Verdadera Locura

Categoría: Categorías

La vuelta de Miss Caffeína se llama «Detroit»

En 2013 veía la luz el último disco de Miss Caffeína, «De polvo y flores». Tres años en los que les ha dado tiempo a ir y volver de gira. Y sobre todo, descansar. Un merecido descanso que finalizó con la llegada de «Detroit», ese último álbum cuyo título generó tanto furor en las redes, meses antes de su publicación. Furor, altas expectativas y muy buenas críticas. Eso es lo que está causando el tercer trabajo de los madrileños, apenas dos meses después de ver la luz.

Pregunta. ¿Por qué llamar a «Detroit» así?, ¿qué significado tiene este título?

Alberto. Llamamos al disco así, porque además de ser la canción que abre el disco, Detroit nos evocaba mucho nuestro estado de ánimo, tras finalizar la gira anterior. En su momento, fue una ciudad con un enorme apogeo durante la época de la Motown, no solo musicalmente hablando, también estuvo muy desarrollada en el sector del automóvil o de la construcción. Sin embargo, todo esto reventó, la Motown se fue a Los Ángeles y la ciudad se transformó en una ciudad fantasma. Pero ahora, Detroit está volviendo un poco a esa época inicial. Nosotros queríamos hablar de esta situación, principalmente porque era una manera de reflejar nuestro ánimo: acabamos muy cansados de la música, pero hemos parado un año, hemos cogido fuerzas e ideas, y estamos al 100% de nuevo.

Pregunta. ¿Era necesario ese parón entonces?

Alberto. Sí, la verdad es que sí. Era súper necesario.

Pregunta. ¿Qué ha supuesto la llegada de «Detroit», tres años después de «De polvo y flores»?

Alberto. Eso es precisamente lo que queríamos que la gente entendiese. «Detroit» nos ha dado luz y nos ha aportado mucha diversión. Además, el hecho de producirlo y de llevarlo a cabo en directo, han sido todo un reto.

Antonio. «Detroit» ha sido un reto, totalmente. Tanto a nivel personal como a nivel musical. Con este proyecto nos hemos divertido y con él nos seguiremos divirtiendo. Nos ha servido además, para quitarnos muchos miedos de encima y hemos ganado la confianza que necesitábamos. Queríamos demostrar que podíamos hacer esta música perfectamente, y que a lo mejor en el siguiente disco, podemos hacer otra.

Alberto. Que la gente no dé por hecho que tenemos un estilo determinado a la hora de hacer música. Un estilo sí, pero no un modo de producción, que puede ir variando. Nosotros mantendremos nuestra esencia, que entiendo que es nuestra manera de componer, de contar las cosas, el lenguaje…Todo lo demás es la forma que tenemos de vestir las canciones. La idea es seguir siendo los mismos, aunque visualmente cambiemos o evolucionemos.

Pregunta. ¿Consideráis que «Detroit» es vuestro mejor álbum hasta el momento?

Antonio. Sí. Pero yo creo que es algo que pasa con todos los últimos discos, porque son la imagen más reciente, la más bonita, en la que te ves más guapo y más maduro. Pero aun así, es un álbum que nos ha hecho salir de nuestra zona de confort, lo que ha hecho que el trabajo final sea más satisfactorio.

Pregunta. En «Detroit» habéis vuelto a contar con el productor Max Dingel. ¿Cómo ha sido trabajar con él de nuevo?

Alberto. Muy divertido y sobre todo, muy enriquecedor para nosotros. Como personas y como músicos.

Antonio. Yo no sé lo que pasará en un futuro, pero desde luego, estamos llegando a un punto tan bonito y constructivo con nuestro productor, que yo creo que ninguno nos planteamos cambiar y ni siquiera, que haya salido algo mal. Con «De polvo y flores», que fue el primer disco que hicimos con él, nos dedicamos a pasar a limpio los temas. Se podría decir que trabajamos con un Max más ingeniero. En este último trabajo, hemos visto más a Max en su faceta de productor, haciendo y grabando todo desde cero. Nos ha dado mucha confianza a nosotros mismos a la hora de enfrentarnos a las canciones desde el principio. Estamos súper contentos.

Alberto. Además, es un tío muy divertido. Pero a la vez, es tranquilo cuando tiene que serlo. Y te refuerza mucho cuando entras con alguna inseguridad al estudio. Sabe cómo apretar el botón para que sea todo más fácil.

Foto: Jennifer Gómez

Pregunta. En este disco también han colaborado Víctor Cabezuelo, Martí Perarnau, Jorge González y Zahara. ¿Cómo surgen estas participaciones?

Antonio. Han surgido de manera muy natural. Hay veces que te proponen las colaboraciones, pero en este caso no ha sido así. Martí, por ejemplo, es muy amigo de Álvaro, y por eso, al final hicieron los dos juntos «Ácido». Con Jorge nos llevamos todos muy bien, somos muy amigos y además es un percusionista increíble. «Coqui» fue nuestro batería durante parte de la gira pasada. La idea era meterlo en un par de canciones, pero al final hizo las baterías de todo el álbum. Zahara siempre está de alguna manera u otra en todo lo que hacemos. Víctor, creo que ha sido el descubrimiento del año para nostros. Hizo la canción de «Detroit» con Sergio. De hecho, empezaron a trabajar los dos a través de internet. Y cuando llegó al estudio fue increíble, porque Víctor es una persona tan musical, que todo lo que proponía molaba. Así que, casi todos los «sintes» del disco están hechos por él.

Pregunta. ¿Por qué elegisteis «Mira cómo vuelo» como avance de «Detroit»?, ¿qué tiene de especial esta canción?

Alberto. Nosotros no pensamos que fuera a ser el primer single. De hecho, habíamos propuesto «El rescate» o «Ácido», porque nos apetecía mostrar lo más diferente, para ver la reacción de la gente. Sin embargo, y a pesar de saber del potencial de «Mira como vuelo», no llegamos a imaginar que tuviera tan buena acogida como ha tenido finalmente. Así que en este caso, nos dejamos guiar por la compañía y nuestro mánager, que lo tenían clarísimo. Además, ha sido muy bueno empezar con esta canción, porque describe muy bien qué es lo que realmente queremos decir con el disco. Hemos dejado atrás muchas cosas que no nos gustaban y ahora estamos volando hacia otros lugares.

Pregunta. ¿De qué manera habéis evolucionado vosotros desde que empezasteis en el mundo de la música hasta ahora?

Antonio. Lo bueno es que ha sido una evolución muy honesta y natural. Por ejemplo, en el momento en el que hicimos «Príncipes del Rock’n Roll», nos apetecía ese tipo de música. Pero igualmente ahora, la puedes escuchar y pensar que no es muy de nuestro rollo y que parece muy Leyva. Pero a ver, hemos probado, hemos jugado y ahora nos hemos dado cuenta de que estamos dando pasos muy poco a poco, pero no nos está importando por dónde nos llevan. Y creo que eso es lo más bonito y honesto que estamos haciendo.

Alberto. No somos nada nostálgicos, pero sí que es verdad que desde «Magnética», el EP que va antes del primer disco, siempre hemos estado convencidos de que hemos hecho nuestro trabajo lo mejor que hemos sabido y podido. Y que por supuesto, estábamos 100% convencidos de las canciones que teníamos. Nunca hemos sentido que teníamos temas de relleno. Tampoco hemos buscado lo que fuera a funcionar, sino lo que nos gustaba a nosotros.

Pregunta. Siempre se os ha considerado un grupo «indie». ¿Cómo ha ido cambiando este género musical desde que vosotros comenzarais hasta ahora?

Alberto. Ha cambiado muchísimo. Pero no desde que nosotros empezáramos, sino desde mucho antes. Esta evolución lleva activa desde finales de los 90, cuando yo ya escuchaba este tipo de música. Antes este género era mucho más homogéneo y además, estaba hecho para minorías. Pero al democratizarse toda la música, con la llegada de las redes sociales e internet, es mucho más fácil el acceso, no solo para los usuarios. La industria también ha sabido ver un negocio. Aunque sin duda, a día de hoy, lo que más mueve dinero son los festivales con todos estos grupos «indies».

Antonio. Ojalá que el «indie» pase a ser el nuevo «mainstream». Ojalá la música que más fuerte está entrando ahora y que más dinero está generando, dentro de unos años esté en la tele y en la radio. Y que no sean esos productos que ahora están vendiendo tan poco y tan mal.

Alberto. Bueno, yo soy de los que piensan que se puede convivir. El caso es que la gente sepa que pueden escuchar «esto», pero también pueden escuchar «lo otro».

Pregunta. ¿Miss Caffeína más de festivales o de salas de conciertos?

Antonio. Yo no sabría qué decirte.

Alberto. Para mí, tienen mucho encanto las dos cosas. Obviamente, lo bueno de un festival es que tienes un escenario gigante, en el que todo suena muy bien y un público muy entregado, porque está de fiesta. Pero en la sala, cuando sabes que todo el mundo ha venido a verte a tí y que canta las canciones de «pé a pá», imagínate…No sabría qué escoger. Ahora, incluso a los acústicos les he encontrado el punto.

Pregunta. Para cerrar. Ahora que «Detroit» está en la calle: ¿ha merecido la pena arriesgarse y publicar un álbum con un sonido diferente al que estábamos acostumbrados?

Ambos. Totalmente.

Alberto. Y es que además, «Detroit» está teniendo una repercusión y aceptación enormes. Creo que la gente sí que quiere cosas diferentes. Hay un sector que no, pero la gran mayoría de las personas, creo que sí que valoran que tú hagas un esfuerzo por enseñar cosas nuevas.

