Verdadera Locura

Etiqueta: Madrid

Dan Millson se prepara para su golpe maestro, este jueves en Siroco

Hay voces tan potentes que, desde el primer instante, te atrapan irremediablemente, sin que puedas hacer absolutamente nada por impedirlo. Es cierto que ha pasado bastante tiempo desde que descubrimos a Dan Millson. Ha sido uno de los grandes descubrimientos de 2018, pero lo cierto, es que siempre lo hemos visto solo. Normalmente, no ha necesitado nada más que su voz y su guitarra para llenar el escenario. Pero nunca es lo mismo ir en acústico que en eléctrico. Por eso, este concierto es tan especial.

Lleva días anunciándolo en redes sociales. Este concierto va a ser diferente, porque va a ser el primero que dé con banda en Madrid. Kike Parra (batería), Carlos Bueno (bajo), Rafa Rivilla (guitarra eléctrica) y David Adkinson (teclado) acompañarán a Dan Millson este jueves 4 de octubre, en la Sala Siroco de Madrid. Y Eva McBel será la encargada de abrir esta particular cita. Un evento que llevamos esperando bastantes semanas y que comenzará a partir de las 21.30 horas.

Dan Millson, la desbordante voz del nuevo folk

Dan Millson saltó a la palestra con su tan personal EP, «Little Box of Treasure». Un trabajo con el que sacó a relucir sus pequeños tesoros, que acabó convirtiendo en canciones. Tal y como nos comentaba hace unos meses en una entrevista, este disco define su vida «en los dos últimos años». Cuatro canciones en las que describe sus experiencias más personales y vitales. Y con las que se lanzó al vacío sin paracaídas. Pero al final, consiguió salir airoso, porque nos ha ganado por completo.

Tras este primer EP, su EP debut, ha continuado insaciable. En marzo vio la luz su nuevo single, «Shine A Light», una canción que acompañó a la campaña «El Hombre de Cristal», impulsada por la Dirección General de Tráfico.

Por supuesto, no ha dejado de girar. España, Reino Unido y, recientemente, Suecia. Hace apenas unas semanas, actuó en varias ocasiones en el festival «Live At Heart».

Sin embargo, este jueves será especial. Será su fecha y la de su banda. Lo demás es secundario. Así que, si todavía no tienes entrada, consíguela ya en Wegow.

2 octubre 2018
Julieta Jones: «Parkour Nights es como un prozac musical para un día de mierda»

«Parkour Nights» es el nuevo trabajo de Julieta Jones. Un LP en el que exploran nuevos sonidos, ofreciendo así una nueva versión de sí mismos. «Parkour Nights» es el trabajo más ecléctico de la banda hasta el momento. Once temas, muy distintos entre sí, interpretados y entendidos bajo un mismo prisma que nos arrastrarán desde la melancolía hasta el lado más festivo de la banda.

Muy atentos a los pasos de esta banda. Pasos que, de momento, los llevarán a Barcelona el próximo sábado 20 de octubre.

¿Cómo surge el concepto de «Parkour Nights»?

El concepto Parkour lo asociamos a noches de locura y desenfreno. Además, es el nombre de un chat de Whatsapp que tenemos con los amigos.

Un titular que defina este nuevo trabajo.

Prozac musical para un día de mierda.

Cuatro años entre un trabajo y otro. ¿Cómo ha sido todo este proceso?

Ha sido largo y complicado en algunos momentos, pero también muy reconfortante. El hecho de haber pasado a ser un dúo también fue crucial para acabar haciendo lo que hemos hecho.

Se ha dicho de «Parkour Nights» que amplia todo vuestro espectro sonoro. ¿Creéis que es así y por qué este cambio o evolución?

Amplía el espectro sonoro, porque hemos trabajado con muchos más elementos que en los anteriores trabajos. Necesitábamos algo más, no nos valía hacer un disco con el que nos sintiésemos contentos, teníamos que hacer un disco del que nos sintiésemos orgullosos a pesar de lo que opinase público y crítica.

De hecho, tiene unos tintes muy electrónicos. ¿Consideráis que es complicado trabajar este género en España?

No especialmente, era más complicado hacer música con influencias de los 90’s.

¿Qué importancia tiene para vosotros el mensaje en vuestras canciones?

Para nosotros mucha, cada tema explica una historia. Al ser en inglés habrá gente que las entenderá y otra que no. Pero en contenido es igual de importante que el continente.

¿Por qué «All the Children Die» como primer adelanto?

Es un tema que nos gusta especialmente, además empieza por A, tenía que ser éste.

¿Cómo surge la idea del videoclip?

Surgió de un millón de brainstormings. ¿Dónde empezó? Ya ni nos acordamos, pero queríamos que fuese algo un poco perturbador, con mujeres, mostrando la belleza de cada una de ellas siendo muy diferentes entre sí.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Julieta Jones?

Por el momento, la presentación del disco el 20 de octubre en La Nau, Barcelona.

¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

Dedicarnos a ella.

1 octubre 2018
Carmen Boza llena la Sala El Sol, con «La Caja Negra»

Carmen Boza está de regreso. Uno de los regresos más esperados y, quizás, más aplaudidos. Porque desde que vio la luz «La Caja Negra», no ha dejado de recibir buenas críticas. Por fin, Boza ha liberado la bestia que lleva dentro, haciendo lo que en realidad quería hacer. Muy lejos queda «La mansión de los espejos», ese primer disco con el que la conocimos.

Pasado el verano y la época de festivales, toca el momento de comenzar la gira por salas. Ya la vimos en el Cooltural Fest, nos quedamos con las ganas en Casa Corona Madrid, y ya era el momento de verla a ella sola en c. oncierto. Este viernes 5 de octubre y el sábado 6, tendremos dos nuevas oportunidades, en la mítica sala madrileña El Sol. Eso sí, el cartel de «sold out» está ya colgado para ambas fechas.

