Categoría: Música

  • En imágenes: Artabe cierra gira en Costello Club (Madrid)

    En imágenes: Artabe cierra gira en Costello Club (Madrid)

    Era una noche mágica. Tras dos años girando con su «Punto Cero», era el momento de que Artabe se despidiera de este disco. Un disco que ha marcado un antes y un después, tanto a nivel personal como profesional.

    Era viernes 29 de junio y la Costello se preparaba para esta gran despedida. Artabe no estaría solo. Abriendo su concierto, estaría la solista – y también teclista de su proyecto -, Irene Novoa. Con ese toque folk tan particular, la artista madrileña sorprendió a la sala con su actuación. No solo se atrevió a tocar el teclado o el bajo, también interpretó con gran destreza, varios de sus temas en diversos idiomas. Sin duda alguna, fue una grata sorpresa descubrir el talento de la artista que, acompañada por Epi Pacheco, se supo mover con destreza sobre el escenario durante sus 30 minutos de concierto.

    Tras el show de Novoa, hubo que esperar unos minutos hasta hacer el cambio. Minutos que se hicieron eternos, hasta que comenzaron a sonar los primeros acordes de «Punto Cero». No había más opción que empezar con esa canción. Era la mejor manera de hacer honor al disco con el que Artabe ha estado girando durante tanto tiempo. Tras ella, hubo tiempo para la «Alga Colorida» y «Borra tus huellas». La magia estaba en el ambiente, podríamos haber sido capaces de perdernos. Pero para nuestra fortuna, «Mi estrella» estaba para guiarnos. También podríamos habernos ahogado. Pero llegó el turno entonces de «No era pez pero ahora sé nadar». La gente estaba disfrutando del momento y aquello era más que suficiente. Aunque justo en ese preciso momento, Artabe quiso hacer un alto en el camino, para hacer dos versiones entre tema y tema propio. Primero llegó «Plantita de alelí», una canción típica del folklore argentino, que cantaba el pueblo en época de siembra. Y seguidamente, el cantautor gallego interpretó «Sound & Vision», mítico tema de David Bowie que lo ha acompañado estos dos años.

    Todavía quedaba un buen rato de concierto. Llegaba el ansiado turno de «Átomos», canción a la que Artabe tiene especial cariño. Y canción que re-grabó hace apenas unas semanas durante su visita a Berlín. Por supuesto, también hubo hueco para «Nuruddin» o «Saliha». E incluso para demostrar que cualquiera sería capaz de mantenerse «A mi lado», «Si tu mirada dirigieras» hacia mí.

    Tras todo este extenso recorrido, con «Vacíame», Artabe puso punto y final al concierto. Aunque para vacíos, ya estábamos nosotros, al haber conseguido soltar toda nuestras malas energías en Costello.

  • ALT celebra su segundo aniversario en El Sol, con Dan Millson y Veintiuno

    ALT celebra su segundo aniversario en El Sol, con Dan Millson y Veintiuno

    La radio alternativa por excelencia, cumple dos años. Sí, Soy ALT está de celebración y eso se merece una gran fiesta. Una fiesta en la que no puede faltar la música por la que tanto apuestan. Son uno de los tantos medios independientes que abogan por el talento emergente y en su aniversario queda demostrado.

    Es por eso por lo que el próximo miércoles 4 de julio, en la Sala El Sol, organizan todo un concierto de celebración. Sobre el escenario: el arrollador Dan Millson, los imparables chicos de Veintiuno, los grandes de Fizzy Soup y un artista sorpresa, aún por desvelar. Además, grabarán in situ algún que otro podcast junto al público y los artistas invitados.

    Y como buen  cumpleaños, no faltará el típico brindis. Por ese motivo, desde Sanisidra se suman a la fiesta de Soy ALT, aportando su maravillosa sidra ecológica, perfecta para brindar.

    Los artistas invitados de Soy ALT

    Por el momento, Soy ALT ha confirmado a tres de los artistas emergentes con más potencial en España: Dan Millson, Veintiuno y Fizzy Soup.

    Dan Millson tiene amplia trayectoria en el mundo de la música. Aunque fue con su «Little Box Of Treasure» con el que se empezó a dar a conocer. De hecho, su tema más reciente, «Shine A Light», apareció en la reciente campaña de la DGT. Desde ese momento, no ha hecho más que crecer. Ha dado multitud de conciertos por toda España. Conciertos que ha complementado con otras fechas internacionales, principalmente por Reino Unido. Inevitable no ser fans de Dan Millson, con ese torrente de voz que tiene.

    Veintiuno se están convirtiendo en una auténtica revolución. Este otoño llegará cargado de novedades para los madrileños, aunque ya han dejado entrever los dos primeros adelantos de su nuevo trabajo. Primero llegó «Dopamina», seguido muy de cerca por «El Desfile». Un tema que habla sobre el bullying y el acoso escolar. Sin duda, Diego, Jaime, Pepe y Yago darán mucho que hablar este año.

    Fizzy Soup ha sido la última incorporación al cartel. La banda conquense ha ido desbloqueando logros con el paso del tiempo. El Festival Portamérica, el Sandevid Gigante o el Mad Cool Talent han sido algunos de sus logros estos años. No es para menos. Con todo ello a sus espaldas, llegaron a 2017 con nuevo trabajo en la calle: «Not So Far». Un disco que se encuentran presentando en la actualidad.

    Solo falta saber cuál será la sorpresa de ese 4 de julio. Para eso, tendremos que acudir al evento, aunque el aforo está prácticamente completo.

    ¿Tienes tu invitación o se te ha olvidado pedirla? Todavía puedes conseguirla aquí.

  • En fotos: Vetusta Morla en la explanada de la Caja Mágica en Madrid

    En fotos: Vetusta Morla en la explanada de la Caja Mágica en Madrid

    [vc_row][vc_column][vc_video link=»https://youtu.be/6QpBXr-QtZY»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text]Era el concierto más multitudinario jamás recordado por una banda española. Aún así, les ha costado conseguir el reconocimiento que se merecían. Durante el concierto, ellos mismos lo llegaron a reconocer. Veinte años de trabajo y, por fin, 38.000 personas reunidas en un mismo recinto, solo para verlos a ellos. Sí, son Vetusta Morla.

    Parecía fruto del azar. Pero no. No era casualidad que eligieran la noche más larga del año. Ni que escogieran el «23 de Junio» como fecha para actuar. Era el día justo. El día perfecto para quemar todas las malas energías en su improvisada hoguera de San Juan. Por primera vez, no importaba que no estuviéramos en la playa. O que no pudiéramos preparar la tradicional «queimada». Bastaba con verlos actuar. Bastaba con brindar con ellos y celebrar la música.

    Eligieron a Jacobo Serra como telonero y no fallaron. Durante 45 minutos, el artista manchego supo hacer entrar en calor al público. Público que, aunque llegó a cuentagotas, ya comenzaba a agolparse en las primeras filas. Tras la presentación de su trabajo, «Fuego Artificial», dio paso a la banda de la noche.

    Era la hora de Vetusta Morla. «Mismo Sitio, Distinto Lugar» fue la canción con la que abrieron. Y no pudieron  elegir mejor. Es el tema que da nombre a su reciente trabajo. Trabajo que tuvo gran importancia durante el concierto. Poco a poco, fueron llegando «El Discurso del Rey», «Palmeras en la Mancha», «Guerra Civil», «La Vieja Escuela» o «Te lo digo a ti».