Antonio. Yo creo que ha merecido la pena, pero todavía no estamos en el momento guay de este disco. Hay que dejar pasar unos meses, el verano incluso, y ahí es cuando «Detroit» va a empezar a calar en la gente, pero de verdad. Va a ser la hostia.

7 abril 2016
Second comienza su «Viaje Iniciático»

Hace casi 20 años, los murcianos Second iniciaban un viaje dentro del panorama musical. Una época en la que la escena «indie» era bastante diferente a la actual. Todo era mucho más difícil y eran muy pocos los que se movían dentro de este género. Ahora, la música indie se ha transformado en todo un fenómeno de masas. Después de dos décadas, Second empieza de nuevo un viaje con la publicación de su octavo álbum y con una legión de fans detrás de ellos.

Pregunta. ¿Cómo nace «Second»?

Sean Frutos. Jorge y yo teníamos un grupo antes, y cuando este se disolvió formamos Second, basándonos en la multitud de afinidades musicales, ganas de hacer cosas y necesidades de expresión que teníamos.

P. Tras casi veinte años en la escena musical y ocho trabajos publicados, ¿qué balance puedes hacer de la carrera de «Second»?

SF. Desde mi punto de vista está mereciendo la pena. Muy trabajado, muy duro algunas veces, pero la balanza se inclina siempre hacia el lado positivo. Nos quedamos con los muchos buenos momentos que esto nos está dejando.

P. ¿Cómo ha cambiado la música y las letras de la banda a lo largo de estos años?

SF. Si no cambia esto no tiene sentido. La evolución es necesaria, y tampoco sabría decirte cómo ha cambiado, solo que ha sucedido, con más o menos acierto, pero siempre atendiendo a la necesidad de evolucionar.

P. ¿De qué manera ha cambiado la escena independiente desde que empezasteis en el mundo de la música?

SF. Radicalmente. Antes éramos solo unos cuantos los que asistíamos a los conciertos alternativos, y ahora hay un movimiento importante. Como decía antes, el camino ha sido tortuoso y difícil, pero se están consiguiendo cosas. Lo mejor es que la creatividad y el talento no paran, todos los días se descubre algo nuevo. Hay que ir a los conciertos de los grupos emergentes.

P. ¿Qué supone para «Second» pasar de pequeñas discográficas a firmar con una grande, como Warner Music y posteriormente Hook Ediciones Musicales?

SF. Musicalmente no nos ha influido, ya que hemos creado siempre lo que hemos querido. Ahora mismo somos nuestra propia discográfica, como lo fuimos al principio. Al final es cuestión de trabajar con unas personas o con otras.

P. ¿Cómo ha sido sacar adelante vuestro último disco, «Viaje iniciático», mediante «crowdfunding»?

SF. Emocionante, y un inyección de moral, que nos ha hecho dejarnos la piel en cada uno de los procesos de creación, grabación y edición, para ofrecer lo mejor que teníamos a las personas que han confiado en nosotros, y a las que estamos muy agradecidos.

P. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar en este trabajo, junto al productor Juan Antonio Ross?

SF. Juan es una persona que vive la música como nadie, que insufla optimismo y genialidad en cada sesión de ensayo y grabación. Ha sido imprescindible en este «Viaje iniciático». Teníamos ganas de trabajar con él, y por fin lo hemos hecho en este disco.

P. ¿Qué significa para vosotros este disco, cómo lo definirías en pocas palabras?

SF. Es un viaje a lo desconocido. Caminos por explorar, que intuyes que te llevarán a terrenos mágicos.

P. «Primera vez» fue el primer adelanto de este último trabajo. ¿Por qué escogisteis este tema para empezar a presentar «Viaje iniciático»?

SF. Porque la canción tiene un poco de la melancolía implícita en el disco, pero puede hacerte mover la cabeza o bailar en determinados momentos.

P. Hace nada publicasteis el videoclip de vuestro single, «Nivel inexperto». ¿Qué tiene esta canción para escogerla como single?

SF. Esta es la canción con más calado del disco. Creo que la que mejor aceptación ha tenido, y se merecía ser single. Todo el mundo puede identificarse con ella. Escribí la letra con total sinceridad, y creo que se nota.

P. ¿Cómo fue la experiencia de grabarlo?

SF. Lo grabamos con una productora de gente muy joven y talentosa, AfterliVe, que supo plasmar lo épico de la canción en imágenes. La localización era brutal. Fue un rodaje muy duro, ya que grabamos en febrero y me tenía que mojar y pringar con el fango frío, pero cuando vimos el resultado quedamos muy satisfechos.

P. ¿Qué historia hay detrás de «Nivel inexperto»?

SF. La historia de todos.

P. ¿Cómo te sentiste tú al ser parte protagonista de este videoclip?

SF. Siempre es una responsabilidad, ya que nosotros no somos actores, sino músicos.

P. ¿Por qué escogisteis a la actriz Elena Salazar para que participara el vídeo?

SF. Conocemos a Elena desde hace algún tiempo, así que se lo propusimos, y amablemente aceptó. Era perfecta para el papel, por su imagen y poses enigmáticas y elegantes, que solo una bailarina profesional sabe hacer.

P. En Madrid, arrancáis la gira de presentación de «Viaje iniciático» el 2 de abril. ¿Qué supone para vosotros actuar en La Riviera?

SF. Es un lugar donde hemos visto tocar a muchos grupos que admiramos, y ahora nos vemos ahí subidos. Ya podéis imaginar la emoción que supone para nosotros. Solo esperamos que de allí se vaya todo el mundo pensando que ha ocurrido algo único, y que fluya la energía en ambos sentidos.

P. ¿Alguna sorpresa que tengáis pensada y se pueda avanzar?, ¿o es alto secreto?

SF. Contaremos con las colaboraciones de Miguel (Maga) y de Alejandro (Izal), además de tener un espectáculo de luces exclusivo para la ocasión.

1 abril 2016
El poeta que hay tras «Turista en tu pelo»

Fotos: Dopamine Studio

Esta es la historia de cómo un fotógrafo profesional termina inmerso en una aventura llamada poesía. Es la historia de Carlos Miguel Cortés, quien cuando escribe, se transforma en «Turista en tu pelo». El autor – que no escritor ni poeta – de «Intranerso» e «Innormal», pertenece a ese grupo de poetas del siglo XXI, que ha revolucionado las redes con sus versos.

¿Cómo nace «Turista en tu pelo»?

No tengo muy claro cuándo nace, pero sí sé cuándo me bautizo con ese nombre. La verdad es que creo que llevaba existiendo un tiempo. La primera plataforma de internet que utilicé para subir mis fotos fue Fotolog y lo cierto es que era bastante activo. Pero en un momento dado, colgué un texto un poco subido de tono y me cerraron la página. La cuestión es que en ese momento, decidí abrir mi propio blog en WordPress y comprar el dominio. Entonces, escribí una lista, que se llamaba: «Cosas que siempre querré ser», y una de ellas era «Turista en tu pelo». Esa siempre me había gustado especialmente y desde entonces…

¿Recuerdas cómo fue tu primer contacto con la cámara? Porque he leído que es una apéndice de ti.

Sí, me acuerdo perfectamente, de hecho llevo tatuado ese momento. Mi primera cámara de fotos fue una Polaroid 600, que me regalaron en mi Primera Comunión. A la hora de hacer la primera foto y ver que salía al momento, me di cuenta de que eso me gustaba muchísimo. Así fue como decidí que quería dedicarme a eso. Eso sí, reconozco que antes, la cámara sí que era un apéndice de mí. Ahora nos estamos dando un tiempo, como quien dice [risas].

¿Quién se apodera de la cámara cuando fotografías: Carlos Miguel o «Turista en tu pelo»?, ¿y de las letras cuando escribes?

La barrera, últimamente, es más difícil de distinguir. Pero yo diría que soy más «Turista en tu pelo» cuando escribo. Creo que cuando hago fotos soy más yo.

¿La poesía formó siempre parte de tu vida?

No siempre. Yo siempre he escrito, eso sí. Pero nunca pensé en si lo que escribía era poesía, si era prosa poética (que es parte de la poesía) o si eran relatos. A mí eso no me importaba, porque yo escribía lo que me salía. Además, de pequeño tampoco era un gran lector de poesía, como sí lo era de novela. Siempre he leído un poco, pero los cuatro o cinco años últimos han sido más importantes en este sentido.

En Twitter, escribes «No soy poeta, ni escritor, pero tengo dos libros, Intranerso e Innormal». ¿Qué te consideras entonces?

Me gustaría explicar eso un poco mejor, pero es que no me cabe [risas]. Yo soy autor de «Intranerso» e «Innormal» y ya está. Siento que las palabras poeta y escritor son un traje que me queda muy grande. Además, tiene que ser una cuestión de la gente. Si la gente te lo considera, está bien. Pero yo no me lo voy a considerar, porque no me gustan las etiquetas. Me gustan aquellas que implican lucha, pero no aquellas a las que considero «trajes» o definiciones que te encasillan.

¿Qué supuso para ti que Marwan te propusiera ir con él de gira?

Recuerdo que Marwan vino a Mallorca, donde yo vivía entonces, a hacer un concierto y me invitó a que recitara con él. Al día siguiente, quedé con él y con Pedro Andreu, y empezamos a hablar de todo un poco. En un momento dado, Marwan me dijo que tenía que publicar algo, porque era el momento de hacerlo. Sin embargo, yo no me sentía preparado todavía. De hecho, había tenido varias propuestas editoriales, que había rechazado. Pero Marwan siguió insistiendo. De hecho, días después desde Menorca me llamó para decirme que me había estado leyendo y que tenía que publicar sí o sí. No fue hasta la vuelta, ya en Madrid, cuando se ofreció a ayudarme, a guiarme en este proceso, a ser mi editor. Y fue en ese momento, cuando sentí que tenía que decir que sí.