Carmen Boza y la nueva generación de cantautoras

Desde La Línea de la Concepción hasta Madrid. Desde «La mansión de los espejos» hasta «La Caja Negra». Más de cuatro años de carrera y un nombre cada vez más consolidado. Aunque todo comenzó en la conocida plataforma, YouTube.

Aunque la esencia permanece, poco queda de aquella Boza que publicaba su primer disco, mediante campaña de crowdfunding. Ahora, mucho más segura y mucho más ella, regresa con un trabajo escrito, producido y arreglado totalmente por ella. Así es «La Caja Negra». Sonido y letras propios al 100% que han dado como resultado este disco tan auténtico. Es el poderío de las mujeres empoderadas, del llamado GRL PWR.

Un trabajo que le llevó más tiempo de lo esperado. Un trabajo que llevó a la gaditana a empezar en más de una ocasión. Pero de repente, una vez estuvo todo listo, lanzó la primera bomba en formato single. Era la hora de «Gran Hermano», un tema que se coló en nuestras vidas y nos atravesó el corazón como una lanza. Muy poco tiempo después, llegó el disco completo. 11 de mayo, fecha clavada a fuego. Y desde ese instante, no hemos dejado de descubrir algo nuevo en «La Caja Negra».

30 septiembre 2018
«Modern Youth Affairs», la gran explosión de sonido de The Royal Flash

El talento es innato, pero el trabajo no. The Royal Flash tienen ambas cosas. Y con este «Modern Youth Affairs», han pegado un verdadero golpe en la mesa. Provocativo y atrevido, con este disco amplían miras y experimentan. Así como son ellos. Este sábado 29 de septiembre, tienen la primera gran puesta en escena. La cita es en la Sala Moby Dick de Madrid, junto a Medusa Box.

Hace apenas un par de días, pudimos hablar con Jaime e Israel sobre el disco, sobre el concierto de este fin de semana y sobre música, en general. Y aquí el resultado.

¿Cómo surge el concepto de «Modern Youth Affairs»?

Jaime. En realidad, el disco no tenía un concepto claro desde el principio. Ha ido surgiendo sobre la marcha, al darnos cuenta de que cada uno de los temas tocaba un asunto importante para nosotros, como jóvenes que nos consideramos todavía. Al final, decidimos compilarlo todo en un solo disco y llamarlo «Modern Youth Affairs».

El disco lleva unos días en la calle. ¿Cómo han sido las primeras reacciones, han levantado ampollas como el videoclip de «Criminal Love»?

Isra. Contábamos con ello, así de primeras. Y también era un poco intencionado, queríamos generar cierto revuelo y que fuera sonado. No queríamos que fuera un videoclip más. El tema habla de algo bastante concreto y queríamos que el vídeo aún más concreto. Hemos hecho otros videoclips «subiditos de tono», pero era todo mucho más sutil. En esta ocasión, nuestra intención es que fuera más explícito.

¿De verdad llegaron a rechazar el videoclip en algún medio de comunicación?

J. Estaba pendiente en algunos medios, en otros sí que nos lo publicaron.

I. Lo más gracioso de todo, es que cuando tuvimos la idea del videoclip, hablamos con Xero, el director del vídeo, para comentarle. Y él nos mandó un guion previo, mucho más «cantoso» y explícito de lo que realmente es. Al final, metimos un poco de tijera, precisamente, porque no nos pasara esto con algunos medios de comunicación. Pero es que aun recortando, hay sitios en los que lo han rechazado. De todos modos, nosotros lo seguimos viendo más erótico que sexual.

De todos modos, tampoco creo que el videoclip sea demasiado explícito.

J. No, en realidad, no. Al final, lo que salen son besos.

I. Por ejemplo, hace unos años, con «17 Years» tuvimos problemas con la miniatura que aparecía en YouTube. Al final, conseguimos resolverlo. Pero Facebook, nos bloqueaba cada promo que hacíamos de aquel videoclip. Y en la miniatura no se veía nada raro: solo se veía a la protagonista chuparle la cara a él, el otro prota.

En este disco, además, os habéis atrevido a cantar en español. ¿Por qué precisamente ahora?

J. Es algo que nos llamaba mucho la atención y que habíamos hecho en discos anteriores, metiendo algunas pinceladas o frases en algunas canciones. En este disco, también nos hemos atrevido en los estribillos de «Rollercoaster». Pero con «La tierra plana» nos salió solo, nos apetecía.

En la pre-escucha dijisteis que no sabíais si os atreveríais a tocar este tema en directo. ¿Por qué?

J. Más que porque sea en castellano, es porque es una cara B.

I. Estábamos súper empeñados en ponerla al final del disco, porque aunque es un tema más, queríamos que fuera un tema más.

J. Tiene, además, un punto diferente. Diferente en cuanto al sonido. Y tiene esa atmósfera de cara B. Por eso, de momento, no la queremos tocar. Pero ahí está la semilla.

¿Al final esto os abrirá puertas a la experimentación?

J. Sí. Al final, tienes que hacer esto continuamente. Hacer música distinta, probar, hacer cosas diferentes para ver cómo funcionan, innovar. Veremos a ver qué acogida tiene. Esa es la puta idea.

¿Habéis recibido ya algún tipo de comentario, del disco en general?

J. Claro, muchos y muy buenos.

I. Además, es curioso porque parece que cada uno tiene un tema favorito. Normalmente, con trabajos anteriores, la gente se quedaba con el single o con temas que apuntaban maneras. Pero con este disco, hemos sacado los seis temas de golpe, con «I like It» que le precedía. Y el público está súper dividido.

J. Sí, y lo cierto es que a nivel de marketing, sería muy complicado elegir una sola canción.

¿Vosotros con qué tema os quedaríais?

J. ¡Qué pregunta más jodida!

I. Yo me quedaría con «Nothing».

J. Sí, yo también. Por cómo ha quedado en cuanto a sonido. Y por cómo ha quedado «empacadita» en el estudio. Tuvo un despegue brutal. Y grabarlo en el ambiente en el que lo grabamos en el Álamo Shock, fue bestial. Terminamos muy contentos.

