Etiqueta: Madrid

  • Tangerine Flavour planea su vuelta, con un disco que será un cañón de energía

    Tangerine Flavour planea su vuelta, con un disco que será un cañón de energía

    Tangerine Flavour, el grupo de rock setentero que no hace revival, planea su vuelta. Y lo hace en marzo, con nuevo disco. Un disco que promete ser un verdadero cañón de energía y electricidad. Por el momento, habrá que conformarse con verlos en directo, el 8 de febrero. La cita es en Moby Dick, en las quintas BalconyTV Sessions.

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo disco, que viene en camino?

    La idea surgió cuando tocamos en la sala The Rose, de Yuncler (Toledo). Alfonso Ferrer estaba como técnico de sonido y ahí fue donde le conocimos. Nos habíamos pasado todo el verano trabajando en nuevos temas y llevábamos tiempo pensando en grabar con él un EP. Pero nada, una, dos o tres canciones solo. Aunque, al final, terminamos plantándonos en septiembre con once temas. Así que decidimos hacer un LP.

    La realidad es que estábamos acabando la gira del EP, llegamos al pueblo de Toledo, que pensábamos que sería uno más. Pero por casualidad, estaba Alfonso y le moló lo que hacíamos. Así que nos dio unas cuantas pautas sobre qué hacer, nos invitó a su estudio a ensayar los temas y, al final, acabamos grabando el disco.

    ¿Cómo es trabajar con él, con Alfonso Ferrer, a nivel humano?

    Es genial. Alfonso es un gran profesional y mejor persona [risas]. Ha trabajado con grandes bandas, como Aurora & The Betrayers, Julián Maeso o Jacobo Serra, y ha tocado además, en la banda de Jero Romero. Así que nos está ayudando muchísimo. Además, tiene una manera muy particular de trabajar: todo va con cintas, con un rollo muy analógico. Cuando entramos por la puerta del estudio, parece que estemos entrando en los años 70.

    ¿Por qué apostar por el crowdfunding y cómo está funcionando?

    El cowdfunding es una alternativa por la que están apostando muchos grupos. Necesitábamos una ayuda final para terminar este trabajo. Tenemos ya la grabación del álbum controlada, pero queríamos sacarlo bonito: con un libreto en condiciones y con su edición en vinilo. Creemos que es una buena fórmula, porque al final, es como vender el disco por adelantado. Es una buena forma de ayudarnos y de recompensar a las personas que creen y que siempre han creído en nosotros. Además, eso te motiva a hacerlo mejor.

    De momento, está funcionando bien y estamos muy contentos con lo que estamos consiguiendo. A ver si la gente termina de animarse y llegamos al objetivo.

    ¿Qué vamos a poder oír, algo similar al EP?

    En el EP no teníamos todavía el camino estipulado. Hacíamos varias cosas que nos gustaban, pero no eramos tan compactos como ahora. El LP irá más en esta dirección. Se escucharán cosas distintas, pero todas suenan a lo mismo. Es diferente, pero la esencia es la misma (la forma de tocar, la forma de buscarlo, la forma de tenerlo). También hemos tenido la oportunidad de grabar con Juli ‘El Lento’ a la batería y Gabri Casanova a los teclados.

    ¿Cómo lo definiríais en 2 o 3 palabras?, ¿qué vamos a encontrar?

    Va a haber tocata y un rollo muy yankee, con muchas voces. Va a tener rock y va a tener folk.

    ¿Se afianzará en este disco el «sonido Tangerine»?

    Nosotros creemos que nace precisamente aquí. Hemos encontrado el «sonido Tangerine» en este disco. Esto es lo que somos, lo que nos representa y lo que queremos mostrar.

    Esto tiene también una justificación. Cada uno es «de su padre y de su madre». Escuchamos música completamente diferente y queríamos que eso también se viera reflejado en el disco. En este sentido, nos ayudó mucho Alfonso, que supo guiarnos y decirnos muy bien, por dónde tirar cada uno de los temas. Somos lo que somos y, como nos decía, sonamos «como un cañón» [risas].

    ¿Arriesgado o no el hacer un disco diferente, con un sonido tan propio?

    Es un disco clásico a priori: muy setentero y americano. Pero Alfonso es muy peculiar y quiso ir más allá. Somos un grupo de rock clásico, pero no somos un revival. Entonces buscamos el contrapunto friki y extraño, buscamos el sonido que se sale de lo normal. Pero sin irnos a las nubes, claro.

    Objetivos con este disco: ¿dónde pretendéis llegar y a quién? 

    Responder a esto es muy difícil. Pero en principio, buscamos llegar al mayor número de personas posibles. También nos gustaría repetir la gira del año pasado y llegar incluso más lejos. Y ya fuimos a casi todos los rincones de España. Así que, nuestro propósito ahora, es llegar a los lugares que no visitamos.

    A largo plazo, y sin irnos de madre, nos encantaría pasar los próximos dos o tres años, girando con este disco. Eso sería lo mejor.

    Con los objetivos claros, ¿cuáles son los siguientes pasos?

    Ya tenemos fechas para la gira del disco, que anunciaremos próximamente. Y la idea es empezar a buscar nuevas salas y festivales. En definitiva, tocar, tocar, tocar y toca. Y tocar, que se nos había olvidado [risas].

    Ahora, para cerrar la entrevista: ¿qué música suena cuando estáis de gira?

