Categoría: Música

Molina Molina: «Creo que la clave del éxito es la constancia»

Hablamos con él hace unos meses, cuando «La Gran Esperanza Blanca» acababa de ver la luz. Se trata de Molina Molina, el artista granadino que, a base de esfuerzo y trabajo, está consiguiendo hacerse un gran hueco dentro del mundo de la música. No es para menos. Por el momento, ya forma parte del cartel de festivales como el O Son Do Camiño (Santiago de Compostela) o el Madcool Festival (Madrid).

Hace algunas semanas, hablamos con él de nuevo, en pleno centro de Madrid, y esto es lo que nos contó sobre su proyecto. ¿Todavía no lo habéis leído?

¿Cómo ha evolucionado en estos meses «La Gran Esperanza Blanca»?

Pues la verdad es que al principio, tenía un poco de incertidumbre. Más que nada, porque de las 11 canciones del disco, 8 de ellas salieron como single. Entonces ese factor sorpresa no existía, porque ya la gente conocía casi todos los temas. De hecho, creo que ya comentamos que «La Gran Esperanza Blanca» era una especie de recopilación de grandes éxitos. Así que tenía mis dudas y mis miedos: creía que la gente iba a ver las canciones como material antiguo y que iban a esperar lo próximo.

Así y todo, la sorpresa ha sido máxima. Porque el poder de las canciones ha seguido creciendo, una vez el disco ha visto la luz. Así que ha cumplido completamente con mis expectativas. Para mí ha sido espectacular, para lo que esperaba. Todo esto me ha dado un aliciente, ha hecho que quiera darle otra perspectiva a las canciones y quiera sacarlas como single, pero de otra manera. Por eso, he querido potenciar el tema de las colaboraciones.

A nivel personal, ¿qué ha significado para ti este disco?

Para mí ha sido un paso increíble. Venía de un punto en el que mi proyecto Molina Molina estaba formándose y, a partir de la salida del disco, hemos empezado con lo que yo llamo, «la segunda temporada». Y la verdad es que está siendo impresionante, porque hemos llamado la atención de bastantes festivales, que quieren contar en el cartel con nosotros. Además, desde fuera creo que se esta viendo cada vez como un proyecto mucho más sólido.

Hablando justo de la repercusión que está adquiriendo Molina Molina y de los festivales. ¿Qué ha supuesto para ti entrar en carteles como el de Madcool?

Eso fue una sorpresa. Justo antes me habían confirmado para el «O Son Do Camiño» y, al poco, me llamaron para confirmarme en otro festival, en el «Madcool». Y para mí fue algo increíble. Sin menospreciar ningún festival y valorándolos todos. Pero sí que es cierto que hay lugares que tienen su magia, su encanto para actuar.

Un titular que defina el momento actual en el que se encuentra Molina Molina.

¡Fantasía! «Molina Molina, la serie, en la mejor temporada». El punto es siempre superarse, mejorar e ir marcando nuevos objetivos en el camino.

¿Qué canción de Molina Molina definiría el momento actual?

Te diría «Lo Vimos Venir», pero precisamente por todo lo contrario: porque «no lo vimos venir». De hecho, va a ser el siguiente single, justo por eso: porque parece que me sumerja cantando la canción, esperando lo que está por llegar, pero de repente, llega algo nuevo y me sorprende. Sobre todo, porque al final terminan siendo cosas «guays». Al final, también va a tener razón mi madre cuando me dice que soy el tío con más suerte del mundo [risas].

¿Cuál crees tú que es la clave del éxito?

La constancia. De hecho, todo el mundo que tiene éxito, o el 99,9% de ellos, coinciden y han sido constantes. Independientemente de que tengan más o menos talento. Y es algo en lo que coincide también mucha gente: en que la constancia es la clave. Luego al hilo de esta, llega el reconocimiento. Que la gente te reconozca cuando escucha una canción tuya es también sinónimo de alcanzar el éxito. Esa es mi meta.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Molina Molina?

De manera más inminente, conseguir que los 11 temas se conviertan en 11 singles. Ya de cara al verano, completar los festivales en los que me han confirmado, y ya a finales de año, tenemos previsto que nuestro productor colabore con nosotros. Y, a priori, aunque no tengo programado disco como tal, sí que tengo en mente trabajar en un nuevo EP.

5 mayo 2019
Marsella presenta «5 11 16», single de su inminente álbum debut

Descubrimos a Marsella con el adelanto del que será su primer trabajo. Ya está aquí «5 11 16», lo nuevo del dúo formado por Germán G. Dobarco y Nacho Martínez. Desde que viera la luz el pasado 12 de abril, ha supuesto una auténtica revolución. Sin duda, dará mucho que hablar. ¿Todavía no lo has escuchado?

Por el momento, la banda ha apostado por mostrarnos el video-lyric de este primer adelanto. Aunque en algunas semanas, prometen sorprendernos con el videoclip. Un vídeo que seguro se convierte en un auténtico «trallazo».

Pero, ¿qué nos encontraremos en el debut de Marsella?

Aunque no han trascendido todavía todos los detalles de este primer trabajo de la banda, sí que sabemos que Marsella sorprenderá con su debut. En la ardua tarea que supone la conceptualización y grabación del disco, Carlos Hernández (Viva Suecia o Los Planetas) ha sido el encargado de ayudarlos, en lo que se refiere a la producción.

En cuanto al sonido que nos encontraremos en este nuevo trabajo, los chicos de Marsella han sabido unir a la perfección el rock con la electrónica más bailable. Y a todo eso, no podemos olvidar sumar unos estribillos pegadizos, lo que hacen de sus temas unos verdaderos hits. Hits incapaces de no bailarlos en la mismísima pista de baile.

De esta manera, han logrado conseguir su propio sello, han logrado crear su propia identidad. Esa que te hará reconocerlos al primer golpe de vista. Y, por supuesto, de oído.

Así que, a falta de saber más detalles sobre su debut, nos pondremos en bucle una y otra vez, este particular single. Es el momento de «5 11 16». Título cuyo significado oculto se esconde tras esta cifra.

Los siguientes pasos

Como bien hemos dicho, el nuevo disco de Marsella es todavía un misterio. No sabemos cómo se llamará, ni cuándo lo podremos escuchar al completo. Del mismo modo, tampoco sabemos cuándo podremos disfrutar de algunos de los directos de la banda. Lo que sí tenemos claro es que están en la semifinal del concurso de bandas del Cooltural Fest y hay que apoyarlos.