Un titular que defina este disco.

J. ¡Qué pregunta más difícil! Quizás, podemos decir: una explosión de sonido en directo. Tiene muchas señas de identidad nuestras, pero le hemos dado una vuelta de tuerca en referencia a «Hysteria».

I. Diría que este disco es mucho más colorido. Y eso se ve mucho también en la portada y diseño de los álbumes. «Hysteria» era mucho más oscuro en todos los sentidos. Son, quizás, polos opuestos.

Justo el diseño del disco, me parece muy currado.

J. La portada y el diseño ha sido obra de Raquel, @MissReckoner, que es una artista. Es buenísima y ha currado desde el principio con nosotros. No nos lo esperábamos y nos encantó.

Justo también comentasteis que como la portada y el libreto tiene un poco de todas las canciones.

I. Sí. La idea inicial de todo esto, era sacar «I like It» a la luz. Queríamos una ilustración que resumiera el tema. Luego llegó «Criminal Love» y buscábamos un poco lo mismo con el tema del diseño. Fue ahí cuando se nos fue la olla y pensamos en hacer seis ilustraciones que sintetizaran un poco cada una de las canciones. Y, al final, surgió la portada, que resume todo el disco en conjunto.

Concierto el sábado. Primer concierto con este disco. ¿Cómo lo afrontáis?

J. Con mucho «hype». Acaba de salir todo, llevamos trabajando en ello desde agosto, así que estamos trabajando con mucho mimo en ello. Ha salido el videoclip, ha salido el disco y va todo hacia arriba. Y queremos ver hasta dónde podemos llegar. Actuamos en la Moby Dick y queremos que se llene. Veremos qué tal responde la gente, porque hemos preparado el show con mucho detalle y mimo.

¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

I. Llevar seis años en el grupo, quizás [risas].

J. Llevar seis años trabajando de otra cosa [risas]. El titula, en realidad, es: llevar seis años teniendo dos trabajos.

I. Yo tengo otra buena. Concierto en unas fiestas de Tudela, un domingo a última hora. Después de no sé cuántas horas de viaje, yo solo recuerdo llegar a casa, acostarme y conforme me tumbé en la cama, sonar el despertador, ir a currar y a tirar con toda la semana por delante. Llevando trabajo y ensayos a la vez.

Esta es la playlist de The Royal Flash

Imagen destacada: Lorena Lucenilla (@lorthebiff)

27 septiembre 2018
La explosión de SeñorNadye en «Cuando todo explote»

SeñorNadye no es una banda normal. Ya desde el primer acorde apuntan maneras, suenan diferente. Y eso se aprecia. El tener tu propia personalidad y el trabajo continuo, siempre, siempre, tienen su recompensa. Su nuevo trabajo, «Cuando todo explote» apenas lleva dos meses en la calle y, lo cierto, es que no ha dejado de recibir buenas críticas.

Hace algunos días, tuvimos la oportunidad de hablar con dos miembros de la banda, Dani y Edu. Y esto fue lo que nos contaron sobre el disco y sobre la música en general.

¿Cómo surge el concepto de «Cuando todo explote»?

Dani. Siempre explicamos que «Cuando todo explote» es como estar en un crucero y que, de repente, llegamos a un acantilado, mientras toda la gente está borracha en cubierta. Entonces, tú avisas de que lo que está sucediendo, pero nadie te hace caso.

Muy extrapolable a la sociedad actual.

D. Totalmente, es hacia donde nos dirigimos. Ves las noticias y cada día, ves que va a peor. Es un poco exasperante.

Lleváis tocando las canciones bastante tiempo en los directos. Pero el disco en sí, vio la luz en julio. ¿Cómo ha sido la acogida?

D. La verdad es que la gente lo está acogiendo muy bien y está gustando mucho. Así que nosotros estamos encantados de la vida. No esperábamos esta acogida

Edu. Sí que es verdad, que también estamos un poco mosqueados porque hemos recibido demasiados comentarios positivos. Así que si todo es bueno, lo cogemos con pinzas [risas]. Nos creemos la mitad y seguimos currando, que es lo que hay que hacer.

Creo que, precisamente, lo positivo de este trabajo es que suena diferente. Así que es complicado sacarle «peros».

D. Sí, esa era la idea. Aunque tampoco es tan distinto, porque es seguir un poco la línea del rock castellano que venía haciéndose aquí. Pero es cierto que lo que se hace ahora mismo es diferente. Es más orgánico. Todo lo que se hace con sintes, tratamos de hacerlo con instrumentos de verdad.

E. Tiene una esencia rock, común a todas las canciones, pero es verdad que varían un montón en el fondo. Pero haya una balada, una samba o un medio tiempo, siempre tenemos algo común. Y se nos identifica.

D. También tratamos de jugar con el tema de los contrastes. No necesariamente lo que cuentas, tiene que estar acompañado por la melodía. De hecho, la canción más política o comprometida que tenemos, es la más bailable. Por ejemplo, «Morfina en la boca» es la canción más bonita, pero es la que habla de un tema más bestia. Nos gusta jugar bastante con eso.

Precisamente, mencionando el tema de las letras. En este sentido, ¿creéis que se está perdiendo un poco el carácter social de la música?

D. Nosotros somos de los que concebimos la música como un canal para contar algo. Si no vas a trasmitir nada, mejor no cojas una guitarra. Porque entonces saldrá algo completamente aséptico, algo que no es para nada real. La música debe partir de algún sentimiento real.

E. En este sentido, tener un buen fondo musical es fundamental. Pero no dar un mensaje es perder una oportunidad de contar algo. Nosotros hemos crecido escuchando a grupos que transmiten, que cuentan algo real. De hecho, cuando Dani trae una canción, si el tema es cojonudo pero la letra no nos dice nada, se lo decimos.

En este disco, es curioso, porque las canciones también van de menos a más. ¿Está pensado o surgió de manera fortuita?

