En medio de la crisis del COVID-19 y del confinamiento, Viva Suecia se vieron obligados a interrumpir su gira de «El Milagro», igual que lo tuvieron que hacer muchas otras bandas y artistas. Precisamente, en el mejor momento de la formación murciana, que tras la publicación de este tercer álbum, se encontraba en el olimpo de la escena del rock independiente nacional. Un trabajo que llegó con un ambicioso tour, para el que tenían preparado un apabullante show de sonido y luces. Un tour que, a pesar de todos los carteles de entradas agotadas que colgó, terminó truncándose, igual que el resto de industia musical.
Sin embargo, con la llegada de la nueva normalidad, Viva Suecia ha montado un nuevo ciclo de espectáculos que los llevará por diferemtes ciudades como Murcia, Barcelona, Burgos, Aranda de Duero, San Sebastián, Pamplona, València o Sevilla, entre muchas otras. Un espectáculo más íntimo y adaptado a las medidas de seguridad decretadas por las autoridades, pero con los cinco miembros de la banda sobre el escenario, ofreciendo una nueva mirada sobre un repertorio que los asistentes a estos conciertos podrán disfrutar con una cercanía que en otro contexto habría sido muy complicada. De hecho, ellos mismos hablan así de esta nueva serie de recitales: «En muchos aspectos, todos nos hemos visto obligados a hacer un paréntesis. O directamente a buscar caminos alternativos, a inventarnos una vía nueva. Necesitarnos Tanto es el nombre de una gira que no es la de El Milagro ni tiene la intención de serlo. Es nuestra senda paralela. No son conciertos en acústico, no son conciertos en eléctrico, vamos a ser 5 personas en el escenario en todo momento y todas las canciones van a tener una cara un poco distinta»
Esta gira arrancará este mismo 10 de julio en el Palencia Sonora. Y seguirá el día 12 en Las Noches de Malecón de Murcia (ciudad en la que se agotaron las entradas en apenas media hora). Después pasarán por San Fernando (Cádiz) el 17 de julio y de allí saltarán al Natural Live en Férez (Albacete) el 24 de julio. Poniendo punto y final al mes de julio, concretamente el día 30, actuarán en el Camp Nou de Barcelona dentro del ciclo XXS Cruilla. Ya en agosto, el día 5, Viva Suecia actuarán en Burgos, el 6 estarán Aranda de Duero, en la edición especial de este año de Sonorama, el 7 en San Sebastián en el Kursaal y el 8 en Las Noches en la Ciudadela de Pamplona. Esta gira también visitará el 13 de agosto el ciclo Republic Alive de Valencia, el 15 el Festival de Verano de Úbeda, el 29 el Marenostrum Fuengirola y el 30 el Cooltural Fest Go! de Almería. Todo ello para terminar, por el momento, el 5 de septiembre en el ciclo Sevilla Alive. ¿Os animáis a verlos en alguna de estas ciudades?
Si algo nos ha dado tregua en este confinamiento ha sido el talent show musical más visto de nuestra televisión. Sí, hablamos de Operación Triunfo, programa altamente seguido y en el que hemos conocido a talentos como el mismísimo Rafa Romera, quien ya ha fichado por Live Nation y ya ha anunciado sus primeras fechas de la gira. Fechas que, eso sí, tendrán que esperar a finales de este 2020 (siempre y cuando la situación lo permita y las recomendaciones sanitarias sean favorables).
De Operación Triunfo a toda una gira nacional
El joven de 23 años ha pegado el gran salto gracias a la visibilidad que le ha dado Operación Triunfo, en el que destacó por el positivismo y por haber sido el creador del gran himno de la edición, llamado «Díselo a la Vida». Ahora mismo, se prepara para lanzar su nuevo single, que lleva por título «Como una gota» y que verá la luz el próximo viernes 3 de julio. Un tema que es toda una declaración de intenciones e influencias musicales que, además, ha sido producido por Antonio Ferrara y Pedro Pimentel.
Paralelamente, el cordobés ha fichado por Live Nation, que también se encargarán de toda el área de management. En palabras de Robert Grima, presidente de la reconocida productora de eventos, «desde que conocimos a Rafa nos cautivó su energía y su simpatía, pero sobre todo, su calidad compositiva y su voz tan personal». De esta manera, ya podemos anunciar las primeras fechas de los conciertos de Rafa Romera, que comenzará a girar a finales de este 2020 (esperamos que las condiciones sanitarias sean favorables). Así que, ¿estáis preparados para anotar bien las fechas? Porque pasará por Córdoba el 5 de noviembre (Sala Hangar), Sevilla el 7 de noviembre (Sala Fanatic), Madrid el 19 de noviembre (Sala But), Valencia el 20 de noviembre (Sala Moon) y Barcelona el 21 de noviembre (Razzmatazz 2). ¡Y las entradas están disponibles en Live Nation!
Hay lugares en los que la música se convierte en refugio. Hay lugares que son sinónimo de altavoz. Hay lugares en los que verse reflejados. Hay lugares como Arctic Sessions, la plataforma audiovisual de ArcticWave Studio (Barcelona). Un lugar en el que descubrir nuevos artistas y bandas a través de su música. Si aún no los conoces, ya puedes leer la entrevista que le hicimos hace algunos días a Carlos Dueñas, su fundador.
¿Cómo surge el proyecto de Arctic Sessions?
