Categoría: Música

  • Marta Andrés: «Salvaje tiene mucha intensidad y verdad»

    Marta Andrés: «Salvaje tiene mucha intensidad y verdad»

    Si hablamos de cambios y evolución, quizás, el de Marta Andrés sea uno de los más notables. Ayer vio la luz su segundo trabajo, «Salvaje». En él, deja atrás su faceta más pura como cantautora, para adentrarse en el género que siempre le ha gustado: el rock.

    La pasada semana, tuvimos la oportunidad de entrevistarla y esto es lo que nos contó sobre su nombre proyecto con banda, para el que ha contado con músicos de la talla de Christian León, Alberto Torres, Charlie Solano y Alberto Peto.

    ¿Cómo surge el concepto de «Salvaje», el EP?

    Yo vengo de otro proyecto, más rollo cantautor. Y llegó un punto en el que dije: «mira, voy a tirar más por el rock, para actualizar más el sonido y voy a montar banda, para que las canciones estén mucho más arropadas». Así que esa es un poco la base. El disco tiene seis canciones de todo el repertorio que monté tras el disco anterior. De hecho, seleccioné los temas no más comerciales, sino los que consideraba que podían pegar mejor, dentro del estilo que es.

    Un titular que defina el disco.

    Intensidad y verdad son unas buenas palabras para definirlo. Y las letras tienen mucho corazón. Además tiene mucho rock americano y folk, del de toda la vida.

    Una canción del disco.

    A nivel personal, me quedaría con dos: con el single «Salvaje» y con «En Calma», que es la última del disco. Y que está grabada solo con acústica y voz. Me gusta esa esencia original, sin adornos.

    ¿Por qué pasaste del formato de canción de autor, al rock?

    Era todo óptimo para cambiar justo en este preciso momento. Con el disco anterior, grabé las ocho canciones que en ese momento tenía. Pero después llegaron muchísimas más, he escuchado mucha música y me centré en el estilo que más me gustaba. He ido cambiando. Además, se han dado muchas condiciones favorables: Wegow, promoción, grabación con el productor que quería, que era José Nortes.

    ¿Cómo fue el proceso de grabación con José Nortes?

    Muy bien, porque aprendía muchísimo. José Nortes, humanamente, es una persona increíble. Sabe llevarte justo al lugar adecuado, al lugar que sabe que puedes llegar. Además, es muy ingenioso y creativo.

    Luego, con los músicos genial también, porque me he rodeado de unos artistas increíbles. Así que todo fue perfecto.

    ¿Por qué «Salvaje» y «Red Herring» como adelantos?

    Porque son muy diferentes entre sí. «Salvaje» es muy intensa, y quizás sea la más folk. Además, me he basado un poco en una canción que me gusta mucho de Vince Gill, «What You Give Away». Tiene un tempo muy igual durante toda la canción, pero va creciendo poco a poco. Con «Salvaje» apliqué la máxima de «menos es más».

    «Red Herring» es todo lo contrario, es mucho más rock, más movida. También es más agresiva, canalla y caradura. Es completamente diferente.

    ¿Por qué jugar, precisamente, con tantos estilos?

    Creo que al ser chica, se nos asocia cierta melosidad. Y esta es mi manera de romper un poco con eso, es como decir: «no, no, que yo tengo Red Herring», que es un tema más rockero y cañero. Por eso, jugar con los opoestos y con la contraposición.

    Siguientes pasos de Marta Andrés.

    Tocar en Valladolid el 20 de diciembre, en enero en el Café La Palma de Madrid, y luego ya en febrero en Barcelona. Al final, yo lo que quiero es tocar y aprender mucho tocando. Necesito ver cómo respiran los temas con el público.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    Creo que intentar ser yo una artista. Es tan incierto todo, que dedicarte a esto, es jugártelo todo a una sola carta. Y otra, por contarte un hecho, irme a Londres a ver a John Mayer y volver al día siguiente.