D. «Cuando todo explote» está estructurado como si fuera un cabreo. Yo, al menos, cuando me enfado, no paso de 0 a 100. Yo me voy «engorilando» poco a poco. Con el disco, hemos intentado lo mismo, queríamos que fuera «in crescendo». Que empezara de menos a más y que terminara con una explosión y, de repente, un golpe seco. Que es como suelen terminar todos los enfados si te sigues «engorilando»: con alguien parándote los pies.

E. Luego, las canciones en cuanto a lo musical, casi todas son una suma. Pero porque la letra también es así. Escuchas el mensaje de cada una de ellas y, poco a poco, se va haciendo más crudo y más duro. Entonces, la música tiene que ir a la par.

Recientemente, publicasteis videoclip de «El día de Navidad». ¿Por qué esta canción y cómo surge la idea del vídeo?

E. El vídeo lo ha dirigido Sergio Véliz, que ha hecho trabajos para «La casa de papel». Es un guionista amigo nuestro que curra como los ángeles. Y tenía que ser él quien lo hiciera. Nos dio la idea y estuvimos cómo y dónde hacerlo. Nos llevó mucho curro, pero al final, terminamos rompiendo juguetes. La verdad es que la experiencia fue muy divertida. Le tenemos que dar las gracias porque son unos genios, tanto a Sergio Véliz, como a Sara Hernando y a Víctor Alvarado. Son unos jefazos.

¿Y a partir de ahora, cuáles son los siguientes pasos de SeñorNadye?

D. Actuaremos el viernes 28 en la Puerta del Sol. Además, presentaremos el disco en Copérnico Cavern, el próximo 12 de octubre. Luego, el 13 tenemos un festival organizado por J-Musind. El 20, pasaremos por Galaparock. Y el 23 de noviembre, actuamos en el primer festival de España, adaptado a personas con discapacidad auditiva. Esta última fecha nos hace especial ilusión, la verdad.

¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

E. ¿Contamos la del barranco? Esa experiencia fue muy bizarra [risas].

D. Venga, va, la contamos.

E. Estábamos tocando en las fiestas de un pueblo de Guadalajara. Al terminar de tocar, nos metimos en una especie de fiesta en la que había una olla gigante con bebida. Nos empezaron a dar de beber y había mucha gente en estado de embriaguez. Justo a la derecha del escenario, había una especie de acantilado. Entonces, estábamos hablando con una persona, que iba un poco mal, con tan mala suerte de que empezó a marearse, se cayó hacia atrás y terminó barranco abajo. Ya lo siguiente que vimos fue al chaval caminando y quejándose por el dolor de la caída.

D. Luego, en Extremadura, nos subieron una vez al escenario en una carretilla. Otra vez, en otro concierto, uno de los asistentes consideró que yo estaba muy flaco y, en medio de la actuación, empezó a meterme sándwiches en la boca. Así que, mastiqué, tragué y continué cantando-

Esta es la playlist de SeñorNadye

26 septiembre 2018
«Wooden» de The Wheel & The Hammond llega a Madrid

Hace algo más de un año, vio la luz el segundo álbum de estudio de The Wheel & The Hammond. Bastantes meses de trabajo previo, para tener como resultado uno de los grandes discos de 2017, dentro de la escena musical no tan conocida. Un disco solo producto de artistas que saben lo que cuesta el trabajo.

Ya lo presentaron en Madrid en octubre de 2017. Un Café Berlín a rebosar, aplaudió a la banda cordobesa que, casi un año después, regresa a la capital. En esta ocasión, para tocar sus temas en Moby Dick Club. ¿La cita? Este mismo viernes 28 de septiembre, a partir de las 21.00 horas.

«Wooden», su gran apuesta

Segundo trabajo y una gran evolución respecto al anterior, «Fragments Of A Blank Face». Con «Masquerade», su primer adelanto, ya sorprendieron.

Aunque después llegó «Cannibals», para romper con absolutamente todo. Con esta canción sí que dieron un verdadero golpe en la mesa. Este tema «habla de un mundo real y actual, donde unos se comportan como buitres y otros como carroña: toca elegir un camino, alimentarte de carne cruda y ser parte de los caníbales o abandonar el nido y esa estela cruel». Fue tal la revolución de este segundo adelanto que, en Notodo.com, la calificaron como «el hit que convertía a la banda en herederos new wave como Editors, White Lies o Interpol».

Y así fueron publicando adelantos, hasta que desvelaron el disco al completo. Madrid, Córdoba, Sevilla y muchas ciudades más. «Wooden» llega cada vez a más rincones, es hora de disfrutarlo en directo. Y en breves, será de nuevo el turno de la capital. Así que recuerda: el viernes 28 de septiembre en Moby Dick Club. Si todavía no tienes tu entrada, estás a tiempo de conseguirla en Wegow. ¡Pero corre, que vuelan!

25 septiembre 2018
Rodrigo Soler: «Amores Bonsái es una definición del camino que quiero seguir»

Argentino pero durante mucho tiempo afincado en España. Dos vertientes que han tenido mucho que ver en su música y en lo que es hoy en día. Él es Rodrigo Soler. y «Amores Bonsái» es su particular grito al mundo, su evolución, su carta de presentación. Tras varios meses por España presentando su disco, lo estamos esperando de nuevo, con ansia.

Hace algunas semanas lo pudimos entrevistar y esto es lo que nos contó.

En 2017, vio la luz «Amores Bonsái». ¿Cómo ha sido la acogida en ambos lados del Atlántico?

La verdad es que estuvo buenísimo. Lo presenté a finales de mayo del año pasado en La Tangente, en una sala muy importante de Buenos Aires. Y la verdad es que tuvo muy buena acogida, tanto por parte de la prensa como por parte del público. Luego, a los diez días, me vine para acá y acá hice una gira muy grande por varios lugares. Totalmente, en acústico. Después el disco, me dio la oportunidad de tocar en otros países, como Ecuador o Uruguay. En general, tuve muy buenos comentarios sobre el disco y sobre la evolución respecto al anterior trabajo.