    Aunque si bien es cierto que tampoco faltaron grandes himnos de la banda, como «Golpe Maestro», «Cuarteles de Invierno», «Copenhague», «La Deriva», «Mapas», «Sálvese Quien Pueda» o «Maldita Dulzura». Aunque para dulzura, la de Vetusta Morla. Entre canción y canción, nos hicieron brindar. Nos hicieron saltar. Nos hicieron cantar. Y nos hicieron bailar. Dieron un verdadero espectáculo, que duró más de dos horas. Que parecía que iba a terminar como una auténtica «Fiesta Mayor», sin saber que aún quedaban tres de los mejores temas de su repertorio. El «Consejo de Sabios» aún se reunió por última vez, para advertirnos de que «El Hombre del Saco» suele aparecer en «Los Días Raros». Días bastante diferentes al de aquel «23 de Junio».

    El concierto de los chicos de Tres Cantos, fue maravilloso. Épico. Jamás hemos visto nada igual y, probablemente, tardemos mucho tiempo en volver a ver algo de tal magnitud. Eso sí, esperamos que en futuras ocasiones, la salida de 38.0000 personas esté mucho más controlada. Y, a ser posible, que pudiera haber una zona habilitada para la prensa.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_gallery interval=»3″ images=»8107,8113,8106,8112,8105,8110,8108,8104,8103″ img_size=»large»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_text_separator title=»Marta Jiménez» i_icon_fontawesome=»fa fa-camera» i_color=»black» i_size=»sm» color=»white» add_icon=»true»][/vc_column][/vc_row][vc_row][vc_column][vc_column_text][/vc_column_text][/vc_column][/vc_row]

  • Zoé visita España, para presentar su nuevo trabajo, «Aztlán»

    Zoé visita España, para presentar su nuevo trabajo, «Aztlán»

    Es una de las bandas de rock latinoamericano más emblemáticas. Con multitud de giras mundiales y seis trabajos a sus espaldas, Zoé regresan a España después de varios años sin pisar nuestro país. Vuelven a tierras españolas con la clara intención de presentar su nuevo trabajo, «Aztlán».

    «Aztlán» es el sexto álbum de estudio de los mexicanos. Con esta colección de canciones, Zoé se reafirma como banda, mostrando un sonido completamente distinto. Un sonido que, a pesar de todo, los encumbra y los alza a lo más alto de su carrera. Así lo demostraba «Azul», primer adelanto de este reciente trabajo.

    Un disco de calidad en el que la banda estuvo trabajando prácticamente todo el año 2017, desde enero hasta el mes de septiembre. Doce cortes compuestos por el mismísimo León Larregui y producidos por Craig Silvey, Phill Vinall y los propios Zoé. ¿Cómo resultado? Un disco que marca una nueva etapa para la banda.

    Los siguientes pasos de Zoé

    Tras el lanzamiento de este sexto trabajo, Zoé se propone presentar «Aztlán» por todo el mundo. Una presentación que dio comienzo en su México D.F natal. Ciudad en la que ofrecieron un concierto sorpresa para sus fieles seguidores.

    Tras este particular comienzo, girarán por multitud de destinos, entre los que se encuentra España. De hecho, pasarán prácticamente todo el mes de julio en nuestras tierras. Una de las fechas más esperadas será el 19 de julio en Madrid. Fecha mágica la de la capital del reino, ya que pasarán por el ciclo de Noches del Botánico. Una noche que compartirán con otra banda igual de especial que ellos: los colombianos Bomba Estéreo.

    Por fortuna, esta no será la única fecha, porque también visitarán las siguientes ciudades: Valencia, justo un día antes (18 de julio), en Concerts de Vivers; y Vigo, el 27 de julio.

    El futuro apocalíptico de «Azul»

    «Azul» fue el primer adelanto de este nuevo trabajo. Un tema al que ha acompañado su respectivo videoclip. Vídeo en el que se narra una historia de amor futurista y apocalíptica, ubicada entre Tokio, El Caribe y la «Ciudad de México del futuro». León Larregui no solo fue el creador de la letra. También fue quien concibió la historia de este videoclip.

  • Bertt Que y su gran apuesta por la sencillez y la naturalidad

    Bertt Que y su gran apuesta por la sencillez y la naturalidad

    Un jueves cualquiera en Madrid, entre Cuatro Caminos y Nuevos Ministerios. Típico bar de barrio en el que, en algún punto, los vecinos se agolparán para ver el Mundial, beber y fumar. Nosotras tenemos una cita con el cantautor barcelonés, Bertt Que. Lleva apenas unos días de promo en la capital y ya ha aprovechado para comprarse una nueva guitarra, que acaba mostrando entre entrevista y entrevista. Nosotras venimos dispuestas a preguntarle por su nuevo trabajo y sobre algunas cosas locas.

    ¿Cómo nace el proyecto de Bertt Qué?

    Yo llevo muchos años, desde los 16, tocando la guitarra. Y al cumplir los 18 o 20, me junté con los colegas y monté una banda, Marionetas. Hasta finales del año pasado, estuvimos girando y haciendo bolos. Pero llegados a un punto, nos plantamos y dijimos: «un poco de seriedad, ¿quién está dispuesto a dejarlo todo y dar un paso más profesional?». Y desgraciadamente, ninguno se mojó en ese aspecto. Pero yo llevaba cinco años dedicándome a la música y quería seguir con ello. Si al final seguía componiendo, ¿por qué no iba a poder seguir defendiendo mis canciones? Después de pensarlo mucho y echarle valor, decidir emprender el proyecto en solitario.

    En enero ya me decidí y grabé las canciones que tenía. Y desde ese momento, no he parado.

    Aunque tu estilo es diferente al del resto de cantautores al uso, ¿cómo diferenciarte de todos ellos?

    Si es cierto que aunque he iniciado un proyecto en solitario y tengo un rollo más cantautor, estoy intentando enfocarme más a un estilo que, en España no está muy explotado. O que creo que no se estila demasiado. Que es el folk. Considero que las canciones que estamos haciendo, tienen un sonido peculiar. Un estilo que los cantautores de hoy en día, no están haciendo. Dentro de esta faceta, no quiero explotar la temática del amor. Además, trabajo un sonido típico cantautor con banda, pero virando más hacia el rock.

    ¿Cómo desmarcarte de todo eso? Haciendo algo distinto, dentro del mismo estilo musical.

    Das mucha importancia al mensaje de las canciones. ¿Crees que, en cierto modo, por culpa de determinados géneros en auge, dicho mensaje se está perdiendo?

    Hoy en día, ya sabemos que la música que más se mueve hoy en día, por lo que sea, es el trap y el reggaeton. Y realmente, si analizas las canciones, piensas: ¿en serio este mensaje lo está cantando medio mundo? Yo creo que la gente no es consciente del mensaje que se está lanzando con esas canciones. Y ya no solo esas canciones, el estilo musical. Un género que, sobre todo, degenera la imagen de la mujer.

    Yo siempre le he dado mucha importancia a las letras. Sobre todo en este proyecto. También es cierto que quiero dejar atrás el concepto del amor y me estoy enfocando más hacia el significado de libertad, el de sentirse cómodo y capaz de hacer lo que uno quiere. Y quiero que el proyecto sea un reflejo de este mensaje, que es lo que yo tengo en mente y es un poco también lo que he experimentado. Lo de salir de una banda y comenzar con mi proyecto.

    ¿Cómo nace el concepto de este disco?

    Precisamente por lo que comentaba. Surge bajo el concepto de: «déjalo todo atrás, ten valor y vuelve a empezar, aunque sea arriesgado». Aunque luego tu trabajo y sacrificio no tenga el reconocimiento que esperabas. Pero hazlo, para que tú puedas sentirle libre, contento y, sobre todo, realizado.

    ¿Cómo lo definirías en dos o tres palabras?

    Ahí me habéis pillado [risas]. A ver, es que si lo escuchas, es un reflejo de mí. El disco en sí, es muy sencillo. Son canciones sin solo de guitarra, ni introducciones, ni nada. Es un trabajo muy natural.