  • Larilia despide 2018 con concierto en el Fulanita de Tal

    Larilia despide 2018 con concierto en el Fulanita de Tal

    Han compartido escenario en multitud de ocasiones, tienen las mismas referencias musicales y, además, son amigas. Así es como nace Larilia, producto de la unión entre Lara Morello y Versilia. Lo único que quedaba ya era que las dos hicieran un concierto juntas y, al fin, el deseo se va a cumplir. Y es que este viernes 21 de diciembre, como antesala de la Navidad, Lara y Versilia se suben al escenario de la mítica sala madrileña Fulanita de Tal, para cantar todas aquellas canciones que forman parte de su universo. La cita dará comienzo a las 21.30 horas.

    Esta será la particular manera de Larilia, de recibir la Navidad y de despedir un año 2018 repleto de éxito y música.

    Quien se esconde bajo el nombre de Larilia

    A Lara Morello la conocimos hace ya algunos meses y le hemos estado siguiendo la pista hasta este momento. Incansable e insaciable, Lara no ha dejado de actuar en multitud de salas de todo el país. Y es que presentar «Saltemos», no merecía menos. Un trabajo que nació con la ayuda del productor Iker Arranz y que, además, unió aún más a Lara y a Rocío Medina (Versilia. Y es que el tema que da título al EP, lo crearon las dos juntas.

    Versilia nace en 2005, aunque bajo otro nombre. En aquel entonces, se hacían llamar «Calles de Madrid Desde ese mismo momento, no han dejado de crear y de girar, consiguiendo hacerse un hueco bastante sólido en este mundo. Aunque el último trabajo que pudimos escuchar de Versilia fue «Luces» (que se publicó allá en 2015), la banda madrileña está ya preparando su próximo álbum. Un disco que, previsiblemente, verá la luz en este 2019.

    Las entradas del concierto tan solo estarán disponibles en la taquilla de la sala, el mismo día del evento. ¿Aún te lo estás pensando?

  • La primera gran apuesta de Siete70, a punto de ver la luz

    La primera gran apuesta de Siete70, a punto de ver la luz

    Siete70 saltaba a escena hace un año aproximadamente, aunque sus miembros no son del todo desconocidos, ya que tienen amplia experiencia en otras bandas. Ya empezaron a hacer ruido con los dos primeros avances del que será su primer trabajo en conjunto. Es el momento de Siete70. Es el momento de ir descubriendo lo que tienen preparado para nosotros.

    Hace unos días los entrevistamos y esto es lo que nos contaron sobre su proyecto.

    ¿Cómo comienzan su andadura Siete70? 

    Fue en verano de 2017, durante unas clases que daba Jordi en Casa Corona de Madrid. Joanra iba por allí «a saludar» y como se conocían de 20 años atrás (primera época de Love Of Lesbian) empezaron a tramar el proyecto. En otoño, con las primeras ideas más desarrolladas, Juanma y Javi descolgaron sus teléfonos y se dejaron engañar. Y así hasta hoy.

    Durante este año, habéis estado trabajando en vuestro primer LP. ¿Cómo ha sido todo todo el proceso? 

    Sí, este primer año hemos hecho mucho trabajo de «puertas para adentro». Los cuatro tenemos compromisos con otras bandas, ya sea tocando o «a la sombra», de manera que hemos preferido no complicar aún más nuestras agendas saliendo a tocar e ir paso a paso. En enero de 2018 grabamos tres canciones y, justo ahora, en diciembre, estamos grabando siete más, que junto a las tres primeras completarán el disco.

    Un titular que defina lo que está por llegar.

    Los dados están echados y doblamos tu apuesta.

    ¿Cómo fue grabar junto a Miguel Rivera de Maga?

    Miguel es uno más de la familia. Un gran amigo. Fue la primera persona a la que explicamos el proyecto cuando Siete70 era solo un espermatozoide a la deriva e incluso bromeó – o no- con ser nuestro batería. De manera natural se convirtió en el productor de nuestras primeras tres canciones, aunque él prefiere usar el término «guía espiritual».