Sobre esa evolución te iba a preguntar. ¿Cuáles han sido los cambios más significativos de un trabajo a otro?

Hubo bastantes cambios. Entre ellos, el de comenzar a trabajar la voz con Noelia Recaldo. Yo no tenía mucha formación como cantante. Así que de un disco a otro, comencé a orientar la voz y a conseguir una identidad mayor con mi forma de cantar. También exploré nuevos caminos. De hecho, había canciones de las que ya tenía maqueta y luego las tuve que subir un tono y medio, porque el registro se me acomodó.

Además, volví a trabajar con Alejandro Spinelli, que ya había sido parte activa del primer disco. En esta ocasión, fue mucho más fácil porque ya nos conocíamos, nos mirábamos y nos entendíamos.

«Amores Bonsái» es un avance del primer disco, pero siguiendo una misma línea y sin perder mi identidad. Ha sido una evolución.

¿Cómo definirías el disco en dos o tres palabras?

«Amores Bonsái» fue un disco de crecimiento, a nivel musical y personal. Es una definición del camino que quiero seguir.

Ya que has girado por ambos países, ¿qué diferencias hay entre el público argentino y el español?

Al público argentino es como que le gusta ser más protagonista, aplaudir, saltar. Les gusta sentirse parte del show, como si fuera una conjunción entre artista y espectadores. Quizás, el público español escucha más. A pesar de cantar y bailar, como que está más tiempo analizándote. Son dos maneras de verlo.

Tú también vives a caballo entre Argentina y España. ¿Cómo influyen todas estas vivencias en tu música?

Me influye 100% completamente. Muchas de las historias pasaron acá y muchas de las canciones las escribía acá. Mi música también tiene mucho del rock argentino que escuchaba allá y de todo lo que empecé a escuchar en España. Cuando descubrí todas las bandas que descubrí, se empezaron a mezclar influencias y cambié por completo. Ahora es como una mixtura entre los dos lados. Mi música es tan argentina como española.

¿Por qué tanta influencia del amor y del desamor?

Amor, desamor, odio. El amor, quizás, es el motor más fuerte que existe a la hora de escribir. Al final, uno también escribe cuando necesita sacar algo de sí mismo y no tanto cuando está feliz. Al menos, eso es lo que a mí me sucede. Escribo para sacar cosas de mí afuera. Entonces hay una concurrencia en el amor, porque el amor es algo que nos estabiliza bastante, es algo que te sacude.

¿Cómo ha sido actuar ante el público español en el Festival Gigante?

La verdad es que muy bien. Conozco bastante al público español, ya que he vivido acá varios años. Y esta es la tercer gira que hago. Pero antes también fui público. Actuar en el Festival Gigante fue una gran experiencia, ya que era la primera vez que estaba en un festival tan grande, al otro lado del Atlántico. Además, tuve la oportunidad de armar banda con buenos amigos. El concierto se asemejó bastante al formato que llevo en Buenos Aires. Estuvo muy bien, porque a mi también me gusta rockear y bailar. Y de esta manera, hay muchas más posibilidades de enganchar a la gente. Así que, muy contento.

¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?

Una gira de doce conciertos con la maleta, la mochila, la guitarra y el teclado, por varias ciudades de acá. Toqué incluso en Andorra. Toda la gira la fui armando y viajaba de un lugar a otro en Blablacar, porque me salía más barato. Todo muy hippie. Para mi fue toda una experiencia. Al final, a todos aquellos lugares me llevó mi música.

Esta es la playlist de Rodrigo Soler

21 septiembre 2018
Celtas Cortos: «Tras Energía Positiva, hay un periodo previo en el lado oscuro»

Tres décadas dedicadas por y para la música. Celtas Cortos es de esas bandas míticas que, en mayor o menor medida, todos hemos escuchado. Con un sonido muy particular y unas letras muy directas y sociales, la banda de Valladolid, está de enhorabuena. El pasado viernes 14 de septiembre, veía la luz su último trabajo, «Energía Positiva».

Entre promo y promo, aprovechamos para entrevistarlos en pleno centro de Madrid. Allí donde los chicos de Basik Sessions tienen su base.

¿Cómo surge el concepto de «Energía positiva»?

Quizás de todo lo contrario. Para llegar a reunir ese puñado de canciones y la idea de lo que es «Energía positiva», también hay un momento previo de estar en el lado oscuro o en la depresión. Hay que estar navegando entre oscuridades. Oscuridades que no son idóneas para vivir. Tanto por lo personal, como por el entorno agresivo que hay en contra de la ciudadanía. Desde ese prisma, queríamos abrir una ventana. No te puedes quedar de brazos cruzados. Al final, tenemos que pelear por la vida y por la dignidad. Cada día es un regalo.

Después de 30 años dedicándoos a la música, ¿cuál es la fórmula mágica para permanecer tanto tiempo sin perder vuestra esencia?

Parte de la culpa de eso, la tiene el mantener el grupo, a pesar de que haya cambiado de personas. El mantener la manera de hacer. O el mantener la instrumentación que se utiliza, que al final, es una seña de identidad. Y, por supuesto, el respeto mutuo entre nosotros. Al final, todo ello se termina palpando.

Vuestro sello identificativo, no solo lo encontramos en las melodías. También en los mensajes, que tienen mucho de social.

Hay mucho mensaje social, pero también hay otros temas con trasfondo más íntimo o emocional. Pero la zona social o reivindicativa es con la que hemos crecido, porque nosotros somos así. Cuando este proyecto partió de cero, estábamos implicados en muchos procesos y movimientos sociales. Y cuando te forjas con esa ideología y valores, al final, te haces a echar más leña al fuego y no olvidarte.

¿Creéis que se ha perdido esa esencia reivindicativa de la música?

Totalmente. La banda social es algo que, en nuestra época, se practicaba. Igual hoy, en el entorno del hip hop sí que puede haber un área más en esta onda. Pero la música española o lo que consume la gente, es puro plástico.