Es ahí cuando «Intranerso» empieza a coger forma, ¿no?

Sí, fue ahí cuando nos pusimos a trabajar juntos. Empezamos a recopilar todos los textos que tenía publicados, a ver por dónde queríamos ir y por dónde no, a escribir cosas nuevas para incluirlas en el libro…Todo esto lo hicimos en julio y en noviembre publicamos «Intranerso».

¿Qué supuso para ti publicar este primer libro, y encima con una pequeña editorial como es Noviembre?

A mí me cambió bastante la vida, porque volví a Madrid después de seis años en Mallorca, y empecé los recitales y la gira con Marwan. Estoy muy contento de haberlo hecho. Desde entonces, todo ha sido una vorágine en la que me encanta estar metido.

¿Fue casualidad que el libro, editado por Noviembre, saliera a la calle ese mismo mes?

Sí, fue casualidad. No fue algo buscado, pero es cierto que noviembre es un mes que me gusta. De hecho, el segundo libro salió este mismo mes, pero un año después. Y si todo va bien, es posible que el tercero también vea la luz en noviembre.

De hecho, se reservaron bastantes ejemplares, incluso antes de que «Intranerso» viera la luz…

Sí, sí. Creo que en total se reservaron unos 400. Además, la primera edición, que fueron unos 1500 ejemplares, se agotó esa misma semana. Fue una locura maravillosa que no me esperaba en absoluto, igual que no esperaba llenar Galileo el día de la presentación. De hecho, ese día se juntaron unas 400 personas y estuve cuatro horas firmando libros. Claro, quizás ahora, esas cosas las digieres de manera diferente, porque ya han sucedido.

Tras la publicación y reedición de «Intranerso», llegó «Innormal». ¿Por qué ese título?

Con «Intranerso» creé un concepto nuevo, que a la gente gustó y que considero que caló bastante. Así que, con este segundo libro, también quería hacer algo nuevo. Y la verdad es que «Innormal» me parece un concepto muy chulo. Es una palabra que no existía, pero que define algo que sí, que es la incapacidad de ser normal.

¿Cómo fue pasar de publicar en una editorial pequeña a una más grande como Destino?

En realidad, en cuanto al contenido del libro, no he notado ningún cambio. No hay ningún poema que haya querido meter y no haya podido. Ha habido mucha libertad en ese sentido. Aunque evidentemente, estar con Destino ha hecho que esté en todas las librerías y que el libro sea más accesible.

Retratar aspectos de la vida cotidiana, puede sonar muy a tópico. ¿Cómo hacerlo bien para que la gente consiga conmoverse?

Yo no sé si lo hago bien o mal, yo lo hago a mi manera y no me pongo a pensar en esas cosas. En cualquier caso, siempre es la gente la que tiene que juzgar. Hay un verso en la reedición de «Innormal», que a mí me gusta especialmente. Dice así:

No sé escribir como otros, pero sé que ahí fuera hay miles como yo, que también necesitan una voz que diga lo que sienten.

Las palabras que ellos no encuentran en el baúl de su interior.

Y yo no soy, ni quiero ser esa voz.

Yo, escribo por mí, porque entre palabras he encontrado mi hogar y mi refugio.

Pero todos, todos, todos estáis invitados a esta casa.

Como fotógrafo y poeta, ¿qué poder crees que tienen las redes sociales en la difusión de la cultura?

Yo creo que hay una nueva generación de lectores y también de poetas. Esta generación de poetas, no tendríamos ni un cuarto de lectores, si no fuera por las redes sociales. En la poesía en concreto, que es de lo que yo más puedo hablar, creo que tienen una influencia amable. Son un gran altavoz de la difusión de la cultura, la verdad.

Dentro del nuevo panorama poético que se ha dado en el siglo XXI, ¿a quiénes admiras?

Hace poco hice un ranking de mis 10 poetas españoles vivos preferidos. A mí me encanta por ejemplo, Escandar Algeet, al que considero uno de los mejores. También me gustan muchísimo Marwan, Pedro Andreu, David González, Ana Elena Pena y Manuel Vilas, que no es de esta generación, pero me encanta lo que hace.

¿Y de los poetas clásicos?

Me encanta la poesía de Cortázar. Otro de mis poetas favoritos es Bukowski. Aunque también me gustan también Benedetti y Neruda. Lo cierto es que la mayoría de los poetas que leo son del siglo XX. Son con los que más conecto.

19 marzo 2016
La sala Galileo Galilei recuerda a Lewin

«¿Un miércoles es un buen día para tocar?», le llegó a preguntar en alguna ocasión Andrés Lewin a Conchita. Desde diciembre, el artista bonaerense estaba preparando su nuevo disco, «La tristeza de la Vía Láctea», que tenía previsto presentar este mes de marzo. Pero el 5 de enero, fallecía inesperadamente, dejando este álbum póstumo. Es por eso por lo que su grupo de amigos no se planteó la posibilidad de que este LP terminara guardado en un cajón. Con la idea de hacer llegar el arte de Lewin a lo más alto, anoche 16 de marzo, le rindieron homenaje en la Sala Galileo Galilei. Rescataron muchos de sus temas, además de intepretar las canciones de «La tristeza de la Vía Láctea». Un concierto lleno de magia, igual que las letras que Lewin escribía.

Sobre las 9.30 de la noche, daba comienzo el concierto, en una sala abarrotada de gente. Por el escenario empezaron a pasar todos y cada uno de los amigos de Lewin. Conchita, Marwan, Luis Ramiro, Marino Sáiz (violinista a quien Lewin descubrió), María Valverde, Pablo Cebrián (su productor), Mario Raya, Alejandro Martínez, Diego Ojeda, Tontxu o Mani fueron algunos de los que quisieron rendirle homenaje en esta magnífica noche.

El público sintió tanto el concierto, como si el propio Andrés hubiera sido quien cantara. María Valverde apareció en el escenario con su potente voz, tras Conchita y Luis Ramiro, quienes abrieron el espectáculo. Mario Raya se unió a María, para interpretar «Manifestación contra mi depresión». El público se vino arriba, al grito de «Andrés, capullo, quiero un hijo tuyo», y continuaron cantando con ambos cantantes. «Sin billete de vuelta» fue el siguiente tema, que hizo que todos los artistas invitados salieran al escenario.

Momentos de risas cuando Conchita volvió a salir para cantar «El gato», no sin antes invitar a dos de las espectadoras, que crearon una divertida coreografía de esta ocasión. Como anécdota, la cantante explicó que la primera vez que Lewin vio a este especial cuerpo de baile, empezó a reír sin parar.

«Rehén por rehén» llego de la mano de Marino Sáiz, quien quiso recalcar antes de empezar a cantar: «En mi opinión, y con todos los respetos, Lewin ha sido y es el mejor cantautor de la música española».

Luis Ramiro fue el último en interpretar un tema en solitario. A pesar de no querer hablar, por la misma emoción del momento, no quiso dejar pasar la oportunidad de recordar lo importante que fue Lewin para él, llegando a considerarlo un hermano. «Halley» fue la canción elegida por el madrileño para poner el broche final al espectáculo. Un espectáculo, que a pesar de todo, no terminó ahí. El videoclip de «Este fin», proyectado en una pantalla, consiguió arrancar las lágrimas en más de uno de los espectadores.

El punto y final lo marcaron todos los amigos de Andrés Lewin, que interpretaron conjuntamente la canción «Iluminados». Sin duda, un concierto repleto de magia.

«Van a quedarme muchas cosas que decirte pero esta despedida es imperfecta / las despedidas nunca son perfectas y siempre son tristes».

17 marzo 2016
Guillermo de Jorge, el poeta soldado

Guillermo George Hernández, o más bien reconocido como Guillermo de Jorge (Santa Cruz de Tenerife, 1976), estudió filología inglesa en La Laguna. Aunque quizás, este suboficial del Ejército de Tierra del Arma de Infantería es más conocido por su vertiente poética. De su estancia en Afganistán, surgió su poemario «Afganistán: Diario de un soldado». Considerado como «poeta soldado», el canario ha publicado más de una decena de libros, entre poesía, narrativa y cuadernos de guerra. Además, ha participado en encuentros literarios nacionales e internacionales y ha colaborado en publicaciones especializadas, como: Revista Literaria Río Arga, La Galla Ciencia o Culturamas.

Pregunta. ¿Cómo empieza tu relación con el mundo de la poesía?

Guillermo de Jorge. Lo cierto es que no sé a ciencia cierta. No recuerdo muy bien cómo empezo todo. Pero de lo que sí estoy seguro es que cuando empuñé por primera vez un lápiz para escribir, fue en legítima defensa. Porque no tenía nada ni a nadie en donde poder aferrarme. Sólo unos vagos recuerdos, una memoria deformada de la realidad, tan sólo un puñado de sueños y muchos fracasos donde naufragar.

P. ¿Quiénes son tus principales referentes en este sentido?

GdJ. Mis referentes literarios siempre han sido aquellos que, por alguna oscura razón, siempre han estado expuestos a la intemperie. Así pues, los poetas soldados de la primera y segunda guerra mundial, los poetas de la vanguardia europea, los poetas malditos del grupo cántico, los poetas norteamericanos de los años setenta, etc. Todos aquellos escritores y escritoras que lucharon en contra de los hombres.

