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  • Boreal Project: «Boreal evoca una alusión al norte, con todas las metáforas que la palabra pueda sugerir»

    Boreal Project: «Boreal evoca una alusión al norte, con todas las metáforas que la palabra pueda sugerir»

    La banda de jazz/folk Boreal Project debuta con su ópera prima «Boreal», un LP que salió adelante gracias a una campaña de crowdfunding. La Sala Galileo Galilei será testigo este miércoles 7 de diciembre, de la primera presentación pública de este álbum. A partir de las 21.00 horas, tenemos una cita en los escenarios con Lorea Aranzasti, Mario Quiñones, Miguel Ángel López, Gerardo Ramo y Miguel Benito.

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    ¿Cómo nace Boreal Project?

    Nace hace dos años cuando Lorea Aranzasti (voz) y Miguel Ángel López (piano) se conocen estando de gira por Suiza. Allí deciden comenzar a componer y enseguida nos unimos el resto (contrabajo, guitarra y batería).

    ¿Por qué ese nombre?

    Creemos que evoca una alusión al norte, con todas las metáforas que la palabra pueda sugerir.

    ¿Por qué aunar jazz y folk en las canciones?

    Porque es lo que nos gusta. No hay un planteamiento estilístico planeado a priori. Es lo que hacemos y es lo que nos gusta. Después tratamos de que todas esas influencias se aúnen de forma orgánica.

    ¿Por qué vuestras letras y vuestros acordes son un viaje al norte?

    Sentimos la necesidad en este proyecto de parar el ritmo, de crear una música que nos detenga y nos coloque en una posición más meditativa.

    ¿Qué importancia tienen las letras de las canciones para vosotros?

    Mucha. Intentamos que la estética y sonoridad de nuestras letras funcionen lo mejor posible con la sonoridad de nuestra música.

    ¿Qué influencia o importancia tiene el violín barroco en vuestros temas?

    No mucha la verdad, pero hay algún que otro detalle en el disco que deja entrever esta faceta.

    ¿Qué pensáis de la siguiente frase: “El grupo apunta a ser una referencia de la música independiente de la escena actual”?, ¿de acuerdo o no?

    Totalmente en desacuerdo. No apuntamos a nada. Tan solo pretendemos vivir de esto. Tal y como está la situación musical hoy en día, no creo que tengamos la oportunidad de convertirnos en referencia de nada, pero si así fuera, será algo no pretendido pero por supuesto bien recibido.

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    ¿Cómo surge este primer disco, Boreal?

    A partir de componer poco a poco un repertorio propio y de darnos cuenta de que sería bonito llevarlo a un disco. Después de una serie de ensayos y conciertos, vimos que el repertorio estaba lo suficiente maduro como para sonar orgánicos en un disco.

    ¿Cómo fue el proceso de creación de esos nueve temas?

    ¡Muy variado! Hay temas de Lorea, de Miguel Ángel y míos. Cada uno compone a su manera. No obstante Lorea y yo hemos colaborado mucho en casi todos los temas aportando pequeños arreglos o aportaciones.

    ¿Por qué decidisteis versionar un tema de Goldfrapp?

    A Lorea y a mí nos encanta esta banda y disfrutamos mucho tocando ese tema en concreto.

    ¿De qué manera afrontáis la presentación del disco en Madrid, el 7 de diciembre?

    Como una gran fiesta en la que lo vamos a pasar muy bien y en la que queremos que la gente pueda relajarse y vivir un bonito viaje con nuestra música.

    ¿Algún avance de lo que se vivirá en el concierto?

    Estaremos todos los músicos del disco, los cinco de la banda y el trío de cuerdas, y tocaremos el disco entero de arriba abajo como concepto.

    ¿Cuál es el siguiente paso de Boreal Project?

    Tocar mucho en directo y seguir componiendo para el siguiente disco.


  • Distrito Rojo: «Este disco es sincero, directo, fresquito.  Son diez canciones de rock con letras bastante íntimas»

    Distrito Rojo: «Este disco es sincero, directo, fresquito. Son diez canciones de rock con letras bastante íntimas»

    Tarragona fue testigo del nacimiento de Distrito Rojo, banda de rock formada por Xavi Moreno, Albert Paredes, Joan Claver y Jordi Busquets. Tras varios proyectos fallidos, las ganas de seguir componiendo fueron más grandes. Y hasta ahora. Actualmente, los catalanes se encuentran en plena promoción de su trabajo, «Distrito Rojo».

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    Pregunta. ¿Cómo coinciden «Distrito Rojo» y cómo nace la banda?

    Distrito Rojo. Xavi y yo [Joan] nos conocemos desde hace tiempo y hemos tenido varios proyectos juntos. «Distrito Rojo» nace de una necesidad, tras cerrar una etapa anterior. Decidimos volver a la carga con este nuevo proyecto. Teníamos ya varios temas pensados y nos pusimos en marcha, sacando disco y preparando toda esta movida.

    Pregunta. ¿Y por qué ese nombre?

    DR. Buena pregunta. Es un nombre que curiosamente, cuando acabamos la anterior banda que teníamos, tenía pensado. Así que se lo dije a Joan. Lo más gracioso es que él también lo tenía apuntado en una lista de posibles nombres. Entonces lo tuvimos claro [risas]. Es un juego de palabras que puede tener varios significados y nos gustaba.

    Pregunta. ¿De qué manera volcáis en este proyecto, toda la experiencia previa en este mundo?

    DR. Todo lo anterior que has hecho, no deja de ser un aprendizaje y te marca un poco el camino a seguir. Los aciertos, los errores y las cosas que te hubiera gustado hacer en su momento, influyen. Al final, tratas de avanzar y aprender de lo que has hecho anteriormente.

    Pregunta. ¿Qué estilo creéis que define mejor lo que es «Distrito Rojo»?

    DR. Somos una banda de rock. No nos gusta decir mucho más. Diríamos que rock, quizás por la sonoridad y por la manera de escribir y hacer las letras. Aunque realmente, es algo que no nos gusta. Huimos un poco de las etiquetas. Al final es música.

    Pregunta. Definid este disco con dos o tres palabras.

    DR. Sincero, directo, ‘fresquito’ [risas], variado. Son diez canciones de rock con letras bastante íntimas, personales, que tratan de temas diferentes.

    Pregunta. ¿Por qué es tan importante que las letras sean tan íntimas?