    De todo. De hecho, tenemos una playlist de Spotify, que se llama, «The Playlist». Podemos estar, perfectamente, cinco días sin repetir canción. Nos encanta la música y nos encanta descubrir. Además, pasamos de lo clásico («The Rolling Stones» o «The Beatles») a otros grupos que no tienen nada que ver («Rufus.T.Firefly» e incluso «Raphael»).

  • Nixon regresa con la «Utopía», materializada en un álbum

    Nixon regresa con la «Utopía», materializada en un álbum

    Con la particular luz que solo tiene el sur. Así es como se presentan Nixon, con su particular «Utopía». Un disco en el que se refleja la evolución que han experimentado como banda, tras ocho años de carrera.

    9 de febrero, publicación de «Utopía», ¿cómo lo afrontáis?

    Ha sido una especie de odisea o aventura, que nos ha costado mucho, sobre todo, a la hora de componer y de estar todos a gusto. Encima grabamos con Luca Petricca, que es todo un profesional y nos ayudó mucho. Hemos aprendido tanto y nos lo hemos pasado tan bien, que creemos que eso ha quedado reflejado en el disco. Veníamos de un álbum oscuro y complejo, y ahora nos encontramos con unos Nixon más brillantes. Este trabajo habla mucho más de nosotros y de las cosas que nos rodean. Así que afrontamos esta salida con mucha ilusión. Acabamos de parir un hijo y queremos que dé ya sus primeros pasos. Tenemos ganas de recibir ya feedback.

    Dos días antes, lo presentáis en Costello. ¿Cómo abordáis el concierto?

    Con miedo por una parte y con ilusión por otra. Pero estamos tranquilos. Es el tercer trabajo que publicamos y sabemos que este primer concierto de contacto con el público, es necesario. Para nosotros es una prueba. Así que es una fecha muy especial, porque también sabemos que va a venir gente que conoce y sigue a la banda.

    ¿Cómo os preparáis los directos? Ya que estos distarán bastante de la grabación y las sesiones en el estudio.

    Tiene un proceso creativo muy bonito. Nos gusta darle muchas vueltas al cómo enlazar canciones y al cómo pasar de un tema a otro, hilando con una mini-canción en medio. Luego, también decides qué cosas del disco mantienes en los directos y qué cosas puedes modificar un poco. Además, la distribución de canciones no suele ser la misma que la del álbum, porque en los directos, se suman temas de otros trabajos. Al final es un proceso más: está el proceso de creación, el de grabación y el de los directos.

    Ahora toca sintetizar: definición del disco en dos o tres palabras.

    Irónico – personal [risas]. Sorprendentemente, mejor de lo que nos hubiéramos esperado. Esto se debe a la presión a la que nos habíamos sometido nosotros mismos. Queríamos hacer algo que no recordara a nadie y tener un sello e identidad propios. Al final, después de haber creado el poso, haber grabado y masterizado, este disco es del que más orgullosos nos sentimos.

    Tras todo este largo trabajo y tras haber virado un poco el estilo, ¿cómo definiríais el sonido Nixon?

    Es complejo definirlo ahora mismo. El tiempo es el que realmente define eso. Cuando publicamos el anterior disco, no nos sentíamos de la misma manera que ahora. Teníamos otro tipo de vivencias. Así que ese sello Nixon es temporal. Quizás lo que nos diferencia, es el no tener miedo a expresarnos de diferentes maneras. De hecho, lo que nos pasa ahora con los temas antiguos, es que nuestra percepción sobre ellos ha cambiado. Y en los directos, inevitablemente, evolucionan y se adaptan a cómo nos sentimos ahora.

    ¿Por qué «Utopía»?

    El disco en realidad tenía otros títulos alternativos. En principio iba a llamarse «Políticas de destrucción masiva». También había otros nombres como «La jugada de la cabra» o «Pedro y el lobo» [risas]. Al final nos quedamos con «Utopía», por el significado, por el concepto filosófico de la palabra. Utopía significa consecución de algo irrealizable. Nosotros quisimos adoptarlo, por todas las veces que nos habían dicho que no íbamos a conseguir algo y al final, lo conseguimos. Este disco habla de muchas luchas que se están llevando hoy en día, como la lucha de género, la política e incluso las nuestras propias. Habla de muchas utopías. Así que, creemos que éste era el nombre perfecto.

    ¿Cuál es vuestra utopía?

    Nuestra utopía es el grupo en sí. Muchas veces decimos que aún tenemos la suerte de estar los cinco juntos, como una familia que apuesta por la música. Porque es muy difícil mantenerse y compaginar este mundo con nuestras vidas personales. Así que nuestra utopía es seguir juntos y unidos.

    Contadnos un poco la historia de la portada y la relación con la utopía.

    Es muy difícil representar el concepto de utopía en una imagen. Al final, no nos preocupamos por conseguirlo. Empezamos a encajar conceptos. El primero fue el de Nixon: queríamos que se viera bien grande, ya que es nuestra primera utopía. Luego la ilustración de la mujer, porque al final es la gran lucha hoy en día. Queríamos una mujer guerrera y con esa mezcla tribal. Con ello, representamos nuestra propia lucha en la industria de la música. Al final, la portada es un cómputo de elementos.

    ¿Cómo fue grabar en los Estudios Reno con Luca Petricca?

    Fue una maravilla, un sueño cumplido. Sabíamos lo que era trabajar en estudio y, en esta ocasión, queríamos disfrutar de lo que estábamos haciendo. Los Estudios Reno fueron el mejor lugar y Luca Petricca, la mejor persona con la que trabajar.