P. ¿Cuántos poemarios tienes publicados hasta el momento y cómo definirías tu trayectoria como poeta?

GdJ. Creo que más que poemarios publicados, me gustaría hablar de aquellos que están aún por escribir y, aquellos otros, que quedaron en el camino. Prefiero hablar de mi vida y de mis experiencias, más que de la trayectoria literaria. Ya que creo, firmemente, que la experiencia vital tiene que ir ligada al discurso poético. El escritor y, sobre todo, el poeta, debe de ser honesto con lo que escribe. Se debe a una serie de valores que debe de respetar, para poder respetarse a sí mismo. Es por ello, por lo que la honestidad en el texto poético es fundamental, para dar credibilidad al discurso poético. No me imagino a un poeta de la guerra civil, hablar de la primera guerra mundial en primera persona. Pero sí me imagino a un Miguel Hernández escribiendo una «Nana a la cebolla», porque su hijo es lo único que tiene para comer. Quizás, es ahí donde el discurso poético cobra mayor profundidad. No sólo hace falta estar cabreado para escribir. Se escriba lo que se escriba. Se diga lo que se diga, debe de ser a partir de la realidad y de la experiencia vivida. Todo lo demás, es parte del fictio o del discurso narrativo. Nada tiene que ver con el texto poético.

P. ¿Hasta qué punto te sientes identificados con poetas clásicos como Jorge Manrique, Cervantes, Garcilaso o Calderón de la Barca?

GdJ. En el discurso. En lo que dicen. En cierta manera, en las vidas que llevaron, donde mostraron, a pesar de las dificultades de la época, que un mundo mejor era posible. La ilustración de la milicia, como punta de lanza de la cultura, junto con otros estratos sociales, contribuyeron en la medida de lo posible, a crear sociedaddes más justas. Y en eso, me hallo.

P. Considerado el «poeta soldado». ¿De acuerdo con esta definición?, ¿qué piensas tú de ella?

GdJ. Es dificil poder explicar esa definición. Sin duda alguna, me siento un poeta soldado, no un soldado poeta. Al igual que milito en la poesía, milito en el milicia. Es para mi un oficio, una religión de hombres honrados. Una manera de vivir, una manera de amar.

P. Podría decirse que tu poesía tiene mucho de relato psicológico, al contar todo lo que viviste en Irak y Afganistán, ¿no?

GdJ. En efecto. La poesía en sí es un género donde la capacidad empática, junto con la pragmática y la amplitud semántica es fundamental. El texto debe de proyectarse desde el interior hacia el exterior, con la finalidad de confluir con los demás seres que tienes alrededor. Creo que sería muy egoísta por mi parte, aceptar ese postulado no científico, al que evocan muchos poetas a escribir para ellos. No les importa en absoluto lo que piense o crea el lector. En ese caso, creo que el distanciamiento de la poesía actual o más reciente con respecto al lector ha sido precisamente por eso. Porque ha existido una manifiesta despreocupación, por parte del poeta, hacia el lector. La poesía, como la vida, debe de ser un punto de confluencia entre seres humanos que en la distancia se necesitan.

P. ¿Cómo fue compaginar tu trabajo como militar en estos lugares con la de escribir poesía?, ¿te sirvió como terapia?

GdJ. Con mucha resignación. La verdad es que no te planteas ir o viajar a esos escenarios para escribir, aunque lo intuyes –recuerda que escribo en legítima defensa-. Pero debo de reconocer que tiene su parte de catarsis. Tiene su parte de purificación, ante una realidad brutal que te rodea y que tienes que drenar, aunque sea a costa de la vida propia.

P. ¿Cómo definirías tu experiencia en ambos países?

GdJ. Se forja una relación de sentimientos encontrados. Por un lado, la miseria y la pobreza y, por otro lado, el íntimo secreto de saber que eres afortunado. Y que el simple hecho de despertarte por la mañana, abrir los ojos y no temer a nada ni a nadie, no tiene precio.

P. En «Afganistán: diario de un soldado» recoges todas tus vivencias en ese país. ¿Cómo surge la idea de recopilar todos estos poemas en un libro?

GdJ. En mi estancia en Irak, quizás por la falta de madurez personal o por no estar preparado en términos literarios para abordar un proyecto como «Afganistán: Diario de un soldado», me quedé con la deuda de escribir in situ todo aquello que viví. Cuando me dieron la orden de desplegar junto con mis compañeros en aquellos territorios, pensé que la mejor manera de abordar aquella nueva situación era por medio de un Dietario. Un formato que me permitía expresar y plasmar mis vivencias siendo honesto y fiel a la realidad que experimentaba. Dejando, en algunos caso, los artificios y recursos estéticos, para dar forma a un discurso, que se preveía muy complicado, y que tenía que respetar a todos aquellos compañeros que, en cumplimiento de su deber, dieron sus vidas.

P. ¿Alguien a quien se lo dediques especialmente?

GdJ. Este diario está dedicado a todos aquellos compañeros que dieron su vida en acto de servicio o en combate. Y, en especial, al Sargento Primero Joaquín Moya y al Sargento Antonio Abril.

P. ¿Tienes algún nuevo proyecto poético en mente o por el momento, seguirás publicando en tu blog?

GdJ. Siempre tienes la mente ocupada en algo. En estos momentos, estoy dedicado en exclusiva al Diario, pero sin dejar de mirar nuevas fórmulas, nuevas propuestas para materializarlas en un futuro que se antoja lejano. Ahora es momento de digerir el diario y con él, las experiencias y dejar que el tiempo haga el resto del trabajo. Ya sabes. El trabajo, el esfuerzo, la vida en sí, debe de seguir su camino, sin forzarla. Aunque siempre hay que dejar espacio para la impronta.

P. ¿Tienes algún recital programado?

GdJ. En principio, en abril presento en Navarra «Afganistán: Diario de un soldado». En mayo, estaremos en el País Vasco. En junio, julio, agosto y septiembre, en Andalucía. Y a finales de año, presentaremos en las Islas Canarias.

16 marzo 2016
Dardem abre «La Brecha»

Casi una década ha pasado desde que Pepe Rodríguez, Raúl Pacheck, Joe Melero y Peter Bacán se juntaran en Sevilla y formaran la banda «Dardem». Con dos discos ya publicados, están a punto sacar el tercero. El 18 de marzo es la fecha elegida para que «La Brecha» vea la luz y esté disponible al público. Un álbum que ha servido para que la banda se reafirme y rompa con todo lo que han hecho hasta el momento.

Pregunta. ¿Cómo nace Dardem?

Dardem. El grupo nace en Sevilla, en el verano de 2007. Dardem surge tras la unión de dos bandas, que eran Doe, formada por Joe y Peter (el bajista y el batería); y Dardem, formada por Raúl y yo. Lo cierto es que empezamos experimentando. Al principio éramos muy heterogéneos: unos venían del funky, otros más de la psicodelia, otros veníamos de la electrónica, otros del pop.

P. Sevillanos afincados en Madrid, ¿cómo fue dar el paso de trasladarse a la capital para hacerse un hueco en el mundo de la música?

D. Pues como cualquiera que se mude de ciudad. Aunque nosotros teníamos una ventaja, y es que sabíamos lo que queríamos hacer: música. Aun así, el cambio fue grande, porque nosotros todavía vivíamos en el seno más familiar. Teníamos alrededor de 20 años y ya llevamos casi 10 en Madrid. Si nos tuviéramos que quedar con algo de aquello, es que no hemos perdido la mirada del extranjero, esa mirada externa. Fue duro porque al principio llegamos sin nada y tuvimos que buscarnos la vida. Pero, poco a poco prosperamos vitalmente.

P. ¿De qué manera ha cambiado el panorama musical en el que os desenvolvéis, desde que empezasteis hasta ahora?

D. ¿Cómo estaba la música antes y cómo está ahora? Es complicado porque antes dependía principalmente del dinero público. Ahora mismo no tiene nada que ver. En cuanto a Dardem, la música que hacíamos nosotros y la que hacemos ahora, es más o menos igual. Seguimos sin tener un nicho de mercado, por así decirlo. Pero sí que es verdad que lo que rodea a la música es totalmente distinto. Antes era más accesible porque había más dinero público, y ahora falta. Entonces la música se está convirtiendo en un sector privado puro y duro. Sí que es cierto que ahora, se está empezando a mover el tejido privado del ámbito musical, en lo que se refiere a aparición de nuevas iniciativas. El público también es mucho más exigente ahora que antes. Quien va a un concierto, va a verte a ti, porque el nivel adquisitivo también es menor. Creemos que la música es mucho mejor ahora que antes, pero también es más difícil hacerla.

P. ¿Cómo habéis evolucionado vosotros como artistas?

D. Nosotros empezamos haciendo música con mucha cabeza, con mucha experimentación sónica. Ahora, sobre todo a partir de este tercer disco, la idea es lo que más valor tiene. La canción es mucho más directa. Antes sí que había una parafernalia más sesuda. Al principio también hacíamos temas más pop, con influencias más «new age», y curiosamente ahora nos hemos vuelto más rockeros, con un sonido más concreto y menos atmosféricos.

P. La siguiente pregunta era si se podría decir que existe un estilo que identifique a Dardem, pero queda comprobado que ha habido una evolución con el paso de los años…

D. Vamos a decir que «la cabra tira pa’l monte». Los cuatro tíos que formamos Dardem, seguimos siendo los mismos desde los inicios de la banda. Sí que es verdad que ha habido una evolución, pero es una evolución natural. Somos personas y somos un proceso a lo largo del tiempo. Tú vas cambiando, pero eso no quiere decir que no sigas siendo el mismo, que lo sigues siendo. Lo que pasa, es que por circunstancias vitales, tienes que adaptarte a las circunstancias.