    DR. Al final, uno escribe lo que le sale. Cuando te pones a escribir un tema, no lo haces de manera premeditada, sabiendo a ciencia cierta lo que vas a escribir. No piensas: “voy a escribir de la guerra”. Simplemente escribes lo que en ese momento, está en tu cabeza. Lo que te viene en ese momento y quieres realmente plasmar en un tema.

    Pregunta. ¿Cómo fue grabar el disco en los Estudios Sonido XXI, junto a Javi San Martín?

    DR. Allí estuvimos mezclando el disco, realmente. El álbum lo grabamos en nuestro estudio de grabación y a Sonido XXI solo fuimos a mezclar. Aunque Javi sí que vino antes al estudio y nos hizo la preproducción, nos ayudó a montar los temas.

    Pregunta. ¿Y cómo fue la experiencia de trabajar con él?

    DR. Con él ya habíamos trabajado en la banda anterior. Habíamos grabado dos discos juntos y además, ya teníamos con él una relación de amistad. Digamos que lo quisimos grabar en casa, por hacerlo tranquilamente y con tiempo, pero con la supervisión de Javi, porque nos gusta su manera de ver la música. Además, tener una visión externa de un profesional como él, siempre viene bien.

    Pregunta. Rulo colabora con vosotros en vuestro tema «Vuelo nocturno». ¿Cómo se dio la colaboración?

    DR. A Rulo lo conocíamos ya desde hacía unos años y tuvimos la oportunidad de que cantara con nosotros. Así que no lo dudamos ni un momento. Nos hacía ilusión, le pasamos el tema y él aceptó encantado. Eso sí, no pudimos estar juntos en el estudio, porque él tenía mucho trabajo. Así que lo grabó desde casa y nos lo mandó.

    Pregunta. ¿Cuál es el siguiente paso de la banda?

    DR. Básicamente, seguir con la promoción y empezar a programar conciertos, que es lo que realmente nos gusta. No apetece que la gente nos vea, para que de verdad capten la esencia del grupo. De hecho, el 31 de marzo por ejemplo, actuamos en la «Jimmy Jazz» y el 1 de abril en «La Mala», ambas salas en Madrid. Antes, actuamos en Calatayud (el 2 de diciembre) y en Zaragoza (el 3 de diciembre).

    RECOMENDACIONES DE «DISTRITO ROJO»

    «Bohemian Rhapsody», de Queen

    «Agradecido», de Rosendo

    «Salir», de Extremoduro


  • Me quito el cráneo: «Nosotros creíamos que tocábamos música country y zarzuela interestelar»

    Me quito el cráneo: «Nosotros creíamos que tocábamos música country y zarzuela interestelar»

    La risa y el esperpento trasladado al ámbito de la música. Con la incertidumbre de qué tipo de canciones hacen, «Me quito el cráneo» presenta su primer disco en la Sala BarCo de Madrid esta noche. Del día de hoy, sábado 12 de noviembre de 2016, no se sabe absolutamente nada. Todo lo que suceda a partir de las 23.00 horas, está en manos de Chumi, Carlos y Chus, los tres componentes de la banda madrileña «Me quito el cráneo».

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    ¿Cómo nace Me quito el cráneo?

    «Me quito el cráneo» nació como una banda de country [risas]. No, en realidad, la banda surgió tras juntarme [Chumi] con Nacho, un componente del grupo que ya no está. Luego, se unieron Carlos y Chus. La verdad es que sonábamos bien, pero poco a poco, nos dimos cuenta de que los tres sonábamos aún mejor.

    ¿Por qué esa alusión con vuestro nombre, a «Luces de Bohemia» de Valle-Inclán?

    Porque Valle-Inclán era esperpéntico, como nosotros, y encima Chumi lo ama con locura. Además, tenemos su brazo escondido en el local, como era manco [risas]. Con todo el tema del brazo, Valle-Inclán cada vez contaba una historia distinta para justificar que era manco. La verdad es que, en ese sentido, nuestras entrevistas son un poco igual. Pero a grandes rasgos, nos llamamos así, porque leímos la frase, y aunque al principio no nos gustó, al final nos acabó encantando. Y como no teníamos otro nombre mejor, nos quedamos con «Me quito el cráneo». Es más, tiene un contexto muy «chulo», el del esperpento. Al ser además una expresión, llama mucho la atención.

    ¿El hecho de considerar vuestro estilo como «difícilmente clasificable», tiene que ver con el tema del esperpento que hablabais?

    Nosotros creíamos que tocábamos country y zarzuela interestelar, pero después de hacer una encuesta a 1.500 personas, todas dijeron que teníamos un estilo distinto. Así que, al final, optamos por decir que somos difícilmente clasificables [risas]. Que ya de por sí, el no querer hacer un estilo determinado, es un estilo. No es que huyamos de la etiquetas, es que no las buscamos. Simplemente, nos ponemos a hacer lo que nos gusta, cada uno con sus propias influencias. Lo bueno de venir al local con un nuevo tema, lo haya hecho quien lo haya hecho, es que al final los demás hacen lo que quieren. A excepción de algún arreglo que hacemos entre todos, nadie dirige y eso tiene muchos puntos buenos. Hay mucha libertad en el grupo y no nos ponemos límites entre nosotros.

    ¿Cómo ha acogido el público este tipo de música inclasificable?

    Ten en cuenta que llevamos poco tiempo, ya que tras la marcha de Nacho hubo un parón. Sí que hemos hecho algún concierto, al que han ido principalmente amigos y amigos de nuestros amigos. Pero la gente se lo pasa muy bien y nos dicen que les gustamos. Aunque hay quien dice que hacemos música rara o que las canciones son totalmente distintas entre sí. Pero todo eso, para nosotros es indicador de que estamos haciendo las cosas bien, de que estamos consiguiendo lo que queremos. Incluso el productor Paco Loco, que es un gran profesional, se sorprendió. Después de varios días grabando con él, nos dijo que no sabía qué hacíamos. Para nosotros fue un subidón.

    ¿Qué supone para vosotros este primer disco?

    Es una nueva etapa para «Me quito el cráneo», que hasta ahora no había sido real. Nos quedamos tres, rehicimos temas y creamos nuevos. Y todo eso en apenas tres meses. En definitiva, la música cambió. No tenemos un cantante principal y los instrumentos destacan, por ejemplo. El disco ha sido la meta y el punto de salida. Es una burbuja que nos permite reunirnos a los tres. Además, teníamos muy claro que queríamos grabar con Paco Loco. De hecho, lo cerramos todo con él incluso un año antes de meternos al estudio.

    ¿Cómo fue trabajar con él, con Paco Loco?