    ¿Cómo afrontáis la salida del disco?

    Tenemos la suerte de contar con el apoyo de un sello como Subterfuge y eso facilita enormemente las cosas. Nos están cerrando una gira por salas para esta primavera, justo a la salida del disco, y a partir de ahí habrá que ir viendo. Pero está claro que tenemos muchas ganas de compartirlo con el público.

    «El Río» y «Manchas de vino» fueron los primeros adelantos del álbum, ¿por qué estos temas?

    Son las dos primeras canciones que compusimos y por ello les tenemos un cariño muy especial. Concretamente «El Río» fue el pistoletazo de salida de Siete70. Además fue compuesta, tanto la letra como la música, en 5 minutos. Pocas veces sucede eso y hay que aprovecharlo. Frotas la lámpara y ¡plink! despiertas al genio.

    A propósito del próximo lanzamiento de vuestro álbum, ¿creéis que el poder del disco como discurso se está perdiendo?

    Hoy en día poca gente escucha los discos de «pe a pa» y eso es algo que nos parece una lástima. La mayoría de obras, sean o no conceptuales, cuentan una historia o enlazan varias historias. Además, una de las tareas más difíciles en el estudio es decidir el orden de las canciones para que todo tenga cierta coherencia. Escuchar música a través de listas de reproducción equivaldría a montar una película con fragmentos de cinco minutos de muchas películas diferentes. Lo mismo que si recogiésemos en una sola publicación varios capítulos al azar de multitud de libros. Caótico. ¡Imagínate lo que nos perderíamos por el camino! En este caso, sí, el discurso está más que perdido.

    Siguientes pasos de Siete70.

    «…Un pie delante del otro, un pie delante del otro. Desafiantes». – (La M.O.D.A. – «Himno Nacional»).

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido porla música?

    Seguir creyendo en ella 20 años después con todas sus consecuencias. Es droga.

  • «Con uve de verde»: Vlanco, el artista que hay detrás

    «Con uve de verde»: Vlanco, el artista que hay detrás

    Viene desde Elda, Alicante. Es cantautor, aunque no puede negar ni obviar que también tiene una faceta literaria brutal, que próximamente lo llevará a publicar su primer libro. Se trata de Fran Blanco. O Vlanco. Sí, «con uve de verde».

    Con esa sensibilidad que lo caracteriza, Vlanco se atrevió a responder nuestras preguntas hace apenas unos días, aprovechando su reciente visita a Madrid. En la entrevista, estuvimos hablando de «El Mundo Para El Otro», su álbum debut; de música; y también de literatura.

    ¿Cómo nace el concepto de «El Mundo Para El Otro»?

    Surgió por la necesidad de darle un formato profesional a todo lo que venía haciendo desde hacía tiempo, fue por darle vida a la maqueta. Siempre retrasaba el momento, porque no podía o porque estaba estudiando, así que después de unos años divagando entre el sí y el no, creía que este era el instante perfecto.

    ¿Cómo terminas metiéndote de lleno en el mundo de la música?

    La primera experiencia fue con un «grupito» que tuve y que duró en torno a un año y medio. Era muy de andar por casa, pero sí que es cierto que a nivel local, tuvo cierta repercusión. Así que fue en ese momento cuando me di cuenta de que quizás la gente verdaderamente estuviera disfrutando con ello. Por eso, al finalizar esa etapa, me dejé llevar. Tenía más canciones y comencé a componer más con la guitarra, y terminé metido de lleno en este bucle.

    Volviendo un poco al tema del disco, ¿cómo ha sido la acogida del mismo?

    Muy guay, la verdad, ha sido muy bonito. Aunque también muy complicado, sobre todo el conseguir visibilidad y llegar a la gente. Pero en la medida de mi capacidad de llegar a la gente, ha sido algo increíble. Con «El Mundo Para El Otro» he tenido experiencias increíbles, ya que me ha llevado a tocar en centros penitenciarios, en colegios, en la plaza de mi ciudad, en fiestas locales. También es verdad que ha sido un disco muy cuidado en todos los sentidos: letras, composición, producción, diseño. 