Nacen a raíz de que yo soy productor en ArcticWave Studio y tengo también amplia experiencia en directos. Y los lives es algo que siempre me ha motivado mucho, además de que tenía curiosidad por ver qué se podía conseguir haciendo directos dentro de un estudio, de manera más controlada y con unos medios mucho más cuidadosos. Todo ello para que la gente viera lo que es la calidad de un proyecto de este tipo, sin artificios y sin necesidad de que esté producido. Así que pensamos que era una idea guay de descubrir a la gente nuevas bandas y artistas, ya no solo de Barcelona, también de otros lugares.
¿Cómo funciona la plataforma y desde cuándo lleva funcionando?
Pues nosotros como estudio llevamos funcionando como cinco años y la plataforma nació un poco porque habíamos visto otros proyectos parecidos de los que nos ocupábamos del sonido. Pero en este caso, decidimos tomar las riendas y nos decidimos a lanzar una plataforma propia, con todos los artistas que quisieran mostrarse en este tipo de formato. De esta manera, Arctic Sessions surgió un verano en el que nos encerramos con ocho bandas y cada día, trabajamos con dos de ellas, a las que grabábamos un par de temas. Teníamos un par de cámaras, tomábamos diferentes planos y mezclábamos en sonido final. Fue una experiencia que nos gustó mucho y desde entonces, decidimos continuar.
En cuanto a la selección de los artistas, ¿cómo es todo ese proceso?
Es un proceso que ha ido evolucionando. Al principio, llegábamos a los artistas que podíamos. Era algo que hacíamos a modo de inversión, como un trabajo de estudio en el cual un equipo de vídeo que también colaboraba, pero todo de manera muy altruista. Y claro, llegábamos a los artistas a los que llegábamos y a los que conocíamos. Pero todo esto fue cambiando, creciendo y evolucionando, llegando a crear un calendario: ahora, vamos programando diferentes artistas, mes a mes por estilo. Creemos que todos ellos tienen algo especial que transmitir a la gente. Por eso intentamos no hacer mucha criba y darle la oportunidad a todo el mundo. Pero también es verdad que al tomar las riendas nosotros, decidimos hacer las cosas que nos gustaban. Y es que en el estudio producimos mucho indie, mucho pop, mucha música urbana. Al final, tomamos la decisión un poco en base a lo que nos motiva, pero intentamos hacer hueco a todo el mundo en nuestro calendario.
¿Crees que hacen falta más plataformas de este tipo, especialmente entre las bandas más emergentes?
Bueno, yo de hecho, creo que hay muy pocos proyectos de este tipo: teníamos Balcony TV, teníamos la cadena impulsada por Movistar y un par más. Pero todas han ido bajando la producción e incluso han desparecido. Eso es algo que cuesta un montón, porque al final tienes que mantener a un equipo y es un trabajo que se hace por intentar ofrecer a la gente un trabajo audiovisual de calidad e intentar que bandas pequeñas lleguen a otro tipo de público. Pero creo que este tipo de plataformas son muy importantes, además de que al trabajo audiovisual tampoco se le da la suficiente relevancia.
En relación a esto, ¿cómo ves el panorama musical actual especialmente en estos momentos?
Creo que la situación derivada del COVID ha hecho que todo el mundo esté aturdido. No sé qué va a pasar, pero no tengo ningún tipo de duda de que el sector musical va a buscar las fórmulas que hagan falta para que, a partir de julio que podamos hacer cualquier tipo de evento al aire libre, se lleven a cabo las miles y miles de iniciativas que seguramente surjan. Lo que tengo claro es que se va a reinventar porque es una industria y si no ingresa un mínimo, no sobrevive. Entonces es básico buscar la fórmula, para que todo vuelva un poco a la normalidad. Un panorama que choca con lo que pasa en el estudio: y es que, puesto que muchas bandas han decidido que no podrán tocar mucho, se han propuesto adelantar su proceso de grabación que a lo mejor tenían para invierno o para el año que viene. Todo para volver a la normalidad el próximo año.Esta es un poco mi visión sobre la situación.
Volviendo un poco a las Arctic Sessions, el último vídeo que hemos podido ver es el de Ginestà. ¿Cómo ha sido el trabajo con ellos?
Hay bandas con las que trabajamos porque existe una conexión, una compatibilidad. Y en otras ocasiones, trabajamos con sus productoras, sus managers o sus agencias de comunicación. En esta ocasión, lo hicimos todo a través de José Garanto, que es amigo mío desde hace mucho tiempo y trabaja con múltiples bandas. Además él tiene ya como barra libre en Arctic Sessions [risas]. Entonces fue él quien nos propuso a Ginestà para esta sesión y enseguida dijimos que sí. Y la verdad es que son una maravilla, todo fue muy bien con ellos y eso que no los conocíamos. Pero nos propuso a la banda, estuvimos investigando, dijimos que sí y trabajar con ellos fue un gustazo. Es más, están creciendo cada vez más. Así que esperamos que esto les haya servido un poco como escaparate y de ayuda.
¿Cuáles serán un poco los siguientes pasos de Arctic Sessions?
Pues tenemos en mente los próximos pasos que queremos implementar, aunque no sabemos cuándo, porque todo dependerá de cuánto tardemos en recuperarnos de esta crisis. Uno de ellos, que llevamos tiempo planteándonos, es el de hacer Arctic Sessions en streaming. Normalmente, nosotros lo que hacemos es grabar los vídeos, los producimos y los emitimos. En este caso, lo que queremos es que sea más inmediato y que tenga esa sensación de live, pero con una calidad increíble. Pero este es un reto muy grande, porque hay muy pocas opciones de que eso funcione: es algo complejo que solo las televisiones consiguen. El siguiente reto que nos planteamos es el desplazarnos, dentro de unos años, a otro estudio, un poco más grande para darle otro plató a los vídeos y para tener más capacidad de logística. Pero poquito a poquito.