    Estás publicando single por single. ¿Por qué apostar por esta técnica?

    Hoy en día, la gente no consume tantos discos como antes. Ese estilo de escucha está muriendo. La gente ahora solo oye singles. Por lo que tengo escuchado por mis padres, antes te ibas a la tienda de discos, porque tu banda había publicado disco y te lo comprabas, sin haber escuchado previamente ningún tema. Y entendías el mensaje que te quería dar el artista con el proyecto entero. Y eso ahora eso no pasa, al no ser que seas un artista ya muy reconocido. La gente no te va a escuchar durante 45 minutos seguidos.

    Mi concepto era sacar el disco, pero poco a poco. Después de haber publicado los singles y que el público conociera las canciones. Cuando ya se hayan escuchado, pero de manera más pausada, los reuniré en formato disco para quien quiera tenerlo.

    ¿Hay título o mejor no pensar en ello aún?

    Todavía no, todavía no. No tengo ni diseño del disco, ni título. No tengo nada declarado, de manera oficial.

    ¿Cómo está siendo grabar en Tropic Studio?

    Para mi está siendo la mejor experiencia que he podido tener, porque estoy trabajando con amigos, que en los momentos serios dejan de serlo, para convertirse en profesionales. Pero la confianza que hay es brutal. Nosotros estamos grabando de manera peculiar y ellos me lo están facilitando, porque hay cierta confianza y porque les gusta el proyecto. Ellos le ponen un cariño especial, más allá del trabajo. Y para mí está siendo una experiencia impresionante.

    «Bailando Solo» y «El Impulso» han sido los dos primeros singles del disco. ¿Por qué estos temas?

    No es porque los haya decidido yo. Simplemente fueron las primeras canciones que compuse en su momento y, por ende, fueron las primeras que empecé a grabar. Eran las que más a mano tenía. Cuando empiezo a grabar una, es porque ya estoy preparando las tres siguientes, para ir avanzando trabajo.

    ¿Y cuáles son los siguientes pasos de Bertt Que a partir de ahora?

    El mes que viene se publicarán dos temas nuevos. Y si Dios quiere y tengo tiempo, entraré a estudio para grabar los temas que ya tengo acabados. De cara al verano, con más tranquilidad, probablemente me encierre en el estudio, porque al final es cuando más tiempo tienes. Luego en septiembre, tengo dos conciertos en Valencia. Y bueno, iré cerrando conciertos poco a poco.

    ¿Y el disco?

    La verdad es que el disco, aún no sé ni cuántas canciones va a tener. Yo voy a ir grabando canciones y, luego, ya haré una selección de las mismas. Pero no me quiero poner fecha, porque no quiero ir con demasiada presión.

    ¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?

    A nivel espectador, fue irme a Londres a ver a Tom Petty. A mí me dan pánico los aviones, pero me hacía mucha ilusión ver a este hombre, porque llevaba por lo menos 30 años sin pisar Europa. Tenía que ir. Justo el concierto coincidía el domingo que acababa el Mad Cool. Claro, tampoco podía ir solo. Así que le pagué todos los gastos a dos amigas que vinieron conmigo al festival y nos fuimos de empalme directamente. El avión salía el domingo a las 6 de la mañana y nosotros acabamos en Mad Cool a las 4. No pasamos ni por casa, desde las 3 de la tarde del sábado. Llegamos a Londres a las 9 de la mañana, tuvimos que recorrer hora y media en bus hasta el hotel, fuimos al concierto y al día siguiente, volvimos a España.

    Luego, a nivel músico, lo más loco que he hecho ha sido engañar a mi padre para que me dejara el coche, porque nos habíamos montado una pequeña gira en acústico con la banda. Con la mala suerte de que se lo jodí. Tuve que llamarlo, a 80 kilómetros de Barcelona, para que nos recogiera. Y todo porque le había echado gasolina a un coche de gasoil. A las 2 de la mañana. Mi padre al final me dijo: «no te voy a dejar el coche en la vida».

    Esta es la playlist de Bertt Que

    Entre todas las canciones que Bertt Que podría haber elegido para que escucharas, ha escogido estas diez.

  • Love of Lesbian celebra su 20 aniversario, con tres fechas en Madrid

    Love of Lesbian celebra su 20 aniversario, con tres fechas en Madrid

    Veinte años dedicándose a la música y lo que les costó hacerse un hueco en ella. Los principios nunca son fáciles y Love of Lesbian lo saben. Prácticamente, no fue hasta «1999» cuando comenzaron a tener cierto reconocimiento. Y así hasta hoy.

    En noviembre cerraron gira en Madrid. Se despedían de «El Poeta Halley», su octavo trabajo. Pero no era el fin de los escenarios para Love Of Lesbian. Porque el final del tour coincidía con su 20º Aniversario con banda. Y, evidentemente, tocaba celebrarlo. La gran fiesta comenzará en Madrid este fin de semana, con tres fechas muy especiales. Pero la capital no será la única ciudad en la que los catalanes actuarán, en esta mini gira de celebración. Luego llegarán Barcelona (9 de julio en el Liceu), Valencia (14 y 15 de septiembre en el Palau de les Arts Reina Sofia) y México DF (18 de octubre en el Auditorio Nacional).

    Love of Lesbian en el Circo Price

    Love of lesbian generan un gran revolución allá donde van. Tal ha sido la magnitud de estos conciertos de aniversario, que en Madrid han tenido que poner tres fechas. Para dos de ellas, el Circo Price se ha llenado en su totalidad, colgando de esta manera, el cartel de «sold out».

    Así es como entre el viernes 29 de junio y el sábado 30, los catalanes darán tres conciertos en tres horarios distintos. Y con unos invitados de lujo. Recorrerán su repertorio y harán de estas fechas, unos conciertos verdaderamente emotivos. Casi al mismo nivel que el concierto de final de gira en el WizInk Center.

    El viernes 29, a partir de las 20.45 horas, empezarán el primer show de los tres. Leiva será el elegido para cantar con los catalanes uno de los temas del repertorio. Tras esta jornada inaugural, Love of lesbian deberán prepararse para el segundo asalto. Quizás el más duro, porque es cuando hacen doblete.

    El concierto de las 16.00 horas será el primero de ambos. En esta ocasión, serán el rapero alicantino Arkano y la ex-concursante y ganadora de OT, Amaia Romero, quienes acompañen a la banda. Con esta última alzaron la voz e hicieron un especial alegato para defender a la navarra y recalcar el especial aura que envuelve a la joven artista, dentro de tanto «talent-show».

    El directo del día 30 a las 20.45 horas, pondrá punto y final a esta mini-gira en Madrid. El reconocido rapero Rayden y la especial Zahara serán los artistas invitados para esta jornada. Justo con Zahara han colaborado en anteriores ocasiones, en temas como «Lucha de Gigantes» (de Antonio Vega) y en la canción de Love of Lesbian, «Domingo Astromántico».

    ¿Qué pasará después con Love of Lesbian?

    Tras la triple fecha en Madrid, la banda catalana seguirá inmersa en esta gira de 20 Aniversario. Según lo previsto, Love of Lesbian pasarán con este mágico espectáculo por su Barcelona natal, por Valencia y por México D.F.

    Tras estos conciertos, que finalizarán en el mes de octubre, está previsto que se pongan a trabajar en una nueva edición de «Espejos y Espejismos» («Miralls i Miratges»). Emulando y mejorando el primer show de teatros que organizaron tras el tour de «La Noche Eterna». Nueva escenografía y nuevos temas. ¿Con qué más nos sorprenderá la banda?