    Inicialmente, le escribimos por correo electrónico y le contamos que éramos de su rollo y que queríamos grabar con él. A los diez minutos de mandarle el e-mail, nos llamó por teléfono. «¡Chus, soy Paco!», escuchamos al otro lado. Es un gran profesional, pero a la vez, es una persona tan sencilla. Es maravilloso. La verdad es que después de todo el trabajo que hicimos, fuimos al estudio con la incertidumbre de cuántas canciones grabaríamos, si ocho o diez. Al final, acabamos grabando las diez con bastante tranquilidad. Disfrutamos más que otra cosa. Además flipamos con él, porque a la hora de mezclar, Paco trabaja completamente solo. Es como un pastelero, que con la masa en bruto, hace auténticas obras de arte. Ese proceso, el cómo va dando forma al disco, es impresionante. Al escuchar el resultado final, no nos creíamos que hubiera salido de nosotros.

    ¿Qué supone para vosotros presentar el disco en la Sala BarCo, de Madrid?

    Eso tiene su historia también, porque en su momento estuvimos buscando salas. Queríamos estas fechas, pero por lo general, no suelen decirte sí o no con tanta antelación. En realidad, queríamos actuar en el Vicente Calderón [risas]. Al final, pedimos como favor que nos dejaran actuar en la Sala BarCo y lo conseguimos. Lo cierto es que el sitio nos encanta y el trato es genial.

    RECOMENDACIONES DE «ME QUITO EL CRÁNEO»

    Hoy por hoy, de Javier Krahe

    Come together, de The Beatles

    No Surprises, de Radiohead

    Whose Authority, de Nada Surf

    The Poet and The Pendulum, de Nightwish


  • Kike Tormenta: «La gente dice que soy un poeta, pero nunca he pensado que lo fuera»

    Kike Tormenta: «La gente dice que soy un poeta, pero nunca he pensado que lo fuera»

    Kike Tormenta, el «artista inclasificable». Se le ha considerado músico y poeta a partes iguales por todo lo que transmite en sus canciones. Diez años después de iniciar su carrera en solitario, el artista celebra esta década en la Sala Boite de Madrid. Esta noche a las 21.30 horas, Kike Tormenta se sube al escenario y se presenta en una sala, completamente llena de gente.

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    ¿Qué balance haces de estos diez años de carrera?

    Kike Tormenta. Llevo diez años en solitario, pero en el mundo musical llevo mucho más. Mi primer concierto fue a los 13 años, tocando la batería. A partir de ahí tuve varios grupos. Pero en plan serio, hace 18 años con el proyecto «Paso a paso». Una vez disuelto este grupo, fue cuando inicié la carrera en solitario.

    ¿Cómo ha cambiado tu mundo, desde que empezaste en la música?

    K.T. No ha cambiado mucho. He cambiado yo por dentro: los planteamientos que tenía, toda mi investigación personal y mi posicionamiento en el suelo. Sí que es cierto que con el tiempo, quiero hacer las cosas mejor. Pero en el momento, pienso que estoy haciéndolo lo mejor posible.

    ¿Qué hizo que iniciaras tu carrera en solitario?

    K.T. El punto de inflexión fue la disolución del anterior proyecto, «Paso a paso», que tenía con mi hermano. Familiarmente, estábamos pasando un momento muy duro y todo ello quedó reflejado en nuestro interior. Entre unas cosas y otras, se decidió dejar el proyecto, pero yo me quedé con unas canciones en el aire que iban a ir para el segundo disco de «Paso a paso». Entonces, tras pensar qué hacer con mi necesidad de escribir, las titulé con el nombre de «Todo o nada» y seguí componiendo, hasta conseguir sacar mi primer LP en solitario, llamado «Despierto de repente». Lo cierto es que tenía mucha rabia dentro y sentía que tenía que «vomitar» de la forma más bonita todos esos sentimientos, en forma de canciones.

    ¿De ahí que tus canciones tengan ese toque poético?

    K.T. Eso me dice la gente, que soy un poeta. Pero nunca he pensado que lo fuera. He hecho canciones sin tener en cuenta nada más. Yo solo hago lo que me sale. Soy autoexigente, pero intento no serlo demasiado, porque a veces, menos es más. Me gustan las palabras sencillas y los mensajes que se entienden fácilmente.

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    Se te considera un «artista inclasificable» en cuanto a estilo. ¿Huyes de las etiquetas?

    K.T. Hablando con mis amigos de broma, yo les decía que hacía «dark pop». Creo que las etiquetas son una tontería, que a su vez nos sirven un poco para encajar las cosas en nuestras cabezas. Pero sí que pienso que los prejuicios están muy a la orden del día, entonces no quería limitar a la gente con ninguna palabra. Quería que la gente viniese y luego decidiera lo que mi música le había hecho sentir. Al fin y al cabo, considero que lo que hago son canciones.

    ¿Qué visión tiene Kike Tormenta de la música?

    K.T. La música traspasa todo tipo de fronteras. La música es como los pájaros, que van volando, surcando todas las fronteras físicas. Creo que las canciones también vuelan y se posan donde mejor se encuentran.

    ¿Qué supone para ti celebrar tus diez años en solitario en la Sala Boite?

    K.T. Supone mucho. Más que una celebración, es un encuentro con la gente que me sigue desde hace tiempo. Para mucha gente, este concierto es importante. Para mí también, pero me gustaría vivirlo más alegre. Será una ceremonia en toda regla.

    ¿Has preparado alguna sorpresa para celebrar este décimo aniversario en solitario?

    K.T. Como broche final de este aniversario, hemos preparado una acción poética única en un lugar muy significativo de la ciudad, el Viaducto de Madrid. Se titula «Diez años. Todo o nada». Se puede encontrar en mis redes sociales y en las de Masquepalabras.org.

    ¿Tienes algún proyecto nuevo en mente?

    K.T. Sí. Estoy metido con el nuevo disco. En acabar este concierto, continuaré con él. Será mi primer disco en un estudio real. Luego tengo algún otro proyecto en mente, que prefiero guardar en secreto.

    Para cerrar, ¿qué canciones de la historia te han marcado más?

    K.T. Ahora mismo me vienen a la mente, «Where is my mind?» de Pixies, «Quemando tus recuerdos» de Extremoduro y «Lucha de gigantes» de Antonio Vega.