Durante este tiempo que Arctic Sessions está funcionando, ¿recordáis algún momento especial que recordéis con mucho cariño?
Yo creo que a veces hay proyectos que no te imaginas que van a llegar tan fuerte. Es como, por ejemplo, cuando grabamos a María Rodés, que hizo una versión muy bonita. Ella es amiga desde hace mucho tiempo y se lo propusimos y dijo que sí, además fue de las primeras. Pero cuando empezamos a grabar y escuchamos la canción, se creó un aura bastante mágica a nivel . Quedó muy bonito ya la verdad es que terminamos muy contentos. Ese fue un momento muy especial. Por lo demás, nos ha pasado de todo, como accidentes [risas].
De los que han pasado por Arctic Sessions, ¿qué artista ha sido un descubrimiento a nivel musical?
Pues hay varios artistas que nos han sorprendido. Maïa Vidal fue increíble: fue de los primeros que hicimos y ella tiene un talento inmenso. Pavvla nos gustó mogollón. Fue de los primeros que hicimos y lo grabamos cuando ella apenas tenía un single en la calle y nunca lo llegamos a sacar, lo publicaremos. Además, creció tanto, que volvimos a hacer otra al año siguiente, porque lo cierto es que también tiene mucho talento. Marta Pérez fue otra de las artistas que nos sorprendió. No la conoce mucha gente y es increíble, me alegro mucho de haber podido trabajar con ella. Además de Penny Necklace, Ana Biermann, Intana, CARLA. Todas ellas han sido un gran descubrimiento y nos han gustado mucho, aunque a algunas de ellas no las conocíamos mucho. A muchos otros ya los seguíamos y conocíamos su trayectoria previa, pero también hemos disfrutado mogollón.
Por cerrar un poco, ¿con qué artista os gustaría trabajar y aún no ha pasado por Arctic Sessions?
Es que hay muchísimos, yo tengo ganas de trabajar con muchos artistas. Es infinita la lista [risas]. Pero nos gustaría y tenemos pendiente a bandas como Dorian, Mi Capitán, Miss Caffeína. Grupos más consagrados con los que nos encantaría trabajar. Luego hay bandas más pequeñitas con mucho talento con las que también quisiéramos grabar. Por mí, haríamos un montón, así que no te puedo decir uno exacto. Aunque sí que te puedo decir el siguiente, que con todo lo del confinamiento y el COVID-19 quedó paralizado, que es Ferran Palau. Pero llegará.
Un jueves cualquier en medio de la desescalada y el camino hacia la nueva normalidad. Tenemos una misteriosa cita de manera online con nuestros amigos de Music Hunters y con un artista al que desconocemos, pero que nos va a presentar su proyecto. Solo hemos podido escuchar una de sus canciones: «Voz Interior». Y la verdad es que nos encanta ese estilo tan personal, ese sonido que viaja entre el indie y el rock y esas letras que te hacen reflexionar. Se trata de Basilea, tras el que se esconde el artista barcelonés Jon Oyster.
Conociendo a Basilea
Ya con el telón alzado, Jon Oyster se presentaba ante la prensa como Basilea. Una banda nacida en el año 2018 y asentado en Barcelona, el joven artista nos habló con una sinceridad abrumadora sobre su proyecto personal. Un proyecto con el que ha irrumpido rápidamente con su primer tema, «Voz Interior», que ya ha visto la luz en exclusiva, aunque seá el 12 de junio cuando esté disponible en todas las plataformas digitales. Una canción de lo más especial que se alza como un verdadero himno dentro del género indie-rock. Una gran promesa que, estamos seguro, será uno de los mayores descubriemientos del año.
Influenciado por bandas como Love of Lesbian, Miss Caffeína, Dorian, Sidonie o Lori Meyers; Basilea ha conseguido encontrar su propio hueco y un sonido muy particular, notable tanto en el tema original, como en acústico, a pesar de que ambas versiones sean muy diferentes. Tiene algo que engancha, que hace que lo escuches una y otra vez, algo que enamora.
Una pequeña semilla que ha comenzado a germinar sin descanso, tras un extenso periodo de reflexión, tras haber lanzado su primer trabajo, grabado entre Dept 17 Studio y Groove Factory Studio. Proyecto al que se han sumado profesionales como Victor García en la producción y Álex Carretero en la co-producción y mezcla. Además, fue clave la colaboración de Tony Mateos (Groove Factory Studio) y Juanjo Muñoz (Catmastering).
Hay discos que son especiales, ya no solo para el público, también para los propios artistas. Es el caso de «La mejor defensa» de Carlos Cros, quien después de años de haberlo lanzado, se ha decidido a publicar la revisión extendida del mismo. Y es que no hay mejor manera de despedir un álbum que ha significado y significa tanto.
Una nueva versión con temas convertidos en himnos y con canciones inéditas, concebidas especialmete para este disco. Eso sí, no hay disco especial sin colaboraciones. En este caso, aparte de la de Carlos Cros, también podemos contar con las voces de Santi Balmes, Marc Ros, Delafé, Coque Malla, Maria Rodés, Miqui Puig y Santi Campos, quienes han impregnado de magia todos los temas.
