Poco a poco, estamos descubriendo el cartel completo del «Lenovo Sounds Different», el concierto solidario de Lenovo que se celebrará a principios de año en Madrid. La cita será el próximo 17 de enero en el WizInk Center.
Ya hablamos de confirmaciones como las de Love Of Lesbian, La Habitación Roja, Elefantes, Neuman, Varry Brava, Maico, Siloé y Ochoymedio DJ’s. Pero es que a este «cartelazo» se ha unido un último fichaje, a la altura de los ya citados: DORIAN DJ. Ellos son los encargados de poner el broche de oro al cartel. Y es que, sin duda, con todos ellos no quedaremos indiferentes.
Además, Lenovo continúa buscando al «Grupo Revelación», que se sumará al cartel ya mencionado. De esta manera, artistas y bandas emergentes de género pop y rock alternativo, tendrán la oportunidad de hacerse un hueco en el cartel de este evento benéfico, a la par que compartirán escenario con artistas ya consagrados.
Los principales proyectos benéficos de «Lenovo Sounds Different»
Como bien se ha mencionado, este concierto es benéfico. Y todo el dinero recaudado se invertirá a diferentes causas, que el propio público elegirá a la hora de comprar la entrada. Por ese motivo, recordamos el nombre y la causa de todas las fundaciones que forman parte de dicho evento:
«Fundación Aladina»y «Fundela», las cuales recibirán de forma integra un porcentaje fijo de la venta de entradas. En el caso de «Bobath», «Cris Contra el Cáncer»y «Menudos Corazones», será el propio comprador el que podrá elegir, en el momento de la compra, a qué proyecto y fundación quiere apoyar en función de sus intereses sociales.
Si quieres saber a qué se dedica cada proyecto, te contamos a continuación. En primer lugar, la «Fundación Aladina» ayuda a niños y adolescentes enfermos de cáncer y a sus familias; mientras que «Fundela» se centra en la investigación de la esclerosis lateral. Por su parte, «Bobath» atiende la parálisis cerebral. «Cris Contra el Cáncer» también lucha contra el cáncer, pero desde la investigación como método para combatir contra esta grave enfermedad. Por último, «Menudos Corazones» centra su labor en la ayuda a niños con cardiopatías congénitas.
Beluga han regresado a escena con su nuevo trabajo. «Tiempo de leones» está aquí para atraparnos bajo su estela. No es para menos: concepto, imagen y disco que dan un paso más en referencia a «Búmeran» y que muestra a unos Beluga mucho más maduros, mucho más ellos.
Hace unos días, hablamos con Carlos Ortega y José Ramírez sobre este «Tiempo de leones». Y esto es lo que nos contaron.
¿Cómo surge el concepto de «Tiempo de leones»?
José. Lo que es el título surgió incluso antes de plantearnos hacer un disco. En este caso, vino de un viaje de uno de nosotros a Mozambique, que es un sitio increíble, un paraíso. Nos gustó y adoptamos un poco ese concepto a la hora de crear el disco. Lo hemos ido amoldando todo a eso.
Carlos. Ha sido como una visión. Se construye todo en base a eso.
José. Exacto. No es que ya tuviéramos los temas y a partir de ahí creáramos el concepto. Ha sido más bien al contrario. De hecho, el título se ha mantenido, pero estuvimos dudando hasta el final, hasta que vimos que efectivamente, el concepto permanecía.
Un titular que defina el disco.
C. No somos de titulares [risas]. Pero quizás, diríamos, la necesidad de ser quien somos. Aunque suena muy ambiguo.
J. Sí, pero quizás podría ir por ahí. La necesidad de reafirmarnos en lo que somos y en lo que queremos comunicar.
Una canción de «Tiempo de leones».
C. Si tuviera que quedarme con una, me quedaría con «El nombre de la naranja».
J. Yo no podría quedarme solo con una. Nosotros concebimos los discos como un viaje, como un ente completo. Así que no podría destacar solo un tema.
Al hilo de esto, ¿creéis que el concepto de disco como historia se está perdiendo?
J. Se está perdiendo un poco, pero creo que al final también, esto viene de estrategias de marketing o de comunicación. Nosotros en ese sentido, seguimos siendo un poco románticas. El concepto disco nos gusta y lo necesitamos. Quizás en otro momento, podamos hacer algo en dos o tres canciones. Pero hasta la fecha, necesitamos el tiempo de un disco para poder soltar lo que queremos.
C. Además, que el diseño del disco en formato físico, también habla de tu obra. Así que solamente hablar de la música, para nosotros se quedaría corto. Yo creo que se seguirá manteniendo. Y coincido con Jose en que todo esto forma parte de la vorágine del marketing. Pero nosotros continuaremos haciendo discos y lanzándolos en físico. Porque al final, nosotros hacemos música para románticos.
Vuestro caso me llama especialmente la atención, porque está todo muy bien hilado: música, imagen, espectáculo. Y la verdad es que eso me gusta.
C. Hay una cosa que digo mucho últimamente. Estamos en un momento de nuestra vida en el que tenemos algo que decir. Para ello, tienes que construirlo muy bien y tener una narrativa muy concreta, de forma que el público lo entienda. Y no solo la música, también el diseño, las letras o la instrumentación. De ahí la importancia de que esté todo tan bien hilado.
J. Y además, todo lo que nosotros publicamos o mostramos, pasa por nuestras manos. Al final, son todo herramientas para completar el mensaje.
Con «Tiempo de leones» creo que habéis dado un paso más en referencia a «Búmeran». ¿Cómo han sido estos años de trabajo?