    El proceso de grabación fue genial, porque todos participamos de todo y nos permitimos experimentar al máximo. Además, trabajar con Luca fue muy fácil, porque hizo de pegamento en todo momento y nos supo aconsejar de la mejor manera posible. Él fue la clave de todo y sufrió con nosotros todo el proceso de Nixon.

    «Gravitacional» ha sido el primer adelanto y el primer videoclip. ¿Por qué?

    Porque fue la última en componerse, la más fresca y la que más nos sorprendió, tanto a nosotros como al productor. Además, somos kamikazes y decidimos sacar esta canción, porque era la que tenía un sonido más diferente al resto de disco. Y entraba muy bien, porque es muy divertida.

    Objetivos actuales de Nixon.

    Tocar y disfrutar de lo que viene este año, que es presentar en salas nuestro disco. También disfrutar de la carretera, que nos encanta, porque es donde verdaderamente está el «salseo» [risas]. Y por supuesto, estamos ansiosos de recibir el feedback del público.

    ¿En qué ciudades podremos ver a Nixon?

    En Madrid el próximo 7 de febrero, y posteriormente, en el Auditorio de Almería, que para la banda es ya un hito. Luego nos haremos otras ciudades como Málaga, Alicante o Valencia. Pero poco a poco saldrán más fechas y confirmaciones de festivales.

    Para finalizar, hay una pregunta que nos gusta hacer: ¿qué música suena cuando Nixon está de gira?

    Las versiones que más escuchamos son las de Pedro. Sobre todo, la que hace de «Barcelona», de Queen y Montserrat Caballé [risas]. Pero además de eso, escuchamos muchos otros grupos: como Eskorbuto, Quique González, Viva Suecia, Zahara e incluso FOALS.

  • Cuando el vibrante pop rock de Ayer, es sinónimo de energía cautivadora

    Cuando el vibrante pop rock de Ayer, es sinónimo de energía cautivadora

    Son un power trío, de vibrante pop rock. Se llaman Ayer, aunque tras ese curioso nombre, se esconden Dani García, Rubén López y Dani La Porta. Ellos son pura energía, dentro y fuera de los escenarios. Prepárense para verlos, porque este jueves 8 de febrero, están en las BalconyTV Sessions en Moby Dick, junto a Tangerine Flavour y Dan Millson.

    ¿Cómo surge el concepto de «Ayer», el EP?

    El EP surge, en realidad, tras haber encontrado a Dani La Porta, el nuevo bajista. Fue como nuevo punto de inicio. Eso es lo que significa para nosotros el EP. Tras volver a configurar la banda, era el momento de «parir algo nuevo». Además, nuestro entorno estaba ansioso por conocer nuestros siguientes pasos. Así que cuando llegó Dani, lo vimos claro.

    Más allá de lo personal, ¿cómo os afectó la salida del anterior bajista?, ¿os sirvió para hacer borrón y cuenta nueva, musicalmente hablando?

    Realmente no. Lo que hicimos durante el año que estuvimos sin bajista, fue forjar el proyecto, la idea de la banda, independientemente de la persona que estaba antes. El bajista que estaba antes, no nos encorsetaba. Entonces, al abandonar la formación, continuamos evolucionando. Cuando llegó Dani, es como que se subió al tren en marcha. No supuso ningún cambio, pero fue el vagón que le hacía falta al tren para que funcionara correctamente. Sí que es cierto que tiene mucha experiencia en la industria y aporta perspectiva a los temas.

    Después de todo este proceso y de tantos cambios, ¿cómo definiríais el sonido ayer?

    Esta pregunta nos la hizo hace poco nuestra manager, Grace, cuando empezamos a trabajar con ella. Creemos que hacemos un «vibrante pop rock». Es una manera de distinguirnos, ya que el pop es una etiqueta muy genérica. Aunque nosotros reivindicamos esas etiquetas, porque parece que ahora lo moderno es decir que haces indie. Por su parte, el rock también nos identifica por la energía que desprende. Sobre todo, en los conciertos. Digamos que la parte pop se acentúa en estudio, y la parte rock en los directos.

    Comentáis que en estudio sonáis más pop, y en directo, más rock. ¿Cómo os preparáis ambas cosas?

    La verdad es que nos sale solo. Aunque preferimos verlo de la siguiente manera: el estudio, para nosotros, es como trabajar. Sin embargo, en los conciertos nos liberamos y vamos a pasarlo bien. Y a hacer que la gente disfrute también.

    ¿Y qué importancia tienen las letras?

    Mucha. Realmente, las letras a veces pueden pasar desapercibidas en nuestras canciones. Pero nos hace mucha ilusión cuando alguien se nos acerca a hablarnos y a reflexionarnos sobre ellas. No tienen muchas vueltas ni demasiadas metáforas, pero sí que hablan de determinadas ideas que pueden ir más allá de lo visible. No son obvias, pero tampoco son excesivamente complicadas.

    Ahora toca tarea de síntesis: definir «Ayer» con dos o tres palabras.

    Vibrante pop rock ya las hemos usado [risas]. Quizás diríamos energía cautivadora.

    ¿Cómo fue trabajar, por un lado, con Guille Mostaza y por otro, en los Estudios Uno?

    Moló mucho porque Guille es muy buen tío y muy profesional. Sabe mucho. Pero al final, hubo problemas de agenda, solo pudo ayudarnos con la preproducción. Así que, decidimos coger el toro por los cuernos y terminar por nuestra cuenta en Estudios Uno.

    Tenemos que reivindicar a la gente de Estudios Uno, con la que hicimos la producción del disco. Son las personas más profesionales en toda España, a nivel de producción. Nos hicieron sentir como en casa.