«Estas canciones nuevas son muy especiales para mí porque una de las cosas más divertidas de este oficio es sorprenderte a ti mismo». Como resultado, tenemos canciones tan dispares como únicas. Un viaje en el que pasamos del calypso o los coros salseros, a los sonidos clásicos de Elvis Costello y Nick Lowe, pasando por el power pop o los ritmos más 70’s. Canciones de amor, de desamor y de todas aquellas pequeñas cosas que no sabemos ver y que nos sacan de nuestra cotidaneidad. Canciones que esconden una gran honestidad y una increíble dulzura tras de sí.
Con una carrera impecable y con un reconocimiento muy particular, Carlos Cros es creador de pequeñas joyas musicales con sabor a pop. Y es que entre sus últimos hitos, destaca haber sido seleccionado por GPS (Girando por salas) para realizar una gira de seis fechas por la geografía española. Aunque debido a la complicada situación que estamos viviendo, se celebrará a finales de este 2020.
A raíz de todo ello, hemos podido hablar con el artista Carlos Cros. ¡La entrevista completa está disponible en nuestro canal de YouTube!
«Toda la noche la he pasado pensando qué hacer cuando salga de aquí» ~ Penny Necklace
Coronavirus, confinamiento, fases, nueva normalidad. Las palabras que probablemente más nos hayan acompañado durante estos meses que hemos pasado en casa, en los que todos y cada uno de nuestros días se planteaban exactamente igual. Y justo ahora parece que comenzamos a ver la luz al final del túnel: el momento perfecto para ir adquiriendo e incorporando nuevos himnos, como el de Penny Necklace, quien con su sonido y esencia particulares acaba de publicar su tema «Nueva Normalidad». Además, la artista madrileña no está sola, pues ha contado con la colaboración y participación de Carla Gimeno de The Crab Apples. Pero, ¿cómo surge esta verdadera joya, grabada de manera virtual y a distancia bajo los mandos de Víctor Cabezuelo de Rufus T Firefly?
«Es un viaje luminoso, un cachito de mi corazón, esperanza sinuosa hecha canción. Una reflexión de madrugada de esas que surgen a borbotones».
Una canción que llega justo cuando más la necesitamos, alzándose como un cántico a los cambios tan bruscos e indecisos que estamos viviendo a día de hoy y que, además, refleja a la perfección cómo nos sentimos y lo que pensamos. «Nueva Normalidad» inundó nuestras vidas el pasado 22 de mayo, llegando acompañada de un casero videoclip que se grabó en pleno confinamiento entre las ciudades de Madrid y Barcelona. Imágenes tomadas por las mismas Odette y Carla, desde las ventanas de sus hogares. Imágenes a las que puso su increíble toque personal de Queso de Bola Studio, encargados de editar este particular clip y de diseñar el arte que lo acompaña.
Una muestra más de los regalos que nos puede dar la música con medios tan sencillos como un simple iPad. Y el talento de artistas como Penny Necklace. Sobre todo el talento.
«Todos los días se parecen demasiado y no sé qué más añadir» ~ Penny Necklace
Hay canciones que suenan al otro lado del charco, que te trasladan a mil lugares sin ni siquiera salir de casa, que emanan amor y fuerza, especialmente en los momentos más complicados y adversos de la vida. Esto es justo lo que pretende trasladar «La ley del miedo», el nuevo single de Che Sudaka, para el cual también han contado con la colaboración de la banda argentina Las Manos de Filippi. Una canció muy especial que supone la tercera entrega de la actual etapa artística de la banda afincada en Barcelona: etapa llamada «Conectando».
El mensaje escondido tras «La ley del miedo»
«El miedo limita», aseguraba el cantautor argentino Facundo Cabral. De ahí, esta canción, esta «La ley del miedo», que reza lo siguiente: «Te tienen que pasar cosas muy fuertes para que tengas ganas de cantar». Motivo suficiente para que Che Sudaka, acompañados por Las Manos de Filippi, inviten a todo el planeta a vibrar en la misma onda del amor, la única capaz de hacernos seguir adelante.
Y es que ya la televisión se encarga de contarnos qué pasa en el mundo, para bien o para mal. Pero tal y como los mismos Che Sudaka aseguran: «La verdadera noticia de cada día no la dan los noticieros. La noticia es que estamos vivos aquí y ahora. Este es el momento de actuar. De hacer lo que el corazón nos dicte. De atender todo aquello que nos haga hervir la sangre».
Así llega a nuestras vidas «La Ley del Miedo», una canción que fusiona de una manera muy natural y orgánica el sonido del acordeón vallenato y los tambores de la música tradicional colombiana, con el bandoneón característico del tango y de Buenos Aires. Una canción producto de la unión de dos familias, de dos bandas que saben lo que es tocar en la calle. Dos bandas totalmente independientes, en todos los sentidos. «Dos bandas que tienen miles de corazones latiendo al unísono en el mundo entero, al son de sus himnos, que revolucionan mentes pero, sobre todo, almas».
Proyecto multidisciplinar donde los haya y con un sonido tan característico, capaz de envolverte en su potente atmósfera. Se trata de Musgö y de su álbum debut, llamado «Open The Gate». Un universo en el que quedamos atrapadas desde el minuto 1 en el que entró en nuestras vidas. Un universo que, hoy, podemos conocer un poco mejor, gracias a la entrevista que le hicimos hace algunos días a Mar Gabarre, que es quien se esconde tras él.
¿Cómo surge el concepto del disco, de «Open The Gate»?