  • Miguel Iglesias: «Este primer disco habla sobre la distancia»

    Miguel Iglesias: «Este primer disco habla sobre la distancia»

    Miguel Iglesias & Los Carnales (Javi Delgado, Álex Riquelme, Álvaro Fernández) están de enhorabuena. Este otoño verá la luz su primer disco, su álbum debut, homónimo. Aunque el pasado 13 de junio, mostraron un pequeño adelanto en Costello Club. Este concierto fue especial, ya que consiguieron colgar el cartel de «sold out», horas antes del evento.

    Días después de este concierto debut, nos citamos con Miguel en pleno centro de Madrid. Por fin empezaba a hacer sol en la ciudad y era el momento perfecto para tomar algo en una terraza, mientras charlábamos. Él apenas tardó cinco minutos en llegar y con mucha decisión, propuso un bar de Tirso de Molina como punto de encuentro. El olor a flores, la música de fondo, dos cervezas con limón y un agua se convirtieron en nuestros mejores compañeros. Fue en ese punto cuando comenzamos con nuestro cuestionario, aunque a mitad, nos vimos interrumpidos por un músico callejero, al que dimos unas monedas. Esa inesperada visita, motivó segundos después, una interesante charla sobre este asunto. Pero al hilo de la conversación, Miguel Iglesias nos contó muchas más cosas.

    ¿Cómo nace el concepto de este disco, «Miguel Iglesias & Los Carnales»?

    Es un disco que se ha estado fraguando durante los últimos siete años. Llevo queriendo hacer este álbum muchos años y, desde el principio, la idea es que fuera un disco concepto. En el sentido de que todas las canciones, tuvieran una correlación entre sí, tanto a nivel sonoro como temático. El disco empezó con un concepto. Iba componiendo canciones y las que me gustaban, las metía en «el saco del disco». Luego el proceso de criba ha sido muy importante: de 40 o 50 canciones, se han quedado las 15 que publicaremos.

    Mirando el repertorio en retrospectiva, el álbum habla de la distancia. Tanto a nivel literal como a nivel figurado. La distancia de un lugar, la distancia de uno mismo. Esto se ve mucho en la mención constante a medios de transporte. Toda esa sonoridad hace referencia a los viajes. De hecho, Bernardo, el ingeniero del disco, conforme escuchó el disco, dijo que era música de viajero. Y es cierto, porque este disco lo he compuesto entre Madrid, Londres y México DF.

    ¿De qué manera han afectado estos viajes a la hora de crear el disco?

    Han afectado hasta las últimas consecuencias. En el disco en general, hay mucha mezcla entre lo británico, lo mexicano y lo castellano. Y eso está en todas las canciones, en mayor o menor medida. Así que ha afectado al 100%.

    ¿Cómo está siendo todo ese proceso de grabación?

    En estos momentos, estamos en proceso de mezcla. Ya se han grabado todas las canciones y ahora estamos puliendo detalles, corrigiendo pequeños errores y rehaciendo algunas cosas. Pero prácticamente está todo hecho.

    El proceso fue muy, muy cansado. Este disco lo estoy pagando mediante «crowdfunding», por lo que el presupuesto es muy ajustado. Y para compensar la falta de presupuesto, lo que hice fue ensayar mucho con la banda durante dos meses, para dejar clara la estructura y arreglos del disco. De esta manera, cuando fuéramos a estudio, sería «llegar y besar el santo».

    «Suicídate» y «Anímate, Carnal» han sido los dos primeros adelantos del disco. ¿Por qué estas canciones?

    «Suicídate» porque fue la última canción que había escrito por aquel entonces. Y cualquier compositor de canciones, suele sentir predilección por el tema que acaba de escribir. Esa es una razón. La otra es que, con los años me he dado cuenta de que si lo que dices no ofende a nadie, es que no has dicho nada. Entonces, me planteé que «Suicídate» era una canción que iba a levantar ampollas, pero tampoco iba a dejar indiferente. Quien la escuchara, o la iba a odiar o la iba a amar. Sin término medio. Mencionar, aunque sea de manera figurada, un tema como el suicidio, iba a generar controversia. No es que quisiera aprovecharme de esa controversia, pero creía que definía el «leit motiv» de lo que hago. Que es música melódica, con una letra que te hace pensar y sentir. Una letra que no está de forma accesoria y que no podría ser otra letra. Si a «Suicídate» le quitas la letra, deja de ser «Suicídate». Sin embargo, si a otras canciones les cambias la letra, sigue siendo igual.

    ¿Ese podría ser, precisamente, uno de tus rasgos identificativos?

    Sí, uno de ellos. A mí, más que tratar de sonar diferente, lo que quiero es sonar a mí mismo. Y sonar a mí mismo, puede sonar a muchas cosas distintas. Al final, el punto es encontrar una lírica que a mí me identifique. Este disco, tiene una forma, pero el siguiente puede tener otro sonido, si es lo que me inspira en ese momento.

    Volviendo un poco a la pregunta anterior, ¿por qué escoger también «Anímate, Carnal» como adelanto?

    Para generar contraste. Porque creo que es una canción que genera buen rollo. Y esto lo sé, porque a todas las personas a las que les he tocado esta canción durante estos años, les ha puesto de buen humor y les ha sacado una sonrisa. Y para mi era una señal inequívoca de que iba a ser un tema que pondría de buen humor a la gente.

    Además, respecto a «Suicídate», generaba contraste. Y ya con eso estabas generando un espacio, creado por los polos de «Suicídate» y «Anímate, Carnal».

    ¿Cómo está siendo la acogida de estos dos temas?

    Pues muy buena, la verdad. A la gente le están gustando.

    ¿Qué dos o tres palabras definirían el disco?

    Distancia, armonía y dinámica.

    Hace unas semanas tocasteis en Costello, colgando el cartel de «sold out». ¿Cómo lo vivisteis?

    Nos sorprendió mucho porque el concierto era miércoles. Y ese día es complicado llenar una sala. Y no solo el hecho de llenar la sala, encima venderlo todo, fue una sorpresa. Respecto al concierto como tal, no hubo tiempo para ensayar. Pero no jugó en nuestra contra, porque al final la gente no ha escuchado el disco. Y no buscan tanto que hagas una copia fiel del disco, si no que les hagas pasar un buen rato. Creo que al final lo conseguimos.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Miguel Iglesias & Los Carnales?

    Estamos detrás de una posible y más que probable colaboración, en un single que saldrá a mediados de verano, acompañado de un videoclip «ad hoc». Y a finales de septiembre o principios de octubre, saldrá el disco como tal. Luego irá acompañado de un show en Madrid. El resto es esperar.

    ¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?

    Estuve tocando durante dos meses en Londres, en pleno invierno (de enero a marzo), tocando en la calle.

    En otra ocasión, tocando con Rubén Pozo, me dejé el teclado en Madrid y teníamos concierto en León. Al final, nos lo dejó otra banda, pero era un teclado de dos octavas nada más.

    Con Preciados, mi antigua banda, teloneamos a bandas como Hombres G o Pereza. Esa banda era un poco loca, porque yo estaba todavía en el instituto. Entonces un fin de semana, me iba de gira con Hombres G a Canarias y el lunes tenía que volver a clase.

    Esta es la playlist de Miguel Iglesias

    Aprovechamos la entrevista para pedirle a Miguel Iglesias diez canciones que sirvieran como recomendación a nuestros lectores. Aquí van los temazos que el artista eligió.

  • Shakira visita Madrid con su gira «El Dorado World Tour»

    Shakira visita Madrid con su gira «El Dorado World Tour»

    Han pasado unos meses desde que Shakira publicara «El Dorado». Este undécimo álbum de estudio llegaba con más novedades que nunca. Atrás quedó la Shakira de «Aquí estoy», «Te dejo Madrid» y «Ciega, Sordomuda». La artista colombiana vuelve renovada, apostando por los ritmos latinos más actuales. Esta vez, se reinventa con el reaggeton. Con «El Dorado», se ha atrevido a cantar junto a Carlos Vives («La Bicicleta»), Maluma («Chantaje» y «Trap»), Nicky Jam («Perro Fiel»), Black M («Comme Moi») y Prince Joy («Deja Vu»).