    Vais a grabar nuevo EP. ¿Para cuándo y qué habrá de nuevo?

    Entramos a grabar ahora a finales de febrero y lo iremos haciendo a trozos. De nuevo, quizás, tratamos de que tenga un sonido más crudo, a pesar de seguir con los sintes. Lo que nos gustaría es igualar un poco los directos, al sonido del estudio.

    Objetivos inmediatos de «Ayer».

    Tocar el jueves en Moby Dick, con motivo de BalconyTV Sessions. Luego tenemos otra fecha en Madrid, en marzo. Y después seguiremos por otras ciudades.

    La verdad, es que lo que más nos apetece es hacer los conciertos de presentación de este EP. Conciertos que compaginaremos con la grabación de nuestro siguiente trabajo.

    Hay una pregunta con la que nos gusta terminar, ¿qué música suena cuando «Ayer» está de gira?

    Nuestra furgo de gira es un coche. Y estos días que hemos estado de promo, ha sonado mucho Jeff Buckley.

  • Natalia Lafourcade cuelga el cartel de «sold out» en Madrid

    Natalia Lafourcade cuelga el cartel de «sold out» en Madrid

    Lleva casi dos décadas sobre los escenarios y lo cierto es que es todo un hito ya. Natalia Lafourcade puede presumir de tener toda una legión de seguidores en todo el mundo. Pero es que, la recompensa se la tiene más que merecida.

    La cantante de «Hasta la raíz» puede presumir, entre otras cosas, de haber colgado el cartel de «sold out» en Madrid, a poco más de dos semanas del mismo concierto. Un concierto que promete ser emotivo y emocionante a partes iguales. Y es que, sus «Musas» pisarán territorio madrileño, el próximo 16 de febrero en La Riviera.

    «Musas» es el último trabajo de la artista mexicana. Un trabajo en el que ha invertido un esfuerzo sobre-humano. Este álbum es un recopilatorio de los mejores temas del folclore latinoamericano. Natalia Lafourcade rinde homenaje a artistas de la talla de Agustín Lara, Roberto Cantoral o de la mismísima Chavela Vargas, entre muchos otros.

    Aunque inicialmente, el proyecto surgió como un «capricho» que no sabría si vería la luz, todo esfuerzo y trabajo tiene su recompensa. Y es que al final, Natalia Lafourcade, en colaboración con Los Macorinos, ha visto cómo su disco salía a la calle en dos volúmenes. El segundo de ellos, publicado hace apenas un mes. «Danza de gardenias» fue el primer adelanto de este «Musas Vol.2». Tema al que ha seguido recientemente, «Alma mía».

    De momento, este álbum ha supuesto tal revolución que, le ha valido a Natalia Lafourcade, hasta una nominación en los Premios Grammy. ¿La categoría? La de Mejor Álbum Pop Latino por «Musas Vol.1». Aunque finalmente no pudi ser y fue Shakira, con «El Dorado», quien se alzó con el galardón.

    Lo que sí que va a poder ser, es el concierto del próximo 16 de febrero. Tomad nota del lugar y la hora: en La Riviera a las 21.00 horas. Promete ser mágico.

  • En fotos: Penny Necklace & Pheromone Blue en Café La Palma

    En fotos: Penny Necklace & Pheromone Blue en Café La Palma

    [vc_row][vc_column][vc_video link=»https://www.youtube.com/playlist?list=PLtb2gVB53JbSVxjGez37auySOrtbwGE38″][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]«La Luz» fue, el pasado año, uno de los grandes descubrimientos musicales. Penny Necklace ya presentó esta obra de arte el pasado mes de septiembre en El Sol, pero en esta ocasión, era el turno del Café La Palma. El pasado 27 de enero brilló. Aunque lo podría haber hecho mucho más, de no ser por los problemas técnicos de la sala.

    Aquella noche, Penny estuvo acompañada por los enérgicos y eléctricos Pheromone Blue, que se salieron y rompieron todo tipo de esquemas.

    Fotos por Abel Acevedo[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][bs-text title=»Penny Necklace» icon=»» title_link=»» heading_color=»» heading_style=»default» bs-show-desktop=»1″ bs-show-tablet=»1″ bs-show-phone=»1″ bs-text-color-scheme=»» custom-css-class=»» custom-id=»» css=»»][vc_gallery type=»image_grid» images=»6785,6784,6778,6783,6781,6782,6780,6779″ img_size=»medium»][vc_separator color=»white» border_width=»10″][bs-text title=»Pheromone Blue» icon=»» title_link=»» heading_color=»» heading_style=»default» bs-show-desktop=»1″ bs-show-tablet=»1″ bs-show-phone=»1″ bs-text-color-scheme=»» custom-css-class=»» custom-id=»» css=»»][vc_gallery type=»image_grid» images=»6788,6790,6791,6820″ img_size=»medium» css=»»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Abel Acevedo» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

  • «La Luz», de Penny Necklace, regresa a los escenarios de Madrid

    «La Luz», de Penny Necklace, regresa a los escenarios de Madrid

    La estuvimos viendo hace unos meses en la Sala El Sol. Pero hay ciertas luces que merece la pena ver varias veces en la vida. Eso es lo que pasa cuando escuchas a Penny Necklace y «La luz». Jamás te sacias y siempre quieres más. Deseas una y otra vez atravesar los paisajes más «Fríos», estancarte en los colores más «Neutros», y finalmente alcanzar los parajes más «Cálidos».