Yo es que lo percibo de la misma manera. De hecho, creo que de himnos como «20 de abril», hemos pasado a «Despacito». Y creo que se ha perdido mucho por medio.

No es que no exista, pero lo que se ha estrechado es el filtro por donde pasan las canciones que, finalmente, llegan a la gente. Los grandes medios de difusión, se limitan a un solo sector. Dejan un margen muy estrecho para otro tipo de bandas. Es tan estrecho que casi ni caben. Sin embargo, resulta que hay más artistas y bandas que hace tiempo. Pero claro, al final lo que vende es la pasta, la pose y la carencia absoluta de valores. Si eso es lo que se financia y lo que la gente consume de manera más masiva, imagina por dónde vamos.

Volviendo un poco al tema del nuevo disco. «Silencio», «Ataque con poesía», «Energía positiva» y «Los dibujos en las nubes» han sido los primeros adelantos. ¿Por qué esta selección de temas?

Pues precisamente, por mostrar un poco la paleta de colores de este nuevo disco. Los cuatro temas son completamente distintos. Alguno de ellos sí que podía recordar a temas antiguos de Celtas Cortos, mientras que otros experimentaban con sonoridades que ni siquiera nos habíamos planteado. Hemos querido abrir un poco el muestrario y que llegue un poco todo.

Han pasado cuatro años desde el anterior trabajo. ¿Cómo habéis vivido todo este periodo?

En realidad, no hemos dejado de salir de la carretera. Nuestra vida está ligada a la gira y a la crianza [risas]. Entonces, como que ese ha sido el espectro, la ocupación del tiempo. Es todo tan absorbente, que ni te lo puedes imaginar. Conseguir sacar un puñado de canciones convincentes para hacer un nuevo trabajo, es todo un esfuerzo. Además, cada vez, la auto-exigencia es mucho mayor.

¿Cómo afrontáis el lanzamiento del disco?

Con una expectación moderada. Porque a priori, lo quieres todo. Pero el tiempo te va domando esa expectativa, aunque siempre dejas una lata de esperanza por si acaso. Esperanza por hacer ruido y porque la gente sepa apreciar el trabajo y el esfuerzo. Además, todo lo publicamos de manera independiente, sin apoyo de multinacionales, lo que supone un esfuerzo aún mayor.

Esta independencia es un poco el reflejo de cómo está la industria hoy. Cada vez hay más bandas que salen sin el apoyo de un gran sello detrás.

Es que es a lo que está avocada la industria, a día de hoy. Todos sabemos la recepción que hacen los medios y la industria de la música. Es complicado si trabajas otros géneros que no sean reggaeton. Así que, o «te lo guisas y te lo comes» o por aquí no vengas. Por otro lado, afortunadamente es así. Porque quien consigue no navegar en ese mar de oferta y de estilos, es porque lo puede ofrecer con dignidad y porque lo vale.

Nosotros somos afortunados en ese sentido. Pero la realidad que nos rodea, está así.

Creo que al final, el problema es más bien cultural. Porque fuera de España, a los músicos sí que se les tiene respeto y consideración.

Sí, de sensibilidad y de percepción. Porque en otros países, la música se considera un sostén muy importante de la cultura. Y una ventana de lo que es el país en realidad. Aquí, por desgracia, no es así.

Volviendo un poco, ¿cuáles son vuestros siguientes pasos?

Estaremos apoyando el disco en todo lo que podamos y, por supuesto, seguimos de gira. Atrapados, pero con gusto. Todavía tenemos una buena cantidad de conciertos por delante. Venidos de una gira que ha sido muy intensa, así que vamos acumulando otros cansancios. Y tratar de compatibilizar el rock and roll con la vida familiar.

En paralelo, tenemos un proyecto con una compañía de teatro de Valladolid. Está todavía incipiente, pero esperamos que podamos compatibilizarlo con la gira.

Por cerrar un poco, ¿cuál es la cosa más loca que os ha pasado como banda?

Esos años de juntar la noche con el día e ir haciendo un concierto tras otro. Vivir el rock and roll. Y dedicar toda nuestra vida a ello.

20 septiembre 2018
«Singularity» o la incisiva búsqueda de la singularidad de Staytons

Son realmente jóvenes, pero tienen un talento desbordantes. Vienen desde Asturias, con la clara intención de arrasar con todo. Ellos son Staytons y llevan ya varios meses presentando su álbum debut, «Singularity». La última fecha en Madrid, fue el pasado viernes 14 de septiembre, en la final del X Certamen Nacional de Música del Distrito de Barajas. Concurso en el que, finalmente, se alzaron con el segundo premio.

Antes de verano, pudimos hablar con ellos en la cafetería de uno de los hoteles más céntricos de Madrid. Y desde el minuto 1, ese rollo tan de rock clásico, nos cautivó. Igual que lo hizo su música.

¿Cómo nace «Singularity»?

Empezamos fuerte [risas]. El concepto del disco y, un poco, de la canción que lleva el nombre, es una idea que surge en los inicios del grupo. «Singularity» lleva con nosotros desde el momento cero. Y según ha avanzado la forma de hacer y vivir la música, también lo ha hecho la canción. Ha pasado por diferentes fases. De hecho, entró de una manera y salió de otra. Al final, lo que buscamos en este proyecto es la singularidad musical con la que nos identificamos.

¿Habéis encontrado esa singularidad?

Creemos que todavía no [risas]. Sí y no. Digamos que es un proceso, pero nos alegramos de que sea así. No creemos en la singularidad como meta, sino como proceso. Llegar a ella en un primer disco, sería hasta contraproducente para la creatividad musical. Creemos que es una buena cosa que perseguir, pero somos conscientes de que todavía estamos dando pasos.

Hay mucha mezcla de estilos en este disco. Así y todo, ¿cómo definiríais el sonido «Staytons»?

Creemos que es un rock muy actual, pero que tiene muy presente el rock clásico, el pop, el folk e incluso la música negra.