¿A qué estáis esperando?

4 mayo 2019
Sienna nos prepara para su próxima y ansiada «nueva dimensión sonora»

De carrera imparable y con un talento desbordante, conocimos a Sienna hace año y medio. Por aquel entonces, acababa de ver la luz su debut, «Trágico y Fugaz». Hace apenas unos días coincidimos de nuevo. Y es que, en estos momentos, la banda se encuentra trabajando en su nuevo trabajo. Aunque mientras tanto, hemos podido escuchar dos nuevos temas: «El Simulacro» y «Solo te noto a ti».

Y si queréis disfrutar de su directo: el próximo 4 de mayo, Sienna visita el Loco Club de Valencia. Un concierto especial, porque es en casa.

¿Cómo ha evolucionado Sienna desde «Trágico y Fugaz»?

Pues es curioso, porque «Trágico y Fugaz» tiene ya año y medio, nació en 2017. Y desde ese momento, la evolución ha sido constante. Porque ya en este «Solo te noto a ti», corresponde a una etapa vital un poco oscura de mi vida. Y eso, al final, se traduce en el sonido y en la voz, que pasa a estar más en un segundo plano. Me gusta investigar muchos universos sonoros y reinventarme, en las melodías, en la instrumentación, en la simbiosis de letra y música.
Sí que es verdad que en esta canción hablo de una relación, cosa de la que no me gusta hablar. Aunque en realidad, hablo más bien del concepto de sumisión constante y consciente: a pesar del daño que me haces, o que me hace algo, solo te noto a ti.

En definitiva, el Sienna de «Trágico y Fugaz» permanece. Aunque en estos momentos, es mucho más maduro y tiene muchos más escenarios recorridos.

De hecho, ese cambio o evolución ya se empezó a notar con «El Simulacro».

Sí, aunque «El Simulacro» no sé si estará incluido en el siguiente disco, porque sí que lo veo más como un tema de transición. Pero es cierto que en ese momento ya se empezaba a notar la evolución. Aunque tampoco quiero perder lo orgánico de «Trágico y Fugaz». Va a haber instrumentación orgánica y melodías más puras, pero también habrá material nuevo.

De hecho, a «El Simulacro» siguió «Solo te noto a ti», tema que vio la luz con su respectivo videoclip. ¿Cómo surge?

El videoclip lo ha dirigido el barcelonés Jordi Cussó, que también ha trabajado mucho con Siloé, y utlizamos una cámara de cine, que es analógica. Por lo tanto, no sabes lo que grabas hasta que no está todo y lo ves. En base a eso quisimos contar una historia, aunque yo quería que se viera bien el cambio, sobre todo, estético. Estamos muy contentos con el resultado. Es un poco más oscuro, pero creemos que es lo que la canción necesitaba.

Un titular que defina lo nuevo que está por llegar.

Buff, por tener, no tengo ni el título del próximo disco [risas]. Pero diría: «nueva dimensión sonora». También diría que es «intensito» [risas]. Pero una intensidad moderada. Quiero que el trabajo tenga sus altos y sus bajos, que sea como un viaje.

¿Cómo ha sido todo este proceso y todo el trabajo con Raúl de Lara?

Pues la verdad es que ha sido bastante rápido, porque no hemos parado entre trabajo, conciertos y grabación. A veces es complicado llegar a todo y que el material tenga cierta calidad. Pero trabajar con Raúl es un maravilla, facilita mucho las cosas y ayuda mucho. Desde 2014 trabajamos juntos y ya hemos llegado a un punto de leernos la mente cuando nos vemos. Trabajamos de manera muy inmediata, como en directo. Y desde el minuto 1 nos ponemos al servicio de la canción y vamos haciendo lo que ella nos pida. Y a partir de ahí, vamos construyendo.

Durante todo este proceso, no has dejado de actuar. De hecho, uno de los grandes hitos fue el concierto con Vetusta Morla. ¿Cómo has vivido todo este camino?

Yo no me esperaba, para nada, el tocar tanto. Y la verdad es que hemos tenido actuaciones muy importantes y especiales. La del Low Festival fue una de ellas, luego las actuaciones en Madrid o, mismamente, el concierto junto a Vetusta Morla en la Plaza de Toros de Alicante. Esto último fue una pasada, aunque también una completa responsabilidad: el abrir para una banda de ese tipo, en un lugar tan grande. Yo estaba como en shock. De hecho, llegué a casa como dos días después y me puse a llorar, porque no me había dado tiempo a asimilar todo lo que había sucedido. Aún así, fue una pasada: la gente estuvo brutal y sonamos increíbles, gracias también a que Raúl de Lara nos sonorizó. Increíble, uno de los mejores conciertos que hemos hecho.

¿Cuál crees que es la clave del éxito?

La perseverancia, sin duda. Sí que es verdad que hemos tenido momentos muy buenos, pero nos ha costado mucho. Tienes que estar ahí constantemente, generando contenido. generando noticias. Y a mí me gusta crear cosas de calidad. Así que es todo muy bonito, pero a veces frustrando. Así que sí: creo que la clave del éxito es perseverar, insistir, seguir al pie del cañón.

Siguientes pasos de Sienna.

Pues el 26 de abril pasamos por Valladolid. Y el 4 de mayo estaremos de nuevo en Valencia, en mi tierra. En esta ocasión, en el Loco Club. Va a molar mucho, porque tenemos sorpresas preparadas. Luego ya pararemos un poco, para meternos más de lleno con el próximo disco. Hay maquetas hechas, pero falta grabar.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

Pues dedicarme a ella [risas]. Igual es una respuesta típica, pero es real: es una locua. A mí me pone los pelos de punta, porque es muy complicado. A veces te pilla en buen momento, muy artiba; pero en otras ocasiones, te pilla abajo. Y es que este mundo es muy estresante y yo soy una persona muy exigente, así que termino «comiéndome el tarro» en muchas ocasiones.

¿Crees que es más loco dedicarse a la música ahora, que hace 20 años?

Yo creo que sí, porque ahora estamos en la época de la sobre-información. Hay muchísima música a día de hoy, porque el acceso es quizás más sencillo. Y diferenciarse de todo ello, es mucho más complicado. Antes, creo que había más gente dispuesta a descubrir música y apostar e invertir en ella.