    Sin la intención de que cunda el pánico, avisamos de que sí, Penny Necklace regresa a la capital. Y a falta de unos pocos días para el concierto, quedan ya muy pocas entradas. Este sábado 27 de enero, a las 21.30 horas, Odette y compañía regresan a los escenarios de Madrid. Pero en esta ocasión, toca el Café La Palma.

    Y es que el concierto dará mucho que hablar, no solo por el espectáculo en sí. También porque es la ocasión perfecta para celebrar dos grandes acontecimientos: el aniversario de la propia sala y el cumpleaños de la «front-woman» de la banda.

    Ante una celebración de tales magnitudes, los chicos de Penny Necklace no podían estar solos sobre el escenario. De acompañarles, se encargarán Pheromone Blue. Este power – trío madrileño con raíces brasileñas, darán una nueva tonalidad a los colores, gracias su mezcla de sonidos. Rock, jazz y pop, se funden con la electrónica más sutil de los sintetizadores, batería híbrida, guitarra y voz.

    Con esa fusión de estilos y esa eclosión de sonidos, recorreremos todos los temas de su EP, «She Moves at Night». ¿Y quién sabe si nos encontraremos con alguna sorpresa más?

    Sin duda alguna, el 27 de enero será una noche para recordar: entre el rock y la mezcla de colores de Penny Necklace y la electrónica más sofisticada de Pheromone Blue, no habrá nadie que quiera salir del cálido y acogedor Café La Palma.

  • La noche mágica en la que Marwan llenó el Wizink Center

    La noche mágica en la que Marwan llenó el Wizink Center

    [vc_row][vc_column][vc_video link=»https://youtu.be/vSWmMsQSJvg»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Hay artistas que no necesitan cantar o hablar para emocionarte. Les basta con escribir para remover por dentro. Marwan es uno de esos artistas multidisciplinares que canta y escribe a partes iguales. Y que con cada cosa que hace, arrasa como un huracán.

    El pasado 12 de enero, el cantautor se subía al escenario del WizInk Center, para presentar su nuevo trabajo discográfico: «Mis paisajes interiores». Casi 4.000 personas se encontraban reunidas en el Palacio de los Deportes. Una realidad que distaba bastante de los inicios del «hijo de un refugiado». El mismo que comenzó en las salas más pequeñas de Madrid.

    Pero el espectáculo del día 12, comenzó incluso antes de que el propio Marwan se subiera sobre el escenario. Y es que, en la difícil tarea de abrir tal concierto, se encontraba el maravilloso Pez Mago. Un momento que podría haber sido mucho más mágico y especial, de no ser por el público. Ese público que parece no callar si no es su artista el que está sobre el escenario (y a veces ni eso). A pesar de ello, Lucas – Pez Mago estuvo a la altura de las circunstancias, lanzándose de lleno a las «Piscinas Vacías».

    Una vez entrados en calor, llegaba el ansiado turno de Marwan. Marcaban las 21.41 en el reloj, cuando toda la banda saltaba al escenario, dando paso al cantante. Comenzó con «Cosas pendientes». La intención era no dejarse nada en el tintero, por lo que era primordial empezar agradeciendo una y mil veces al público, el haberlo llevado hasta allí.

    Agradecimiento y nostalgia. Esos fueron los principales sentimientos que nos abordaron durante todo el concierto. La lagrimilla a punto de salir, con «Cómo hacer que vuelvas» y «Cazador de mariposas».

    Tras estos primeros momentos de emoción, Marwan volvió a explicarnos «Palabra por palabra» lo importantes que éramos para él. Y lo hizo bajando del escenario y metiéndose entre el público. Con «Carita de tonto» volvió al lugar de donde había bajado, para continuar con el espectáculo.

    Aunque para caritas de tontos, las nuestras. Y es que, el de Aluche tenía mil y una sorpresas y nosotros, ingenuos, tratamos de resolver sin éxito «La ecuación». Pero justo en el momento en el que los «Renglones torcidos» parecían no tener solución, Marwan llamó al escenario a Tato Latorre y Funambulista, para cantar «Los restos de esta historia».

    Y de nuevo, emoción. Momento del acústico, con la persona que «es la clase personificada»: Alejandro Martínez. Y por supuesto, con «Ya te estoy imaginando», tema que Marwan no solo cantó, sino que también recitó.

    Como «Ángeles» caídos del cielo, Marwan comenzó a entonar las primeras letras de «Puede ser que la conozcas», a la que siguió muy de cerca «Desde que duermes junto a mí».

    Con «la única princesa en este reino de bestias», Rozalén, el cantautor madrileño cantó «Las cosas que no pude responder». Y así pasó, que ni respondimos, ni pudimos hablar.

    Por supuesto, no faltaron otros temas como «Necesito un país» o «El chándal». Ni faltaron sorpresas, en forma de colaboración. Faltaba el plato grande: Luis Ramiro, «Mi único motor», su único motor, su amigo del alma. Una conexión entre ambos que traspasó cualquier frontera, llegando a todos los que en el público estábamos.

    Aparentemente, quedaba poco tiempo de concierto. Pero antes de que un espectáculo llegue a su fin, «Conviene saber» que estos grandes acontecimientos hay que volver a compartirlos con amigos. Y por eso, Marwan volvió a llamar al escenario a Tato Latorre.