    Un titular que defina el disco. 

    No sabría decir un titular, la verdad. Es muy difícil [risas]. «Con uve de verde».

    ¿Por qué lo de «Con uve de verde»?

    Es un poco el nombre que me ha acompañado siempre. Cuando finalicé mi etapa con el grupo musical, estuve un poco parado, también porque coincidió con el fallecimiento de mi madre. Este hecho, hizo que continuara componiendo temas, como «La Reina de mis Recuerdos». Así que en el momento en el que decidí ponerme un nombre artístico que me acompañara en esta nueva etapa, me decanté por «Vlanco, con uve de verde», para que ella me acompañara siempre. Y es que mi madre tenía unos ojos verdes brutales y quería que eso estuviera conmigo permanentemente.

    Justo te iba a preguntar ahora por una canción del disco.

    Pues sí, probablemente sea esa, «La Reina de mis Recuerdos». Creo que es la más especial, la más sincera y la más en carne viva. No es de las más escuchadas tampoco, aunque en los conciertos es la que hace aflorar más sentimientos.

    Compones y cantas, pero también escribes poesía. ¿Por qué aunar esas dos vertientes artísticas?

    No me atrevo a decir que sea poesía, más bien creo que es una prosa poética. De hecho, yo comencé a escribir en diversos blogs culturales. Y a nivel emocional, empecé a publicar esos textos más íntimos. Y sí que es verdad, que al principio, utilizaba la página de Facebook de Vlanco para compartir todos estos escritos. Luego ya me atreví a mostrar las canciones.

    Digamos que es una vertiente paralela que llevo. Voy escribiendo tanto textos como canciones. A veces, hay textos que se convierten en canciones, y canciones que dan pie a textos.

    Estamos muy próximos a una zona en la que está surgiendo muchísimo talento musical. ¿Cómo estás viviendo la aparición de tantos nuevos artistas y bandas en Murcia y Alicante, sobre todo?

    Es algo muy guay, la verdad. Lo cierto es que yo me muevo bastante por Alicante, Murcia, la Vega Baja; y hay tanta gente buena y tanto talento. Evidentemente, en Madrid se mueve muchísimo más, también es normal porque es una ciudad mucho más grande y es algo exponencial. Pero aún así, allí hay mucha gente increíble.

    El haber conocido a cantautores como yo, además, da una relajación brutal. Porque al final es gente que piensa y sueña como tú. Es increíble compartir la misma visión con más gente.

    De hecho, gracias a este mundo, has dado con personas como César Poetry y PabloZ. ¿Cómo surgen las colaboraciones con ellos?

    Fue sobre todo, a raíz de la poesía. Y sobre todo, por César, a quien conozco desde hace muchos años y con quien he girado prácticamente, por toda España. Él me ha permitido conocer a muchas personas de este mundo. Al final, colaborar es muy fácil. Y que exista un binomio entre música y poesía, enriquece y potencia mucho los shows.

    Siguientes pasos de Vlanco. 

    A nivel de conciertos no lo sé, quizás haya un pequeño parón. Quiero centrarme en el proyecto del libro, que autoeditaré muy pronto. Aunque no dejo de pensar en canciones nuevas y en el segundo disco. Quiero dedicarle bastante tiempo a eso, y el tener continuamente conciertos, no te permite eso.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido, bien por la música o bien por escribir?

    Igual es una locura para mí, pero no para el resto de gente. Pero diría que el dedicar el 50% de mi vida y de mi tiempo a todo esto. Y más cuando uno tiene su faceta laboral muy marcada. Al final, es cuestión de creer en mí y en la gente que me escucha.