  • 42 Buttons: «Jugamos con una esencia musical antigua, pero pasada por el filtro moderno»

    42 Buttons: «Jugamos con una esencia musical antigua, pero pasada por el filtro moderno»

    Era el mes de enero cuando se juntaban David Romero (bajo), Pável Mora (teclado y voz), Javi Torres (guitarra y voz), José Medina (batería) y Fran Vela (trombón). Así nacía 42 Buttons, aunque el germen de lo que hoy es la banda ya estaba implantado. Poco a poco, han iniciado una carrera meteórica: se alzaron ganadores del concurso de bandas de Fender y actuaron en el Festival Cultura Inquieta. Con nuevos proyectos en mente, la banda getafense promete dar mucho juego.

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    ’42 Buttons’ en Cultura Inquieta – Foto: Carlos Díaz Casado

    Pregunta. ¿Cómo nace 42 Buttons?

    Respuesta. Anteriormente, teníamos otra banda que se llamaba H, pero acabó disolviéndose. Sin embargo, nos quedamos tres de este grupo anterior y ahí empezó a formarse lo que es hoy 42 Buttons. Decidimos no venirnos abajo e irnos a tomar cerveza, que es lo que mejor se nos da y la mejor manera que tenemos de pensar [risas]. Hablamos de lo que queríamos hacer y de hacia dónde direccionar la banda en esos momentos. Entre otras cosas, decidimos dar un pequeño giro en el estilo.

    P. ¿Y por qué ese nombre? Porque es un tanto curioso.

    R. Hemos conseguido que llame la atención. Se le ocurrió un día a Pável y al final se quedó. Nos gusta dejar la explicación de porqué nos llamamos así, un poco en el aire [risas]. La verdad es que no nos gustan los nombres que son algo. Además, desde el minuto 0, en internet somos los primeros en salir cuando buscas 42 Buttons. Lo cierto es que lo único que ha requerido que nos sentemos y hablemos es el hecho de hacia dónde queríamos dirigir la banda, en cuanto al estilo. Todo lo demás ha venido rodado.

    P. ¿Y qué estilo es el que os define más?

    R. No lo sabemos muy bien. Nos han definido de muchas maneras y nos han comparado con cosas que jamás nos hubiéramos imaginado. Lo que intentamos buscar es la base de la música negra funk-soul más clásica, pasada por un filtro un poco más actual, introduciendo entre otras cosas, voces procesadas y bases más electrónicas. Jugamos con la esencia antigua, pero pasada por el filtro moderno. De hecho, esa esencia se nota también en la propia construcción de los temas. No seguimos una estructura tan marcada y abrimos paso a la creatividad y la improvisación. Además, dejamos que prime la instrumentación. Aunque poco a poco, estamos dejando paso a las voces y están surgiendo algunas letras. Por ejemplo, Matías Muñoz, una poeta de Getafe, compuso un poema «Bodrum Beach», específicamente para uno de nuestros temas. Lo que tenemos claro es que, dentro de las pocas letras que tenemos, éstas tengan un mensaje que traspase y llegue a la gente.

    P. En muy poco tiempo, montáis la banda, os presentáis al concurso de bandas de Fender, ganáis y actuáis en el Festival Cultura Inquieta. ¿Qué supuso para vosotros todo eso?

    R. Inicialmente, sentimos incredulidad, sorpresa y mucha emoción. Nos encontrábamos en esos momentos validando nuestra propuesta musical y dijimos: «Vamos a ver cómo se traga esto el público»: temas de siete minutos, cambios de compás o cambios de ritmo. No sabíamos cómo iba a responder la gente, pensábamos que nos dirían: «Bueno, sois un poco rayados, ¿no?» [risas]. Sin embargo, ocurrió todo lo contrario. En realidad, fue una meta, una manera de ponernos en marcha. Aunque dudamos. Tres días antes del concierto, estuvimos pensando si concursar o no, porque no veíamos el proyecto lo suficientemente maduro. Y luego, mira. Durante las dos semanas antes de la final, estuvimos dando un giro al repertorio y a la estética. Y fue ahí cuando hicimos un bolo realmente potente y la gente reaccionó de manera muy positiva. Luego, actuar en Cultura Inquieta fue increíble, también nos colocaron un día mejor que el que estaba previsto. Además, en todo momento nos trataron como una banda más, a pesar de haber sido ganadores de un concurso y no estar incluidos en el cartel. Todo ello nos dio confianza en el proyecto y nos demostró que a la gente también le gustan las cosas diferentes.

    P. ¿Cómo fue compartir escenario junto «Aurora & The Betrayers» y la «Fundación Tony Manero»?

    R. Compartir escenario con dos bandas grandes es increíble, no dejas de tocar con personas que tienen ya un enorme recorrido en este mundo. Además, estuvimos hablando con todos ellos detrás del escenario y son gente muy maja. No sabemos si fue bien o mal, pero acabamos a las tantas de la madrugada con la «Fundación Tony Manero» [risas]. La verdad es que compartimos muy buen momento con ambos grupos en el backstage. Fue un lujo actuar con bandas grandes, sin quedar por debajo de ellos en ningún momento. Y aprendimos mucho de ellos.

    P. Vais a publicar en breves el DVD con la actuación en Cultura Inquieta. ¿Cómo va el trabajo de post-producción?

    R. Va fenomenal. Y suena muy, muy interesante. Posiblemente para finales de mes o principios del próximo, ya estará a punto.

    P. ¿Y cuál es el siguiente paso de 42 Buttons?

    R. Vamos dando pequeños pasos continuamente. Estamos cerrando varias cosas interesantes en Getafe, en Madrid y fuera también. Además, también estamos hablando para llevar a cabo una propuesta cultural con otros artistas. Pero todo ello está todavía en proceso. Aunque lo inminente, es la publicación del DVD.


    LOS TEMAZOS DE «42 BUTTONS»

    Ten, de Pearl Jam

    Wish you were here, de Pink Floyd

    Cualquier tema de Jimi Hendrix

    Welcome to the jungle, de Guns N’ Roses

    A galopar (Alberti), de Paco Ibáñez

     

  • Nastasia Zürcher: «My flight ha supuesto dar un paso con el que llevaba toda la vida soñando»

    Nastasia Zürcher: «My flight ha supuesto dar un paso con el que llevaba toda la vida soñando»

    Es la reciente ganadora del Premio Martín Códax da Música 2016, en la categoría Blues, Funk & Soul. Además, también se ha alzado con el primer galardón en el I Certamen de Canción de Autor en Galego, con su tema «Voar». Sin embargo, Nastasia Zürcher se ha sumergido ahora en una nueva aventura: la presentación de su primer LP, «My flight». Un trabajo que llega a escenarios madrileños, el próximo 16 de octubre en El Intruso.