    Fundido a blanco. Desaparición del escenario del gran artista. Pero no era el final, porque «Un día de estos», aparecería de nuevo para recordarnos que, aunque «La vida cuesta», todo tiene solución. Y más si tienes a todos tus invitados sobre el escenario, cantando contigo «Canción de autoayuda». Ese fue, si cabe, el final más apoteósico.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery type=»flexslider_slide» interval=»3″ images=»6656,6659,6660,6661,6662,6663″ img_size=»large» onclick=»»][vc_text_separator title=»Andreína Bongiorno (andrybong)» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row]

  • Las luces y sombras de «Hacia una muerte segura», álbum debut de El Increíble Paso

    Las luces y sombras de «Hacia una muerte segura», álbum debut de El Increíble Paso

    Hoy es el día. El día en el que «El Increíble Paso» presenta álbum en Madrid. Seguramente traten de llevarnos «Hacia una muerte segura». Pero tranquilos, porque no solo hay oscuridad en este disco: también hay luz. ¿La cita. Hoy día 20, a las 21.30 horas en la Sala Maravillas. ¿El mejor acompañante posible? Rubén Artabe.

    Hace unos días, entrevistamos a Vincent Adsuara, vocalista de «El Increíble Paso».

    ¿Cómo nace «Hacia una muerte segura»?

    Llevábamos mucho tiempo queriendo hacer un disco y, en cierto modo, era obligatorio para cerrar las canciones que teníamos. Las tocábamos y las grabábamos, pero era necesario hacerlo bien y hacerlo con alguien que supiera y que fuera profesional.

    ¿Cómo ha sido trabajar con Manuel Cabezalí y Dani Richter?

    Ha sido una gran experiencia. Nos han ayudado mucho, la verdad, a nivel vocal y en temas de inseguridades. Contar con esas opiniones profesionales, siempre es positivo.

    El título del disco conserva un halo de simbolismo. ¿Hasta qué punto es así?

    Para nosotros, «El Increíble Paso Hacia Una Muerte Segura» es la vida. Es lo que tenemos y hacia donde vamos. Habrá personas que queden para la posteridad por lo que hayan hecho en vida y otras, quizás no tanto. De cualquier manera, hay que saber afrontar y disfrutar mientras podamos.

    Este simbolismo, también parece trasladarse a algunos títulos de canciones, como por ejemplo, «Vuelan Cuervos».

    A nosotros nos gusta cuidar mucho todos los detalles. Y siguiendo un poco con la línea de la que hablábamos, el cuervo en sí, es un animal muy simbólico, muy de luto y bastante relacionado con la muerte y la oscuridad.

    De todos modos, a pesar de este simbolismo aparentemente negativo, nosotros también buscamos la parte buena y positiva de todo.

    ¿Puede decirse entonces que, este disco es una búsqueda constante entre el bien y el mal, entre la muerte y la vida?

    Sí, claro, tiene esa doble vertiente. Y las canciones así está reflejadas: por un lado, hay un sentimiento constante de lucha, pero por el otro, está el de asumir la realidad tal cual es. Siempre hay un final feliz y positivo para todo. O al menos así tratamos de transmitirlo en las canciones.

    Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el disco en dos o tres palabras?

    Ilusión, ganas y esperanza. Son todo cosas positivas, porque es con lo que nos gustaría quedarnos. Que el disco también ha tenido mucho de trabajo y constancia.

    En el disco se observa mucha mezcla de géneros musicales. ¿Una manera de huir de las etiquetas y hacer lo que verdaderamente os gusta?

    En realidad sí. Aunque llegados a un punto, el tema de las etiquetas ya no nos importa. En mi caso, de hecho, si me hago llamar el «Hombre Esponja» es porque siento que lo absorbo todo. Ya todo está hecho, no hay nada nuevo por inventar, pero las maneras de transmitirlas, sí son nuevas. Entonces, sí que es cierto que en nuestros discos hay mucho folk, rock e indie. Pero nuestros conciertos son puramente rock, porque es lo que nos nace y es para lo que creamos las canciones.

    ¿Cómo afrontáis la presentación del disco en Madrid?

    Con emoción y con nervios también. Con nervios porque sabemos la gente que vendrá, pero es complicado empujar a la gente que no te conoce de nada. En complicado llegar y calar en personas a las que eres totalmente desconocido. Entonces esa incertidumbre y ese miedo siempre están.

    A pesar de estos temores por el directo, ¿cómo ha sido la acogida del disco?

    Ha sido muy buena, la verdad. Pero son tan distintas las canciones del disco al directo…Somos un grupo bastante cañero sobre el escenario. Además, en los directos siempre hay unas energías y sentimientos, que en los discos es complicado transmitir. Creemos que la gente en el concierto se lo va a pasar muy bien.

    Artabe será quien os abra el concierto. ¿Por qué colaborar con él?

    Rubén Artabe es un artista completamente diferente a lo que habitualmente se puede escuchar. Tiene unas melodías distintas y, quizás para mucha gente, extrañas. Tiene un estilo muy personal, bonito y con mucha fuerza.

    Después de este concierto en Madrid, ¿cuáles son los siguientes pasos de «El Increíble Paso»?

    Conciertos y más conciertos. Tenemos en febrero, Barcelona y Valencia. Luego, en marzo y abril, estaremos en Sitges y en Zaragoza. Más adelante, en mayo, tenemos otro concierto en Asturias.

    Para finalizar la entrevista, ¿qué escucha «El Increíble Paso» cuando está de gira?