    Inicio de gira accidentado

    La reconocida artista comenzó la gira el pasado 3 de junio en Hamburgo (Alemania). Un concierto que previamente había pospuesto por unos problemas en sus cuerdas vocales, pero de los que finalmente, se recuperó. Aprovechó esta primera cita para hacer un extenso recorrido por alguno de sus temas más reconocidos, como «She Wolf», «Ojos así», «La Tortura», «Hips Don’t Lie» y «Whenever, Wherever».

    A esta primera fecha, siguieron otras como Colonia, Ámsterdam, Londres, París, Múnich, Milán, Zúrich o Burdeos. Y todavía quedan Montpellier y Lisboa. Y, por supuesto, España. Fechas que la cantante hará entre finales de junio y parte de julio, comenzará con fechas por nuestro país.

    Shakira, a su paso por España

    La cantante colombiana, creadora de hits como «Beautiful Liar», pasará por nuestro país. Cuatro fechas en total tendrá en España. Entre finales de junio y principios de julio, voz del «Waka, Waka» y «La la la» (himnos de dos Mundiales consecutivos), visitará las siguientes ciudades:

    • El 30 de junio, pasará por el Bizkaia Arena de Bilbao.
    • El 1 de julio, estará en el Coliseum de La Coruña.
    • El 3 de julio actuará en la capital. En esta ocasión, será el turno del WiZink Center de Madrid.
    • Finalmente, hará doblete en Barcelona. Los días 6 y 7 de julio, inundará con sus temazos todo el Palau Sant Jordi.

    ¿Y tú, tienes entrada ya?, ¿a qué concierto de Shakira vas a ir?

  • Lándevir regresa con su trabajo más maduro: «Desde El Silencio»

    Lándevir regresa con su trabajo más maduro: «Desde El Silencio»

    «Desde El Silencio» regresan Lándevir. Varios años de inactividad pública los han alejado de los escenarios. Pero no de la música. De eso jamás se descansa. Los alicantinos vuelven a escena con un disco totalmente diferente, pero mucho más trabajado. JF, batería de la banda, nos desveló todos los detalles de este último trabajo.

    ¿Cómo surge el concepto de «Desde El Silencio»?

    Es algo que teníamos oculto y que queríamos hacer desde hace tiempo. Cuando sacamos los tres discos anteriores, no teníamos esa capacidad de poder hacer las canciones que a nosotros nos gustaría escuchar. Entonces, salía lo que nos salía. Pero sí que queríamos hacer algo más contundente y compacto, y no tan etiquetado en música celta. O en la fusión de lo heavy con lo celta. Lo teníamos todos bastante claro y en base a eso, hemos ido componiendo. Al final, nos hemos dado cuenta de que hemos dado un salto cualitativo a la hora de componer. Hemos creado lo que realmente queríamos.

    ¿Y el concepto visual, cómo surge?

    Todo viene de lo mismo. Quisimos darle el enfoque de algo que ha salido de un periodo de inactividad de la banda. Entonces, lo hemos llamado «Desde El Silencio». Desde el silencio de un grupo, que para el público ha estado inactivo. Así que el trabajo se ha gestado con tiempo y, en definitiva, está bien hecho. En esta ocasión, no hemos hecho el álbum con las prisas de ocasiones anteriores. Hemos descartado temas, hemos metido otros, también les hemos dado vueltas a los que habían. A las melodías de voz, sobre todo. No queríamos que fueran tan lineales.

    El disco lleva dos semanas en la calle, ¿cómo han sido las primeras reacciones?

    Han sido muy buenas. La gente, tanto de nuestro entorno como de medios de comunicación, se ha quedado muy sorprendida. Nadie se esperaba un disco así. Lo que nos han trasladado es que es un álbum muy conseguido y muy maduro. Lo puedes comparar con cualquier disco de cualquier banda española de rock.

    ¿Y el público cómo lo ha acogido?

    Pues la verdad es que teníamos un poco de miedo por ver cómo lo acogerían los que ya eran seguidores del grupo, que tenían un perfil muy folk y celta. Y, claro, en este disco el componente folk no está tan marcado. Pero lo han acogido muy bien. Les ha gustado incluso más, si cabe, que lo anterior. Excepto alguna opinión esporádica, la respuesta ha sido muy positiva. Tanto de los antiguos seguidores, como de gente nueva que ha empezado a escucharnos con este disco.

    ¿Cómo lo definirías en dos o tres palabras?

    Es un disco rockero, potente, ameno y muy directo.

    ¿Cómo ha sido todo el proceso de auto-producción del disco?

    Ha sido auto-producido, pero también se ha llevado a un estudio para masterizar los temas. Lo grabamos en el estudio de José María, guitarrista de la banda. Con mucha tranquilidad, fuimos grabando demos. Y cuando ya las tuvimos todas, comenzamos a analizarlas una por una y a cambiar «cositas» que no nos gustaban. Le dimos muchas vueltas a las maquetas, que grabamos más o menos rápido. Cuando ya tuvimos todas las canciones correctas, en ese mismo estudio, nos pusimos con los sonidos buenos y definitivos. En ese punto grabamos los temas, con el sonido a pelo. El siguiente paso ya fue llevar el material a Audiorama Estudio, en Puerto Real, para ecualizar, mezclar y masterizar hasta llegar el trabajo final.

    Con la salida del disco, vio la luz el videoclip de «Volver». ¿Por qué este tema? 

    Porque creemos que musicalmente como a nivel de letra, era un tema muy apropiado para presentar este disco. La letra habla de cómo nos sentimos durante la época en la que no teníamos contacto con los seguidores y en la que no había actividad en directo, que es lo que nos da vida. Es como un homenaje a nuestros fans más fieles.

    Musicalmente, es un tema que encaja muy bien con la estructura de un single. No hay bajones, la canción va de menos a más, es pegadiza y rockera. Creíamos que era un buen tema para lanzar como single.

    ¿Y cómo surge la idea del videoclip?

    Entre todos, pensamos que lo mejor sería intercalar imágenes de nosotros tocando en un lugar bonito. Que, en este caso, fue la laguna de Salinas (Alicante). Es un sitio atractivo visualmente, donde podíamos subir el dron. Todos esos planos los intercalamos con otros de nosotros en solitario, pensativos y reflexivos sobre todo este tiempo que hemos estado por separado. Luego, se ven otras imágenes en las que nos volvemos a reencontrar. Esa fue un poco la historia.

    ¿Cómo fue ese periodo de inactividad, cómo lo vivisteis?

    Aunque públicamente, Lándevir no existía, nosotros nunca paramos. Siempre estuvimos juntándonos, ensayando, componiendo, creando. Así que, para nosotros no ha habido parón. Y lo cierto es que lo hemos vivido muy bien, lo necesitábamos. Llegó un punto en el que no podíamos compaginar nuestras vidas con la vida pública de la banda. Era otra fase de nuestras vidas. Aún así, no hemos desconectado del todo, ni hemos dejado de trabajar.

    Tras dos décadas, ¿qué balance hacéis de la banda?

    El balance siempre es positivo. Ha habido momentos malos, como en todos los momentos de la vida. Pero si echas la vista atrás, el balance es bueno. Hemos vivido muchas cosas, hemos conocido a muchas personas, que ahora son importantes para nosotros. Y, luego, tocar es increíble. Además, saber que gracias a tu música, mucha gente ha conseguido superar cosas negativas de su vida, es gratificante.

    ¿Y cómo de complicado es cultivar vuestro género (rock, folk, metal) en España?