C. Estos dos años han sido dos años de permiso. De permitirnos indagar, de explorar, de trabajar cuatro meses en una canción. El disco podría haber sido una mierda, pero no queríamos que lo fuera. Han sido dos años, para hacer algo que nos saliera del corazón. Y estamos satisfechos con lo que ha pasado, porque es lo que hoy está al alcance de nuestras manos.
J. Además, desde que salió «Búmeran» ha pasado mucho tiempo. Nos han pasado muchas cosas y nosotros mismos también hemos aprendido mucho. Este disco tiene, de hecho, mucha más profundidad por eso, porque somos personas diferentes. Y que las personas que compusieron «Búmeran», no son las mismas que han compuesto «Tiempo de leones». Hay dos miembros que se han incorporado en este nuevo camino. Además, hemos incorporado nuevas cosas que hemos aprendido.
¿Cómo afrontáis la presentación en la Sala Caracol?
C. Lo afrontamos de puta madre [risas]. Nosotros nos hemos venido un poco arriba, ¿pero sabes qué pasa? Llevamos mucho tiempo sin tocar en Madrid y nos hemos puesto el objetivo de llevar 400 o 450 personas. Si luego nos damos de bruces, ya vendrán los lloros. Pero somos de ponernos objetivos altos. Y creemos que es posible, por todo nuestro trabajo de estos dos años y por todo el público que hemos ido consiguiendo este tiempo.
J. Además, queríamos una sala en la que pudiéramos hacer el show que creíamos que de merecía este disco. Y, evidentemente, teníamos que hacerlo en Madrid porque es nuestra ciudad. Queríamos un punto más. Y también queríamos agradecer a toda la gente que ha participado en el crowdfunding, queríamos darles un gran show.
La mayor locura que hayáis cometido por la música.
J. No somos muy de locuras. Pero quizás, tener que trabajar en otras cosas, porque al final, Beluga para nosotros es una vía de escape. Por lo demás, bueno, lo típico a lo mejor, no dormir [risas].
Siguientes pasos de Beluga.
J. Tocar todo lo que podamos y donde podamos. Al final, creo que esa es la parte más difícil de la música. Es algo muy costoso y en lo que estamos currando mucho.
Aitor Flamingos regresa a escena, para presentar su segundo trabajo «Los Males Pasajeros», que vio la luz el pasado 26 de octubre. Y, al fin, lo presentará en directo. La cita será este mismo jueves 29 de noviembre, a las 20.30 horas en la Sala Sound Stage de Madrid.
«Los Males Pasajeros» llega dos años después de su anterior trabajo, «Olor a tormenta». Durante este nuevo trabajo, hace un recorrido autobiográfico a través de ocho canciones, en las que han participado más de doce músicos. Colaboraciones con gran talento se han querido sumar al proyecto, en el que también ha trabajado la banda habitual del artista (Manu Clavijo, Marta Mansilla, Edu Herrera, Pablo Nadal y José Deza). Este disco ha sido el resultado de varios meses de trabajo, de abril a junio, en los estudios Pull Push de Madrid. Un trabajo que está cargado de sonidos dispares: vientos, cuerdas, guitarras y base de rock. Además de otras influencias que forman parte del imaginario del artista, como el folk o el blues.
El lanzamiento del disco, que es el tercero autoeditado por el artista, ha sido posible gracias a una campaña de crowdfunding, en la que participaron más de 120 personas. Campaña que, además, se consiguió en un tiempo récord. Y es que es mucho más fácil formar parte de algo, cuando tiene tanta verdad detrás, cuando se suelta tanto lastre, cuando eres capaz de encontrarte con el artista y reencontrarte a ti mismo.
Fechas de presentación de «Los males pasajeros»
Este jueves 29 será la gran fecha en la Sound Stage de Madrid. Pero no será la única. Y es que el artista continuará con una mini gira de presentación, que lo llevará por diferentes lugares. De hecho, el 15 de diciembre pasará por Collado Mediano (Madrid), junto a Elenitakatá; el 11 de enero estará en Murcia y el 12 en Valencia, ambas fechas con Esther Zecco; y finalmente, el 25 de enero regresará a la capital. Fecha en la que actuará junto a Eva McBel.
Hay fechas marcadas a fuego, celebraciones que solo vivirás una vez en la música, conciertos que se quedan para siempre en la memoria, grupos con los que conectas desde el primer instante. Nunca dejaré de decir que la gran fiesta de la música es, precisamente esto. Pero es que cuando estás celebrando el octavo aniversario de un blog amigo como es Cocktail Musical y lo haces con verdaderas «bandazas» como Eladio y los Seres Queridos y Nixon, ya nada importa. Y es que el pasado viernes 16 de noviembre, Moby Dick ardió completamente con la actuación de ambas bandas.
Eladio y los Seres Queridos fueron los primeros en abrir la veda. Sin haberlos escuchado previamente, fueron la gran sorpresa de la noche. Con un directo brutal, los gallegos hicieron un breve pero intenso recorrido por algunos de sus temas más emblemáticos de su carrera. Si «Algún Iluminado» se hubiera atrevido a decir algo negativo de este bolo tan especial,el público habría respondido cantando hasta el final cada uno de las canciones de la banda. Desde «Están Ustedes Unidos» hasta «Tormenta», pasando por «Carlota se fue». Una a una, fueron apareciendo también otos temas como «Los Dinosaurios», «Eternamente», «Non quero perderte» o «Miss Europa».