    Recientemente, no hemos escuchamos nada. Estuvimos viajando un par de meses y tan solo hablábamos, la verdad. Pero habitualmente, escuchamos mucho a Soda Stereo, Pink Floyd, Radiohead…

  • Energía y sentimiento: la mejor carta de presentación de Tregua

    Energía y sentimiento: la mejor carta de presentación de Tregua

    Hace apenas un año, Tregua publicaba su tercer álbum de estudio. Un trabajo que ha tardado unos cuantos años en ver la luz, pero que llega con toda la energía y sentimiento del mundo. Los coruñeses van a por el centenar de conciertos con este disco homónimo, que pretende dar mucho que hablar.

    ¿Cómo surge el concepto de este nuevo disco, «Tregua»?

    Cada disco comienza en el momento en el que terminas el anterior. A partir de ahí, tu cabeza empieza a funcionar y a darle vueltas a la forma de mejorar o superarte como compositor en un futuro nuevo trabajo. Esto es un proceso largo, porque uno no escribe cuando quiere.

    ¿Cómo fue trabajar con Fernando Montesinos a la producción?

    Fernando Montesinos ha sido uno de los grandes aciertos del disco, sin duda. Hemos conectado a la perfección y esto implica que todo el proceso de preproducción, grabación y producción sea muy fácil.

    Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el disco en tan solo dos o tres palabras?

    Energía y sentimiento.

    Importancia de las letras para Tregua.

    Las letras siempre son importantes. Diría que lo más importante, son letra y melodía. Pero sobre todo transmitir, hacer sentir a quien te escucha.

    ¿Huir o no huir de las etiquetas?

    Yo diría que huir. Creo que son un arma de doble filo: por un lado necesarias para «orientar» al público en cuanto a estilo, pero peligrosas porque pueden hacer que la gente no te de la oportunidad de ser escuchado, simplemente por el hecho de que te comparen con una banda que no les guste. De las bandas, hay que escuchar sus trabajos, sus trayectorias y, a partir de ahí, sacar tus propias conclusiones.

    Frente al auge de la música comercial, indie y mainstream, ¿no veis arriesgado dedicarse al rock?

    Hoy en día, ¿qué no es arriesgado? Uno no se hace músico, uno es músico y tienes que componer aquello que te haga sentir, que te transmita. No intentar escribir en función de una moda o de algo que creas que vaya a funcionar.

    ¿Qué balance hacéis de vuestra carrera?

    Llevamos 9 años muy intensos, creo que hemos mejorado en muchísimos aspectos como banda, y es el tiempo mínimo para que un proyecto se asiente y empiece a funcionar.

    ¿Qué expectativas teníais con «Tregua» y cómo ha sido la acogida?

    Estamos encantados con el resultado del disco, era lo que buscábamos. Tenemos la sensación de haber superado nuestros anteriores trabajos, sin desmerecer por supuesto, pero con esa satisfacción de haber hecho las cosas bien.

    Lleváis ya un año girando con este nuevo disco, ¿cómo ha sido la acogida del álbum en los directos?

    Pues llevamos 42 conciertos desde que salió el disco y las sensaciones y las críticas son muy buenas. Contentos por todo ello y preparados para seguir.

    ¿Qué le pedís a 2018?

    Muchos conciertos y muchas oportunidades de ser escuchados por parte de nuevo público. Esto nos permitiría seguir creciendo como banda y como proyecto.

    Siempre nos gusta terminar con la misma pregunta: ¿qué música escucha Tregua cuando está de gira?

    Escuchamos muchísima música y diferentes estilos. Podemos pasar de Iron Maiden a B.B. King. Quien se suele encargar de pinchar es Adri y siempre nos sorprende con algún artista nuevo.

  • El Inverfest regresa y llena de música en Circo Price de Madrid

    El Inverfest regresa y llena de música en Circo Price de Madrid

    Cuarta edición y primer festival del año en Madrid. El Inverfest se está convirtiendo, con el paso del tiempo, en uno de los festivales de referencia de la ciudad. Y no es para menos, teniendo en cuenta el cartel de cada edición. En esta ocasión, pasarán por el escenario del Teatro Circo Price, talentos y personalidades de la talla de Iván Ferreiro, M-Clan, Zenit, Rosalía, Andrés Suárez, Depedro y muchísimos más.

    Y ya lo hicieron este pasado fin de semana, Carlos Núñez, que despedía su gira navideña. Continuó Bebe el día 13, presentando su nuevo disco «Cambio de piel». El punto y final del primer fin de semana del Inverfest, corrió a cargo de Arkano y Dtoke, con su particular Batalla de Gallos.

    La segunda semana también promete ser intensa, con la Stereoparty de Subterfuge Records. Sobre el escenario, Neuman, Viva Suecia y Cintia Lund, el jueves 18 de enero. Estas tres bandas son las «cabezas» de cartel de este mini-festival de Subterfuge. Y es que esta particular fiesta y el disco anual del sello, cumplen ya 25 años. Acompañando a estas tres grandes bandas, estarán Vega, Cycle y Verona.

    El show de Subterfuge, dará paso al del día siguiente, 19 de enero: momento en el que Los Chichos se despedirán de los escenarios, tras 45 años de carrera. Cerrarán el fin de semana, los murcianos M-Clan con «Delta Tour».

    Inverfest para todos

    En esta cuarta edición, el festival sigue apostando por la música dirigida a público de todas las edades. Con Inverfest New Rockers, el Inverfest abre sus puertas a las nuevas generaciones de apasionados por la música en directo.

    Si la semana pasada fue Petit Pop, ésta toca Alex O’Dogherty y La Bizarrería con su nuevo espectáculo, ¡Muévete! (12.00h). Y ese mismo día por la tarde, a las 19.30h, será el turno de Gemeliers con un concierto dentro de su gira Gracias Tour.