  • Muñeco Vudú: «Con Gravemente Ilesos seguimos y mejor que nunca»

    Muñeco Vudú: «Con Gravemente Ilesos seguimos y mejor que nunca»

    Diez años de carrera, dos discos a las espaldas y el tercero, «Gravemente Ilesos», recién publicado. Ellos son Muñeco Vudú, vienen desde Asturias, y mañana viernes presentan su último trabajo en la Costello Club de Madrid. Si algo los caracteriza es el huir de cualquier tipo de etiquetas y el primar su música, por encima de cualquier otra cosa.

    La semana pasada estuvimos con Ivo Pérez (voz y guitarra), Borja García (guitarra y coros) y Borja Sauras (percusión y coros). Hablamos con ellos sobre su carrera, sobre «Gravemente Ilesos» y sobre música.

    ¿Cómo surge el concepto de «Gravemente Ilesos»?

    Ivo. «Gravemente Ilesos» es ya el tercer disco, hemos pasado por varios momentos vitales y musicales. Así que, para nosotros significa que a pesar de todos los fracasos o perdidos, sigue estando esa parte positiva. Es ese juego de palabras: el aquí seguimos y mejor que nunca.

    Un titular que lo defina.

    Ivo. Disco de estudio.

    Borja. G. Sí, disco de estudio, pero sin renegar de la frescura y de la inmediatez. De hecho, uno de los temas es en directo. En definitiva, es un disco de estudio que aglutina todas las capacidades de la banda.

    Una canción.

    Ivo. Te diré, que en este disco, por primera vez, me he quedado contento. Aunque luego lo miraremos con perspectiva y lo analizaremos. Pero hoy por hoy, me cuesta quedarme solo con una canción.

    Borja. G. Yo, desde mi punto de vista, «La calle del medio». Me parece un tema con muchas dinámicas y con un toque rockero. Al final, ese es mi papel [risas].

    Borja. S. Es que hay varias. Está «Charcos de sangre», que me gusta mucho por la atmósfera que crea. «Antídotos (de andar por casa)» también me gusta, pero porque las canciones con arreglos diferentes me encantan. La de «100 fotos» también porque es cañera y tiene un toque sórdido. Y la de «Gravemente Ilesos», me parece muy bonita, es como un vals, y tiene un rollo melancólico. Al final, todas tienen algo y te van contando una historia, que pasa por diferentes fases.

    Al hilo de lo de la historia, ¿creéis que se está perdiendo el poder del disco como discurso?

    Ivo. Totalmente. Creo que últimamente vuelve. Siempre ha existido ese concepto, más por parte del artista que por parte del público. Como consumidores, nos hemos pasado más al formato single y no nos hemos parado a valorar ese esfuerzo o ese toque que tiene de empaque un disco entero. Y a partir de ahí, los artistas se han sumado al carro de los singles. Pero que no se acabe nunca el gusto por los discos, se escuchen en el formato en el que se escuchen.

    Borja. S. Yo no lo escuché, pero Rosalía ha construido todo un disco en torno a un libro. Y, de hecho, ha estructurado las canciones en capítulos ordenados.

    Borja. G. Al fin y al cabo, hay muchos discos conceptuales de ese estilo.

    ¿Por qué tanta variedad de géneros dentro del disco?

    Ivo. Tenemos la mala costumbre de querer etiquetarlo todo y que todas las canciones estén encasilladas dentro de un mismo género. A nosotros eso nos da bastante igual. Nosotros, dentro de unas limitaciones, queremos tener cierta libertad a la hora de experimentar cosas nuevas. Una vez ya estás dentro, siéntete tranquilo con hacer lo que te dé la gana.

    Borja. G. Al final es juntar y mezclar las influencias de todos los que formamos parte de la banda.

    Ivo. De todas formas, quien se relaje y escuche el disco, se va a dar cuenta del hilo conductor. Al final, nosotros siempre hemos peleado por hacer canciones bonitas. El sonido o el sello propio lo terminas encontrando.

    Borja. S. Hay variedad de géneros, pero se percibe el estilo de la banda.