30 abril 2019
Descubriendo «Morder y Esperar», lo nuevo de Noprocede

«El dragón de Komodo, muerde y espera a que su presa muera días después, víctima de la infección. La banda copia el modus operandi, cambiando colmillos por canciones. El dargón de Komodo tiene ganas de cazar».

Bajo esta premisa y después de dos largos años de espera, regresan No Procede. Eso sí, con un nuevo álbum bajo del brazo: llega el momento de «Morder y Esperar». Un trabajo de larga duración que vio la luz el pasado viernes 5 de abril. Diez cortes, diez canciones cuyo mensaje va directo a las entrañas de quien las escuche. Diez estribillos directos y unas guitarras y unas bases rítmicas potentes, que no hacen más que afianzar el sonido No Procede.

Pero incluso antes de que saliera el disco al completo, pudimos escuchar algunos adelantos. «Fracasar Mejor» fue el primero, un «bombazo» que desde el primer momento que entró por nuestros oídos, nos hizo retumbar la mente. Poco después, llegó el «referéndum» para ponerle nombre a «El karma de los gatos». Y para eso, tuvimos que escuchar el segundo single en más de una ocasión. Y, precisamente, poco antes de la llegada de «Morder y Esperar», descubrimos el tercer y último adelanto: «La antesala del desastre».

El nacimiento de «Morder y Esperar»

Demasiado tiempo en silencio, demasiado tiempo desde «Grisú», demasiada evolución y demasiados cambios dentro de No Procede. Ya era el momento de regresar con un disco, cuyas canciones dejaran huella, marcaran, nos inundaran con su «veneno». Igual que hace el dragón de Komodo con sus presas. Era también inevitable que, en cierto modo, animales y música estuvieran ligados, teniendo en cuenta la trayectoria de Beltrán (vocalista de la banda). Pero «Morder y Esperar» tiene un sentido, tiene un origen. Y es que, en cierta medida, no habría tenido sentido sin la ayuda de todo el equipo de «La Caverna Estudios».

Una vez en la calle, llega el gran momento del directo. El «Komodo Tour» se acerca de la mejor manera posible: con una gran fiesta, que tendrá lugar el 8 de junio en la Sala Copérnico de Madrid. Un punto de inflexión, al que seguirán muchas otras fechas y festivales. Eso sí, el lugar en el que verdaderamente arrancan es Salamanca, el próximo 9 de mayo. Y desde ahí, solo podemos esperar una meteórica carrera de este «Morder y Esperar».

25 abril 2019
Almería celebra la llegada de la primavera con el «Solazo Fest»

Con la llegada de la primavera, comienzan a aparecer los primeros festivales del año. Hay algunos que repiten ediciones y otros, como el Solazo Fest, que comienzan su andadura. Y encima, en ciudades brillantes y soleadas como lo es Almería. Así es como el próximo 11 de mayo, la ciudad andaluza se convertirá en la cuna del sol, la primavera, las tapas y, por supuesto, la música. La alegría no es para menos, porque durante más de 12 horas, el Recinto Ferial de Almería se convertirá en el mejor punto de encuentro. Y Juanito Makandé, SFDK, Miguel Campello y muchos más artistas pondrán banda sonora a este día tan mágico.

¿A quién escucharemos en la primera edición de «Solazo Fest»?

Bajo la premisa de que «Solazo Fest» es mucho más que un festival, nace este proyecto. Y es que pretende servir como jornada de convivencia entre miles de jóvenes. Y para ello, se ha contado con artistas de lujo, siendo SFDK, Juanito Makandé y Miguel Campello los que encabezan el cartel del festival. Pero hay muchos más, ¿los conoces a todos?

SFDK es una de las grandes sorpresas de este recién estrenado festival. El dúo sevillano, que están presentando los temas de «Redención» (2018), es uno de los referentes dentro del hip hop y el rap nacional. Juanito Makandé es otro de los «cabezas de cartel» del «Solazo Fest». El artista gaditano que fusiona el flamenco tradicional, con jazz o funk, está de enhorabuena. Además de haber sido nominado en los Premios MIN, continúa girando con su último trabajo: «El Habitante de la Tarde Roja» (2019). Y con este disco, lo descubriremos en Almería. Por último, Miguel Campello completa este trío de ases. El año 2018 fue clave para el artista alicantino, ya que fue cuando lanzó su reciente álbum, «Entre mil historias». Dese ese momento, no ha dejado de girar. Y no podemos estar más encantados con eso, porque por fin, podremos cantar junto a él estas nuevas canciones.

Pero es que todavía hay más. Por supuesto, no os podéis perder al resto de artistas que conforman este cartel y que tienen un gran proyección dentro del panorama musical nacional. Así es como pasarán por el escenario del «Solazo Fest»: IPop Covers, No Potable, El Niño de Albayzín, Miriam Amat, Chamae Music & Despelote, Michael Maro, Owen y Yaro, Rid3r, Monchi DJ, Vera GRV y Kttana, The Pickies, Manhuboyz y Los Bombástico.

¡No te pierdas este gran festival! Consigue ya tu entrada, pinchando en el siguiente enlace.

24 abril 2019
Penny Necklace: «Sólidos es un proyecto deleite de todos los sentidos»

Ya nos sorprendió con «La Luz», pero es que con «La materia» lo está volviendo a hacer. Se trata de Penny Necklace, quien acaba de lanzar el primer EP de este nuevo trabajo tan conceptual. «Sólidos» es ya una realidad. Y ya han llegado los dos primeros videoclips de este nuevo universo de la banda madrileña.

A raíz de la publicación de «Sólidos», quedamos con Odette Suárez, vocalista y «front-woman» del proyecto. ¿Queréis saber lo que nos contó sobre lo nuevo de Penny Necklace?

¿Cómo surge el concepto de «Sólidos»?

Es un poco la continuación de «La Luz». Cuando acabé el disco anterior, que fue bastante revelador para mí, me moló mucho la idea que había forjado de la sinestesia, de ir juntando canciones o sonidos con otros conceptos no ligados a la música (en ese caso fue el color). En este caso, decidí relacionarlos inicialmente con los metales. Quería sacar temas en esa línea, que se llamaran «Oro», «Cobre». Pero eso se me acotaba demasiado. Así que opté por enfocarlo hacia «La materia», ya que había sacado un trabajo previo que se llamaba «La luz». La idea es cerrar posteriormente la trilogía, con «La forma».