    A ver, no es fácil, porque para hacer buen folk, hay que tener mucha instrumentación. Y tampoco puedes caer mucho en la repetición de este estilo de música. Así que, lo que hemos hecho en este disco para evolucionar, ha sido introducir nuevos instrumentos. Por ejemplo, no hay tanto violín, pero hemos querido meter diferentes tipos de flauta y, sobre todo, whistles. Y los hemos integrado, poco a poco, dentro de las canciones.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Lándevir, a partir de este momento?

    El primer paso fundamental es empezar otra vez. No comenzamos de cero, pero partimos de bastante abajo de nuevo. Han pasado diez años y parte de la gente que escucha este género, no nos conoce de nada. Así que tenemos que ir creciendo e ir moviendo el disco. Hacer entrevistas y, por supuesto, tocar. Pero no tocar en cualquier sitio, si no, en lugares que estén bien. También porque nuestros directos han cambiado y queremos estar seguros de que lo que podemos ofrecer, tiene unas buenas condiciones.

    ¿Tenéis fechas cerradas?

    Ya hemos terminado dos bolos de presentación, en Sevilla y Murcia. Y hasta septiembre, no tenemos nada. Aunque siempre surgen cosas por el camino. En otoño, tenemos concierto en Elda, nuestra ciudad, y en Alicante. Estamos trabajando en ello.

    ¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

    No estamos muy locos, en realidad. Somos seis tíos muy tranquilos y muy prudentes. Quizás, una locura, fue llevar pirotecnia a Ibiza. Para eso, tuvimos que meterla en el barco, los policías no querían y casi perdemos el barco. Tuvimos que ir corriendo. Al final, llegamos y salió todo bien.

    Esta es la playlist de Lándevir

  • Viajando a través del tiempo y el espacio con Tomaccos

    Viajando a través del tiempo y el espacio con Tomaccos

    Estilo y estilismo muy particulares. Recién sacados del siglo pasado, Tomaccos se presentan con nuevo trabajo, «Toledo, Oh». El mismísimo Capt. Edward Mill, vocalista de la banda, se ha sometido a nuestra entrevista. Todo sobre el swing más contemporáneo, a continuación.

    ¿Cómo surge el concepto de «Toledo, Oh» y por qué esa referencia?

    Bueno, «Toledo, Oh» es la abreviatura de Toledo, Ohio. Porque hay un Toledo en Estados Unidos. Hace refrencia a cuando en 1926, fuimos a recoger a nuestro bajista, Rodderick Owens. Nosotros somos de Easyhill, TN, que es como se llama nuestro primer disco. Este álbum habla un poco de nuestras andaduras en nuestro pueblo natal. Pero «Toledo, Oh» es nuestro acercamiento a la ciudad y a los estilos de música que allí se cultivan: swing, charleston, dixieland.

    ¿Por qué apostar por estos estilos y cómo los reinventáis?

    Sobre todo, porque es un estilo de música que nos gusta mucho y que escuchamos desde siempre en casa. Aunque sí que es cierto que, quizás ha habido más evolución en otros estilos, como el pop o el rock. Géneros de los que han surgido otros nuevos. Pero con el swing ha sido distinto, se ha quedado un poco estancado. Entonces todas las cosas nuevas que han salido de ahí, son más un ejercicio de emular el pasado, en vez de reconstruirlo. Para nosotros fue un desafío. El hacer lo que nos gusta, sin quedarnos en las versiones. Queríamos contar lo que nos pasaba en nuestro día a día.

    ¿Cómo de complicado es trabajar ese género aquí en España?

    Curiosamente, a nosotros nos está funcionando muy bien. No creo que sea curioso, en realidad. Considero que la gente está deseando escuchar música nueva. A lo  mejor, está muy saturada de lo que creemos que es más habitual. Pero precisamente por ser lo más habitual, hay mucha más oferta. Sin embargo, nosotros con nuestro swing, hemos encajado en mogollón de sitios. La gente se lo pasa bien y se divierte en nuestros conciertos. Lo bueno es que nosotros no somos los únicos en España que hacen swing. Así que estamos encantados con cómo está funcionado.

    ¿Cómo ha sido la acogida del disco y cómo fue la presentación del mismo en Madrid?

    Los medios nos han hecho muchísimo caso y ha llegado muy bien. A la gente que ya nos conocía, les ha encantado este nuevo disco. Este disco ha sido como «Tomacco Concentrado». Era ya el saber qué somos. El primer disco recoge todo lo que queríamos hacer en ese momento, pero este ha sido la reafirmación. Queríamos hacer algo que verdaderamente flipara a la gente. Y ha llegado muy bien. Con toda la promo que hemos hecho, no ha habido reseña mala. Y al público también. Porque el disco se canta y se baila muy fácilmente. Y hay música de todo tipo. Al final, no hemos estado acomplejados sobre qué música hacer. Hemos hecho lo que nos apetecía hacer.

    ¿Está cumpliendo entonces con vuestras expectativas?

    Totalmente. Y lo del concierto en la Sala El Sol fue espectacular, porque no esperábamos que estuviera tan lleno. Esperábamos que estuviera nuestra gente y ya está. Pero, de repente, se llenó de gente que no conocíamos de nada y que venían de lejos y recomendados por amigos o conocidos. Después de ese concierto, estamos ya con ganas de hqacer el siguiente. Y de seguir trabajando.

    ¿Qué dos o tres palabras definirían el disco?

    Humor, baile y humor [risas]. No, creo que serían: humor, baile y buenrollismo.

    «Prohibition Swing» ha sido el primer tema con videoclip. ¿Por qué escoger este tema como single?

    Tiene muchas cosas «Prohibition Swing». Por un lado, es el tema que más resume lo que somos Tomaccos. Y por otro lado, por el paralelismo que tiene. Es una canción que habla sobre los muros que se siguen construyendo, aun viviendo en la época en la que vivimos. Estos muros o prohibiciones impiden que la gente sea feliz, nos vuelven pesimistas y coartan nuestra libertad. Habla de cuando nosotros vivíamos en 1926, en plena Ley Seca y con una segregación racial brutal. Parece mentira que hayan pasado 100 años y la sociedad siga igual o incluso peor. Nosotros hemos querido contraponer todo eso a la felicidad y a las ganas de bailar. Que, a pesar de todo, no nos «quiten lo bailao». Esa es la filosofía que queremos tener nosotros. El humor y la música son herramientas fundamentales para cambiar el mundo.

    ¿Cómo surge la idea del videoclip?

    Todo es obra, arte y cabeza de Jorge Guasch, que es un director de cine espectacular. Porque con una canción y más con una de las nuestras, que duran 3 minutos y medio, es muy complicado hacer una película. Y él hizo un peliculón. Es todo lo que dice la canción: un local clandestino con gente bailando y disfrutando. Y es que ves el videoclip y estás ahí. Tocando los vestidos, fumando. Es increíble. Y muy rápido. En principio, íbamos a sacar otro tema y a última hora escogimos este. Y se adaptó rapidísimo. No podemos estar más contentos con el videoclip de presentación.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Tomaccos?

    El siguiente paso de Tomaccos es empezar la gira como tal. Ya hemos hecho unas cuantas fechas de presentación por España, pero a partir de septiembre, volvemos a la carga. Estamos muy contentos con el resultado de este disco y queremos sacarle toda la «chicha» posible. Queremos llevarlo a todas las ciudades posibles. Que Tomaccos funciona muy bien desde acústicos pequeños, hasta festivales enormes.

    ¿Qué es lo más loco que habéis hecho por la música?