    El domingo 28 será Toom Pak quien, a las 12.00 h. nos presente su comedia visual con percusión en estado puro. Y a las 19.30 h. será el turno del coro infantil más famoso del mundo, Los Chicos del Coro, que cantarán las canciones de Disney de todos los tiempos.  El domingo 4 de febrero, el final de Inverfest New Rockers dejará el listón muy alto para la próxima edición con el concierto familiar con banda completa del consolidado y querido, Depedro.

    Crecimiento exponencial del Inverfest

    Inverfest nació en 2015 y en apenas cuatro años, ha experimentado un increíble crecimiento. Poco queda de aquella primera edición, en la que tan solo había tres conciertos programados: José Mercé, la Film Symphony Orchestra, y Alex O’Dogherty y La Bizarrería.

    Eso sí, permanece la esencia: ser uno de los ciclos de conciertos de invierno, con propuestas musicales diferentes. ¿El objetivo? Llegar a absolutamente todos los públicos.

     

  • El Tatkraft Festival inaugura edición, con unos invitados de lujo

    El Tatkraft Festival inaugura edición, con unos invitados de lujo

    Siguiendo la estela del Welcome Autumm, nace el Tatkraft Festival, que tendrá lugar el próximo 24 de febrero en la madrileña sala, El Perro de la Parte de Atrás del Coche. En su primera edición, este festival contará con la presencia de Cuevas, Whywhyka y AnteS, como cabeza de cartel.

    Whywhyka

    Primera edición de un nuevo festival que surge como altavoz para todo tipo de proyecto musical emergente. Desde la sombra, operan Musincronizados y Ballesterock, dos de los blogs de referencia dentro del panorama musical. Los organizadores, Raúl Ballesteros y Beatriz Sánchez aseguran que, aunque el Tatkraftt nace como festival, aspira a convertirse en uno de los circuitos musicales de la ciudad.

    El 24 de febrero, abrirán esta edición Cuevas, Whywhyka y Antes. Tres jóvenes bandas madrileñas que prometen darlo todo y poner toda la carne sobre el asador. ¿Quieres saber más sobre ellas?

    Cuevas

    La primera banda es Cuevas, que junta rock progresivo con un toque de psicodelia, para terminar de aderezar con un toque alternativo. Y es que, esta joven formación madrileña es sinónimo potencia y contundencia.

    La siguiente banda es Whywhyka. Ellos son juventud, actitud, frescura, cercanía. Madrid, Malasaña y sus estudios de producción fueron los culpables de que estos cuatro artistas se conociesen. La música les ha hecho inseparables. Andrés, Ángel, Javier y Martín, con apenas 21 de edad, están empezando a hacer mucho ruido en la nueva escena madrileña.

    Y por último, los cabezas de cartel. AnteS ha sido una de las bandas que han revolucionado la música emergente. El pasado 2017, el power trío madrileño, publicó su álbum debut: «Triángulos». Un trabajo que los llevó hasta el mismísimo Sonorama Ribera. AnteS seducen por sus melodías contundentes y por su virtuoso directo. Nunca dejan indiferente.

    ¿Quién se va a perder este festival con semejante cartelazo? ¡Corred antes de que las entradas vuelen!

    Las entradas ya están a la venta en Entradium, por solo 10€ (12€ en taquilla).

  • Marwan llega a Madrid con «Mis paisajes interiores»

    Marwan llega a Madrid con «Mis paisajes interiores»

    Marwan regresa. Y lo hace por todo lo alto. El pasado mes de septiembre, publicaba su nuevo trabajo «Mis paisajes interiores», un audio – libro que consta de 11 canciones, con sus respectivas reflexiones personales. Unas reflexiones, como no, transformadas en poemas.

    Un nuevo álbum que emociona y llega hasta lo más profundo de uno mismo. Ya lo demostró con el primer single, «Cómo hacer que vuelvas». Una canción que habla sobre la ruptura y sobre la desilusión en la pareja. Es un tema que, como el propio Marwan reconoció en una entrevista, «trata sobre cuando en una relación, hay uno que promete mucho y luego no acaba dando».

    A «Cómo hacer que vuelvas», le siguió el videoclip de «La vida cuesta». Según el propio artista, este es fue uno de los vídeos más emotivos. Un tema, cuyo hilo conductor es el abandono de un perro, transmite todo un relato sobre la soledad.

    Este es el primer trabajo que el cantautor publica junto a Sony Music. Y es que ha pasado mucho tiempo desde que publicó su primer trabajo, allá en 2008. Aquel «Trapecista» fue el inicio de todo. Una década después, Marwan se ha hecho a sí mismo, consechando el éxito que tiene hoy en día. Un reconocimiento que ha traspasado fronteras, llegando a Latinoamérica, y no solo con su música: también con sus poemarios.

    Fronteras que traspasará de nuevo con este disco. El próximo 9 de febrero, cruza el charco, para actuar en Ciudad de México. Sin embargo, antes tiene una cita con su público madrileño. Y es que el 12 de enero, Marwan estará en el Wizink Center (antiguo Palacio de los Deportes de Madrid), presentando «Mis paisajes interiores».

    Un concierto que recomendamos que no os perdáis. El próximo viernes, a partir de las 21.30 horas.

NEWS-
LETTER

Sin rollos. Sin spam. Solo lo que suena.

NEWS-
LETTER

Sin rollos. Sin spam. Solo lo que suena.

NEWS-
LETTER

Sin rollos. Sin spam. Solo lo que suena.