Demasiado rápido pasó el concierto de la banda liderada por Eladio Santos. Pero no faltó final sin que nos demostraran que cualquier «Tiempo futuro» podrá ser mejor, siempre y cuando actuemos «Con el corazón en la mano».
Nixon pusieron punto y final a la noche. Desde el principio supieron engancharnos y atraernos hacia ellos con «La Fiesta» tan «Tribal» que montaron. Con esa «Fuerza Gravitacional» que los caracteriza, no nos dieron tregua en ni un solo momento. Pero tampoco la queríamos. En cero coma, entramos en calor con ellos. Y es que ese «calorcito» del sur, solo lo podían traer ellos desde Almería. Consiguieron que entráramos en un mundo paralelo, un mundo que no era más que una «Utopía», pero del que no habríamos salido en la vida.
Una hora de concierto que se pasó como un suspiro y que, sin duda, nos hizo entrar en una especie de «Muerte Dulce».
Hay bandas que desde el inicio, te enganchan. Llámalo magnetismo, llámalo estrella. Cuando el talento va más allá de lo musical y te atrapan también a nivel personal, ya no hay nada que hacer. Esa es la sensación que tenemos con los chicos de Ayer, que recientemente publicaron su nuevo EP, «Sed Social».
Hace algunos días quedamos con ellos y estuvimos hablando sobre su música, sobre la situación de la industria y también sobre el fenómeno Rosalía.
¿Por qué «Sed Social»?
Dani Laporta. ¿Y por qué no? [risas].
Dani García. Era una canción que hablaba de las redes sociales y del ambientillo chungo que hay alrededor de ellas. Empezó llamándose «La Red Social» y luego «La Red». Pero queríamos buscar un juego de palabras. Así que, al ver a todo el mundo adictos a las redes, como si se les fuera la vida en ellas. Así que de ahí vino. De la sed que tiene la gente por la aprobación social, tanto dentro como fuera de las redes.
Rubén. En realidad, salió de milagro, mientras estábamos grabando. Y todo por un chiste que contó Dani. Y al final, nos moló.
Laporta. Y luego el EP vino a raíz de todo ello. Nos pareció que era el tema más relevante.
De hecho, los tres temas del EP son totalmente diferentes entre sí.
Laporta. Sí, sí, cuentan historias completamente distintas. Son muy dispares.
Dani. Nos han dicho, de hecho, que el EP en sí es más introspectivo y oscuro que los temas anteriores. Y quizás sea por el periodo en el que nos encontrábamos. Refleja muy bien el estado de la banda.
Laporta. Además, veníamos de «Salvaje», que refleja mucha más alegría. Y con este EP, queríamos mostrar otra cosa.
Dani. Justo, queríamos mostrar varias facetas nuestras y demostrar que podemos hacer temas más bailables o alegre, otros más potentes y otros totalmente emocionales.
Justo os iba a comentar que el vibrante pop rock, llega a otro nivel en este EP.
Dani. Sí, quizás. En realidad es porque nos gusta mostrar las dos caras.
Laporta. Además, de manera un poco inconsciente, hacemos los temas pensando en el concierto. Los directos siempre tienen que mantener cierta dinámica. De ahí que surgiera una canción potente como es «Sed Social».
Dani. Además, tal y como componemos actualmente, la música siempre llega antes que las letras. Y con «Sed Social», al ver la rabia que transmitía la música, quisimos hablar de algo relevante, de algo de lo que quejarnos.
Extrapolando un poco, ¿creéis que a la música actualmente, le falta esa garra y esa necesidad de hablar de cosas relevantes?
Dani. Yo tengo la sensación de que no se hace música para hablar de temas molestos. Se hace música, para subirse al carro de la actualidad. Es decir, hay una corriente en contra de los políticos y entonces hay grupos que aprovechan el tirón, para hacer ellos algunos temas de corte reivindicativo.
Quien habla de reivindicación, habla de canciones con mensaje, con alma. No tiene por qué ser canción protesta.
Laporta. Es que hay tanta dificultad para entrar al mercado, que nadie quiere arriesgarse. Hay una fórmula pre-establecida y mucha gente va por ahí, siguiendo el convoy. Y al final, si te fijas, es lo que pasa. Bandas iguales o con un estilo muy parecido.
Dani. Que al final, esto no quita que no haya letristas brutales y eso nos encanta.
Volviendo un poco al tema del EP. ¿Cómo surge todo el concepto del arte del disco?
Laporta. Fue un poco una lucha, porque en los anteriores trabajos, era Dani quien hizo las portadas. Pero al final, nosotros tenemos que dedicarnos a hacer música. Así que con «Sed Social» teníamos claro que íbamos a buscar a alguien especializado en diseño. Entonces escribimos a un amigo mío de la infancia, Gus Bozzeti, para que nos ayudara. Él no es diseñador, es más bien artista plástico. Enseguida os dijo que sí y que le comentáramos la idea que teníamos. Pero quisimos dejarle total libertad para crear. Le enviamos los temas para que se hiciera una idea. Creo que captó muy bien la idea de «Sed Social». Con mucho colores, muy multicultural.
Dani. Al final, conceptualmente captó muy bien la idea de «Sed Social» y de las redes sociales. Sobre todo, con el selfie hecho de muchas otras cosas.
¿Por qué apostar precisamente por el formato EP? Recientemente lanzasteis «Salvaje» y «Sed Social» llega muy poco tiempo después.
Laporta. Sí, de hecho, estábamos con la promo del anterior trabajo y ya estábamos grabando este. Y lo cierto es que no nos dio tiempo a grabar más. Nos habría gustado lanzar «Sed Social» antes del verano, pero finalmente, se retrasó el lanzamiento. Es una continuidad del trabajo anterior, porque de hecho, en el formato físico, están también los tres temas anteriores.