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    ¿Cómo empieza Nastasia Zürcher en el mundo de la música?

    Pues de forma muy natural, la verdad. Nací en una familia de músicos y amantes de las artes, lo que hizo que desde muy pequeña estuviera inmersa en universos muy musicales. Mi abuela era arpista y profesora de piano, mi papá es pianista, compositor de bandas sonoras para teatro y cine. También es profesor de MIDI y últimamente está muy metido en todo el tema de dibujos animados, muy enriquecedor todo. Así que desde que llegué a este mundo, ese fue mi día a día: escuchar y descubrir.

    ¿Qué estilo musical te define más como artista?

    Quizás el neo soul o neo pop soul, junto con world music serían los dos grandes estilos generales. Mi manera de cantar es muy negra, pero a la vez juego mucho con registros suaves, más limpios, incluso con agudos y armonías más propias de las músicas del mundo.

    Este año, fuiste ganadora de la categoría Blues, Funk & Soul en los III Premios Martín Códax da Música. ¿Qué sentiste al conocer la noticia?

    ¡Fue una alegría inmensa, la verdad! Como quien dice, con este proyecto como solista, acabo de llegar al panorama musical, así que tus compañeras y compañeros de profesión reconozcan y valoren tu trabajo con este pedazo de premio, desde luego es una motivación muy grande. Y ya hablando del momento mismo en el que dijeron: «La ganadora es…Nastasia Zürcher», pues claro, luego no conseguía quedarme quieta en el asiento durante el resto de la gala. Mi madre me daba pequeños codazos para que dejase de mirar al suelo, la botella (bueno, botellón…) y escultura del premio.

    ¿Cómo fue presentar el tema «Voar», incluido en el disco, en el I Certamen de Canción de Autor en Galego?

    Realmente era y es la única canción en gallego del disco, así que no hubo más opciones de repertorio propio. Era o todo o nada, y al final, fue y mucho. ¡Una alegría!

    Además, ganaste el primer galardón. ¿Qué significa este premio para ti?

    Pues mucha alegría ver que tu trabajo gusta y llega. Es un tema muy personal, pero a la vez con una temática que, pienso, a todos nos ocupa la mente y corazón en algún momento de nuestra vida. Ver que la gente conecta con el mensaje y esencia de tus creaciones, es el mayor de los reconocimientos.

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    ¿Qué ha supuesto para ti publicar tu primer LP, «My flight»?

    ¡Wow! Pues un paso con el que llevaba casi toda la vida soñando, algo que, hasta que ves que es real, que estás grabando, luego editando, que eliges portada del disco, que anuncias fecha de lanzamiento, parece como casi utópico. Y desde luego, a nivel profesional, ha sido y es de las cosas más enriquecedoras que he hecho hasta la fecha. Cada día es un master en aprendizaje.

    ¿Podrías definirlo en pocas palabras?

    Me gusta definirlo como ecléctico, atrevido y sobre todo muy auténtico. Fue creado en absoluta libertad creativa por mi parte, dejándome fluir en todo momento por lo que sentía, es un trabajo muy sincero.

    ¿Cómo fue el proceso de grabación?

    Además de muy emocionante, fue realmente bueno y perfecto para un estreno en dicha aventura profesional. Lo grabamos en Baeza (Andalucía), en los Estudios Alisrecords junto a Pachi García, que es el coproductor artístico y quién también se encargó de la mezcla y mastering. Ha sido muy productivo y divertido trabajar con Pachi, creo que entendió muy bien desde el principio lo que necesitaba (y que era mucho menos de lo que yo pensaba que necesitaba!), así que una vez establecidos los roles, lo grabamos en dos viajes a lo largo del verano 2015.

    ¿Cómo te sientes ante la inminente presentación de tu disco en Madrid?

    ¡Con unas ganas tremendas de que llegue la fecha! Llevaba tiempo deseando estrenarme con este formato tan especial en la capital, ciudad en la que además viví durante dos años y la cual me encantó y sorprendió para bien. Ahora toca compartir el camino hecho, el trabajo materializado, y las ganas, la verdad, que son inmensas.

    ¿Qué supone para ti compartir escenario junto a Beat Trío, el 16 de octubre?

    Como decía es un formato muy especial al que le tengo un cariño muy grande. Juntos mis temas evolucionaron y cobraron todavía más personalidad. Estoy muy a gusto con el trío, tanto a nivel instrumentación, la cual me encanta, como a nivel personal. Mis dos compañeros de aventuras son pura maravilla, es una gozada construir y evolucionar con y junto a ellos!

    ¿Y qué significa para ti actuar junto a la artista invitada, Ana Santa?

    Ya ves, nivelón que nos acompañará el 16 de octubre en el Intruso. Conocí a Ana hace poco más de medio año, y la verdad es que me encanta su rollo y manera de cantar. Creo además que encaja perfectamente en el formato Beat Trío, así que promete ser una noche muy emocionante.

    ¿Cuál es el siguiente paso, tras la presentación en la capital?

    Estamos ahora con la gira de otoño, en la que actuaremos en varias ciudades de Galicia y en Madrid el 16 de octubre. Tuvimos un verano muy bueno a nivel de bolos, así que seguir la onda en la que estamos y expandir cada día más el proyecto. También estoy muy metida en la composición del segundo disco, el cual llegará para finales de 2017 si todo sigue su curso natural.

    LOS TEMAS DE NASTASIA ZÜRCHER

    How come you don’t call me, de Prince y cantado por Alicia Keys, allá por 2001.

    To Zion, mítica y tan perfecta canción de Lauryn Hill.

    Talking, de Fuel Fandango.

    Stop your step!, de Verónica Ferreiro.

    90s Music, de Kimbra.


  • «El Exorcista» regresa a la gran pantalla el próximo 6 de octubre

    «El Exorcista» regresa a la gran pantalla el próximo 6 de octubre

    «El Exorcista» regresa a la gran pantalla de los Cines Palafox de Madrid (Calle de Luchana, 15). El próximo jueves 6 de octubre a las 22.00 horas, se proyectará en VOSE, el film de William Friedkin más terrorífico de todos los tiempos, que además cumple 43 años. Aunque a partir de las 21.00 horas, habrá pre-party con JAMESON Irish Whiskey en los mismos cines. Las entradas están todavía a la venta en Entradium.

