegow.

  • «Un gran presentimiento» y la música sin prejuicios de Dolorosa

    «Un gran presentimiento» y la música sin prejuicios de Dolorosa

    La música debería ser, en cualquier caso, sinónimo de verdad. Cuando la realidad consigue traspasar cualquier barrera, surgen álbumes como «Un gran presentimiento». Este es el gran regreso de Dolorosa. Apenas lleva diez días en la calle y ahora es turno de llevarlo al directo. Este jueves 18 de octubre, será el turno de Madrid. En concreto, pasarán por la Sala Costello.

    ¿Cómo surge el concepto de «Un gran presentimiento»?

    Raúl. Surge de forma natural. Todos los discos son una colección de canciones, que reflejan un momento personal y común. En este caso, este disco refleja nuestro momento en estos dos últimos años. Como somos amigos amigos y nos vemos a diario, compartimos muchas más cosas más allá de la banda y tenemos mucho en común. Así que todas nuestras inquietudes se retroalimentan. En definitiva, siempre hay un factor común a la hora de componer las canciones. Sí que es verdad que ha sido un proceso de composición largo, de más de dos años.

    Luego, a la hora de elegir un título que definiera todo ese compendio, llegamos a la conclusión de que la expectativa general era de tener buenas vibraciones siempre. Además de una esperanza intocable. Nuestro objetivo es alargar esto el máximo tiempo posible y disfrutar de ello. Lo que pase fuera de nuestro «corralito», no lo podemos controlar.

    Justo esas sensaciones que vosotros mismos generáis, son las que al final se proyectan hacia fuera.

    R. Sí, creo que sí. Al final, todo eso es lo que termina percibiendo el público. Creo que la gente captó desde el primer momento lo que somos: un grupo de amigos que hacen música y que quieren ser abanderados de sus propias inquietudes.

    ¿Precisamente por esas inquietudes, tienen tanto peso en las canciones la vida cotidiana o el amor?

    Natalia. Yo creo que sí, porque al final, lo que transmitimos en las canciones es lo que vivimos. Y ya no solo nosotros, también nuestros amigos, que están fuera. Porque también hablamos mucho de esos temas: de emigrar, de tener que irse y vivir fuera, de cómo es vivir con esta situación. Somos adultos de 30 años y no sabemos qué vamos a hacer, ni qué va a ser de nosotros.

    R. Hablar de lo cotidiano, creo que es una forma bonita de transmitir tus inquietudes. Y no adornarlo demasiado si no es necesario hacerlo. Si las cosas están mal, tienes que decirlo tal cual, sin tanta literatura o poesía. Pero siempre con cierta elegancia y sabiendo que lo cuentas en el contexto de una canción. Ciertamente, no queremos hablar de otra cosa que de nuestras preocupaciones.

    ¿Creéis que la música está perdiendo un poca esa esencia de transmitir o contar una realidad?

    R. No lo creo. Lo que creo es que mucha gente se ha sumado al carro, por estar más dentro que fuera. No te puedes creer que alguien te hable del paro y la precariedad laboral, cuando es rico y gana mucho dinero. Porque no es una realidad que esté viviendo. Nosotros, por suerte o por desgracia, hemos atravesados muchos baches y lo vivimos cada día. Así que dedicamos cierto tiempo de nuestra vida a hacer canciones y decirlo de primera mano. Creo que esas cosas se notan. Las verdades se perciben.

    Un titular que defina el sonido «Dolorosa».

    R. No tenemos ningún tipo de prejuicio a la hora de hacer canciones y de decir lo que decimos. Creo que es una forma de liberación que deberían practicar todos los artistas, independientemente de la disciplina que trabaje.

    Una canción de este disco.

    N. «Canción de amor para la ciencia».Cuando me la mandó Raúl, la escuché y me encantó. Es un tema que ha ido cambiando y cogiendo cada vez más fuerza. Para mí, es la mayor declaración de amor que pueda existir, el decir: «quiero que seas tú el que esté conmigo cuando falte». Creo que no existe un amor más puro que ese.

    R. Es una manera también de limpiar esa gravedad. La realidad es dura, pero no hay declaración de amor como esa. El decir: «quiero morir antes que tú y que seas tú quien me entierre». Hemos huido de esa grandilocuencia.

    N. De hecho, yo me emociono cada vez que la canto.

    «Pasar la tarde» fue uno de los adelantos, al que acompañó el videoclip. ¿Por qué este tema y cómo surge la idea del vídeo?

    N. Tuvimos varias opciones, pero al final, nos decantamos por este tema. Y esto se debe a que «Pasar la tarde» es la canción más directa y nos define muy bien. Aunque es la más fácil de cantar, es como la más reivindicativa.

    R. Creemos que es una canción que lo que quiere es que la gente se una por una causa y que se puedan sentir parte de algo. Así que dejamos esa puerta abierta a que seamos cada vez más fuertes y hagamos algo importante todos juntos. Es una manera de llamar a la acción.

    Al lanzamiento del disco, están siguiendo tres fechas en Madrid, Granada y Córdoba. ¿Cómo afrontáis estas primeras puestas en escena?