    Dedicarnos a la música. Eso para empezar. Luego, las palizas de furgoneta que nos hacemos también son locas. De tener un día un concierto en Cáceres y al siguiente, en Barcelona. O ir de Madrid a Ceuta en horas. En Castellón, una vez nos hicimos ocho bolos en tres días. En general, nos hacemos maratones fuertes de conciertos. Es lo bonito, pero también es un poco una nuestra maldición.

    ¿Alguna anécdota que se pueda contar?

    Sí, ¡hubo una! Nosotros también hacemos bodas, bautizos y comuniones. Una vez nos llamaron para una boda, cuya celebración era en un sitio que se llamaba Casa Pepe. Y no era el típico que está en la carretera de Despeñaperros, con las banderas de España e imágenes franquistas. No era ese. El caso es que pusimos el GPS mal y nos llevó directamente a ese sitio, que estaba a hora y media del lugar de la boda. Y a la boda llegábamos ya justos.

    Total, que llegamos y dijimos: «como sea aquí, no hacemos el concierto». Evidentemente, no era ahí y nos tocó coger el coche otra vez e ir rapidísimo al otro local.

    Luego también hubo otra anécdota. Yo tocaba en Madrid con mi otra banda de madrugada, y al día siguiente por la mañana, tenía que estar en un pueblo gallego que se llama Aspontes. Pero resulta que hay dos pueblos allí que se llaman igual. Y llegué al que no era. Encima, ambos, estaban a una hora de distancia. Llegamos y dimos el concierto, no nos dio tiempo a hacer la prueba de sonido.

    ¿Cómo aguantan en los conciertos con tanta actividad?

    A ver, es como todo. Como cualquier persona que trabaja y acaba cansada cuando llega a casa. Pero los conciertos merecen la pena. Al final acabas contagiándote de la energía del público. Yo he tenido muchos proyectos y bandas, y no he visto tan buen rollo como en los conciertos de Tomaccos. Cómo reaccionan, cómo se ríen, cómo aportan. Nosotros tampoco llevamos setlist, improvisamos según vemos a la gente. Al final el público se lo pasa bien, porque ve que estás volcado con él.

    Esta es la playlist de Tomaccos

  • Nora Norman nos inunda con su particular «acid chaos»

    Nora Norman nos inunda con su particular «acid chaos»

    Creadora del término «acid chaos», Nora Norman inunda cualquier rincón con su música y su chorro de voz. Imposible no escucharla en bucle, más si cabe, tras este último discazo. «Chaos» ha llegado para hacernos explotar la cabeza.

    ¿Cómo nace el concepto de «Chaos»?

    El concepto de «Chaos» tiene varias variantes, pero que a la par, van de forma conjunta. Una es el plantearme que mi primer LP, querría que fuera lo más honesto posible, puesto que es mi primera duración. En él, quiero mostrarme tal como soy, de la manera más directa posible. Y también lo ato al propio concepto de auto-aceptación. La música es una forma de expresión y una catarsis de lo que yo siento. Por lo tanto, cuando escribo y compongo, es para mi una mera aceptación de mi misma y de lo que soy. Y eso me lleva directamente al concepto de «Chaos». Soy un pequeño desastre andante, pero a la vez, esta es mi manera de expresarme y de ordenar todas mis ideas.

    ¿Cómo fue todo ese proceso de auto-aceptación o de expulsión de tus propios sentimientos?

    Empieza por el simple hecho de querer ser honesta, pero sobre todo, contigo misma. En tanto que vas creciendo como persona, tu música también tiene que crecer y evolucionar contigo. El primer paso tiene que ser aceptarte a ti misma y no estar tan pendiente de los valores u opiniones externos. Que siempre van a tener un peso. Pero lo más importante es darse cuenta de que la única persona que va a estar a tu lado durante toda tu vida, eres tú misma. Y para eso tienes que aceptarte. Todo viene remitido de eso: de un proceso de «filtraje» personal y musical. Y todo ha derivado en «Chaos». Sí, soy un desastre, sigo creciendo y voy a seguir creciendo todos los días de mi vida. Esto es lo que soy en este momento. Que quizás dentro de dos meses, cambie.

    Cambio que también se reflejará en los directos. No eres la misma Nora ahora que la de dentro de dos meses. Las canciones entonces también evolucionarán.

    Claro, no seré la misma. Hay muchos factores a tener en cuenta en un concierto, por ejemplo. Tienes en cuenta el estado anímico de ese día o el propio entorno. Así que nunca te vas a encontrar con un directo igual. Si te lo encontraras, estaría totalmente «robotizado» y hecho a medida, para que todos fueran iguales. Y se perdería la magia del directo. A eso es a lo que le doy vueltas todos los días.

    ¿Cómo te preparas ese directo?

    Siempre estamos ensayando y buscando la manera de que suenen mejor. Y también tratando de adaptarlos de la mejor forma al directo. Pero la preparación es algo constante, a nivel emocional, teórico y práctico. Pero nunca se sabe lo que pasará en los conciertos. Puedes llevarlo muy preparado y que salga mal o viceversa. La preparación siempre está ahí, creo que es algo intrínseco.

    ¿Cómo han sido las primeras reacciones al disco?

    Creo que han sido muy buenas. Tenía miedo a esta respuesta, porque no se puede catalogar dentro del soul, ni dentro del funk clásico, ni del jazz, ni del aranbi. En realidad, bebe un poco de todas esas influencias. Pero aunque hubiéramos tirado por un estilo más clásico, el miedo siempre hubiera estado. La adrenalina y la emoción de sacar algo tan personal y tan importante para ti. Pero por lo que hemos estado viendo este tiempo, la respuesta ha sido muy buena. Y sigue siéndolo. Así que yo estoy muy contenta.

    Comentas que bebes de muchos estilos musicales. ¿De ahí que hayas acuñado el tuyo propio: «acid chaos»?

    El concepto de «acid chaos» nace por ello mismo. Y porque creo que estando en 2018, hay tantas ramificaciones dentro de todos los géneros musicales, que es muy complicado catalogar algo de forma cerrada en un solo estilo. Pero también de la misma forma, una etiqueta no deja de ser una limitación creativa. Hay gente que ha etiquetado el disco como neo-soul, pero que bebe del jazz y del aranbi. No me importa. Porque yo lo único que hago es hacer canciones y expresarme de la forma más libre que conozco. Si el resto quiere poner una etiqueta, que la ponga. Para mí, como es tan subjetivo, no sería honesto etiquetarme. Es que es imposible etiquetarse a uno mismo. A la par, sería pedante. Pero ya que piden una etiqueta, me mofo un poco de este concepto y me invento la mía propia.

    Es que si me etiqueto como artista «soul», me estaría comparando con los grandes del género. Y eso sería pedante por mi parte. Principalmente, por el hecho de que me queda muchísimo por aprender.

    ¿Cómo definirías «Chaos» en dos o tres palabras?

    Sincero, honesto y ambiguo. Las dos primeras van en relación a lo ambiguo, por comentarios que he recibido. El disco es tan honesto, pero el mundo interior de cada persona que lo escucha es tan diferente. Las letras son muy directas, pero las personas que las escuchen, las re-interpretarán según el momento vital en el que se encuentren. A la par de que dentro del caos, siempre hay un cierto orden.

    ¿Cómo fue la presentación de «Chaos» en Joy Eslava?

    ¡Fue muy bien! Juntar el concepto de tocar en la Joy Eslava y el de Mad Town Days, fue genial. Presentar «Chaos» allí fue maravilloso y yo me lo pasé muy bien. He de admitir que estaba bastante nerviosa, porque soy persona e impone. Pero me olvidé de todo eso justo antes de salir al escenario y pensé: «vamos a pasarlo bien, porque esto es lo que queremos vivir en este momento». Y así fue. Me lo pasé genial.

    ¿Cómo evoluciona Nora desde su primer EP hasta este «Chaos»?