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    Regan es una niña de 12 años normal y corriente… hasta que su cama empieza a levitar. ¿Adolescencia rebelde? ¿Un truco para llamar la atención? ¿Una enfermedad mental? O… ¿el mismísimo Señor de las Tinieblas se ha colado en el hogar dulce hogar?
    La joven sufre extraños síntomas, incluyendo la levitación y una fuerza sobrehumana, lo que aterroriza a su madre quien, tras someter a su hija a múltiples análisis médicos sin resultado, acude a un sacerdote con estudios de psiquiatría. Éste se muestra convencido de que el mal ha rebasado lo físico y afecta a lo espiritual. Una vez seguros de que la niña está poseída, junto a otro sacerdote decidirá practicar un exorcismo… El exorcismo más brutal e intenso visto en la pantalla grande.

    La película, adaptación de la novela de William Peter Blatty, se hizo con 10 nominaciones a los Oscar y obtuvo la estatuilla al Mejor Guión Adaptado y al Mejor Sonido.

    Una historia maldita que incluso envuelve la BSO de la película. Lalo Schifrin era el encargado de poner la música del tráiler del aclamado film. Sin embargo, los espectadores no reaccionaron como se esperaba. «Las personas que vieron el trailer reaccionaron negativamente hacia el film, porque las escenas eran muy poderosas y terroríficas, y la mayoría del público que las estaba mirando corrió a los sanitarios a vomitar. El trailer era excelente, pero la mezcla de las escenas terroríficas más la música, que también era muy densa, auyentaron a la audiencia», reconoció el propio Schifrin. Finalmente, Mike Oldfield fue quien realizó la pieza, Tubular Bells.

    ¿Preparados para pasar una noche terrorífica, de la mano de Linda Blair, como la poseída Regan, Ellen Burstyn, como la sufrida madre de la protagonista, Max von Sydow, como el padre Merrin y de Jason Miller, el padre Karras?


  • Nebraska: «La habitación de los espejos ha sido nuestro punto de inflexión»

    Nebraska: «La habitación de los espejos ha sido nuestro punto de inflexión»

    2015 fue el año clave para Nebraska. Álvaro, Manu, Arturo y Paco se metían al estudio y «daban a luz» su primer EP: «La habitación de los espejos». Ahora, la banda murciana se encuentra en plena vorágine de conciertos de presentación. Tras quedarse finalistas en los concursos del Festival Gigante y del Granada Sound, Nebraska promete dar mucha guerra.

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    Fuente: Nebraska (Facebook)

    Pregunta. ¿Cómo nace Nebraska?

    Nebraska. Manu y yo [Álvaro] nos conocemos desde hace bastante tiempo y siempre nos ha gustado la música. De hecho, hemos pasado por varias bandas. Fue entonces cuando nos encontramos con Arturo y Paco, y creamos Nebraska.

    P. ¿Cuáles son vuestras principales influencias musicales?

    N. Antes del EP, las influencias eran muy indies, del estilo de Supersubmarina, Love of lesbian o Izal. Pero después de grabar, éstas desaparecieron. Perdimos un poco el control de la situación y las influencias cambiaron. Paco Román, el cantante de Neuman, fue el productor del disco y quien puso «la guinda al pastel». La verdad es que nos gusta mucho la línea que hemos adoptado. Así que ahora las influencias son algo más duras, «más sucias».

    P. «La habitación de los espejos» es vuestro primer EP. ¿Qué significa para vosotros?

    N. Supone mucho, porque ha sido el primero. Además, ha sido el punto de inflexión de Nebraska. Antes seguíamos una línea muy básica, pero a partir del EP, de grabarlo dónde y con quién lo grabamos y de todo lo que nos costó sacarlo, cambiamos. Ha sido «un parto muy duro» e intenso, pero a la vez muy gratificante. Hemos aprendido cómo hacer las cosas, cómo componer e incluso cómo grabar.

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    P. ¿Cómo fue el proceso de grabación?

    N. Grabamos el EP en la Sala de Máquinas de Lorca con Paco Román como productor y Manuel Torregrosa como ingeniero de sonido. El proceso fue brutal, la mejor semana de nuestras vidas. Nosotros nos presentamos con seis temas y no sabíamos los que iban a salir. Pero Paco nos dejó claro enseguida los cinco que irían en el EP. Empezamos a grabar y de repente, las canciones cambiaron radicalmente. Pero el resultado nos emocionó. De hecho, el día que escuchamos los temas finales, se nos erizó la piel.

    P. ¿A nivel profesional, cómo fue trabajar con Paco Román y Manuel Torregrosa?

    N. A nivel profesional es brutal, porque los dos son gente muy seria, comprometida y que tiene las cosas claras. Eso creemos que es fundamental, porque si tú tienes algo tan preciado como una canción o una obra de arte, no se la vas a confiar a cualquiera que se ría. Por eso, confiamos en personas que trataran nuestro trabajo con respeto.

    P. «Que empiece el baile» ha sido el primer single. ¿Qué tiene este tema de especial?

    N. Una vez tuvimos todo el EP, «Que empiece el baile» fue la canción que más sabíamos que gustaba a la gente, porque es muy movida y muy alegre. Además, tiene una energía especial. Cuando llegamos al estudio, de hecho, Paco nos dijo exactamente lo mismo. A nivel personal, también le tenemos mucho cariño por el mensaje que tiene, por el buen rollo que transmite. En el fondo habla de que, pase lo que pase, hay que seguir para adelante y ponerse a bailar.

    P. ¿Qué ha supuesto para vosotros quedar finalistas en el Festival Gigante y en el Granada Sound?

    N. Nos ha servido para darnos cuenta de que nos movemos mucho más de lo que creemos. Y de que, a pesar de llevar muy poco tiempo, si seguimos por este camino, podemos convertirnos no en finalistas, sino en ganadores de estos concursos. Sí que es cierto que teníamos claro que no ganaríamos. Pero lo importante al fin y al cabo, es estar ahí, estar presente. Este año a lo mejor no era el nuestro, pero quizás el siguiente sí que lo sea.

    P. ¿Cómo fue presentar el disco en Madrid, en Costello Club?

    N. Ha sido impresionante, increíble. La sala Costello es un lugar por el que hemos visto pasar grupos que hemos seguido, como Sidecars. Al vernos tocar allí, nos emocionamos. Además, la gente también respondió muy bien al concierto.

    P. ¿Y cómo fue compartir escenario con Ayer?

    N. Fue genial también, porque son muy agradables. Trabajan muy bien y a nivel humano y profesional, son brutales. Nos trataron también muy bien y con mucho respeto. Es de esos grupos con los que da gusto trabajar.