P. ¿Cómo surge «La Brecha»?, ¿por qué ese título y qué significado tiene para vosotros?

D. Fue una ruptura y también tiene cierto significado para nosotros, por todas las circunstancias que nos han rodeado. Este disco es un antes y un después para la banda. Porque antes, éramos muy concienzudos a la hora de crear y grabar. Además, las maquetas que enviábamos a los productores estaban muy elaboradas. De hecho, salió de ellos decirnos: «No nos mandéis esto, que es un disco ya. Mandadnos la canción en pelotas, con una guitarra y una voz, y sin mezclar». Esto hizo que nos enfrentáramos con la canción al desnudo. Al principio fue duro, porque nos hizo dejar de lado la forma de trabajar que teníamos en Dardem hasta el momento. Pero esta ruptura no solo se ve en este aspecto. También se puede observar en las letras de las canciones, que hablan por ejemplo, de la brecha entre los ricos y los pobres, de la brecha entre las expectativas y la realidad que te toca vivir. Hay una madurez en general en este tercer disco. Además, hay una aceptación de lo que realmente nos gusta hacer. Y esto nos ha hecho ir más lejos.

P. ¿Cuáles han sido vuestras principales fuentes de inspiración a la hora de componer las canciones de «La Brecha»?

D. Creemos que en estos momentos en los que se les da tanto «por culo» a los ciudadanos, es hora de crear. El artista tiene que ser como un dedo que debe señalar lo que no le gusta o las cosas con las que no está de acuerdo. Y cuando hay algo en contra, es más fácil. También es verdad que hay un punto de sadomasoquismo, de destrucción en la creación, de volver a recomponerte. Esta situación ha hecho que las canciones sean más descarnadas y más duras. La realidad vital que nos ha tocado vivir, y más en esta ciudad en la que no tenemos familia cercana, nos ha dado unos pies importantes a la hora de crear. Que esto no significa que estemos peleados con el mundo, en absoluto. Ni que seamos unos descontentos o que estemos en contra la política, no tiene nada que ver con eso. Pero si con el momento en el que estamos viviendo, a uno no le inspira o le cala la situación actual, es que está inerte.

P. ¿Qué supone este álbum y cómo lo definiríais en pocas palabras?

D. «La Brecha» es ruptura. Es la confirmación de Dardem. Hasta el momento, teníamos un público que era reducido, como de culto. Llenábamos salas con 100 o 200 personas y los fans eran personas muy agradecidas e inquietas. Entre ellos, teníamos directores de cine, gente muy comprometida, que se movía. Ahora, todo eso ha enraizado y ese mensaje ya no es solo para ellos, sino que se ha democratizado y ha llegado a más personas. Hay una pequeña expansión en este sentido.

P. ¿Cómo ha sido trabajar de nuevo junto a Manuel Colmenero y Javibu Carretero, en lo que se refiere a la producción del disco?

D. Esta producción ha sido dolorosa. No es que nos hayamos llevado mal con los productores, todo lo contrario. La cuestión está en que en esta ocasión, nos dijeron: «Dejad de hacer lo que estáis haciendo. La vía que seguisteis con Inerte ha llegado a su fin». Entonces nos sugirieron que hiciéramos temas conmovedores, que fueran «más de tripas y no tan de cabeza». Y esa fue la premisa. Se hicieron 37 temas, de los que se eligieron 15. Finalmente, se grabaron 11. El proceso de creación fue lo que más tiempo duró, porque nosotros antes, le prestábamos menos atención a este aspecto. Nos centrábamos más en la producción. En cuanto a la grabación, duró tres meses. Hasta la fecha, no hemos nada mejor. Nos hemos vaciado, reinventado y vuelto a llenar con «La Brecha». Ha sido muy un trabajo muy potente.

P. ¿«Eclipse» ha sido vuestro primer tema del álbum con videoclip?, ¿qué tiene esta canción para haber decidido ser la primera?

D. Sí, es la primera canción con videoclip y también es el primer single del disco. «Eclipse» fue uno de los primeros temas que se grabó del álbum, con la voz incluida, que tardó cinco o seis días en grabarse. El último día, que lo dedicamos a re-escuchar todo el disco, Manuel y yo nos dimos cuenta de que faltaba algo en esta canción. Y volvimos a grabar la voz de «Eclipse». Normalmente, las voces se van grabando por tomas: primero las estrofas, luego el estribillo y los coros…Pero en esta ocasión, se hicieron tan solo dos tomas de voz enteras. Así que no está retocado en absoluto y está grabado del tirón. Es, sin duda, uno de los temas con más magia del álbum. Además, también es una balada y nunca habíamos abierto con una. No nos cansábamos de escuchar la canción y seguíamos «flipando» con cada escucha.

En cuanto al videoclip, lo realizamos con la ayuda de Enrique Torralbo, que es muy buen realizador. Hizo «Carteles de invierno», de Vetusta Morla y varios vídeos con Amaral. Y hará muchos más videoclips segurísimo, porque es un fiera. La verdad que lo que propuso, cómo montó el set y los elementos que se introdujeron, al principio no los veíamos bien, pero Quique consiguió bordar el vídeo.

P. ¿Cuál será el siguiente paso de «La Brecha»?

D. Para nosotros, el siguiente paso sigue siendo una incógnita. Normalmente, siempre habíamos trabajado desde el punto de vista más tradicional, difundiendo nuestros trabajos a través de medios de comunicación. Nunca supimos entender las redes sociales hasta ahora. Lo que se ha trazado ahora como estrategia, es hacer conciertos donde esté demostrado que vayan a funcionar. Obviamente, habrá fechas, como muy tarde en mayo. Creemos que está bien que la presentación no sea en Madrid o en Sevilla, porque sí. Por eso, queremos que haya unos datos detrás, que demuestren el por qué hay que hacer la presentación en un lugar o en otro.

15 marzo 2016
Las once horas de música en directo de «La Radio Encendida»

Fotos: Jennifer Gómez

Domingo 13 de marzo. La Casa Encendida acogía la décimotercera edición de «La Radio Encendida», evento musical organizado por Radio 3. Durante más de 11 horas, multitud de artistas y bandas ofrecieron conciertos en directo de media hora cada uno, retransmitidos a su vez en RNE y en «streming» a través de La Casa Encendida.

Un total de 22 bandas, organizadas en 9 bloques, pasaron por los escenarios del patio y del auditorio de La Casa Encendida. Además, también hubo una DJ set, en la que los presentadores de Radio 3 pincharon su música, haciendo bailar a todos los asistentes.

Bloque 2. Boza y Fetén Fetén

A la 1 en punto del mediodía, Carmen Boza abrió este segundo bloque, interpretando los temas de su primer disco «La mansión de los espejos». Espectacular, lo dio todo en el escenario, a pesar de haber pasado la noche en la carretera volviendo de Badajoz, donde actuó la noche anterior. La guitarra eléctrica y su característica voz se convirtieron en sus fieles compañeros durante media hora. «Octubre», «La mansión de los espejos» o «Fin» fueron algunos de los temas que la joven gaditana interpretó en La Radio Encendida. Tras finalizar el espectáculo Boza anunció que, con un poco de suerte, en verano habrá segundo álbum.

Detrás de la gaditana, actuó Fetén Fetén, que me sorprendió positivamente. Nunca los había escuchado, y a pesar de hacer folk instrumental, estilo que nunca me había llamado especialmente la atención, su actuación fue de 10. Los músicos burgaleses presentaron su trabajo más reciente, «Bailables». Fueron intercalando temas instrumentales, con otros en los que las voces de artistas invitados, como Andrés Suárez o Lichis, tomaban las riendas. 30 minutos de espectáculo en la que violín, violín trompeta, acordeón y contrabajo, formaron una fusión perfecta. Pero el cúlmen llegó cuando Fetén Fetén cerró el concierto, haciendo sonar el serrucho.

Bloque 7. Novedades Carminha, Ricardo Vicente y Miss Caffeína

Novedades Carminha abrió este séptimo bloque de conciertos, que comenzó a las 7.30 de la tarde en el patio de La Casa Encendida. Los gallegos aparecieron agradeciendo a la organización su participación en este ciclo indoor. Además, bromearon diciendo que «hasta ya saludaban a Love of lesbian». Nunca antes los había escuchado, aunque muchos de los espectadores lo dieron todo junto a los artistas. Quizás fue el grupo que más indiferente me dejó. Tan solo me quedo con la canción, «Antigua pero moderna».

«One, two, three». La presentación que hicieron de Ricardo Vicente puede que fuera la más divertida de toda la gala. Y así, marcando el ritmo, salió el artista junto a su banda. Tras una larga trayectoria en grupos como Tachenko, La Costa Brava o Nixon, el cantante presentó en La Radio Encendida, su segundo trabajo en solitario, «Hotel Florida». Gran media hora de espectáculo, pero un descubrimiento todavía mejor.

Y Miss Caffeína cerró este bloque. Los madrileños aprovecharon para presentar su nuevo disco, «Detroit». Gran parte del público los estaban esperando desde las 19.30 y eso se notó en cuanto comenzaron a tocar. Gritos de «Alberto, guapo», seguidos de saltos y jóvenes cantando.

Bloque 9. Love of lesbian y Niños Mutantes

Tras un año y medio sabático, sin pisar ni un solo escenario, Love of lesbian regresaba a escena en este ciclo de conciertos. Además, llegaban apenas dos semanas después de publicar su último álbum, «El poeta Halley».

«¿Sabéis cada cuántos años pasa el Cometa Halley?, ¿y El Poeta Halley? Os lo digo yo: solo una vez en la vida». Tras esta bravísima presentación, se desató la locura y el público, que agotó las invitaciones solo 10 minutos después de que éstas se pusieran a disposición de los espectadores, se puso a bailar al ritmo de «Cuando no me ves». Un concierto demasiado breve, pero que no solo sirvió para avanzar un par de canciones de este nuevo disco («Cuando no me ves» y «Bajo el volcán»). Love of lesbian rescató con acierto las canciones «Belice», «Manifiesto delirista» y «Algunas plantas», con la que el público bailó, dándolo todo.