Me puse a trabajar en «La materia» al año de salir «La luz», porque intuía que se retrasaría un año más. Así que en base a eso construí y dividí el trabajo en tres, en «Sólidos», «Líquidos» y «Gaseosos».

En lo que respecta a las tres canciones de «Sólidos», reflejan un poco el cómo me encontraba yo en ese momento. Justo tuve problemas de salud y en esos instantes, como que necesitaba apoyarme en ellas. Así que los temas hablan un poco de eso: del miedo y de cómo afrontarlo.

¿Por qué extrapolar a la música ese tipo de conceptos tan abstractos: la luz, la materia?

Yo creo que cuando hablas de cosas que no son tan directas y que dan libertad al público para que interprete. Justo cuando estaba con «La luz», tocaba las canciones y preguntaba a la gente que qué color creían que era y, casi siempre, acertaban. Creo que hay como una sensibilidad subyacente, que te hace captar, que te hace sentir, sin saber muy bien cómo. Las conexiones directas pueden ser más fáciles, pero son menos sorprendentes. Y eso es lo que más me gusta. Que haya conceptos abstractos tan sinestésicos, que te hacen mezclar sentidos.

Un titular que defina esta primera parte de la materia, que defina «Sólidos».

Si tuviera que vender a Penny Necklace por «Sólidos» y a alguien que nunca hubiera escuchado a Penny Necklace, diría que es un proyecto deleite de todos los sentidos. De hecho, la presentación del proyecto no será un concierto al uso. Será en una localización secreta, en una especie de hangar. Y para ello, hemos montado una especie de show, con toda su escenografía y juego de luces, de olores. El formato del CD también tiene su textura, ya que lo imprimimos en papel cebolla. Todas las canciones tienen su respectivo videoclip. Así que creo que es un proyecto esférico, en el que hay que sumergirse.

En todo este espectro, ¿qué importancia tiene la imagen para el proyecto de Penny Necklace?

Creo que al final la música es como el amor. Te enamoras de una persona por muchas cosas, aunque una de ellas te flipe. Pero siempre te fijas en detalles: en cómo es, cómo te trata, cómo huele, cómo piensa. Y creo que un proyecto artístico es similar, de ahí la importancia de cuidar todos los detalles, no solo la música.

«Piedra» fue el primer adelanto de este EP. ¿Por qué? Y también, ¿cómo surgió la idea del videoclip?

Seguro que en alguna ocasión, te habrán dicho muchos artistas que ha habido canciones que les han surgido en un momento. Sin embargo, otras han tardado mucho más. En el caso de «Piedra», surgió de manera casi instantánea. De repente, un día me senté, hice un tema y tal cual se quedó. Ha cambiado un poco el sonido, pero los arreglos son los mismos. Eso es síntoma de sinceridad con uno mismo, como si hubieras vomitado algo que llevas dentro. O al menos así lo veo yo. Eso es muy guay para abrir brecha.

Luego el videoclip, surgió de otras referencias de vídeos que tenía de Billie Eilish o Amaia. Vídeos en los que hay espacios muy vacíos y en los que solo importa la persona que te está cantando la canción como si estuviera en la misma habitación que tú. También estaba la idea recurrente como del subconsciente, de que te atrevas, de que arriesgues. De ahí la idea de girar, el círculo.

¿Cómo ha sido la experiencia de dirigir tú misma el videoclip?

Pues tiene cosas muy guays, porque te permite llevar a cabo las ideas tal cual las tienes. Aunque cuando tienes dudas, no es tan guay. Tengo la suerte de que mi equipo se involucra y está muy por el proyecto. Al final, lo haces lo mejor que puedes. Y la verdad es que estoy muy contenta con el resultado.

Justo ha salido también el segundo videoclip, el de «Metal». Cada uno de ellos es como un parto, piensas que no va a salir y cuando lo haces y lo ves con retrospectiva, dices: «pues ha quedado muy bien» [risas].

En todo el proceso de grabación del EP, ¿cómo ha sido trabajar con Víctor Cabezuelo?

Era necesario. Es como una de las piezas del engranaje que a mí me hace sentir segura. Con Víctor sé que las cosas, al final, van a llegar a buen puerto. Confío mucho en su criterio, además es una persona muy respetuosa con las opiniones de los demás. También es muy humilde y tranquilo. Siempre opina y habla desde el cariño y respeta mucho que cojas o no su idea. Además, se involucra mucho. Cuando está con tu proyecto, se mete a fuego con él. Estoy muy contenta y orgullosa del trabajo con él.

Siguientes pasos de Penny Necklace.

Así de manera inmediata, está el concierto de presentación en Madrid. Como contaba será en un lugar diferente a una sala de conciertos. Solamente se puede ir comprando el disco o el totem. La idea es un poco post-mecenazgo y financiar un poco lo que hacemos a posteriori, adquiriendo el EP. Al final, el lugar de la presentación no está preparado para vender entradas, así que la mejor manera que se nos ocurrió fue regalarla si el público se hacía con el disco. Tengo muchas esperanzas en ese día, porque nos vamos a currar mucho la escenografía. Estoy muy emocionada. Así que nada, será el 17 de mayo.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

Pues me he ido a Chile y México, y básicamente todo mi equipaje eran instrumentos y dos mudas [risas]. No tenía nada más porque no me cabía más. Encima dormí en el aeropuerto, haciendo escala entre un país y otro. Y la ropa, bueno, me compré ropa allí [risas].

Fue una experiencia enriquecedora. Todo el mundo fue muy agradable. Además, tuve la oportunidad de tocar en escenarios grandes, ante público que no conocía de nada. Buena locura.

23 abril 2019
SED presenta «Aves de museo» este miércoles en Siroco

Probablemente sea uno de los nombres que más hemos escuchado recientemente. Se trata del artista Sergio Delgado. Mejor conocido como SED. Y es que presenta su nuevo trabajo este mismo miércoles 24 de abril en la Sala Siroco de Madrid. La llegada de «Aves de museo» es inminente y no podía faltar su gran presentación en la capital. El hilo conductor perfecto para contar seis historias de seis personas diferentes, seis amigos. Y todas ellas hablan de reconciliación, amor, desamor, superación y amistad.