    Creo que es una evolución natural. En tanto a que el EP lo sacamos hace dos años. En ese trabajo, quería presentarme, quería mostrar quién era y quién había sido anteriormente. La evolución ha sido grande, ya que hay dos años de diferencia entre el EP y el disco. Dos años de experiencias, de crecimiento personal y emocional. Todo eso se traslada también al sonido que tienes en ese momento. «Chaos» es una reafirmación de quién soy yo. Esto ya es Nora Norman. Esta soy yo ahora. Creo que esa ha sido la mayor evolución, la pérdida del miedo, de buscarme y encontrarme a mi misma.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Nora Norman?

    Seguir tocando y seguir girando. Siempre. Los siguientes pasos son seguir creciendo con cada experiencia y seguir haciendo conciertos con la banda. Así que esos son los primeros pasos y los constantes. No aspiro a nada más, realmente. Lo amo tanto, que tengo ganas de seguir haciendo más y más.

    ¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?

    Venirme a Madrid. Dejarlo todo por la música. Y cumplir aquel sueño que para mucha gente es utópico o complicado. Me vine, de perdidos al río. Para no quedarme con la duda de qué habría pasado o de no lo intenté.

    Esta es la playlist de Nora Norman

  • Artabe: «Punto Cero ha supuesto el inicio de un viaje»

    Artabe: «Punto Cero ha supuesto el inicio de un viaje»

    Lleva dos años girando con «Punto Cero». Fue el mayor cambio para Artabe y, quizás, su gran golpe maestro. Y ya es momento de despedirse de él, para recibir nueva música. Un ciclo que llega a su fin. El 29 de junio cierra gira en Costello Club (Madrid) junto a Irene Novoa. Y el día 30, en la Sala Súper 8 (Ferrol), con El Increíble Paso.

    «Punto Cero» nace hace dos años. Pero, ¿cómo surge el concepto de este disco?

    Es un concepto que viene de tiempo atrás. Tenía muchas canciones sueltas y empecé a juntarlas. Poco a poco, me di cuenta de que tenían todas cierto hilo conductor y que tenían cabida en un mismo álbum.

    En cuanto al título del disco, en un principio no iba a ser «Punto Cero». Pero finalmente escogí ese nombre, porque hace referencia a un nuevo comienzo. Es como empezar desde cero. De ahí también la portada del disco, en la que se me ve con el plexo solar. Es como la energía que necesitamos para llevar a cabo cambios en nuestra vida.

    Además, el disco coincidió con un cambio bestial en mi vida. Por eso, quise plasmarlo todo en él.

    ¿Podría decirse entonces que «Punto Cero» ha sido el inicio de algo nuevo?

    Bueno, «Punto Cero» fue el inicio de Artabe como proyecto. Porque yo antes me llamaba Rubén Artabe. Así que, sí, ha sido el inicio de algo nuevo.

    ¿Cómo ha sido la acogida del disco en estos dos años?, ¿ha cumplido con tus expectativas?

    Sí, la verdad es que sí. En general, a la gente creo que le ha gustado bastante el disco. He recibido varias felicitaciones por ello. Aún así, no llegó a todo el mundo que a mí me hubiera gustado que llegara.

    ¿Cómo lo definirías en dos o tres palabras?, ¿o en un titular?

    «Punto Cero» ha supuesto el inicio de un viaje.

    ¿Cómo fue grabar con Manuel Cabezalí y Dani Richter?

    Barajé varios productores y, al final, me decidí por Manuel Cabezalí, porque congenié muy bien desde el primer instante. Además, creía que él podía aportar lo que quería a estas canciones nuevas. Ya desde el primer momento, fue súper fluido, fácil y llevadero. Comenzamos haciendo una pre-producción de los temas y luego ya nos metimos en estudio, con Dani Richter como ingeniero de sonido. Aparte, ellos dos hacen un tándem muy bueno porque llevan muchos años trabajando juntos. Y eso se nota.

    También recuerdo el proceso como algo divertido, lo pasamos muy bien. Juntos resolvimos muy rápido determinados bloqueos.

    «Punto Cero» fue el inicio de Artabe como proyecto. Imaginamos que también supuso un inicio en Madrid. ¿Cómo fue ese salto desde Ferrol y cómo has evolucionado desde entonces?

    Fue una decisión que ya tenía tomada desde tiempo antes. Pero que hasta ese momento no llevé a cabo. Fue un paso muy rotundo y decidido. No hubo duda alguna. Empecé a organizarme, para que coincidiera con la grabación del disco. Dejé muchas cosas atrás en Ferrol. Aún así, siento que estos dos años y medio en Madrid me han dado mucho. He crecido mucho como persona y como músico, porque Madrid te da otras cosas. Aquí está todo el meollo. Encima estoy conociendo a mucha gente relacionada con el mundo de la música. Creo que acerté en venir.

    Cierras gira este mes, tanto en Madrid como en Ferrol. ¿Cómo estás preparando estos conciertos?

    Afronto estos conciertos como el final de la etapa. Tengo muchas ganas e ilusión y con ganas de que vaya mucha gente. También quise contar con algunos amigos músicos, como El Increíble Paso que me acompañarán en Ferrol, e Irene Novoa, que abrirá el concierto de Costello. Es como si fuera un cumpleaños.

    ¿Cómo surgen ambas colaboraciones?

    Siempre fue por amigos en común. A El Increíble Paso los conocí gracias a Juanma, mi batería, y a Fer Clérico, mi bajista. Luego también grabé unos coros con ellos. Además, también fui telonero de ellos en su concierto de Madrid. Además, Juanma, Fer y Darío tocan en ambos proyectos. Así que está todo conectado.

    Y luego, a Irene también la conocí por otra amiga. Contacté con ella para que me ayudara con los teclados, pero por motivos de agenda no podía. Y fue ella quien me puso en contacto con Irene Novoa. Conectamos muy bien y tenemos muchas cosas en común, a nivel musical.

    Tras el final de gira, ¿cuáles son los siguientes pasos de Artabe?

    Daré algunos conciertos más hasta final de año. Pero ya de manera más puntual. Y ya en verano, prepararé los temas para el nuevo disco. Así que también quiero meterme un poco con la preparación y maduración de los mismos.

    Hace unas semanas estuviste en Berlín, donde re-grabaste tu tema «Átomos». ¿Cómo fue el proceso?

    Es una canción que tiene un carácter hipnótico. Hay dos acordes que se repiten a lo largo del tema. Y siempre me pareció buena para adaptarla a elementos electrónicos. En mi disco «Cataratas», grabé este tema en electrónico, pero no quedé convencido. Y hace un tiempo, pensé grabarla de nuevo. Así que pensé en Diego Delgado, un amigo DJ que vive allí en Berlín. Así que le pasé la demo, le gustó. Y aproveché el viaje para hacer la canción, también con mi amiga Louise, que nos ayudó con los coros. Tengo muchas ganas de poder mostrar el tema terminado.

    ¿Qué es lo más loco que has hecho por la música?
    Cuando era adolescente, varias veces me escapé de casa para ir de concierto con amigos. De hecho, a finales de los 90, había un grupo que nos flipaba mucho. Sonic Youth. Y vimos que tocaban en Oviedo. Apenas sin dinero y sin nada, nos fuimos para allá tras haber salido de fiesta. Llegamos allí, corriendo, pero no encontrábamos el sitio. Preguntamos por el Teatro Jovellanos, que resulta que estaba en Gijón. Así que cogimos el último bus, corriendo, pero llegamos justo cuando el concierto ya había acabado. Así que terminamos yendo a la fiesta post-concierto.

    Todas las locuras que recuerdo son de ese estilo. Me he escapado varias veces para ver a grupos que me gustaban o incluso para tocar, con las primeras bandas que tenía.

    Esta es la playlist de Artabe

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