¿Qué dos o tres palabras sintetizarían «Singularity»?

Singular [risas]. Esa sería la respuesta fácil. Aún así, creemos que hay una línea que podríamos trazar desde el principio hasta el final del disco. Empieza con la búsqueda de esa singularidad nuestra y acaba con el encuentro de ciertas sensaciones. Pero por sintetizar, diríamos energía, elegancia y sobriedad.

¿Cómo ha sido trabajar con Igor Paskual?

Trabajar con Igor fue una gran oportunidad que nos brindó Boomerang Disco, nuestro sello. Creemos que nos ha traído esa experiencia que nosotros no teníamos, porque llevamos tocando en serio apenas un par de años.

«Singularity», además de dar nombre al disco, fue en primer adelanto del disco. ¿Por qué este tema y cómo surge la idea del videoclip?

Al ser el tema que titula el álbum y que nos titula a nosotros, estaba un poco en el punto de mira para ser el elegido. La idea del vídeo nos es bastante tentadora, porque también era difícil trasladarla a la imagen. Es una canción un tanto abstracta, es una especie de meta-canción. Grabamos en el Palacio de Congresos de Oviedo, con Juan Marigorta de Estudios Tripolares y, la verdad, que quedamos encantados. Resultó un producto muy inmediato y que caló bien entre medios especializados.

¿Cuáles son los siguientes pasos de Staytons?

Pues llevar nuestro disco a todos los rincones posibles. Ya hemos pasado por Sonorama y también lo haremos por Madrid, el 14 de septiembre. El objetivo es conseguir nuestro lugar y continuar haciendo canciones.

¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

Creemos que tenemos poca trayectoria todavía [risas]. Pero sucederán cosas. Estamos expectantes [risas]. Por el momento, nuestra locura es compaginar los estudios con la música.

17 septiembre 2018
«Península», la nueva obra de arte de Adam Giles Levy, es una realidad

Adam Giles Levy está de enhorabuena. ¡Por fin su nuevo EP, «Península» está en la calle! Es un verdadero «discazo», con unos tintes más rockeros y mucho más potente, en comparación a su último trabajo, «Unravelled», en el que apostaba más por el folk. Así nos lo reconocía el pasado sábado, cuando lo entrevistamos.

Hace algunos días, estuvimos hablando con él. A través de Instagram Live, conectamos desde España. En estos momentos, Adam se encontraba en Suecia, en el festival «Live At Heart». Evento en el que llegó a actuar en varias ocasiones. Esta experiencia fue única para el artista, ya que era la primera vez que visitaba este país. Así y todo, aprovechó para presentar los temas de su aún no-estrenado EP, «Península».

Esta primera toma de contacto fue la prueba de fuego. Encima, frente a un público que no lo conocía. Sin embargo, el público sueco respondió de manera muy positiva a las canciones que, si bien no llegaron a cantarlas, sí que las lograron entender. Ya que, como el propio Adam Giles Levy nos contó, los suecos tienen «un buen nivel de inglés». «Menos mal, porque mi sueco…», añadía, entre risas.

Referencias a la «Península».

Si bien es cierto que el título del nuevo disco de Adam Giles Levy es, de por sí, bastante revelador. Aunque es británico de nacimiento, está afincado en España desde hace muchos años. Al final, las experiencias que ha vivido, tanto en este país como en el país luso, han sido vitales.

Tal y como comentaba en la entrevista, en este nuevo trabajo ha reunido multitud de historias vividas en diferentes puntos de la Península. Historias tanto vividas en primera persona, como contadas por terceras personas. «Al final, las he reunido en este trabajo», nos comentaba. Saca a relucir todos nuestros fantasmas, mientras sentimos la fuerza de las olas rompiendo contra las rocas, contra el propio ser humano.

En sintonía con las propias canciones, está el mismo arte del disco. La fuerza arrebatadora de las olas, creadas y diseñadas por el artista canadiense Anders Petersen, que se sirvió de la propia voz de Adam Giles Levy para inspirarse.

Lo cierto es que este EP ha sido una grata sorpresa. Se observa un salto entre uno y otro en cuanto al sonido. Pero no ha sido un cambio lo excesivamente brusco como para no reconocer la esencia del artista. Al final, el sello Adam Giles Levy permanece, tanto en «Unravelled» como en «Península».

Nuevo trabajo, nueva gira.

Todas estas referencias a la Península, atravesarán fronteras. No solo en forma de álbum. También en forma de conciertos. La realidad es que ya lo han hecho, incluso cuando «Península» era un secreto a voces y aún no había visto la luz. Si la pasada semana, Adam Giles Levy pisaba por primera vez Suecia, ahora le está pasando lo mismo, pero con Italia. El artista está de gira por diversas ciudades italianas. En concreto, por Roma, Génova, Grinzane Cavour y Niza. Una gira que le llevará 10 días, del 11 al 21 de septiembre.

¿Pero para cuándo España y, en concreto, Madrid? «Para el 11 de octubre hay algo planeado en Madrid, pero no podemos decir nada todavía nada del lugar y de con quién estaremos», nos avanzó en la entrevista. Por fortuna, ese secreto que en la entrevista no se pudo desvelar, ya lo conocemos: será el encargado de abrir el concierto de The Prussians, en la mítica Sala Moby Dick.

Aunque estas no serán sus únicas fechas. «Península» acaba de empezar a rodar. Así que, si queréis saber si pasará por vuestra ciudad, consultad las redes sociales del artista.

13 septiembre 2018
Cuando la cultura se alía en pro de «Salva tus oídos»

«Salva tus oídos». Así se llama la nueva campaña social, con la que se pretende concienciar a la ciudadanía de la importancia de cuidar la salud auditiva. Bajo el lema, «queremos concienciar, pero antes vamos a sorprender», se reúnen algunos de los rostros más reconocidos del sector cultural de nuestro país. Y, es que es la primera vez que tantas celebridades, se alían en pro de una causa de este tipo.