Descubriendo «Aves de museo»

Seis canciones, seis historias, seis amigos, seis temas cotidianos, que nos asolan día tras día. Reconciliación, amor, desamor, superación y amistad. En base a estos conceptos, ha nacido «Aves de museo», nuevo EP del artista, SED. Los primeros temas que conocimos fueron «Paso vital», junto a Alberto Jiménez de Miss Caffeina; y «Ballena varada», cuyo videoclip vio la luz recientemente.

Sin embargo, es «Regaliz» la canción que abre el disco. Medio tiempo que comienza a hablar sobre la reconciliación de dos personas. Un primer tema al que sigue directamente el segundo single, «Ballena varada». O «cómo sobrevivir a un desamor sin encallar en el intento».

Tercera bomba en forma de canción: «Paso vital», interpretada junto a Alberto Jiménez (vocalista de Miss Caffeina). Un auténtico regalo de bodas, una declaración de amor entre dos prometidos. Cuando el amor sin medidas es sinónimo de valientes. Y nadie mejor que Alberto para marcarse este dueto.

No podía faltar tampoco el gran grito, el gran: «pelea por tus sueñas». «Pinchadiscos» cuenta narra la historia de un DJ que, venido a menos, no cesa en su lucha, en su pelea. Y, por supuesto, no podía faltar la oda al optimismo y al volver a enamorarse, de la mano de «Lazo cerrado».

«Marina» es la canción que cierra el disco. Marina, una chica tan genuina como única, que sabe vivir al límite su vida.

¿Quién se esconde tras SED?

Sergio Delgado es quien se esconde tras el sobrenombre de SED. Canario de nacimiento pero madrileño de adopción, se empezó a interesar por la música pronto, llegando a terminar la carrera en Musicología. Poco a poco, comenzó a componer y darle vida a sus composiciones. Y así es como fueron llegando sus primeros trabajos. En 2014, sus temas enérgicos y emotivo, bajo el nombre «Pop amable». Justo un año después, llegó el turno de «Rescates desiguales».

Ya más asentado y con la idea de dar un paso más en su carrera, SED se mete de lleno en la creación, composición y lanzamiento de un nuevo EP. Ahora sí que sí, es el momento de «Aves de museo». ¿Todavía no tienes tu entrada para verlo en la Sala Siroco? ¡Hazte con ella, pinchando en el banner!

22 abril 2019
Cómo darlo todo en un Elche Live Festival pasado por agua

Volver a sentir cómo el poder de la música nos invade. A pesar de todo. Una sensación similar es la que tuvimos hace unas semanas cuando, en mitad de la ciudad de las palmeras, tuvo lugar el Elche Music Festival. Así fue como los pasados 5 y 6 de abril se celebró una nueva edición de este festival.

5 de abril, primera jornada de festival.

A media tarde el viernes 5, arrancó el primer día de los dos, entre amenaza de lluvia. Una amenaza que se tornó real a las pocas horas y que, por momentos, nos hizo temblar a todos. Ya sabemos que «en abril, aguas mil», y más en nuestra «terreta» (sí, llueve poco, pero cuando llueve, llueve bien). De hecho, tuvieron que retrasar la apertura de puertas y los conciertos, por este mismo motivo. Así y todo, la fiesta continuó adelanto y no paró en ni un solo momento, a pesar de los reajustes. Finalmente, pasadas las 19.00 horas, daban comienzo con Bauer. Y es que los malagueños estaban de enhorabuena, al estar presentando las canciones de su nuevo trabajo, «Otra Vuelta Al Sol».

Poco a poco, la cosa se iba tornando seria. Correos también saltaban al escenario, dispuestos a no hacer decaer en ningún momento el ánimo. No era para menos. Con su rock y su potente directo, engancharon desde el primer instante con los temas de su «Terapia, Terapia». Ellos sí que nos dieron una buena dosis de terapia contra la lluvia y en pro de la música.

Para mantener esta dinámica tan especial, llegaron Cycle. La mítica banda madrileña es la típica que no deja de hacerte bailar con su espectacular electropop inspirado en los ritmos anglosajones. Es la típica banda que hace que te olvides de todos tus males. La típica banda capaz de sumergirte en su propio submundo. Conseguirlo en un día como aquel era complicado, pero lo lograron. Y más si el disco que presentaban, era el de «ELECTRIK».

Aunque para intensidad, la que llegó con SFDK. El festival cambiaba radicalmente de género, para impregnarnos de los versos y el rap de la banda sevillana. Palabras punzantes, hirientes, pensantes. Todo, para darle la bienvenida a las canciones de «Redención», último trabajo del dúo. Concierto que se hizo corto y supo a poco, pero que continúo con es misma dinámica, ya con la llegada del gran Nach. Esas mismas punzadas directas al corazón y a la cabeza, esos pequeños pellizcos de conciencia continuaron, cuando coreamos cada una de las canciones del rapero. Rapero que, por cierto, presentaba «Almanauta».

Pero si hay algo que caracterice todo buen festival, es el fin de fiesta. Y después de tanta lluvia y tantos inconvenientes, nadie mejor que La Pegatina para hacernos saltar y vibrar. Solo basta con que nos canten aquello de «Lloverá, lloverá y yo veré». Y nosotros ya. Pero, por supuesto, no fue lo único. Y es que es el momento de «Ahora o nunca».

Segunda jornada de festival, el 6 de abril.

Aunque los problemas y el malestar continuaron, la fiesta no paró en la segunda jornada de festival. En esta ocasión, cambiamos de tercio y sí, también de género. Aunque primero, dando paso siempre a las bandas más pequeñas y a las emergentes. De ahí que Polos fueran los primeros en abrir este segundo y último día. Un día que, conforme fue avanzando, dio paso a uno de nuestros grandes descubrimientos de 2018: Embusteros, quienes además, acaban de lanzar un nuevo disco maravilloso, «Pequeño Universo».

Desde la misma «terreta», continuaron Olivia. Vecinos nuestros y músicos de 10, están ya mostrando pequeñas píldoras del trabajo que está por llegar. Aunque por el momento, solo hemos podido escuchar el primer single: «Corre, grita, ríe». Así que no podemos estar más en ascuas. Y no podemos disfrutar más de sus directos.

Quien también está de enhorabuena por el «discazo» que ha creado es Julieta 21. Hace algunas semanas presentaba «Contacto», por lo que el Elche Music Festival fue perfecto para presentar estos nuevos temas.