Pues realmente fue un proceso súper natural, porque me contactaron desde una discográfica para producir el disco, pero finalmente con ellos la cosa no cuajo y salió un poco mal. Pero bueno, eso me sirvió para sentarme por primera vez delante de todas mis canciones y para plantearme qué temas incluiría en mi disco. Justo al hacer eso, me di cuenta de que todas las composiciones que tenía hasta el momento, giran entorno a un mismo tema: el de abrir una puerta con el más allá, conectar con el mundo espiritual y ser conscientes de esa parte que tenemos en nosotras mismas. Todo ello, hablado desde diferentes puntos de vista, como el de la naturaleza o como el de las diferentes religiones y todo lo que tienen en común. Siempre me han interesado mucho todos estos temas, pero claro, hasta que no me senté para plantearme el disco, no me di cuenta de todo ello.
¿Por qué precisamente hablar de este tema?
Yo me he criado en un entorno bastante abierto, ya que mis padres son artistas y están iniciados en una filosofía muy espiritual surgida en la India. Desde pequeña me he acostumbrado a ver a mis padres meditar en casa o hablando de la naturaleza, ya que mi madre también es biológa. Siempre he sentido una conexión muy especial con todo ello: de hecho, soy médium y he tenido diferentes experiencias sobrenaturales. Así que estos termas forman parte de vida y de mi día a día.
En este sentido, ¿qué importancia tiene el mensaje de las canciones?
Pues mucho, la verdad. Aunque estas cosas salen un poco solas, yo intento que el contenido que se transmita en las canciones sea real y tenga un sentido profundo que, junto a la música formen un todo, un conjunto.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Open The Gate»?
La verdad es que fue un proceso largo. Este ha sido mi primer disco y he estado componiendo durante mucho tiempo y creándolo de diferentes maneras, ya que no sigo un solo método para componer, pero sí que muchas de las canciones que escribo, surgen a partir de imágenes, de mis propias imágenes, ya que también soy artista plástica. Primero creo las imágenes que, posteriormente, adquieren una dimensión en forma de historia, en forma de letras, de canciones.
¿Y cómo ha sido la acogida de este disco por parte del público?, ¿cómo ha sido el feedback?
Pues fue muy buena, la verdad. Yo soy de Chiclana y claro, aquí hay mucho flamenco y mucho carnaval. Y cuando haces algo diferente, ya la gente te empieza a decir: «tienes que componer en castellano y hacer flamenco, si no no le va a gustar a nadie» [risas]. Claro, lo que recibía desde fuera siempre era un poco ese mensaje y, de repente, hago un disco de tripop e indie más experimental, con el que estoy recibiendo muy buena acogida y muchos mensajes positivos. Mucha gente me ha escrito diciendo: «no sé qué tipo de música has hecho, pero siento que me traspasa el alma y me está cambiando por dentro». O sea, mensajes súper profundos que me han hecho mucha ilusión. Es muy guay que la gente note esa energía que le pongo a mis canciones y a mi arte. Que yo pongo mi corazón, con cero expectativas, aunque evidentemente, creo en mi proyecto. Pero cuando desde fuera te están lanzando otro mensaje, pero aún así te arriesgas, crees en ti misma, publicas un disco en el que hay tanto de ti y que es tan transformador, y encima a la gente le llega…es una sensación muy guay.
A nivel de producción, ¿cómo fue el trabajo en Freemonk Music?
Es algo que viene de largo, porque yo participé en Got Talent y a la salida del programa, me contactaron de una diacográfica, para lanzar el disco juntos. Sin embargo, no fue lo que esperaba ya que querían que publicara un disco más comercial, con lo que no me sentía identificada. Así que decidí seguir mi camino y hacerlo de manera independiente: preparé las maquetas, producí los temas y haciendo los arreglos. Ya fue ahí cuando me mudé a Londres, lancé una campaña de crowdfunding que funcionó muy bien y, a partir de ahí, empecé a trabajar en Freemonk Music, Allí terminamos de producir todas las guías que llevaba yo ya preparadas: allí, claro, con un equipo de primer nivel y además, con Chris, que tiene una visión y una experiencia increíbles.
Tienes un sonido muy característico e incluso han llegado a decir que eres la Björk española. ¿Cómo construye Musgö todo su universo sonoro?
Objetivamente, no pienso en los sonidos cuando estoy creando. Es más bien esa sensación que te comentaba antes de ver una imagen y transformarla en un sonido: es casi más un proceso sinestésico, más que algo consciente. Yo me imagino los colores o las imágenes que quiero transmitir con la canción y en base a eso, voy creando y experimentando con los instrumentos y las herramientas digitales que tengo.
¿Qué importancia tienen otras disciplinas artísticas en el proyecto de Musgö?
Pues la importancia es total. Y es que yo estudié Bellas Artes, mis padres son artistas plásticos y desde pequeña he mostrado interés en todo ello. Además, con la música siempre he tenido claro que no quería simplemente hacer música. Mi objetivo desde que empecé a tocar, era encontrar este espacio crrativo en el que pudiera mezclar lo visual con lo sonoro. Afortunadamente, ahora lo tenemos muy fácil con todos los vídeos que podemos crear y con todas las herramientas que tenemos a nuestro alcance: ahora más que nunca. imagen y sonido pueden estar muy cerca. Aunque yo desde muy pequeña sabía que quería que todo estuviera junto. Ya más adelante, cuando descubrí el teatro, me di cuenta de que también quería incorporarlo y, de hecho, en Musgö hemos creado un espectáculo al que hemos llamado cabaret holístico. Que básicamente son las historias místicas de las canciones, contadas a través del cabaret. Y es que al final, todo esto es la mezcla de teatro, lo visual y la propia música.