Rubén. De hecho, no creemos que hubiera tenido mucha más repercusión si hubiéramos sacado álbum en vez de EP.
Dani. No nos veíamos en el momento de invertir las energías, dinero y tiempo en un disco, que tuviera una repercusión moderada. Preferimos guardarnos las balas para otro momento más propicio. También queremos ir creciendo poco a poco, para que cuando sea el momento, publicar un trabajo más largo.
Laporta. Además, pensamos que el crear un álbum requiere bastante tiempo. Tiempo del que no disponemos cuando entramos al estudio. Allí todo está mucho más limitado.
¿Creéis que con todo este panorama, se está perdiendo el poder del disco como discurso?
Dani. Pues mira, me voy a subir al carro de un tema que está muy de actualidad: Rosalía. Creo que ha hecho un disco brutal, con canciones que no solo tienen su título, sino que están estructuradas en capítulos. Ha puesto el valor del disco sobre la mesa. Haciendo eso, te obliga a escuchar el disco entero y en orden. Está haciendo una cosa muy chula, que hace mucho tiempo nadie hacía. Así que ojalá se mantenga y se revitalice el formato disco.
A nosotros nos gustaría hacer un álbum en el que los 10 o 12 temas, fueran hits. No queremos poner rellenos. Pero claro, a eso hay que dedicarle tiempo. A Rosalía le llevó dos años crear «El Mal Querer».
Rubén. Y es más complicado cuando no te dedicas completamente a la música. Si sacas disco, te quedas sin temas hasta nuevo aviso.
Mañana domingo 25 de noviembre, en el día de la lucha contra la violencia de género, llega un nuevo Acoustic-Art muy especial. En el que dos proyectos encabezados por mujeres como Penny Necklace y Arena Jara pondrán la nota musical en estos acústicos, organizados por los compañeros de Intrépida. Además, participará la Asociación MIM (Mujeres de la Industria de la Música) y el colectivo Domingueras Cabronas. La cita será a las 11.45 horas en Superlativo Bar.
El motivo de esta edición de Acoustic Art
La iniciativa promovida por Intrépida, ofrece una serie de acústicos íntimos una vez al mes. En esta ocasión, coincide con el Día de la Eliminación de la Violencia Contra la Mujer.
Ha sido así, porque a día de hoy, la violencia contra la mujer continúa siendo una lacra contra la que ha que pelear. Y no solo se habla de violencia física, también de todas sus vertientes. Por ese mismo motivo, además de las actuaciones de dos grandes bandas como Penny Necklace y Arena Jara, se dará voz a diferentes colectivos que visibilizan el papel de la mujer, además de luchar por sus derechos.
Las artistas invitadas: Penny Necklace y Arena Jara
Penny Necklace fue uno de los grandes descubrimientos de 2017. Con «La Luz» nos ganó completamente y, desde ese momento, no hemos dejado de ver crecer el proyecto. En continuo movimiento, Penny Necklace orbita alrededor de Odette SP, que será quien ofrezca el showcase de mañana domingo, en un formato setsola. Tan solo ella, acompañada de samplers, loops, pedales y guitarra eléctrica. La mejor manera de desnudar las canciones de su álbum, tal cual ella las concibió en su cabeza.
Arena Jara es una joven cantautora, que se encuentra a caballo entre Madrid y Canarias. Con influencias del neo soul y músicas del mundo, junto a su voz dulce y arenosa, ha recorrido grandes escenarios de ciudades como Madrid, Mallorca, Ciudad de México y el festival «Ozora» en Hungría. Y mañana deleitará al público con su particular proyecto.
Hay música que, cuando se hace desde dentro, desde la raíz, llega hasta límites insospechados. Traspasando fronteras y emocionando a todo aquel que la escucha. Tener en nuestras manos un disco como «Anillos y Raíces» y poder hablar con sus creadores, es una gran fortuna.
Hace algunos días, estuvimos con Second hablando sobre este último trabajo y sobre su carrera. Además, reflexionamos sobre la situación de la industria musical y sobre todo el talento que hay en Murcia.
¿Qué hay detrás de «Anillos y Raíces»?
Sean. Cuando estamos componiendo las canciones y se te ocurre una idea, no eres consciente. Comienzas a crear sin ningún tipo de plan. Luego arreglas las canciones, las produces y las grabas. Y es entonces cuando te das cuenta de que siguen un hilo conductor. Y nos ha pasado un poco con este disco, era algo que comentábamos, de hecho. Parece que hemos encontrado a un Second del inicio, de la raíz, pero con muchas cosas ya aprendidas por el camino. Aprendizaje que se ha ido sumando a la mochila. Es un Second que bebe mucho de lo que era en su inicio, para actualizarse. Las raíces son la esencia y los anillos son la experiencia, como en el caso de los árboles, que representan la edad que tiene.
Además, la idea de alejarse durante un año también tenía que ver con la intención de irse lejos, hacia las afueras, hacia la naturaleza. Nos gusta perdernos y encontrarnos a nosotros mismos. Aparte, tenemos varias acciones en mente que van más allá de haber impreso el disco en papel reciclado. Queremos reforestar un bosque que hay en Huelva y otro en Murcia. Todo va muy por ese concepto, por el respeto hacia la naturaleza.