Se iba haciendo de noche, y poco a poco, iban apareciendo ya las grandes bandas. El dulce Depedro salía al escenario para cantarnos las canciones de su «Todo va a salir bien», un disco muy especial que llega en el momento en el que Jairo Zavala celebra una década en la música. Especial, así como él. Especial, así fue el concierto. Y con esa sensación tan mágica en el cuerpo, nos trasladamos directamente al concierto de Shinova, quienes con su «Carta de Navegación», pusieron un nuevo rumbo en el festival. Así, como para no romper esta magia. Como para no romper esta dinámica. Cantamos con ellos hasta quedarnos sin voz, pero sin olvidar que todavía quedaban dos grandes conciertos.

Y es que el directo de Fuel Fandango era uno de los más esperados. Sí. Porque lo de ellos no son simples conciertos. Se mezcla muy bien la música, el arte y el espectáculo. Es algo intrínseco a Nita y a Ale Acosta. Con ellos sí que nos dejamos la voz, a la par que flipamos. Era, en cierto modo, inevitable. Y más si la banda continúa presentando su «Aurora», disco que vio la luz en 2016 y que todavía tiene mucha vida por delante. Sin duda alguna, ojalá no se hubiera acabado nunca este concierto.

Pero el final de fiesta real estaba llegando. Y no podía ser de otra manera: el rey de «la ruta del bacalao» nos tenía preparado un gran show de despedida. Chimo Bayo saltó al escenario, para hacernos bailar al ritmo de sus canciones, todas ellas pasadas por el filtro de la electrónica. ¿Cómo no darlo todo con temas como «Exta sí, exta no» o «Así me gusta a mí»?

16 abril 2019
Menos de un mes para «Rimas y Rock», lo nuevo de Exceso

Hay esperas demasiado largas, esperas que se convierten en años. Pero todo llega para quien sabe esperar. Aunque para ello tenga que esperar siete años, como nos ha pasado con Exceso. Los catalanes por fin tienen fecha de lanzamiento del que será su tercer álbum de estudio. Y es que el próximo 10 de mayo, vera la luz «Rimas y Rock», un doble CD en el que han plasmado las diez canciones en las que han estado trabajando durante tantos años.

¿Qué esconde este «Rimas y Rock»?

Siete años en los que la banda ha acumulado experiencias y situaciones vividas, mezcladas con un nuevo sonido, que a pesar del tiempo,sigue manteniendo la esencia Exceso. Un disco que será especial, porque mostrará ese regreso al pasado, esa vista atrás, a lo que han sido y seguirán siendo. Un pasado que salta de un sonido más eléctrico en primer disco («Niebla y Hollín»); a un acústico mucho más íntimo y personal en el segundo («Canciones de Segundo Origen»). Eso sí, sin olvidar nunca que vivimos en el presente.

En definitiva, en este «Rimas y Rock» habrá unas composiciones con nuevas tesituras, registros y un sonido más endurecido, sin dejar de tener esos riffs con los que el panorama del rock tanto disfruta.

Como avance del que será este tercer disco, este «Rimas y Rock», Exceso ha lanzado su primer adelanto en forma de videoclip. Se trata de la canción de «Que sonrías para mí». Un estridente y enérgico videoclip, que muestra muy bien qué es lo que está por venir.

Por lo demás, tan solo queda esperar a que llegue el 10 de mayo. Poco menos de un mes para escuchar al completo esta obra, para escuchar al completo «Rimas y Rock». Y justo después, llegará el momento de presentar el disco en directo. De ahí que hayan anunciado ya las primeras fechas. Por lo pronto, pasarán por Barcelona (23 de mayo en la Apolo 2) y justo siete días después, por Madrid (30 de mayo en El Sol).

15 abril 2019
Gentleman Clef y el equilibrio en «It’s all about balance»

«Storm» supuso el descubrimiento de Gentleman Clef, a los que no hemos dejado de seguir la pista desde entonces. Pero desde ese momento ya han pasado dos años y ahora, la banda formada por los hermanos Serrano, ha lanzado su nuevo trabajo. Un trabajo que supone su primer larga duración.

Efectivamente, estamos hablando de «It’s all about balance». Un álbum con el que lo «petaron» en la Sala El Sol hace algunas semanas, colgando incluso el cartel de «entradas agotadas». Y sobre él, nos estuvieron hablando hace unos días. ¡No te pierdas la entrevista!

¿Cómo surge el concepto de «It’s all about balance»?

Germán. La idea de base era hacer un larga duración, pero con un enfoque distinto, con mucha pre-producción y mucho trabajo de producción. Queríamos que estuviera muy trabajado y que estuviera mucho más cerca a la escena internacional. Así que ahí empezamos a recapitular todas las composiciones hasta el momento y comprobamos que estuvieran en equilibrio entre sí, de ahí también un poco el título. Y a partir de ese momento, comenzó también el trabajo con Charlie Bautista, que nos ayudó mucho a darle identidad a las canciones y ya, a grabar.

¿Por qué esa especie de búsqueda del equilibrio.

Juan. Sí que es verdad que mucha gente dice que nuestro estilo es difícil de encasillar y que cada canción es distinta. Así aparte del significado del propio título, queríamos que todas tuvieran un mismo hilo conductor o que tuvieran un mismo nivel, en lo que a producción y sonido respecta. Así que tanto en lo musical, como por la importancia que tiene para nosotros el equilibrio, queríamos que siguieran todos los temas una misma línea.

Germán. Hay canciones más tranquilas, otras que tienen más marcha y había que conjugarlas todas bien. Queríamos que el disco tuviera una misma esencia, que se viera homogéneo dentro de tanta variedad.

¿Cómo fue todo el trabajo con Charlie Bautista y Dani Richter?

Germán. Pues genial, la verdad. El trabajo con Charlie Bautista ya empezó con buen pie porque él ya había escuchado un poco lo que habíamos hecho anteriormente. Además de pasarle los temas del disco al desnudo. Y desde el primer momento, supo captarnos muy bien en todos los aspectos. Respetó muy bien la raíz de los temas, pero consiguió al 100% que crecieran. Ya a partir de ahí comenzamos a trabajar, dándole mucho tiempo y mimo a las canciones. Y, sobre todo, hubo mucho trabajo de entendimiento, ya no solo con Charlie, también con Dani Richter.

Juan. Lo bueno es eso, que supieron entender desde el principio que es lo queríamos, nos leyeron al instante. Y lo potenciaron. Esto para nosotros era lo más importante.

Permanece la esencia, pero sí que se ve evolución. Sobre todo con el tema de la voz. No sé si vosotros lo veis igual o si ha sido un cambio natural.