Como padrino de honor, está el actor Nacho Guerreros («La que se avecina»). Sin embargo, no es el único que se ha querido sumar a este proyecto. Carlos Tarque (M-Clan), Joe Pérez-Orive, Blas Cantó, Lluvia Rojo, Andrés Suárez, Coque Malla, Eduardo Noriega, Cifu (Celtas Cortos) y Nieves Herrero, entre muchos otros, también lo han hecho.

El proyecto culminará con una gran fiesta el próximo 26 de septiembre en el Teatro Barceló, con un concierto en el que participarán algunos de los artistas más relevantes de nuestro país.

Cita previa con los medios de comunicación

De manera previa al evento del día 26, la organización convoca una rueda de prensa, en la que desvelará muchos más detalles de la causa y del concierto. La cita está prevista para mañana jueves día 13 de septiembre, a las 12.00 horas, en el Hard Rock Café de Madrid.

Nacho Guerreros, actor y padrino de «Salva Tus Oídos» estará presente en dicho evento. Además, lo acompañarán algunos de los artistas que participarán en el gran evento del día 26.

Con el objetivo de que el proyecto tenga un mayor alcance y repercusión entre la población, el propio Nacho Guerreros adelanta un poco más sobre esta campaña solidaria.

12 septiembre 2018
Zoé: «Aztlán es un disco más directo, terrenal y mexicano»

Un martes cualquiera deja de ser típico si sabes que vas a entrevistar a una banda de la talla de Zoé. Es una de las bandas de rock más reconocidas de México. Aunque fuera de su país, también arrasan. Este verano, tienen multitud de fechas en festivales españoles y, lo cierto, es que son una auténtica revolución. «Aztlán» es su último trabajo. Sobre él estuvimos hablando hace una semana, en una pequeña y luminosa sala de uno de los hoteles más céntricos de Madrid.

¿Cómo surge el concepto de «Aztlán»?

Era el momento de hacer ya un nuevo disco. Este álbum se fue acomodando poco a poco con las ideas que todos teníamos. Comenzamos a trabajar algunas demos por tandas. Siempre habíamos trabajado en otros estudios, pero por fin, nuestro propio estudio ya estaba listo. Decidimos trabajar por tandas o periodos, porque por momentos grabábamos, trabajábamos o componíamos.

El concepto como tal, se dio poco a poco. Siempre fue una opción, pero al final llegó. Creemos que cayó muy bien. En nuestro país han pasado muchas cosas importantes y todo eso ha quedado muy reflejado en el disco.

Sexto trabajo en la calle. ¿Cómo se aprecia la evolución de Zoé?

De una manera muy natural y más después de tantos años de trabajo. Tenemos cada vez más claro qué queremos y cómo lo queremos. También tenemos más dominio del trabajo en el estudio. Es más natural que racionalizado. Justamente, este disco refleja muy bien todo esto y lo que queremos en la vida. Queríamos un trabajo más transparente, orgánico. Más crudo.

¿Qué dos o tres palabras definirían el disco?

Es más directo, más terrenal y muy mexicano.

En este disco, habéis trabajado con Craig Silvey y habéis repetido con Phill Vinall. ¿Cómo fue el trabajo con ambos?

Con Phill llevamos colaborando prácticamente desde el principio. Siempre ha sido una persona importante en lo que respecta a la producción y la mezcla. Pero, de repente, era el momento para trabajar con alguien más, que nos sacara de esa zona de confort o que nos abordara de otra forma. Porque Phill ya era prácticamente, parte de la banda. Así que fue un acierto invitar a Craig. De alguna manera, captó lo que quería y supo marcarnos unas pautas a seguir. Es el ingrediente más importante, porque es el más nuevo y supo captarnos.

¿Repetiréis entonces con él?

Por supuesto, 100%. Con Phill no [risas].

¿Cómo ha sido la acogida del disco, ahora que lleva unos meses en la calle?

Muy bien. La verdad es que estamos muy contentos. Estamos encantados con todo lo que está sucediendo. Y después de haber girado durante unos meses, creemos que tener shows llenos o venues más grandes, es genial. Por ejemplo, en Estados Unidos quedó muy claro el crecimiento de la banda, porque comenzamos a hacer venues más grandes en ciudades con San Francisco o LA. Todo ello fue la mejor recompensa para tantos años de trabajo. En cada lugar, lo hemos visto.

«Azul» fue el primer adelanto de este disco. ¿Por qué este tema y cómo surge la idea del videoclip?

Con el videoclip, teníamos el reto de hacer algo de ciencia ficción. No hacer un vídeo típico, que cayera en la cursilería o en lo típico, ya que la canción habla del rompimiento de una pareja. Narrar la historia de amor entre un androide y un humano fue una manera de darle la vuelta. El reto estuvo muy bien, aunque fue difícil.

Semana intensa en España, ¿cómo os preparáis los directos y cómo lo afrontáis?

Trajimos nuestro equipo directamente desde México. Sí que es cierto que aquí no podemos girar de la misma manera que giramos allí. A España vinimos a adaptarnos a lo que hay en los festivales. Pero sí que habrá un compacto de una hora, de lo que allá dura dos horas. Principalmente, presentamos «Aztlán», pero sin olvidarnos de canciones de trabajos anteriores.

Tras España, ¿cuáles son vuestros siguientes pasos?

Tenemos show en Londres y tras esa fecha, regresamos a España. Tras este tour por Europa, regresamos a Sudamérica. Volvemos a Colombia, Bolivia, Perú, Ecuador, Costa Rica. También pasaremos por Centro América: algo del Caribe, Puerto Rico y República Dominicana, probablemente. En América queda mucho, estaremos girando hasta mediados del próximo año.

¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

A nivel sónico, ver cualquier elemento como un instrumento. Por ejemplo, usar un taladro como sonido o emplear espuelas como percusión. Esta experimentación siempre ha sido fundamental para la banda. El diseño de nuestros sonidos siempre ha sido muy importante.

24 julio 2018