    N. No sabemos muy bien qué nos vamos a encontrar. Esperamos que vaya bien. Creemos que en Madrid funcionará bien. En Córdoba tenemos muchos amigos y seguidores, ya hemos tocado varias veces allí. Y, bueno, Granada es nuestra casa.

    R. Estamos poniendo todo a punto, para no dejar ningún matiz del disco fuera de los directos. Es complejo por la instrumentación, pero queremos que los conciertos sean lo más fieles posibles al disco. Y tratar de no defraudar a ninguna de las personas que compre una entrada.

    Después de estas tres primeras fechas, ¿cuáles son los siguientes pasos de Dolorosa?

    R. Nosotros siempre tratamos de ir paso a paso y de no abarcar más de lo que debemos. No somos ambiciosos. De hecho, somos partidarios de dar pequeños pasos e ir avanzando con cautela, pero con firmeza.

    ¿Qué es lo más loco que os ha pasado como Dolorosa?

    N. No sé si loco, pero sí fue guay. Una de las últimas veces que vinimos de promo a Madrid, nada más meternos en el metro, un hombre nos paró. Yo me acojoné un poco y me escondí detrás de Raúl porque creía que nos iba a atracar [risas]. Y nos dijo: «Dolorosa, me flipa vuestro disco». Nos quedamos súper sorprendidos.

    R. Luego, también nos han pasado cosas locas como dar un concierto sorpresa, no poner puntos de venta y anunciarlo tres horas antes y llenarlo.

    La playlist de Dolorosa

  • Viajando al futuro con James Maad y su «Hologram Paradiso»

    Viajando al futuro con James Maad y su «Hologram Paradiso»

    El futuro de la música electrónica y del «underground» está de enhorabuena, porque James Maad ha regresado con nuevo trabajo. Desde el pasado 10 de octubre, «Hologram Paradiso», tercer EP del artista, ya está en la calle.

    Y este 18 de octubre, por fin, tendrá su presentación oficial en directo, en la Sala Siroco de Madrid, junto a Bamboe.

    El regreso más oscuro de James Maad

    A finales del pasado año, James Maad comenzaba a crear y dar forma a «Hologram Paradiso». Un trabajo con más oscuridad que los anteriores, asociado a una fase de la vida personal del artista. Del mismo modo, esta es la obra más rotunda de Maad, que regresa además, con nuevo espectáculo.

    «Hologram Paradiso» se ha producido durante este 2018, entre los Moba Studios y Álamo Shock. La labor de Guille Mostaza ha sido clave para que este trabajo tan experimental tuviera la forma perfecta y viera la luz definitivamente. Además, está formado por seis cortes.

    «Think About It» es el tema que abre el disco. Una pieza pop, capaz de hacernos reflexionar sobre la sociedad en la que vivimos. Le sigue «Children At The Disco», una canción que experimenta con el pop electrónico más clásico y que James la reintepreta con bajos 808. Con «Dame Dinero Ya» jugó al despiste en redes sociales, haciéndonos creer que alguien había hackeado sus cuentas. Con este tema, Maad se aproxima al trap, pero siempre dándole una vuelta y mostrando claramente su propio sello. En ella, presenta el futuro distópico en el que el artista localiza su obra. «Hologram Paradiso» continúa con «I’m Almost Fine», un medio tiempo que versa sobre la soledad en la era de las redes sociales. Prácticamente cerrando, el que fue su primer adelanto, «Future 3», que no es más que un altavoz a la frustración artística por la que muchas veces se atraviesa. Por último, encontramos «Highway In The Sky», un corte instrumental, en el que Maad juega con la electrónica experimental y hace un especial guiño al trance y al progressive.

    La presentación oficial de «Hologram Paradiso»

    2018 ha sido uno de los años más productivos y potentes para James Maad. No solo por la salida del disco, también por todos los pequeños hitos que ha conseguido: abrió el concierto de Beth Ditto en Joy Eslava; actuó en el mítico barrio de Malasaña en plenas fiestas del 2 de Mayo; y además, fue seleccionado por Ballantines para tocar en la Apolo 2 de Barcelona y abrir a Stavroz.

    Pero, por fin, llegó el momento de verlo a él presentando todos los temas de este nuevo trabajo. «Hologram Paradise» llega para quedarse. Y este jueves 18 de octubre, lo podremos ver en la mítica sala madrileña Siroco. Bamboe lo acompañará y será el encargado de abrir esta fecha tan especial.

  • Andrea Dawson da un paso al frente con «Payback»

    Andrea Dawson da un paso al frente con «Payback»

    Hace apenas una semana que vio la luz el nuevo EP de Andrea Dawson. «Payback» está en la calle, para demostrar al mundo entero lo que la propia Andrea es capaz de hacer sola. Es su gran apuesta, su gran salto, su gran represalia. Muy atentos a la artista madrileña, porque este trabajo, pronto tendrá su presentación oficial en el Hotel de las Letras.

    ¿Cómo nace «Payback»?