Germán. Ha sido algo natural de la edad, porque ya han pasado dos años desde «Storm» [risas]. Y luego también sí que es verdad que quisimos trabajar mucho el tema de la voz, queríamos pronunciar bien, que todo estuviera perfecto. De hecho, contamos con la ayuda de una profesional nativa en inglés, para repasar todas las letras y para repasar todo el tema de dicción. Y ahí pusimos mucho curro. Así que una alegría que se haya notado.

Un titular que defina «It’s all about balance».

Germán. Para mí, la frase que le da título al disco, sintetiza muy bien lo que hay en el disco. Porque hay canciones muy distintas y diversas, pero conviven muy bien. También refleja muy bien lo que es nuestra música, en la que hay un equilibrio entre la voz, el piano y el resto de elementos. De alguna manera, creo que resume muy bien lo que es la obra.

Juan. Al final, es un poco también el orgullo de haber grabado un disco tan bueno como este. Porque en otros trabajos que hemos hecho, por falta de recursos, los hemos grabado como hemos podido. Pero en este ha habido un gran salto y el resultado ha sido genial. Para nosotros ha sido un hito.

«Done Waiting» fue el primer adelanto. ¿Por qué este tema y cómo surge la idea del videoclip?

Germán. El título ya fue revelador, fue como un: «ya estamos hartos de esperar». Además, a nivel musical es mucho más animada y tiene más gancho. Es una canción muy fresca para entrar y abrir un disco. Y respecto a la idea del videoclip, dimos muchas vueltas. Al final, hablando con Pipo Velasco, que es quien se ha encargado de la producción, hablamos de representar lo que la canción en sí transmite. El atreverse a hacer las cosas, el dar el paso. Entonces nos planteó el presentar a una persona que se fuera convirtiendo en un camino. Lo hicimos a cámara lenta, en una misma toma. Fue una locura, porque hubo que grabarlo en 40 segundos y a una sola toma.

Juan. Además, lo hicimos en una sola tarde, para aprovechar bien las horas de luz que había. Nos daba un poco de miedo, por si no salía bien [risas]. Pero fue perfecto.

Siguientes pasos de Gentleman Clef.

Juan. Pues ya plantear gira por varias ciudades, para mover y promocionar mucho el disco. De hecho, seguramente vayamos los dos en acústico en las ciudades a las que vayamos. Y, bueno, también estamos metidos en varios concursos de festivales, a ver si salen.

Germán. Otro «check» sería dar con una agencia de booking y management, para conseguir acceder a todo este circuito.

¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

Germán. Bueno, yo dejar un trabajo de gerente de recursos humanos [risas]. En parte, por la música, para meterme de lleno en este mundo repleto de incertidumbre.

Juan. Bueno, tuvimos un primer intento con el videoclip del piano, en el que aparecemos en mitad del campo. En un primer momento, lo íbamos a hacer en un pinar y teníamos que pasar con el piano por una presa de agua [risas]. La empresa con la que grabamos, había hecho miles de cosas, pero por ahí no pasaron [risas].

12 abril 2019
Gallos: «Hacemos rock & roll de toda la vida, pero a nuestra manera»

El rock & roll sigue vivo gracias a bandas como Gallos, quienes con su talante y su talento, han sacado verdaderos «discazos». Como «Squirt», su nuevo trabajo de larga duración, que vio la luz el pasado viernes 5 de abril. Precisamente, unos días antes nos sentamos con ellos y nos dieron muchos detalles de este incansable proyecto.

No los perdáis de vista, porque pronto van a comenzar a girar por multitud de salas. ¡Y ojo, menudas fieras sobre el escenario!

Salisteis a escena con «Squirt», que ha sido el primer adelanto. ¿Por qué precisamente este tema?

Escogimos esta canción porque creíamos que era la que tenía más formato single. Además, a nivel conceptual, «Squirt» es muy rock and roll. No solo es un término «comercializado» por el porno. En realidad, es la contención de mucho placer, hecho líquido. Y cuando ya no puedes aguantar tanto placer, simplemente sale. Es un poco la vida: tienes tu trabajo, en el que tienes que guardar las formas y el tipo; pero de repente, llegas al local de ensayo o a un concierto y ahí es donde sale el chorro de placer, ahí es donde sale tu «Squirt», en ese momento en el que haces lo que verdaderamente quieres hacer y disfrutas con ello.

¿Cómo ha sido la acogida de este tema?

Pues la verdad es que estamos satisfechos con el tema escuchas, que es como se mide todo actualmente.Estábamos en un punto en el que los temas sí, tenían escuchas. Pero fue salir «Squirt» y hemos notado un «subidón», sobre todo, en Spotify, que es la que más utilizamos.

Un titular que defina «Squirt», el disco.

En «Squirt» se puede ver muy bien de dónde venimos – de un rock más clásico -, pero se mezclará mucho con el a dónde vamos, que es un sonido más moderno y más actuales. Así que el titular perfecto sería: «seguimos haciendo el rock de toda la vida, pero a nuestra manera, importándonos solo el cómo. Y ese cómo, tiene que ser sucio, elegante y mojado».

¿Creéis que se ha perdido el poder del disco como discurso?

A ver, creemos que siempre habrá gente muy melómana que sepa apreciar el poder del disco como discurso y que valore el disco como lo que es, una obra. Si nosotros lo hacemos, ¿por qué no lo van a hacer otras personas? Sí que es verdad, que ahora mismo esa gente es minoría y que los discos están hechos para los más románticos.

El consumo es abrasivo y sí que es verdad que, por ejemplo, la última canción del disco la escucha muy poca gente. Pero por otro lado, desde hace un tiempo parece que también se ha recuperado un poco lo que es la venta de vinilos.

Tras la salida del disco, llega el momento de la gira. ¿Cómo la afrontáis, cómo os sentís?

Bueno, al final, sacar disco es un poco la excusa para salir a girar. Es como cuando te compras unas zapatillas y quieres salir ya a la calle con ellas puestas. Así que, en este caso, igual. Es el momento perfecto para salir y tocar las canciones nuevas. Y, por supuesto, es el motivo perfecto para que el público también salga y vaya a verte.

¿Cuál es la mayor locura que habéis hecho por la música?

Ir a Alemania a tocar, liarla mucho por allí y que al final, el bolo nos saliera a pagar. Y que te amenacen incluso con denunciarte si no pagas todo lo que has reventado [risas]. La verdad es que ha habido muchas.