    P. ¿Cuál es el siguiente paso de Nebraska?

    N. El siguiente paso es tocar mucho. De hecho, tenemos varias fechas por Murcia, Valencia, Granada y Madrid. Con el EP giraremos un año entero, hasta septiembre u octubre. Después nos plantearemos grabar un disco. Y en diciembre del próximo año, puede que nos metamos en el estudio.

    LOS TEMAZOS DE NEBRASKA

    Wonderwall, de Oasis

    Pequeña gran revolución, de Izal

    Alcohol and cigarettes, de Oasis

    Sympathy for the devil, de The Rolling Stones

    You can’t always get what you want, de The Rolling Stones

    Other side, de The Red Hot Chili Peppers


  • Eyre Suárez: «Chaveleando es un tributo a Chavela Vargas, un camino por canciones con las que creó su propia biografía»

    Eyre Suárez: «Chaveleando es un tributo a Chavela Vargas, un camino por canciones con las que creó su propia biografía»

    Chavela Vargas se convierte en la protagonista del nuevo disco de la solista vasca, Eyre Suárez. En «Chaveleando», la vocalista rinde homenaje a la artista mexicana. En este primer trabajo de Eyre, se han seleccionado los mejores temas de Vargas. Canciones que, a pesar de no ser suyos, supo dar un toque muy particular.

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    Pregunta. ¿Quién es Eyre Suárez?

    Eyre Suárez. Es difícil describirse a uno mismo, la verdad. Pero así a grandes rasgos, puedo decir que me considero buena persona, aunque eso tendrán que corroborártelo las personas de mi entorno.

    P. ¿Cómo comienzas en el mundo de la música?

    ES. Curiosamente, ya en la escuela cuando tenía cinco años en lugar de hacer alguna otra actividad, la maestra que teníamos solía ponerme a cantar de pie sobre su mesa para todos mis compañeros, así que supongo que ya desde niña tenía esa vocación.

    En cursos posteriores recuerdo cantar en las clases de dibujo, que estaba considerado como una asignatura maría [risas]. En los cumpleaños de mis amigos con nueve o diez años, también cantaba.

    Me encantaba componer, y es una cosa que hoy en día sigue fascinándome. El hecho de decir las cosas a través de la música y llegar a emocionarlas maravilloso.

    P. ¿Con qué género te sientes más identificada?

    ES. Me siento identificada con el pop más indie aunque no lo parezca, pero mi verdadera pasión son los cantautores. Siempre me han encantado. Comencé a escuchar a Aute y a Rosa León con nueve años en unas vacaciones con mi familia en Béjar. Me pasé las tardes de aquel verano escuchándolos en la casa de una pareja que vivía allí y fue estupendo. Aute por ejemplo es un cantante al que tengo un cariño especial porque me marcó bastante. A través de él fui descubriendo a Joaquin Sabina, Serrat, Victor Manuel. Más adelante a Mercedes Sosa, Mari Trini, Martirio, que me chifla. Y ya más actuales me quedo con Vanesa Martin, Manuel Carrasco, India Martinez, ¡y cómo no Rosana! Me encanta la positividad de Rosana para todo [risas].

    P. ¿Qué tiene Chavela Vargas para rendirle homenaje?, ¿qué significa ella para ti a nivel artístico?

    ES. Chavela me resulta fascinante. Es la libertad hecha persona, el feminismo bien entendido. Imagina una persona cantando «Ponme la mano aquí Macorina» hace cuarenta años. Cantando con ese sentimiento tan característico, y no cambiando el género de las letras a las canciones. Si se está cantando a una mujer porque la letra es así y la compusieron así, pues es así y punto. ¿Para qué iba a cambiarlo ella? Es que es única. Auténtica Chavela. Con un par.

    A nivel artístico para mí Chavela significa la ruptura de las reglas establecidas hasta el momento. Es una cantante que a pesar de no tener un gran instrumento vocal transmite como la que más, y nos enseña que eso es lo que importa, esa conexión con el público, ese dejarse llevar por las emociones aunque supusieran tristeza y saliéramos llorando de sus conciertos. Siempre digo que si cada uno de nosotros ejerciera la libertad como hizo Chavela el mundo sería de otra manera.

    P. ¿Es complicado reinterpretar los grandes temas de Chavela Vargas?, ¿cómo hacerlos tuyos y darles tu propio toque personal, sin perder su esencia original?

    ES. Efectivamente es muy complicado interpretar esos temas, pero creo que hemos conseguido hacerlo gracias a ese toque de blues, ese prescindir de trompetas y guitarrones como ya hiciera la propia Chavela en su momento.

    P. ¿Podrías definir «Chaveleando» en pocas palabras?

    ES. Es un tributo a Chavela Vargas, un camino por canciones que no fueron compuestas por ella y con las que sin embargo creó su propia biografía. Si estudiamos a Chavela con detenimiento nos daremos cuenta de que cada una de ellas refleja un momento de su vida. Exceptuando María Tepozteca, que es un tema que ella misma compuso y que también forma parte de otro episodio de su vida.

    P. ¿Es este disco el primero, tu primer contacto con el mundo musical?, ¿qué ha supuesto para ti la publicación del mismo?

    ES. Supone una meta conseguida. Yo quería hacer un homenaje a Chavela sí o sí. Ha habido algún contratiempo, pero la publicación del disco ha supuesto para mí una gran satisfacción. Un sueño cumplido.

    P. ¿Cómo ha sido la acogida?, ¿cómo te has sentido?

    ES. Me siento afortunada. La acogida ha sido espectacular. Yo pensaba que ese tipo de música no iba a calar mucho, pero ese género musical también tiene su público. Me siento doblemente bien por darlo a conocer a aquellos que jamás lo habían escuchado y después de los conciertos se acercan y me comentan: Yo no conocía estas canciones, pero me encantan.

    Es muy gratificante pensar que por una hora han dejado de lado sus preocupaciones y han estado escuchándote con detenimiento y sintiendo la música y esas letras tan sinceras.

    P. ¿Y después de «Chaveleando», tienes algún proyecto en mente o de momento, seguirás con la promoción y conciertos de este disco?

    ES. Hay proyecto, sí. Me gustaría empezar a dar a conocer mis propias composiciones, pero de momento estamos con “Chaveleando”. Seguiré con la promoción chavelera y los conciertos en honor a Chavela.