Nando. También es que una idea te lleva a otra, no sabes si es por casualidad o porque hay algo ahí arriba que maneja los hilos. Cuando comenzamos el encierro en una casa en plena naturaleza, hablábamos mucho sobre las composiciones que íbamos presentando cada uno. Y la verdad es que nos sentimos afortunados por encontrarnos en ese punto, alejados y en calma componiendo. Inspirados por todo ello, quisimos no solo lanzar un disco, si no realizar alguna acción que fuera mucho más allá de eso. Queríamos hacer nuestra pequeña aportación, ya que nos estamos cargando nuestro propio planeta.
Octavo trabajo de estudio y muchísimo recorrido y experiencia. ¿Qué queda de los Second que comenzaron y en qué ha cambiado?
Sean. Han cambiado muchas cosas. Por ejemplo, en el ritmo frenético en el que estamos completamente sumidos. Cuando antes publicábamos disco, teníamos demasiado tiempo para mirarlo antes de la primera entrevista [risas]. Ahora apenas lo hemos podido hacer. Por eso también queríamos parar, porque llevábamos 12 años metidos en el bucle de «gira, disco, gira, disco». Necesitábamos descansar y recuperar la ilusión hasta por esto, por explicar nuestras canciones y tocarlas de nuevo.
Sin embargo, no hemos cambiado en muchas otras cosas importantes. Seguimos siendo los chavales ilusionados que empezaron hace años.
Jorge. En eso, en encierro que tuvimos en la casa de campo fue fundamental. El pararse, el enfrentarnos de nuevo a nosotros mismos, el volver a hacer música y el divertirnos haciendo canciones.
Sean. El estar allí relajados y sosegados, nos permitió crear de nuevo. Aquí paramos la máquina y nos encerramos.
Nando. Es que hay discos que hemos grabado directamente en el estudio, sin apenas ensayar. Al final, no da tiempo a disfrutar de nada.
Fran. El no parar, no te permite dedicar el mismo tiempo, no te deja mimar las canciones. Con el parón lo hemos notado: todo fluía mucho más y al final, nos plantamos con más de una treintena de ideas de canciones. Y luego a la hora de producir, nos hemos permitido el cuidar los detalles. Creemos que, sin duda, estos temas son los mejores de un amplio espectro y eso se nota. Los diez te llevan por diferentes estadios. En eso hemos ganado, sin duda alguna.
Es complicado también lo que habéis hecho vosotros. Porque es ir completamente en contra de la industria musical.
Nando. Sí, la verdad es que es arriesgado. Quieras que no, salir a tocar es nuestra principal fuente de ingresos. Pero tampoco fue un capricho, fue más bien una necesidad de la banda. Considerábamos que la gente también se lo merecía.
Siguiendo un poco el hilo de este tema, ¿cómo veis el panorama musical actual y qué pensáis del auge de determinados géneros?
Sean. Dentro de que creo que se valora mucho más la música hecha con el alma, es verdad que ha crecido muchos estilos de música que no tienen alma. Quizás es que no la entendemos.
Nando. También depende mucho de cómo lo quieras mirar. Porque hay muchos grupos a nuestro alrededor que merecen mucho la pena y tienen mucho talento.
Sí que es cierto que hay un choque brutal entre el auge de música que no dice nada y bandas con talento que comienzan a emerger.
Sean. Claro, es que al final hay de una cosa, pero también hay de la otra. Al final, el punto está en poner el foco en el talento. Además, soy de los que piensan que poca gente, consigue cambiar muchas cosas.
Hablando de talento musical, ¿qué pasa con Murcia?
Fran. Siempre ha habido una movida musical bastante prolífica y bastante seria en Murcia. Tuvimos una época muy buena de salas de conciertos. También ha habido grupos que han marcado una época. Otras comunidades como Cataluña, han ido más a posteriori con bandas como Sidonie. En Murcia, hay muchos grupos que llevan creando historia desde hace mucho tiempo.
Sean. Con todo este panorama favorecedor, lo bueno es que todos hemos ido aprendiendo de todos. Creo que todos nos hemos fijado en Farmacia de Guardia o en los mismos M-Clan. Y creo que nosotros también hemos sido ejemplo o inspiración. Ahora las nuevas generaciones, que vienen con mucha fuerza, se fijan en las bandas actuales. De hecho, hay una anécdota muy curiosa, que no sé si he contado. Viva Suecia se me acercaron un día en un bar de Murcia, ellos acababan de empezar. Me dijeron, «hola, ¿qué tal? tenemos un grupo que se llama Viva Suecia». Claro, en ese momento, les dije que no los conocía. A lo que me respondieron: «oirás hablar de nosotros». Y lo cumplieron [risas].
Un titular que defina «Anillos y Raíces»
Second se pierde para volver a encontrarse.
Un escenario en el que no hayáis estado nunca.
El Teatro Circo Price. Siempre lo veíamos muy lejano y nos encantaba. Y por fin, el 26 de enero, cumpliremos el sueño.
Una banda o artista que acabéis de descubrir
Steven Wilson, que viene de una banda noventera, llamada Porcupine Tree.
También hemos descubierto a Villanueva, que no es reciente, porque lo descubrimos hace un año. Pero nos parece impresionante lo que hace.
Y Claim, que también son geniales y se lo están currando mucho.
¿Qué es lo más loco que os ha pasado dedicándoos a la música?
Bueno, hemos tocado en muchísimos lugares. Llegamos a tocar en la cárcel, de hecho. Es cierto que fuimos con algo de miedo al principio. Pero, al final, fue una experiencia diferente y un tanto curiosa. No dejaban de pedirnos temas rock y nosotros lo que acabamos haciendo, fue acelerar las canciones [risas]. Al final, fue todo bien, ellos lo que necesitaban también era evadirse un poco de todo.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Second?