Aunque, en definitiva, el dedicarte a esto es una locura. Y más cuando ves que toda la gente a tu alrededor tiene ya su vida hecha, con sus trabajos y sus familias. Y tú continúas peleando por esto. Es que con la música, no te estabiliza nada. Inviertes tu tiempo y tu dinero, sin saber al 100% si después recuperarás todo eso. Así que tienes que estar muy pirado para meterte en esto.

11 abril 2019
Travis Birds: «Año X fue el plan y La costa de los mosquitos es el viaje»

Saltó a escena en el año 2010. Ella es Travis Birds y está preparando su nuevo trabajo, «La Costa de los Mosquitos». Si sigue sin sonarte su nombre, quizás la reconozcas al decir que es la creadora de la canción «Coyotes». Sí, el tema que abre la serie de «El Embarcadero».

Sin duda, Travis tiene algo, un aura que hace que te encandiles de ella desde el minuto 1 en el que la ves. Así que hablar con ella fue especial. La entrevista que le hicimos fue mágica. Y ya la podéis leer.

«Coyotes» ha sido el primer adelanto de este nuevo trabajo. ¿Cómo surge la canción?, ¿cómo llega a raíz de eso todo lo de «El Embarcadero»?

El tema, a nivel inspirativo, surge de enfrentarme a mí misma. Siempre de una manera metafórica, que es como suelo hablar yo en todas las canciones. Pero el trasfondo es muy personal. Al final, todo llega tras enfrentarme a una situación, que nivel emocional, estaba siendo muy difícil para mí. Así que me lo planteé como un reto: quise sacar todo lo que en ese momento llevaba dentro, en vez de dejar que se me quedara, se me pudriera y me pudriera a mí. Al final, nació esta canción, a la que al principio no le hice mucho caso. Pero porque normalmente, en todo mi proceso creativo, los temas comienzan de una manera y terminan evolucionando mucho.

Sin embargo, con «Coyotes» hubo una mañana que me levanté y decidí irme al piano a tocarla. Lo cual fue extraño, porque con ese instrumento tengo una relación un poco complicada [risas]. Así que, decidida, lo grabé y lo subí a Instagram, con la buena suerte de que dio con la persona que estaba sonorizando toda la serie de «El Embarcadero». Y esta canción les iba perfecta para la cabecera. Así que así fue como surgió todo.

Comentabas que al principio no le hiciste mucho caso a «Coyetes». ¿Ha cambiado un poco esa percepción?

Como decía, ese es un poco el proceso de creación que tengo con todas las canciones. Al principio, no entro mucho a valorar si son buenas o malas, porque estoy muy concentrada en que la canción nazca y evolucione. Sí que me puedo obsesionar más con una canción o que me salga más rápido, pero digamos que para mí es un proceso normal. Aunque sí que era consciente que ahí había algo de lo que quería seguir tirando. Pero hasta que no me abstraigo y veo eso fuera de mi cabeza, o hasta que no compruebo la reacción de la gente, no le doy relevancia, lo tengo un poco en «stand-by».

¿Cómo ha ido evolucionando Travis Birds?

Pues he pasado por muchas etapas. «Año X» empecé a escribirlo cuando empecé a tocar, por 2010. Entonces las canciones tienen ya mucho tiempo. Al igual que algunas de «La costa de los mosquitos». Los temas de este disco no están escritos en la misma etapa personal, pero sí que todas pertenecen a una fase diferente en mi personalidad. Por decirlo metafóricamente, «Año X» era el plan; y «La costa de los mosquitos» es el viaje.

¿Cómo surge el concepto de «La costa de los mosquitos»?

Pues la verdad es que está muy bien representado en una isla desierta, una especie de selva. Por otro lado, los mosquitos, que hacen alusión, de manera metafórica, a todo el tema de las obsesiones. Así que a nivel global, «La costa de los mosquitos» es el lugar en el que una persona se deja llevar por sus taras mentales, por sus obsesiones y por las cosas que lo atormentan. Es como una fase de la locura.

¿Cuándo podremos disfrutar del disco al completo?

Pues de momento, vamos a apostar por ir sacando singles. De hecho, ahora en abril sale el segundo adelanto. Nos dejaremos llevar un poco e iremos viendo cómo van las cosas, pero el disco completo seguramente esté de cara al otoño. Así que para el concierto de mayo en Madrid, se podrán escuchar los temas. Aunque el disco en físico no lo tendremos todavía [risas].

¿Cómo afrontas precisamente ese concierto, el del próximo 23 de mayo en la Copérnico?

La verdad es que con mucha expectación, porque en realidad va a ser un poco el reflejo de todo lo que ha estado pasando con la serie. También va a ser una puerta que se abra a mucha más gente. Entonces con expectación principalmente. Y con muchas ganas de presentar algo muy ambiental, algo que tenga un hilo conductor. Aunque estamos trabajando en ello todavía.

¿Qué importancia tiene la imagen para el proyecto de Travis Birds?

El tema de la imagen es algo que he tratado de cuidar mucho. Desde siempre he optado por una estética e imagen muy definidas. Creo que es un aspecto que hay que cuidar. De hecho, ahora mismo, estoy siguiendo una línea muy cinematográfica, ya que el tema del cine me llama mucho la atención. Así que estoy intentando llevar, sobre todo los videoclips, por ese camino. Con «Año X» no hubo esa posibilidad.

¿De ahí la ambientación en blanco y negro en el videoclip de «Coyotes»?

Totalmente. De hecho, la idea de este videoclip surgió un poco hablando con el director, que captó muy bien la esencia que quería transmitir. Lo cual me pareció muy complicado, porque la canción es una canción muy emocional. Pero lo hizo muy bien. Es un videoclip muy sencillo, pero que te hace recordar muy bien todo lo que es la ambientación del cine antiguo. Además, resume muy bien la idea que te comentaba, la de no conducción y dirección a la vez.

¿Cuál es la mayor locura que has cometido tú por la música?

¡Wow, qué pregunta más difícil! Tengo que pensarlo, la verdad [risas]. Yo creo que soy yo, que me he vuelto loca a raíz de esto [risas]. Me metí a estudiar una carrera de cuatro años sin tener ni idea, mientras trabajaba a la vez. Así que creo que la mayor representación de la locura, soy yo.

10 abril 2019