Magia es lo que hicieron anoche Santi Balmes, Julián Saldarriaga, Uri Bonet, Joan Roig y Joanra Planell. Magia es lo que siempre hacen cada vez que publican disco o hacen conciertos. Sin duda alguna, un espectáculo de matrícula de honor.

14 marzo 2016
The Good Company presenta su nuevo trabajo, «Walden Year»

Tras la publicación de «28» y «Dearland», la banda canaria The Good Company presenta su tercer álbum, «Walden Year». Este trabajo está basado en las vivencias del escritor H. David Thoreau, recogidas en su obra «Walden». La naturaleza como único camino hacia la libertad del ser humano. Este el eje central de este ensayo, del mismo modo que lo es del último disco de los grancanarios.

«Walden Year» es, sin duda, una invitación sincera a vivir un año de nuestras vidas como vivió Thoreau en la laguna de Walden. Es un canto a la vida desde la plenitud y la soledad. Además, ahonda en un matiz distintivo de pop preciosista y emocional de alta intensidad, ampliando colores y texturas hasta llegar a terrenos como el gospel, africanismo, northern folk y el post-rock.

The Good Company, la banda que se ha convertido en uno de los grandes referentes nacionales de la música canaria, consiguió financiar la producción de este tercer álbum en tan solo 40 días. Un total de 200 mecenas aportaron 4.500 €, con el único objetivo de que «Walden Year» saliera adelante. Aunque el proceso de creación duró bastante más tiempo: tres años en total. Y es que cuenta con la colaboración de artistas como Luca Petricca (León Benavente, Hola A Todo El Mundo), Carlos Sosa (Fuel Fandango) y Fernando Boix (Polock). Los Reno Estudios y el estudio personal del vocalista de la banda, Víctor Ordóñez, fueron testigo de este proceso de génesis.

Evolución en los directos

En los directos, los chicos de The Good Company han sabido perfeccionar sus habilidades hasta poner en escena un show de primer nivel. De esta manera conforman la banda, Leonardo P.Alonso con su distintiva trompa, Sergio Miró (The Birkins) a la batería, Leonardo Segovia (Bel Bee Bee) con la guitarra y los teclados, Alejandro Velázquez al bajo, Néstor Hernández (La Perra de Pavlov) con la guitarra y Chaxiraxi Gaspar como segunda voz.

PRÓXIMOS CONCIERTOS

7 de abril ∙ La Fabrica de Chocolate ∙ Vigo

8 de abril ∙ Mardi Gras ∙ A Coruña

9 de abril ∙ Festival Emergentes ∙ Oviedo

14 de abril ∙ Moby Dick ∙ Madrid

12 marzo 2016
Los 10 años de Dorian

Fotos de Alicia Delicado

Desde que Dorian publicara en abril de 2015, «Diez años y un día», la banda catalana ha recorrido multitud de escenarios del mundo para celebrar su décimo aniversario juntos. Una gira que se va a alargar hasta noviembre de 2016. De hecho, Madrid y Barcelona pondrán el broche final a este tour de aniversario. Una década ha pasado desde que empezaran a rodar por pequeñas salas. Una década no exenta de dificultades, pero que a la vez ha traído grandes momentos a Marc, Belly, Bart, Lisandro y Víctor.

Pregunta. Diez años de carrera, cinco discos y multitud de conciertos en numerosos rincones del mundo. ¿Qué balance hacéis vosotros de esta trayectoria?

Dorian. Han sido diez años muy hermosos, con momentos buenos y malos. Han sido todo un reto y la verdad, nos sentimos afortunados porque somos una banda que a lo largo de esta década, se ha consolidado bastante y que tiene su lugar en la escena, con cinco discos a las espaldas. Nos sentimos orgullosos, y cómo no: con ganas de seguir dando guerra.

P. ¿De qué manera ha cambiado el mundo de la música desde que empezasteis hasta ahora?

D. En lo que respecta a la música independiente, se ha profesionalizado mucho. Porque cuando nosotros empezamos, era un reducto muy limitado, en el que los grupos tocaban sobre todo en salas pequeñas, porque no había muchos festivales. Todo era muy incipiente y con el tiempo, esos grupos cada vez tienen un público más masivo y más escenarios en los que poder actuar, gracias a la evolución y profesionalización que ha habido.

P. Enmarcados dentro del género «indie», ¿a lo largo de esta década se ha perdido esa «independencia» que se supone que define a este estilo de música?

D. La esencia es la misma, lo que ha cambiado ha sido el público, que se ha hecho más numeroso y que se ha acercado a la música independiente con total espontaneidad. Entonces, lo que son las bandas y sus espíritus, al menos las que nosotros conocemos desde hace tiempo, son exactamente iguales que en sus orígenes. Así que, realmente nos encontramos con una escena musical que goza de gran salud y que no para de crecer. Es por eso por lo que estamos orgullosos de formar parte de ella.

P. Con «Diez años y un día» habéis rescatado algunos de vuestros temas más míticos, dándoles otro efecto. ¿Cómo fue este trabajo de reedición y cómo ha sido volver a escuchar esos primeros temas?

D. Fue todo un reto. Era un proyecto que teníamos en mente desde hacía mucho tiempo y lo planteamos casi como un juego, como un juego muy estimulante para la banda. Coger estos temas, que conforman tu trayectoria, y darles la vuelta supuso que saliéramos de nuestra zona de confort y de la manera habitual que tenemos de hacer las canciones. La premisa era darles un toque diferente, pero esta vez con instrumentos acústicos y arreglos de cuerda, viento y percusiones, con los que no habíamos trabajado antes. Para nosotros fue un divertimento y creímos que para la gente que nos sigue de hace tiempo, era algo distinto que ofrecerles y que podía darles una perspectiva diferente de lo que era Dorian.

P. Habéis introducido «Arrecife», un tema que compusisteis hace tiempo, pero no llegasteis a publicar. ¿Por qué incluirlo en este trabajo y no antes?

D. A veces los temas tienen su razón de ser y su ubicación. «Arrecife» es una canción que queríamos que perteneciera a nuestro anterior disco, «La velocidad del vacío», pero no acababa de encajar bien entre esa colección de canciones. Sin embargo, cuando estábamos preparando este «Diez años y un día», que no deja de ser un unplugged, nos dimos cuenta de que «Arrecife» sí que entraba como un guante. Por eso la introdujimos en el disco, y no solo aparece en él, sino que también abre este trabajo.

P. Otro de los temas inéditos de «Diez años y un día» es «Ara», que tiene una importante carga política. ¿Es la música una buena vía para denunciar las injusticias sociales?

D. Creemos que la música es un buen amplificador del descontento y del desasosiego de la gente. Cuando se hace bien, puede servir para abrir los ojos a muchos oyentes. Pero sobre todo, uno hace una canción como «Ara», porque necesita decir en voz alta lo que piensa. Nosotros queríamos explicar que ciertos comportamientos que han tenido lugar en estos últimos años, entre la clase política y los parásitos que suelen rodearla, son intolerables.

P. Además, «Ara» es vuestro primer tema en catalán. ¿Será el primero de muchos?

D. Vamos a publicar algunos temas más en catalán. Pero siempre y cuando, surjan con la espontaneidad y magia con la que nació «Ara». Así que es impredecible decir cuántas canciones más van a venir, pero sí que publicaremos algunas más en los siguientes discos. Seguro. Porque a través de «Ara», hemos descubierto un timbre que nos gusta bastante, en lo que se refiere a las letras en catalán de Dorian.

P. ¿Cómo fue reinterpretar vuestro mítico tema «Los amigos que perdí», junto al vocalista de Love of lesbian, Santi Balmes?

D. Fue muy fácil, la verdad. Porque cuando ya tuvimos el resultado de la reinterpretación de «Los amigos que perdí», tuvimos claro que esa canción le iba al dedillo a Santi. Y así fue. La verdad es que cuando vino al estudio y se puso a cantar, nos dimos cuenta de que incluso podría haber sido un tema de Love of lesbian. Santi Balmes es todo un profesional, así que «se lo hizo con la gorra». Tuvimos la canción muy, muy rápido. Enseguida se acopló a la voz de Marc, lo que fue una sorpresa, porque ese tipo de cosas nunca las llegas a saber. A veces, haces colaboraciones con otros artistas y tu timbre no se adecúa al del invitado. Pero en el caso de Santi no fue así y la colaboración quedó perfecta.

P. Otra de las sorpresas de este año, fue la grabación del videoclip de «A cualquier otra parte», protagonizado por María Valverde y Daniel Brühl. ¿Por qué elegirlos a ellos y cómo fue trabajar juntos?

D. Elegimos a Daniel Brühl, porque es fan declarado de la banda. Él escribió hace un tiempo un libro sobre Barcelona, cuya apertura era una frase de «A cualquier otra parte». Entonces nos pusimos en contacto con él a través de unos amigos y él mismo nos dijo que estaba encantado con la idea de aparecer en un vídeo nuestro. Lo intentamos con «Los amigos que perdí», pero por temas de agenda no pudo ser al final. Y claro, al tener la versión de «A cualquier otra parte», que es una canción que le gusta especialmente, pues se alinearon los astros y al final apareció en el videoclip.

Además, pudimos contar con la participación de María Valverde, que de manera diferente, también está vinculada a la banda, porque protagoniza una escena de «A tres metros sobre el cielo», en la que aparece uno de nuestros temas. Así que, pudo pasar y lo cierto es que no pudimos tener mejores protagonistas para el vídeo. Fue alucinante.

P. Desde el año pasado, estáis en plena gira de celebración, en la que habéis recorrido multitud de escenarios junto a una sección de cuerda. ¿Se puede decir que ha sido una experiencia positiva?