Tratar de dormir seis horas, por lo menos [risas]. De momento, tenemos previstas las firmas de discos y acústicos. Y a partir de diciembre, nos metemos de lleno en la preparación del directo en sí. Y ya a partir de 2019, comenzamos con la gira. Eso sí, con la intención de no dejar de aprender cosas nuevas. Y divertirnos mucho.
Directamente desde Nashville y al más puro estilo rock americano, Larkin Poe llegan a España los próximos 1 y 2 de diciembre, para remover los cimientos del blues, del country y del rock, tal y como los conocíamos. En plena gira de presentación de su nuevo trabajo, «Venom & Faith», las hermanas Lovell prometen no dejar indiferentes.
Y es que, definitivamente, en este trabajo han encontrado su particular camino. Así lo comentaba Rebecca, en una entrevista que concedieron a Guitars Exchange: «El año pasado, Megan y yo hicimos un disco llamado Peach y fue el primero que co-producimos, solo fuimos nosotras dos en el estudio, con un ingeniero. Tocamos todos los instrumentos y fue una experiencia liberadora hacer algo así de básico, así que tomamos ese proceso y lo llevamos a la creación de Venom & Faith».
Este verano, fueron la auténtica revolución de festivales de la talla de Lollapalooza y Bonnaroo. Y ahora, con nuevo trabajo en la calle, se lanzan de lleno en una gira que las llevará por toda Europa: Inglaterra, Alemania, Austria, Italia y España. Y es que con ese particular sonido, imposible no conseguir adeptos allá por donde vayan. Tratar de encasillar a Rebecca (voz y guitarra) y Megan Lovell (voz y lapsteel) es complicado. Y es que interiorizan lo mejor del country, del blues y del rock, les dan la vuelta y los hacen propios. Y si a todo ello, añades ritmos pop y ciertos detalles en la producción que trasladan al hip-hop, tienes la combinación perfecta.
La visita de Larkin Poe a España
Que Larkin Poe visiten España no es casualidad. Tales eran las ganas que tenían sus fans españoles de verlas en vivo que, así lo solicitaron a través de la plataforma Cooncert. Es por eso por lo que el 1 de diciembre actuará en la Sala Cool Stage de Madrid; mientras que el día 2, estarán en la Razzmatazz 2 de Barcelona.
Además, no estarán solas. Para la ocasión, han creado vínculo con una de las bandas españolas que más ruido está empezando a hacer, dentro de todo este panorama emergente. Joan Queralt & The Seasicks estarán con ellas, tanto en Madrid como en Barcelona. Los catalanes también aprovecharán para presentar los temas de su reciente trabajo, «Purple Cannon» (abril 2018).
Al fin ha llegado «The Light In Between», como una luz en medio de tanta oscuridad. Es el nuevo trabajo de Chloé Bird que, en contraposición a «The Darkest Corners of My Soul», se muestra como un trabajo mucho más realista. Además, es el primero que cuenta con la producción de Guillermo Quero.
Hace unos días estuvimos hablando con Chloé y esto es lo que nos contó sobre su nuevo álbum
¿Cómo surge el concepto de «The Light In Between»?
Yo nunca sé que voy a hacer un disco, ni cómo lo voy a hacer, hasta que estoy a punto de terminarlo. Nunca soy muy consciente del proceso de creación. Sí que es verdad que desde 2015 cuando publiqué «The Darkest Corners of My Soul», fui componiendo nuevos temas. Me di cuenta de que todas tenían un denominador común: la luz. Y ya que el disco anterior era muy oscuro y más introspectivo, me pareció buena idea hacer un disco de contraste a ese. «The Light In Between» es más optimista, no tiene letras tan desgarradoras, son más comunales.
¿Son un poco la cara y la cruz?
Sí, aunque quizás no impliquen tantísimo contraste. Porque lo lógico tras lanzar un disco oscuro, habría sido componer uno completamente blanco. Pero quizás sí que sea más bien una evolución. «The Light In Between» es más bien realista, como diciendo que somos capaces de lo peor y de lo mejor. Es como la luz que se cuela entre las grietas. De ahí, también la portada, en la que aparece un pequeño hilo dorado. Está basada en la filosofía kintsugi, arte japonesa basada en la reparación de objetos de cerámica, mediante la reconstrucción.
¿Cómo ha evolucionado Chloé Bird desde «The Darkest Corners of My Soul»?
La forma de trabajo ha cambiado bastante. Es la primera vez que cuento con un productor musical, que es Guillermo Quero. La de los anteriores trabajos la llevaba yo y era una mochila con la que no quería cargar. Así que delegar en otra persona, para mí ha sido un trabajo duro, porque no estoy acostumbrada. Y lo cierto es que estoy muy contenta, porque hemos investigado y experimentado a nivel instrumental con muchas canciones. Esa ha sido la parte más interesante de grabar el disco.
Un titular que defina el disco.
No sabría decir, es muy difícil [risas]. La luz que nos cura, la luz que ilumina nuestras vidas.
Una canción del álbum.
La verdad es que es complicado, porque todas son como mis hijitas [risas]. Pero si tuviera que decir una, que es de la que me siento más orgullosa, sobre todo por la parte instrumental, es «The end of the masquerade».Fue una de las últimas que compuse para el disco y fue en la que más desarrollé mi parte «pianística».
¿Vas a explorar más esa vía instrumental?