    «Payback» en inglés, significa represalia o venganza. Por cuestiones personales, tuve que abandonar mi proyecto anterior, lo cual me dio un impulso muy bueno para empezar de nuevo. Así que, este trabajo es una demostración de que yo sola también puedo hacer algo muy chulo. Y me he quedado a gusto.

    Evidentemente, «Payback» son más cosas, porque el disco tiene más canciones y cada una de ellas tiene su propia alma. Pero el «motorcillo» está ahí.

    ¿Cómo afrontas este nuevo periodo en solitario?

    Sí que es cierto que me veo muy sola. Porque aunque tengo el apoyo de mi productor, Mumbai Moon, me encargo de todo yo. Pero por otro lado, también le estoy «echando más pelotas». Al principio, lo llevaba peor pero ahora me estoy acostumbrando y le estoy cogiendo el «gustillo».

    Hay mucha mezcla de estilos: electrónica o R&B, entre otros. ¿Intento de huir de las etiquetas o de buscar tu propio sonido?

    Este disco, lo he hecho sin pensar demasiado en lo que pueda pasar en el futuro. Tenía algo hecho y ya había avanzado, pero me pegué un tortazo y tras dejar atrás mi antigua banda, la caída fue dura. Pero bueno, ahora mucho mejor.

    «High», uno de los adelantos. ¿Por qué?

    Es que desde que lo cree, me encanta el tema. Ese estribillo instrumental, con el chopeo de voz ahí, me flipaba. Además, lloro con mi propio tema, porque me acuerdo de por qué lo escribí. Es una sensación que suelo tener, conforme voy escuchando más y más veces mis canciones.

    En realidad, «High» es el centro de todo el EP. Fue como una línea a seguir. De hecho, estuve un año trabajando con Mumbai Moon, salieron temas, pero no nos convencía demasiado el estilo. Hasta que llegó «High». Y más, después de empezar de cero yo sola. No tenía ni idea de lo que quería hacer, ni cómo. Al final, esto es lo que ha salido.

    De hecho, «High» es un altavoz de una realidad cada vez más latente: pareja, celos, relación tóxica. Lo cual está genial. Pero, ¿crees que de algún modo, la música ha perdido esa esencia?

    A ver, las modas van y vienen. Por ejemplo, el trap de ahora, creo que era el punk en los años 70. La gente no sabía qué leches era el punk, pero al final se quedó. No digo que el trap se vaya a quedar, porque particularmente, no lo escucho, ni tampoco lo hago, pero lo respeto. Cada momento, tiene su propio estilo de música. Y no seré yo quien se ponga a juzgarlo. Yo no escucho reaggeton y no me gusta. Si voy a un garito y me lo ponen, cojo y me voy. Pero lo respeto.

    Retomando un poco «High». ¿Cómo surge la idea del videoclip?

    Al tener todo el proyecto sobre mí, que si yo no tiraba del carro, no lo iba a hacer nadie, cogí con mis padres y lo pagamos a pachas. Estaba muy obsesionada con que el vídeo tuviera una buena calidad de imagen. Así que hablé con el director, Edison Guzmán e hicimos brainstorming. La idea de la bañera, cómo hacer la iluminación, encontrar al director de imagen y al de fotografía, fue todo una aventura, porque no había hecho un videoclip jamás.

    Así que a las 5 de la mañana, tenía a la maquilladora en mi casa. A las 8 estábamos grabando ya con el Maserati, que alquilamos uno y al final apenas ha salido en el videoclip. Me dio mucha rabia. Al final, sale mucho la ciudad de Madrid, quería que se viera y que el vídeo fuera algo más etéreo. Estuvimos todo un día entero grabando, hasta las 2 de la mañana. Y con todos los problemas que nos pudieron surgir. Menos mal que había ganas. Pero al final, salió.

    Además, el videoclip ha sido una auténtica revolución. 20.000 visitas en apenas una semana.

    Yo ni me lo creía. Me esperaba, como mucho, 3.000 o 4.0000 visitas. Debe ser que se ha corrido la voz. Y, lo cierto, es que he recibido también mucho «feedback», dándome la enhorabuena.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Andrea Dawson?

    Pues la idea es tocar, hacer algún acústico. Y, por supuesto, la presentación del EP en el Hotel de las Letras, allí en Gran Vía.

    ¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?

    Te puedo contar una. Hace unos años, había un festival que se llamaba Wolfest. Yo tenía unos 17 años y no era todavía consciente de que la música requería disciplina y que la voz había que cuidarla. Estuvimos ensayando durante meses, pero justo la noche de antes salimos de fiesta, casi hasta las 8 de la mañana. Mis amigos me estaban diciendo que el ron miel era bueno para la garganta. Total, que llegué allí y tuve que rapear porque no tenía nada de voz. Estaba ronca. Delante de unas 500 personas. Lo pasé muy mal. Encima, al final del bolo, había un aplausómetro para elegir al ganador, y cuando dijeron el nombre de mi banda, la sala completamente callada.

    La playlist de Andrea Dawson

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