D. Ha sido una experiencia alucinante, porque hace tiempo queríamos introducir arreglos de cuerda en estas canciones. Esto ha causado que tuviéramos que aprender a hacerlo, al tener que trabajar mano a mano con instrumentistas más relacionados con la música clásica. Sí que es verdad que al principio estábamos un poco nerviosos, porque creíamos que veníamos de mundos muy diferentes, pero al final nos llevamos una grata sorpresa, ya que nos acoplamos muy bien, tanto en lo musical como en lo personal. Además, nos hemos dado cuenta de que tenemos mucho más en común de lo que creíamos, porque al fin y al cabo, todos somos músicos y lo que nos mueve es lo mismo.

P. Vuestro primer concierto de la gira este año fue en el festival Wegow Day, este pasado sábado. ¿Sois vosotros más de festivales o de salas?

D. La verdad es que nos gustan ambos. Desde los festivales más grandes, hasta las salas pequeñas, pasando por los conciertos acústicos en presentaciones de discos. Es cierto que cada uno de ellos tiene su momento y cada uno también te aporta cosas distintas. En el caso del Wegow Day, pudimos explayarnos bastante tiempo, a pesar de tener unos tiempos muy acotados. Esto nos permitió volver a interpretar temas que hacía mucho tiempo que no tocábamos. Nos lo pasamos muy bien.

P. ¿Y cómo fue compartir escenario con Varry Brava y Mirémonos?

D. Los dos grupos son grandes amigos nuestros y los dos nos gustan mucho. Mirémonos es de lo mejor que hay en Madrid actualmente, como banda novel. Y Varry Brava tiene muchos puntos de unión con el estilo de Dorian, sobre todo, en la parte más festiva de lo que es nuestro repertorio. Así que el concierto pintaba que iba a ser una fiesta asegurada y el público lo entendió a la perfección. Fue una noche muy redonda.

P. Esta pasada semana se anunciaron vuestras dos últimas fechas de la gira, en Madrid y Barcelona, ambas en noviembre. ¿Habrá sorpresas?

D. Sí, claro. Tanto en el concierto del 4 de noviembre en La Riviera, como en el del 18 en la Sala Apolo, vamos a contar con una sección de cuerda, con músicos de apoyo, con invitados especiales y con bastantes cambios en el repertorio. Así que la gente se va a encontrar con muchas sorpresas. Además, ambos conciertos serán largos, durarán más de dos horas, por lo que tendremos tiempo de hacer un buen repaso a nuestras canciones, rescatando algunas que llevan tiempo empolvadas.

P. Pero antes, tenéis otras fechas programadas en España y en Latinoamérica, continente con el que cada vez tenéis lazos más etrechos, ¿no?

D. Actuar en Latinoamérica es muy emocionante porque hemos ido descubriendo todos esos países poco a poco, con sus particularidades. Y hemos tenido la suerte de que hemos conectado muy bien con el público latinoamericano, que nos ha recibido con los brazos abiertos. La verdad es que es un público parecido al español, porque es muy expresivo y cariñoso.

P. ¿Cómo os sentís al comprobar que la gira de «Diez años y un día» está llegando a su fin?

D. Estamos emocionados porque ha sido una gira muy especial. Estábamos de celebración y eso también se ha notado.

P. ¿Tenéis algún proyecto nuevo en mente?

D. Tenemos disco nuevo de Dorian, pero todavía no tenemos fecha. Antes terminaremos con todos los conciertos de esta gira, que son alrededor de 50, y después descansaremos un poco.

8 marzo 2016
Versos Rotos quema Madrid

Fotos de Alicia Delicado

Llegaron a Madrid desde Alicante, con la intención de «quemar» Costello Club y lo consiguieron. Puede que la sala no estuviera a rebosar, pero que hicieron bailar al público es un hecho. Vinieron a jugársela y no salió mal. Una hora de concierto que se esfumó casi como un suspiro y que dejó a más de uno con ganas de más. Y es que Versos Rotos supo cerrar con «energía» un buen concierto, que sus compañeros de la banda «Naranja» abrieron con acierto.

Pregunta. El año pasado publicasteis «Vacío Cuántico», ¿cómo lo definiríais?

Versos Rotos. «Vacío Cuántico» ha sido un gran salto en nuestra carrera, ya que lo grabamos con José Caballero, que es un productor de renombre. Además, justo este año, tras grabar el EP, le han dado el Premio al Mejor Productor Independiente. Y lo cierto es que ha sido un lujo trabajar con él, porque es un profesional que ya sabe cómo funcionan las cosas en este ámbito, lo que además te motiva a seguir en este mundo.

P. Precisamente, la siguiente pregunta era que cómo fue la experiencia de grabar junto a José Caballero en los Estudios Neo.

VR. José, además de ser un gran profesional, es una gran persona. Es un hombre muy llano y sencillo, lo que nos ha ayudado mucho. Y la manera que tiene de trabajar es muy metódica e intensa.

P. ¿Qué significa el tema «Energías» para vosotros?

VR. «Energías» engloba en un solo tema, el ideal y la historia de «Versos Rotos». Es lo que sentimos, lo que necesitamos. Nosotros seguimos peleando por nuestro sueño. Y es que «Energías» es precisamente eso: la lucha constante por los sueños. Así lo hemos querido reflejar en el videoclip, mediante la historia del protagonista, interpretado por Raúl D’Alessandro, quien pelea día a día por ayudar a su madre enferma. Poco a poco, gracias al esfuerzo, su vida va mejorando. Es una metáfora de nuestra propia vida. En nuestro caso, nuestra lucha es en el mundo de la música, que es muy duro.

P. ¿Cómo fue la experiencia de grabar el videoclip y trabajar junto al cineasta David Valero y al boxeador Raúl D’Alessandro?

VR. Fue una experiencia muy positiva y muy bonita, porque no habíamos grabado nunca un videoclip de la forma en la que hemos hecho este. El videoclip anterior se hizo realizando varias tomas mientras nosotros tocábamos en directo. Sin embargo, el vídeo de «Energías» exigía una tarea previa de pre-producción, que duró varios meses. Se grabó en octubre, pero en junio ya sabíamos cómo sería: teníamos los guiones con las respectivas escenas. A todo este trabajo no nos habíamos enfrentado nunca, pero la verdad es que David Valero lo hizo todo muy fácil. Nosotros éramos cuatro niños disfrutando de tres días de grabación.

Y en cuanto a Raúl, hizo un enorme trabajo. Sin ser actor, ya que él se dedica al boxeo, hizo un «papelón», con expresiones que realmente reflejaban el dolor de ver a su madre mal y tener que ayudarla.

Fue un lujo trabajar con todo el equipo. Desde David y Raúl, hasta Miguel con el tema de la fotografía y Sandra con el atrezzo, pasando también por las chicas de maquillaje. Todos se portaron de maravilla y hubo un buen rollo increíble.

P. El hecho de que San Vicente del Raspeig también se volcara con el proyecto, supondría un subidón…

VR. La verdad es que sí. Hubo mucha gente que se prestó como figurante. Y a nivel de comercios, también se volcaron muchísimo. Ninguno nos cerró las puertas, más bien al contrario: todo el mundo fue muy servicial, querían que hiciéramos este trabajo y nos apoyaron mucho. Fueron tres días intensos, de no sé cuántas horas de trabajo, pero muy bonitas. ¡Y la verdad es que ya tenemos ganas de que David piense en el siguiente videoclip! [Risas].

P. ¿Qué ha supuesto para vosotros actuar en Madrid, en Costello Club?

VR. Es la primera vez que actuábamos nosotros por nuestra cuenta, sin ser teloneros de ninguna otra banda, aunque sí que compartimos escenario con «Naranja». Nosotros organizamos el concierto y vinimos a jugárnosla [risas]. Era motivador porque era la primera vez que veníamos, sin saber realmente qué pasaría. Además, Costello Club era una sala en la que teníamos que tocar sí o sí. Lo teníamos claro desde que nació la banda o al menos desde que cambió de rumbo el proyecto. Y en casi nuestro décimo aniversario, venir a Madrid era obligatorio. Además era un reto para nosotros, porque estamos acostumbrados a hacer bolos en Alicante y allí más o menos, podemos saber cómo pueden funcionar, pero en Madrid no.

P. Casi 10 años como banda. ¿Tenéis pensada alguna manera de celebrarlo?

VR. Precisamente, en la furgoneta lo estuvimos discutiendo. La idea es hacer algo, pero el qué y el cómo todavía no se saben [risas]. Hay que hacer algo porque es obligatorio. En el quinto aniversario lo hicimos y en el décimo también. Hay que celebrarlo porque parece que si no se hace, no pasan las cosas.

6 marzo 2016
Álex Martínez: «Es muy necesario rodearte de actores con magia, a la hora de trabajar y en el día a día»

Con tan solo 24 años, Álex Martínez puede presumir de tener una importante carrera como actor, sobre todo, en el mundo de la televisión. A los 18 años dejó su Palma de Mallorca natal, para pegar el salto en Madrid. Y entre los proyectos en los que ha participado en la capital, están «Física o Química», «Bandolera», «Isabel» o «Amar es para siempre». En plena emisión de la segunda temporada de «Bajo sospecha», el joven mallorquín explica cómo ha sido participar en la serie.

Pregunta. ¿Qué ha supuesto para ti formar parte del equipo de «Bajo Sospecha»?

Álex Martínez. Una gran alegría. A nivel personal he conocido a gente maravillosa y a nivel profesional ha sido una muy buena oportunidad para mostrar otro registro como actor. Lo cual siempre es interesante y necesario.

P. ¿De qué manera te propusieron formar parte de la serie?

AM. Hice prueba al inicio de la temporada para un personaje y más adelante me llamaron porque querían contar conmigo para interpretar a Rafi en el que encajaba más.