Pues no lo sé, la verdad. Me gustó mucho hacer ese tema y es uno de los que más disfruto en los directos. Ese puntillo que te da el: «puedo cagarla en cualquier momento». No lo sé, pero quizás sí que siga explorando un poco más el piano, que es la base de mi música. Estoy en un punto en el que me siento más libre a la hora de explorar. Siempre he sido muy auto-exigente, pero poco a poco estoy aprendiendo a liberarme de toda esa presión y de todas esas cargas.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Chloé Bird?
Todavía quedan por cerrar detalles, pero pasaré por Badajoz y Valencia antes de que acabe el año. Pero irán saliendo poco a poco, porque son cosas que estoy compaginando con una obra de danza con la que estamos girando también.
¿Cuál es la mayor locura que has hecho por la música?
Muchas tienen que ver con la música y la falta de dinero [risas]. Por ejemplo, me he ido a París en coche, solo para ver un concierto. Fueron muchas horas de viaje pero mereció totalmente la pena ver a Damien Rice en vivo.
También he hecho otras locuras, como llevar un piano de 30 kilos tú sola por la calle. Y obviamente, acabar con el hombro dislocado. O volverte a casa después de un concierto en el que diluvió, porque no podías quedarte a pasar la noche. Luego me pasó que fui a Colombia a tocar y estuve dos días tocando y tres viajando [risas].
Hacer historia, formar parte de los grandes, conseguir algo que ninguna banda española de rock había conseguido de manera previa, obtener el Guiness World Record. Hablamos de Kitai, que el pasado martes 13 de noviembre comenzaban con una de las mayores locuras nunca vistas. Locura que se cumplió satisfactoriamente, justo 24 horas después, el miércoles 14 de noviembre.
Llevaban tiempo anunciándolo y parecía algo irreal, que quedaba lejos. Por eso, justo cuando el día llegó, más de uno nos acercamos a la sala El Sol con una mezcla de curiosidad y escepticismo. El reto era demasiado arriesgado, lo que muchos no sabíamos es que Alexander, Deiv, Fabio y Edu son unos guerreros con un aplomo increíble y con una personalidad indomable. Precisamente, lo que necesita un buen artista. Además de talento y mucho trabajo. Trabajo que habían cumplido con creces, no solo a nivel musical, también a nivel mental y físico.
Antes de comenzar, unas cuantas normas tenían que cumplir: no repetir repertorio en cuatro horas, no parar más de 30 segundos entre canción y canción, no descansar más de 5 minutos por hora, que podían ser acumulables, no bajar del escenario en ningún momento salvo en los descansos establecidos. Y así lo hicieron, aunque no fue fácil. Sobre todo a altas horas de la madrugada, cuando estando ellos solos, permanecían sentados en sillas y con apenas un hilo de voz, continuaban cantando.
Afortunadamente, no estuvieron solos. Y muy probablemente eso les diera las fuerzas necesarias para seguir. Más de 650 almas entregadas bajo el escenario y muchos amigos encima que, con la energía de quien está viviendo una hazaña, quisieron unirse al #RetoKitai24horas. Así fue como desfilaron artistas y bandas de semejante peso, como Def con Dos, Taburete, Sober, Fran Perea, Rubén Pozo, Nikone, Arkano, Dan Millson, Pol 3.14, Amatria o Edu Molina, entre muchos otros.
Poco a poco, fueron cumpliendo con el gran reto. Justo cuando el gran cronómetro estaba llegando a su fin, Kitai sacó esa fuerza tan arrebatadora que los caracteriza. No solo cumplieron con las 24 horas establecidas, sino que también se atrevieron con los bises. Otra cosa no, pero entregarse se iban a entregar a su público. Fue entonces cuando las palabras del vocalista de la banda, Álex, comenzaron a resonar por todo El Sol: «estamos aquí todos juntos para soñar misiones imposibles».
Así que de parte del equipo de Verdadera Locura, no nos queda otra que dar la más sincera enhorabuena a Kitai y a todas las personas que han hecho que este reto se convierta en una realidad. Ahora solo toca pensar en el siguiente proyecto: La Riviera, el próximo 8 de marzo de 2019. Y, por supuesto, el Cooltural Fest, festival en el que actuarán el próximo año.
Al fin. «Donde escapa la luz» está en la calle y lo ha hecho con la seguridad de que será un gran disco. El tercer trabajo de la banda cántabra Repion se alza como uno de los grandes descubrimientos de este 2018. Además, es, sin duda, el trabajo más potente, más nostálgico y más sincero de las hermanas Iñesta. Es el trabajo que más las identifica. Y desde ayer, es nuestro.
Hace apenas unos días hablamos con ellas y esto es lo que nos contaron sobre «Donde escapa la luz».
Además, el próximo jueves 29 de noviembre actúan en la Sala Siroco. Consigue tu entrada ya en Wegow.
¿Cómo el concepto de «Donde escapa la luz»?
Teresa. «Donde escapa la luz» en realidad es el título de una de las canciones. Pero decidimos trasladarlo al concepto del EP, porque nos pareció una frase muy chula y con fuerza. Básicamente habla de las cosas guays que pasan donde escapa la luz, como en la oscuridad. Son las cosas que no se ven a simple vista.
Un titular que englobe todo el concepto.
Marina. Yo diría potencia, nostalgia y a la vez, sinceridad. Porque refleja lo que somos nosotras, sin llegar a dudar. Porque quizás los otros trabajos que hemos editado, han sido una versión de estudio de lo que en realidad somos. Luego, en directo éramos otra cosa. Eran dos mundos, bonitos y nuestros. Pero al final, donde nos sentimos más reflejadas en el directo, porque es donde ponemos más rabia y pasión.