A pesar de la incertidumbre de estos momentos, ¿cuáles serán los próximos pasos de Musgö?
Pues intentar, dentro de lo que se pueda, hacer algunas presentaciones más y seguir haciendo lo que hemos estado haciendo, que es componer música con el corazón.
¿Qué canción de Musgö define mejor el momento en el que estás y por qué?
Buf, ¡qué difiícil! [risas]. Pues yo creo que «Hope», precisamente por el tema que trata, La canción es instrumental y no tiene letra, pero tiene como el halo de esperanza que necesitamos ahora, el impulso de que todo va a ir bien y vamos a seguir para adelante, a pesar de todo.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
¡Ostras! Pues no sé ahora mismo [risas]. Es que he cometido tantas, que no sabría hacer un top. Aunque creo qye la mayor locura es tener la confianza de arriesgarlo todo por la música.
Hay artistas que, con sus propias historias de superación, son sinónimo de luz. Luz que nos irradia y que nos invade de principio a fin. Nana Lovv es uno de esos grandes ejemplos. Y es que con «Paris» ha revolucionado nuestra vida, pero es que estamos seguras de que con su inminente EP, «Happiness is a myth», lo volverá a hacer. Mucha atención a la entrevista que le hacemos a la artista, en la que nos da todos los detalles sobre su proyecto.
«Happiness is a myth» será tu EP debut, que verà la luz durante este 2020. ¿Cómo surge el concepto?
Surge, principalmente, a raíz de una experiencia personal que viví hace un tiempo. De hecho, son canciones que venían acompañándome desde hace un tiempo, no son nuevas, nuevas. Las fui componiendo a lo largo del tiempo, ya que, bueno, iba mezclando este trabajo con el de la composición para otros artistas. Así que, en el momento en el que decidí trabajar en mi EP, recopilé los temas más personales que tenía y decidí incluirlos. Y, sin duda, son los que mejor definen mi recorrido vital.
¿Cómo fue el proceso creativo y compositivo de este EP?
Empezó un poco por casualidad. Yo conocí a mi productor, que es Carlos Dueñas de Articwave Studio, me escuchó cantar y me preguntó si estaba haciendo o componiendo algo. Y justo me pilló en un momento en el que me apetecía empezar a grabar mis propios temas, tenía ganas de arrancar con mi propio proyecto. Así que, decidimos empezar con «Paris» que, inicialmente, era una mera prueba, ya que ésta era una canción que no tenía planeada publicar. Pero comenzamos a experimentar y no pudimos parar: inicié el proceso en casa, con los acordes básicos y con toda la letra y ya en el estudio, le dimos forma al sonido, incluyendo sintetizadores, analógicos…También ahora estamos introduciendo capas más atmosféricas y con elementos más modernos, como el autotune.
¿Cómo fue todo el trabajo junto a Carlos Dueñas?
Muy guay, porque es muy difícil encontrar a alguien que sepa expresar lo que quieres decir, musicalmente hablando. Sobre todo cuando no eres productor. Y es que a mí me pasa que, muchas veces, no tengo como el lenguaje exacto para describir lo que quiero o lo que necesito. Pero probamos con «Paris» y nos dimos cuenta de que nos entendemos muy bien a nivel artístico. Hemos encontrado el equilibrio entre el trabajo en equipo y el individual: y es que, al principio, suelo ser yo la que trabaja sola en la composición de todos los temas; y Carlos lo está más hacia el final, dándole los últimos toques a las canciones. En definitiva, es muy fácil trabajar con él y yo estoy muy contenta.
«Paris» ha sido el primer adelanto que hemos podido escuchar. ¿Por qué precisamente esta canción?
La verdad, porque es una canción que engloba un poco todo lo que va a ir en el EP. Las canciones que escucharemos a partir de ahora, tienen como un toque más oscuro, más nostálgico. Y es que este trabajo va a representar un poco una especie de recorrido, desde el inicio de la vida hasta el final. Así que «Paris» representa un poco todo, porque nace de una experiencia muy personal de pérdida. Es un poco el punto de inicio de todo lo que está por venir.
¿Qué importancia tiene para ti esta canción, «Paris»?
Pues es una canción que empecé a crear hace cinco años y la terminé el año pasado. Entonces, es muy importante, porque ha expermientado muchos cambios, a la par que yo. Es una canción que explica mi propia situación en un momento determinado, ante una pérdida. Y va evolucionando con el paso de los años, igual que lo he hecho yo, hasta prácticamente ahora. Para mí ha sido muy importante poder reflejar el duelo, el cómo me siento, aunque sea musicalmente, porque de cualquier otra manera, me habría costado mucho más hacerlo.
«Paris» ha visto la luz junto a su respectivo videoclip. ¿Cómo surge la idea?
Pues fue un poco igual que con la canción, que a medida que íbamos haciendo. iban surgiendo ideas. Ya una vez le dimos forma a la canción y tuvimos claro que la publicaríamos, nos empezó a encajar mucho en soporte visual, así que nos pusimos a trabajar en ello. De hecho, el protagonista de la historia es mi primo pequeño Marc y, lo cierto, es que fue una experiencia totalmente nueva para mí. Quien se encargó de dirigir y montar el vídeo fue Ángel de Clic Games, con quien estuvimos trabajando durante cinco días, repartidos en dos meses (porque grabar con niños tiene su qué). Y, la verdad, es que estoy muy contenta con el resultado.