P. ¿Durante cuánto tiempo estuvisteis grabando la temporada y cómo fue?

AM. Desde octubre o noviembre mas o menos, hasta febrero. He estado grabando durante estos meses, con menos frecuencia que los protagonistas, porque mi trama es menor. Y el ambiente muy bueno.

P. ¿Cómo ha sido trabajar con Lluís Homar, Vicente Romero o Yon González, que ya formaban parte del elenco de «Bajo Sospecha»?

AM. Excelente, sin lugar a dudas. Es muy agradable grabar con ellos, nos hemos reido mucho. Ojalá volvamos a coincidir pronto y lo digo en serio, realmente es muy necesario rodearte de actores con tanta magia, no solo a la hora de trabajar, sino en el día a día de un rodaje, te permiten afrontarlo con más tranquilidad y disfrutarlo todavía más. Por suerte en todos mis trabajos he tenido buenos compañeros.

P. ¿Y hacerlo con actrores de la talla y del recorrido de Concha Velasco, Gonzalo de Castro o Luisa Martín?

AM. Más de lo mismo, son gente con la que da gusto estar, compartas o no secuencias. Uno solo puede estar más que agradecido y aprender de ellos. Son actores que se entregan al máximo y eso es muy bonito disfrutarlo, tanto como compañero como espectador.

P. Hablando de tu personaje, Rafi. ¿Cómo es?

AM. Rafi como se ha podido ver es un chico problemático, abandonado por su padre y con su madre como único apoyo, a pesar de la mala vida que le da a la pobre. Es un joven canalla, pero sin mal corazón. Quizá no ha tomado las decisiones correctas.

Fotograma «Bajo Sospecha»

P. ¿Dejará el final indiferente a alguien?

AM. Habrá gente a la que le guste más y gente a la que le guste menos, pero está claro que todo quedará cerrado.

P. ¿Podrías hacer un balance de la temporada y del trabajo realizado en la serie?

AM. Creo que la temporada ha estado muy bien, ha mantenido al espectador enganchado y ha seguido con los ingredientes que la llevaron a renovar la temporada anterior. Ha sido muy potente.

P. ¿Sabes si habrá tercera temporada?, ¿te gustaría tener un hueco?

AM. En el caso de que la hubiera, es casi imposible que esté en ella. Cada temporada se centra en un caso en concreto y el entorno y los personajes cambian, excepto los principales.

P. ¿Tienes algún proyecto nuevo en mente?

AM. Hay un futuro proyecto en cine, pero aún esta todo en el aire. Solo puedo decir que me haría muchísima ilusión y que ojalá siga adelante.

5 marzo 2016
Jesús Lorenzo: «En el rock encontré la mejor manera de dar rienda suelta a mi creatividad»

Jesús Lorenzo (Rafal, Alicante) es músico, poeta y director de cine. Desde el año 1999 es uno de los componentes de la banda «Dirección Prohibida», pero actualmente se está centrando en el mundo de la música de autor y de la poesía. Además, compagina estos aspectos con el cinematográfico, ámbito en el que ya se ha estrenado con «Todo irá bien».

Pregunta. ¿Cómo empezaste en el mundo de la música?

Jesús Lorenzo. Empecé de bien pequeño. Ya con 10 años estudiaba solfeo y piano en la escuela de música del pueblo. Soy de una localidad que tiene mucha tradición musical y es casi como una religión el que los pequeños estudien música. Yo tuve la fortuna de ser uno mas. Continué en la escuela de música llegando a tocar un instrumento de viento, pero poco después apareció en mi vida una guitarra y se torció todo [risas].

P. ¿De qué manera nace «Dirección prohibida»?

JL. La banda nace hace unos 15 años aproximadamente y yo creo que como casi todas las bandas de rock de adolescentes. Empiezan a mezclarse las primeras inquietudes sociales con la pasión por la música de un puñado de chavales que van juntos al instituto, y un día alguien propone la idea de formar un grupo y mira, a algunos les dura poco el experimento y nosotros aquí seguimos. Con muchos cambios en la formación, pero resistiendo tras un puñado de años, muchísimos kilómetros a las espaldas y cinco discos bien bonitos, aunque esté feo que yo lo diga [risas].

P. ¿Cómo definirías el estilo del grupo?

JL. Pues es que hacemos rock en español, no creo que necesitemos demasiadas etiquetas extrañas. Eso creo que es algo que también ha estado en nuestro favor todo este tiempo, aunque como en todo habrá quien crea que es algo que nos resta. No sé, hay quien lo ha llamado «Rock Poético», «Rock urbano». Al final es el rock de «Dirección prohibida» y tiene eso, que al escucharlo no te recuerda especialmente a ningún otro grupo y estamos orgullosos de ello, ya que es muy difícil aguantar tantos años en un mundo tan duro como es el del rock nacional, sobre todo con una personalidad propia.

P. ¿Qué lo hace especial?

JL. Bueno, quizá, como contaba anteriormente este es un rock bastante puro, sin demasiados alardes complejos, nos gusta ir al grano en cuanto a lo musical, ir a la esencia sin rodeos. Y luego siempre han resaltado las letras de las canciones, que es algo de lo que me encargo personalmente y donde me gusta darle una vuelta de tuerca a las historias y a la forma de contarlas, con mas metáforas y esencia poética y bueno, al final se tiene que notar mi parte de poeta por algún lado [risas].

P. En el mundo de la música, además de al rock, también te centras en la música de autor. ¿Qué tiene de especial cada una y por qué centrarte en estilos a priori, bastante diferentes?

JL. Sí, lo cierto es que la canción de autor siempre me ha gustado. Durante toda mi vida he compuesto canciones de este estilo, casi todas para tocarlas y cantarlas en petit comité. Algunas de mis composiciones, con un estilo más cercano a la canción de autor sí han visto la luz, pero lo han hecho porque han ido saliendo en los discos de la banda. Como por ejemplo, «Por seguir vivo», que contó con la colaboración de Rulo para el disco «Haciendo balance». O las dos que aparecen en el último disco «El sembrao de los necios», como son «La de cerrar los bailes» junto a Kutxi Romero (Marea) o «De valiente», con la colaboración también del genial cantautor Carlos Chaouen, entre otras. Pero lo cierto es que ha llegado un momento de mi vida en el que me apetece dedicarle un poco más de tiempo a las canciones así. De ahí, que me haya planteado ahora sacar unas cuantas canciones nuevas con este estilo al margen de la banda y presentarlas por mi cuenta.

P. ¿Las colaboraciones y los vídeos que subes a tu canal son independientes del trabajo que realizas con «Dirección prohibida»?

JL. Bueno, durante la trayectoria del grupo hemos tenido la suerte de hacer grandes amigos y contar con grandes colaboraciones. He mencionado ya algunas, pero también hemos contado con Vito Iñiguez, de Sinkope o Aris, de Tranfer, entre muchos otros. Todas estas cosas son los regalos y tesoros que nos ha ido dejando el rock. Y bueno, de cara a mi nueva etapa espero también poder contar con colaboraciones de amigos.

P. ¿Y cómo empiezas a introducirte en el ámbito de la poesía?

JL. La poesía es algo que siempre me gustó, desde adolescente era el típico que escribía cosas a la chica guapa de clase, aunque casi nunca se lo hacía llegar [risas]. Y nada, luego llegó el rock, donde encontré la mejor manera de dar rienda suelta a mi creatividad en cuanto a la lírica se refiere. Me sentí muy feliz y realizado por poder juntar dos de mis pasiones y hacerlas una.

P. ¿Cómo compaginas ambas cosas?

JL. Fue un placer y un lujo descubrir que no solo eran compatibles, sino que eran tan necesarias para mi. No concibo ahora mismo una cosa sin la otra. Además, el escribir poesía en el rock me llevó a poder publicar mi primer libro de poemas en el año 2009, con el prólogo además también del gran Kutxi Romero. Fue una experiencia increíble.

P. También te dedicas a la dirección de cine. ¿Tienes algún proyecto entre manos en la actualidad?

JL. Si, tras la genial experiencia de mi último cortometraje «Todo irá bien», me ha llegado la oportunidad de rodar un nuevo proyecto con un equipo más profesional y es una aventura que también tengo muchas ganas de vivir. El rodaje dará comienzo a finales de este mismo mes y tiene por nombre «ANA». Ahora mismo estamos en pleno proceso de pre-producción y con mucha ilusión.

P. ¿En qué ámbito de los tres te sientes más cómodo?

JL. Quizá en la música por llevar mas tiempo con ella, le seguiría la poesía y el cine en tercer lugar, ya que es algo que aunque me apasiona de siempre y en lo que hice mis pinitos de joven, es ahora cuando estoy entrando un poco mas en serio en el mundillo. Aunque disfruto mucho aprendiendo cada día, sí que es verdad que le tengo un poco más de respeto.

P. En cuanto a la poesía, ¿cuáles son tus referentes poéticos?

JL. Pues los tengo desde Bécquer (que fue de los primeros poetas que leí de jovencito), o mi paisano y admirado Miguel Hernandez, hasta autores más contemporáneos como Marwan o el propio Kutxi Romero, por nombrar dos que a priori vienen de mundos distintos. La poesía da igual de donde venga, al fin y al cabo, es poesía.

P. ¿Podrías definir tu poesía en pocas palabras?

JL. Trato de que mi poesía llegue a piel, como un gran amor o un buen orgasmo. Consigo mi objetivo, si en lo que dura el poema la piel reacciona es. Eso intento al escribirla.

P. Tanto en Instagram como en Facebook, cuelgas numerosos poemas. ¿Tienes o piensas recopilar estos versos en una sola publicación?

JL. Ahora mismo estoy preparando mi segundo libro de poemas, que espero que pueda ver la luz en los próximos meses. Contará con muchos de los poemas que voy publicando a diario en mis redes sociales y también con otros muchos inéditos.

4 marzo 2016