T. Y en este disco, todo ello está más conseguido. La grabación mantiene la energía que queremos transmitir en directo.
En todo ese proceso, Paco Loco habrá tenido que ver.
M. Por supuesto. Paco Loco nos ha ayudado mucho en todo, incluso a reestructurar algunas canciones. Nos decía: «no, esto es una mierda, quitad esta parte»; y de repente, cogía la guitarra y se metía de lleno. Le dio un punto de vista aún más real.
T. Nos ayudó a cerrar más el círculo, a que todo tuviera aún más armonía.
M. Nos ayudó a encontrar nuestro sonido y esa potencia que comentábamos.
Iba a preguntaros precisamente por esa evolución.
T. Sí. A ver, es que también empezamos muy pequeñas. Supongo que crecer también nos ha ayudado a encontrarnos.
M. Es que es justo eso. Llevamos muchos años, pero realmente cuando empezamos a tocar, no teníamos ni idea del mundo en el que nos estábamos metiendo. Ni tampoco éramos maduras. No es lo mismo empezar con 17 años que con 25. Lo nuestro ha surgido sobre la marcha y de manera totalmente improvisada. Hemos seguido nuestra propia evolución natural y personal.
De hecho, «Los Noventa» salió en verano y marca un poco ese salto generacional. Es un poco un punto de inflexión.
M. Sí, que lo produjo otra persona, lo produjo David Baldo. Pero aún así, ya captó la esencia. Y hay gente que piensa que el single de «Los Noventa» pertenece al EP y no es así, aunque sí que lo hemos querido incluir como bonus track.
T. Y sí, es un poco una reflexión sobre eso, sobre ese salto generacional.
¿Cómo afrontasteis la salida de «Las flores de invierno»?
M. Muy bien, teníamos algo de miedo pero también ganas de que la gente escuchara ya algo nuevo y completamente distinto. Además, no lo hemos machacado mucho en los directos, así que pillaba de nuevas.
T. Además, como cuesta tanto producir discos, estábamos acostumbradas a tocar mucho las canciones aunque no estuvieran grabadas. Pero con este EP hemos conseguido aguantarnos las ganas y sorprender con temas completamente nuevos.
Lleváis unos años dedicándoos a la música, ¿cómo veis el panorama musical?
T. Estamos viendo que hay mucha mezcla entre música y talento emergente, y lo que es la industria más tradicional. Por un lado mola, pero por otro lado, se ha creado como otra corriente sub-emergente. Nos hemos fijado en eso, sobre todo desde que nos vinimos a Madrid, donde se está moviendo muchísimo la escena. A mí me parece muy guay que estén surgiendo tantas bandas. Creo que la clave está en machacar a la gente y conocer a mucha gente. Al final, llevamos muchos años y parece que acabemos de surgir. Pero tampoco tenemos prisa.
¿Y cómo veis el papel de la mujer dentro de la industria de la música?
T. Lo cierto es que cada vez vemos a más mujeres liderando y es algo que está guay. Aunque choca aún poco, porque parece que en determinados lugares, por ser mujer tienes que demostrar más.
M. Creo que va a mejor y que la situación está evolucionando, pero aún hay actitudes que no molan y que hay que cambiar.
T. De todos modos, creemos que la gente se está acostumbrando. A pesar de las reticencias iniciales. Afortunadamente, a día de hoy, creemos que la cosa está mejorando bastante.
Siguientes pasos.
T. Sobre todo, vivir el presente, disfrutar de lo que estamos haciendo y continuar creciendo y haciendo música. No tenemos planes muy cerrados, porque así te desesperas. Hace falta mucha paciencia y tranquilidad.
Regresaban hace poco más de año y medio, después de seis en silencio. Maga regresaba a los escenarios con su nuevo trabajo, «Salto Horizontal». Miedo inicial de la banda que se transformó en buenas sensaciones al comprobar que el público aún los recordaba, seguía y cantaba. Y es que olvidarse de ellos es prácticamente imposible. Ya llevan más de un año girando con este disco, recorriendo algunas de las salas más emblemáticas del país y actuando en festivales, como Cooltural Fest, que este año celebraba su primera edición.
Este parón permitió a la banda sevillana, volver con una fuerza abrumadora. Permitió a la banda regresar con un verdadero «discazo», en el que había emoción y un nuevo sonido, producto del trabajo y experimentación.
«Salto Horizontal» de Maga llega a su fin
Cerrar gira es uno de los momentos más especiales. De ahí que los sevillanos decidieran montar un espectáculo diferente en las cuatro ciudades en las que «Salto Horizontal» llegaría a su fin. Un final que arrancó el pasado 10 de octubre en Granada, pasó por Sevilla el 18 de octubre y el 16 de noviembre por Barcelona. A falta de Madrid, ciudad por la que pasan este mismo viernes 23 de noviembre. La cita será en la sala Ochoymedio.
Para estas despedidas tan especiales, Maga ha preparado unos conciertos únicos, cuya finalidad es crear una experiencia totalmente diferente. Un trío de cuerda ha acompañado a los sevillanos en todos los conciertos y Madrid no será una excepción. Además, en cada ciudad ha actuado con ellos un invitado diferente. Como sorpresa o «avanzadilla», en la capital estará Xoel López cantando con ellos.
Y con el objetivo de implementar nuevas artes, la ilustradora María Hasse también ha acompañado a Maga, con la idea de dibujar en directo lo que las canciones de la banda le inspiraban.