¿Qué peso tiene el mensaje en tus canciones?
Pues para mí, es algo que tiene mucho peso, sobre todo, porque la letra es lo primero que me sale cuando compongo. Además, invierto mucho tiempo en ello: no solo en la lírica, también en pensar qué voy a comunicar y qué va a sentir la gente cuando lo escuche. Porque, al final, «Paris» es la canción más alegre que va a salir y, aún así, no lo es. Así que, a pesar de lanzar, este tipo de emociones o mensajes como la tristeza, la nostalgia o la rabia, también quiero que se perciban otros más positivos, como la esperanza.
Especialmente ahora con la situación que estamos viviendo, ¿crees que la música puede llegar a ser terapéutica?
¡Totalmente! De hecho, mi especialidad es la musicoterapia y me he dedicado a estudiar e investigar justo esto. Además, estos días ha quedado muy patente todo ello. Sí que es verdad que, por otro lado, está la industria que, especialmente, en estos días está bastante perjudicada y los artistas van sobreviviendo como pueden. Pero, claro, por otro lado, la gente que no se dedica al arte, creo que sí que está viendo los efectos positivos de tener música y recursos a su alcance, para poder gestionar todos estos momentos, que están siendo muy estresantes para todos.
A pesar de toda la incertidumbre que estamos viviendo, ¿cuáles serán los próximos pasos de Nana Lovv?
Pues ahora mismo, nos encontramos produciendo a distancia, lo cual es todo un mundo. Pero seguimos trabajando y la idea es que a finales de este año, más o menos, vean la luz el resto de temas, junto al propio EP. Además, estamos cerrando alguna colaboración, con la que estoy encantada. Pero hasta que no esté todo cerrado, no podemos anunciarla. Por lo demás, es ver cómo va fluyendo la cosa y si va todo bien, seguiríamos sacando temas, ya de cara a 2021.
¿Qué canción de Nana Lovv identifica mejor el momento en que estás y por qué?
Pues te diría «Paris», no solo porque es la única que ha salido hasta el momento y la única que se conoce. También por lo que representa, por la unidad y por el mensaje de esperanza que traslada, a pesar de todo.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Pues creo que dejar de lado toda mi carrera científica de medicina [risas]. Todo por dedicarme a la música, claro.
Hay artistas con un magnetismo tan potente, que consiguen que todo un universo, hasta el momento desconocido, orbite a su alrededor. Proyectos que trascienden lo musical y que invaden, sin ningún tipo de miedo, otras disciplinas musicales. El de Mar Gabarre es uno de ellos: tras ella, se esconde Musgö. Dos almas entrelazadas desde mucho tiempo atrás, tiempo más que suficiente para conceptualizar todo lo que a día de hoy, conocemos de ella.
Madre artista conceptual y formada en biología. Padre escultor, pintor y activista ecológico. Podemos afirmar que el arte y la naturaleza han sido los dos pilares fundamentales en los que Mar se ha apoyado para crear Musgö. Autodidacta con el arpa, pionera en su estilo tocando arpa eléctrica con loops en España y potentes directos a los que ella llama Cabaret Holísticos, shows de cuidada puesta en escena con acróbatas, actores y seres fantásticos.
«Open The Gate», el debut de Musgö
Dos años de composición y una mala experiencia con una discográfica. El punto de partida de este «Open The Gate», de Musgö. Una verdadera joya que hizo que la artista se mudara deBarcelona a Londres. Nueva casilla de salida que arrancó con su campaña de crowdfunding, convertida en un auténtico éxito. Todo ello mientras que, paralelamente, se acercaba cada vez más a la escena trip-hop, que comenzó a mezclar magistralmente con sus propias sonoridades, más cercanas al indietronic. Una mezcla explosiva.
Aunque claro, para hablar de casualidades y momentos mágicos, el del encuentro de la artista con Chris Webb (Freemonk), quien sería más adelante el responsable del mágico acabado de «Open The Gate». Y es que este álbum, grabado a finales de 2019, es una invitación a abrir la puerta al «otro lado». Doce canciones que hablan sobre magia, intuición y naturaleza. Doce canciones tras las cuales existe una amplia investigación sobre el uso del sonido en las diferentes prácticas espirituales y religiones alrededor del mundo. Doce canciones que hablan de una espiritualidad transversal que no distingue de religiones ni creencias. Que hablan de las energías misteriosas que nos rodean, nos conectan e influyen a diario, y que forman parte de nuestra vida desde lo aparentemente invisible. Una realidad sutil que no se ve, pero se siente.
«Mango» ya está aquí, como antesala aún más certera de «Casablanca», el que será el nuevo álbum de The Death Of Robert y que verá la luz el próximo 15 de mayo. Un nuevo single que nos permite adentrarnos aún más en el particular universo de la banda barcelonesa y que habla, en términos generales, de una relación personal basada en la toxicidad. Pero, ¿por qué utilizar la referencia del mango para ello? Tal y como ellos mismos explican: «se emplea como símbolo del comienzo de la relación de estas dos personas, y debido a que este nunca será comido es devuelto a su propietario al final de todo, como signo de abandono de la relación».
Un tercer single de lo más especial, con el cual nos proponen un sonido fresco, vivo y con un toque de acidez, alejándonos un poco de toda la instrumentación tan predominante y barroca de las otras canciones sacadas hasta la fecha. Esos teclados a modo de farfisa, esa guitarra con detalles de chorus, los punteos tan significativos del hoffner y ese ritmo de batería: todo preparado para viajar a los sonidos y vibes tan significativos propios de los años 60-70′.