    P. ¿Por qué ciudades pasarás con este trabajo?

    ES. Tenemos previsto pasar por Madrid próximamente, aunque nos encontramos muy a gusto en Malaga y los municipios de la costa malagueña. También nos ofrecieron tocar en Valencia y el País Vasco, pero de momento lo tenemos un poco aparcado debido a otros compromisos profesionales, ya que no nos dedicamos a esto al cien por cien. ¡Que mas quisiéramos!.

    P. Por finalizar la entrevista: ¿podrías decir cinco canciones que te hayan marcado artísticamente?

    ES. Sin duda una de ellas sería «Maria Tepozteca», por la libertad de su letra. Ese «Tepozteca linda de pezón erecto de zapote prieto» es lo más. Otra canción que me marcó fue «Ojos de gata» de Los secretos, porque viví algo muy parecido a lo que dice la canción. También tiene una especial relevancia para mí el tema «Sin más» de la cantante Merche. «Las simples cosas» de César Isella, con esa letra tan maravillosa y poética. Por último me quedo con una de Vanesa Martín, «Hago música» y desde aquí invito a hacer música a todo el mundo.


  • El último festival del verano: el DCODE

    El último festival del verano: el DCODE

    El fin del verano se acerca. Un final que deja entrever también el fin de los festivales. Pero antes, es el momento del DCODE Festival, «el último festival del verano». Y de nuevo, un ao más, el campus de la Universidad Complutense de Madrid acogerá a grandes grupos del panorama indie, durante 18 horas de música ininterrumpida.

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    Artistas nacionales e internacionales de la talla de Bunbury, Zara Larsson, Love of lesbian, Kodaline, Mark Ronson, Delorean, Eagles of death metal, Leon Benavente o Triángulo del amor bizarro, entre muchos otros. Además del ganador del concurso BDCODER, que se conocerá hoy 1 de septiembre, tras la gala celebrada en Conde Duque. Entre los finalistas: B-Touch, Labs Trapp, Cintia Lund, Subterráneos y The Monster Lover. Eso sí, para los horarios de las actuaciones, habrá que esperar a las 12 horas de mañana y consultar la app del DCODE.

    Un año más, se realizará la Liga Dcode, en la que artistas y asistentes se darán cita en la pista de fútbol. Además, Dcode Festival vuelve a llevar a cabo el proyecto ECODE, junto a Ecovidrio, cuyo objetivo es promover la sostenibilidad.

  • El Festival Gigante llega a Guadalajara

    El Festival Gigante llega a Guadalajara

    Con los últimos resquicios del verano, llegan también los últimos festivales de música. El Festival Gigante es uno de ellos. Durante los días 2 y 3 de septiembre, Guadalajara se inunda de música. Amaral, Zahara, Monarchy, Miss Caffeina, Sidecars, La M.O.D.A, Quique González o La Habitación Roja entre otros, son algunas de las bandas que conforman el cartel de esta edición. Un año más, el Estadio Fuente La Niña se convertirá en el punto de reunión de artistas y espectadores.

    Los abonos están disponibles todavía por 30€ y las entradas de día por 25€. El cantante estadounidense Kurt Baker será el encargado de abrir el festival, el viernes 2 de septiembre, a las 17.00 horas. Tras él, se sucederán el resto de artistas por los diferentes escenarios: el de la Plaza Santo Domingo, el escenario Gigante, el Coca-Cola y el Supersubmarina. Por su parte, Alice’s Cream pondrá el broche final al festival, el sábado 3 de septiembre a las 1.45 horas.

    En sustitución de Supersubmarina

    Los baezanos eran cabeza de cartel del Festival Gigante, pero debido al accidente que sufrieron la pasada semana, Sidonie será la banda que los sustituya. En estos momentos, los andaluces permanecen estables en el hospital. Desde aquí les deseamos una pronta recuperación.

  • La noche más heavy del Festival Cultura Inquieta

    La noche más heavy del Festival Cultura Inquieta

    El festival de los festivales daba el pistoletazo de salida el jueves 30 de junio. Desde ese día y durante las siguientes tres semanas, numerosos artistas de distintos géneros, pasarán por el escenario del Festival Cultura Inquieta 2016.

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    El pasado viernes 1 de julio, fue el turno del heavy español, que vino de la mano de tres de las bandas más emblemáticas del panorama nacional: Saratoga, Ñu y Barón Rojo.

    Apenas eran las 9 de la noche cuando Saratoga saltaba a escena, incitando a los espectadores con su nuevo disco, a Morir en el bien, vivir en el mal. Decidieron empezar por «arrasar la ciudad» con A morir, para pasar luego a relatar «una historia que pasó», cuando «en un día gris, él caminaba sin razón». Fue así como Tete Novoa alzó la voz y cantó No sufriré jamás por ti. La Etérea pasión por el Heavy Metal es capaz de poner fin a este sufrimiento. Entonces llegó el momento de «contar hasta diez» y de que se eleven los Vientos de guerra. Una guerra que no le impedirá prometer que Volverá para bailar El último vals. Y sin importar «si existe un final», se produjo el momento de la Resurrección. Sin embargo, el final se acercaba, el concierto pasó Como el viento y Saratoga cerró el espectáculo, cantándole a aquel Perro traidor, ese «que no vale nada» y «que siembra veneno al hablar».

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    No habían dado las 11 de la noche. Era el turno de Ñu. Comenzaban con un cántico a los Animales sueltos, porque luego Tocaba correr. Y cuando el Fuego comenzó, llegó Ella para calmar «su sed dentro de ti». Más fortalecido y mucho Más duro que nunca, apareció El flautista, quien aseguró totalmente convencido: «Sé quién tiene la llave de una ciudad. Sé quién tiene la espada que vencerá». Una historia que, tras sacarla a relucir, se merecía Una copa por un viejo amigo.

    Ya pasada la medianoche, Barón Rojo se preparó para cerrar la noche. «No hay tiempo que perder, en marcha me tengo que poner». Entraron pisando El pedal y «como un auténtico animal», cantaron Al final, perderán. Era el momento de todo tipo de Incomunicación externa. La noche era una de esas tantas Noches de Rock & Roll, en las que había que acabar hasta con las Botas sucias. Todo lo demás sobraba. Hubo momento también para que, como un Fugitivo, apareciera el Hijo de Caín y se proclamara Hermano del Rock & Roll. Es más, su rebeldía contra El presidente, «responsable de todos los males de mi ciudad», le llevó a asegurar: «Resistiré hasta el fin». Y así es como poco a poco, «la magia se desvaneció» con Siempre estás allí, pero la estela de estas tres bandas permaneció incluso después del concierto.


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