¿Quiénes son The Death Of Robert?
Lara Giardina, Pablo Salvadores, Robert Panadés y Simón López son quienes se esconden tras este proyecto, que vio la luz en la ciudad de Barcelona el pasado año 2018. Una propuesta de rock melódico con riffs palpitantes del rock alternativo de los 90, rozando el barroquismo a través de toda la instrumentación pop-rock de los años 60, con la que han conseguido enamorar a todo el mundo que los ha escuchado. Todo ello, se complementa con unas letras, oscuramente melancólicas e hijas del humanismo existencial, que viajan entre la conducta humana, el existencialismo y las relaciones personales.
Pronto, podremos escuchar el nuevo asalto de The Death Of Robert, llamado «Casablanca». Un álbum que, debido a la complicada situación que estamos viviendo, decidieron posponer. Así y todo, el 15 de mayo es la fecha fijada para que vea la luz: ¿estáis preparados? Un disco conformado por 11 perlas, producidas por Alberto Pérez Sánchez en el estudio Sol de Sants de Barcelona.
Nosotras no vemos el momento de poder disfrutar de nuevo de buenos directos. De un directo de The Death Of Robert. ¿Y vosotros?
Lo conocimos el pasado año, cuando publicó «Mediterrani», el que fuera su EP debut. Se trata de Mad Keys, que está de vuelta nuevamente con un nuevo trabajo en el que sorprende con dos cortes completamente diferentes a lo que nos tenía acostumbrado. Desde el pasado viernes 24 de abril, «Jueus/Cantalar» es ya nuestro. Inspirado en los lugares más recónditos y en las calas más espectaculares del litoral levantino (al igual que hizo también con ese primer «Mediterrani»), Manu Segura – que es quien se esconde tras The Mad Keys -, se atreve con un espectacular giro estílistico: dos canciones y dos géneros bien diferenciados, que bien viajan entre el indie-dance y el nu-disco. La combinación perfecta de tintes veraniegos y melodías bailables. El recordatorio lleno de esperanza que nos recuerda que solo tenemos que esperar un poco más y que el final del confinamiento está ya a la vuelta de la esquina.
¿Qué dos canciones se esconden tras «Jueus/Cantalar»?
«Palmera» es la canción que abre y presenta este nuevo EP. Una canción que, a su vez, ha llegado acompañada de su increíble videoclip, editado Cris Dacoba. Una auténtica oda al disfrute, la plenitud y la libertad. Todo ello, con unos aires estivales que oscilan entre la serenidad de lo balearic y la contundencia de un tema house vocal. Sonido ambiente, sintes y bajo marcadamente funk. ¿Se os ocurren ingredientes mejores para cerrar y ofrecer una canción más redonda?
Por otro lado, «Jueus/Cantalar» es el segundo de los cortes de este nuevo EP. Una canción muy especial que orbita entre el synth-wave y el nu-disco más setentero. Una canción que, a la primera escucha, descubres repleta de contrastes y capas instrumentales. En la que prima lo orgánico frente a lo sintético; lo contemplativo frente a lo bailable.
¿Quién es The Mad Keys?
Nace como proyecto en solitario del músico y productor alicantino (afincado en Barcelona), Manu Segura. The Mad Keys es su apuesta personal más ambiciosa, en la que bebe de numerosas referencias que han formado parte de su vida, como Steve Reich, Todd Terje, Pional o Four Tet, entre muchos otros. Con una capacidad innata y con una curiosidad insaciable, Manu comienza a formarse desde temprana edad, siempre libre de prejuicios y en busca del más puro eclecticismo. Y «Mediterrani» y «Jueus/Cantalar» son la mejor prueba de ello.
Sin embargo, con la llegada de la nueva normalidad, Viva Suecia ha montado un nuevo ciclo de espectáculos que los llevará por diferemtes ciudades como Murcia, Barcelona, Burgos, Aranda de Duero, San Sebastián, Pamplona, València o Sevilla, entre muchas otras. Un espectáculo más íntimo y adaptado a las medidas de seguridad decretadas por las autoridades, pero con los cinco miembros de la banda sobre el escenario, ofreciendo una nueva mirada sobre un repertorio que los asistentes a estos conciertos podrán disfrutar con una cercanía que en otro contexto habría sido muy complicada. De hecho, ellos mismos hablan así de esta nueva serie de recitales: «En muchos aspectos, todos nos hemos visto obligados a hacer un paréntesis. O directamente a buscar caminos alternativos, a inventarnos una vía nueva. Necesitarnos Tanto es el nombre de una gira que no es la de El Milagro ni tiene la intención de serlo. Es nuestra senda paralela. No son conciertos en acústico, no son conciertos en eléctrico, vamos a ser 5 personas en el escenario en todo momento y todas las canciones van a tener una cara un poco distinta»
De Operación Triunfo a toda una gira nacional
En cuanto a la selección de los artistas, ¿cómo es todo ese proceso?
¿Cuáles serán un poco los siguientes pasos de Arctic Sessions?
¿Y cómo ha sido la acogida de este disco por parte del público?, ¿cómo ha sido el feedback?
¿Cómo fue todo el trabajo junto a Carlos Dueñas?
«Paris» ha visto la luz junto a su respectivo videoclip. ¿Cómo surge la idea?