    ¿Cómo ha sido esa evolución, cómo ha cambiado Muñeco Vudú?

    Ivo. Es que han cambiado muchísimas cosas. Ha cambiado la formación, además de que cada disco era de una época y una etapa diferente, grababa gente distinta.

    Borja. G. Pero nunca perseguimos el cambio porque sí. En cada época, te pillan unas circunstancias diferentes, así que cada disco termina siendo un poco un reflejo de ello. Pero nunca nos hemos planteado, de manera consciente, el cambiar o el girar hacia un lado. Siempre se ha dado de manera natural. Al final, el momento determina el resultado.

    ¿Y cómo veis el panorama de la industria musical?

    Ivo. Yo veo que hemos pasado de no entender nada, con todas esas nuevos agentes y con todas esas maneras tan clásicas de manejarse en la música; a un punto completamente diferente, de entender cómo funciona todo.

    Borja. G. Sí, y de adaptarte también a los nuevos tiempos de la industria. Al final, ahora mismo, hay muchísimas más opciones que antes dentro de la industria.

    Ivo. Hubo un momento en el que andábamos todos perdidos, preguntándonos: «¿pero qué es esto del Facebook?». Ahora, tienes que tener un buen equipo, gente de comunicación, etc. Pero en ese momento inicial, muchos abandonaron. Y ahora parece que todo se vuelve a entender y se toma con más naturalidad.

    Borja. G. A ver, también a la hora de delegar funciones, influye mucho el factor económico. Antes éramos músicos, pero también un poco mánagers. Ahora se ha entendido el concepto: el músico tiene que tocar, el mánager conseguir bolos, la gente de comunicación tiene que tener acceso a los medios. Creo que es la manera en la que debe hacerse, pero contando siempre con pasta.

    ¿Cómo afrontáis el concierto de presentación en Costello Club?

    Ivo. Muy bien, con muchas ganas de que venga la gente y se lo tomen como una diversión. Tenemos muchísimas ganas de tocar sin parar. Estamos en el punto en el que necesitamos un poco de feedback. Así que ilusionados.

    Borja. S. Nosotros tenemos las ganas y aseguramos el rato agradable, pero queremos ver la respuesta de la gente.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Ivo. Yo, personalmente, me ha arruinado.

    Borja. G. Yo he invertido mucha pasta en guitarras, equipo y demás. Yo veo gente que gira toda su vida con la misma guitarra y me da cierta envidia [risas]. Luego cosas, venirte desde Asturias durmiendo poquísimo y comiéndote horas y horas de carretera.

    Borja. S. Básicamente, empezar a tocar a escondidas de mi familia. Cuando empecé a tocar en casa la guitarra, no hubo problema. Pero llegó un punto en el que me agencié con una batería, la escondí en una nave industrial y comencé a tocar con mi banda, sin que mi familia supiera nada. Al final, me pillaron porque aparecí en el periódico. Se me fue un poco de las manos, aunque yo solo quería tocar.


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  • Carletti Porta o cómo dejarlo todo por el amor a la música

    Carletti Porta o cómo dejarlo todo por el amor a la música

    Músico inquieto y artista. Ha estado presentando su último disco, «Caballero». Aunque eso tampoco le ha frenado ni le ha impedido girar con su espectáculo «¿Aplauso o silencio?». Además, es el encargado de abrir los conciertos de los reconocidos Marlango. Él es Carletti Porta y hace algunos días, pudimos hablar con él. No solo de su último trabajo, también del que está por llegar.

    ¿Cómo empieza Carletti Porta en la música?

    Llevo toda la vida tocando, en realidad. Pero di el paso definitivo, cuando volví de Irlanda con un disco bajo el brazo, que prácticamente coincidió con el nacimiento de mi hijo. Fue entonces cuando decidí servir de ejemplo y dedicarme de lleno a esto. Dejé la ingeniería y me tiré de cabeza.

    ¿Cómo fue todo ese proceso de dejarlo todo?

    Ahora me he vuelto a reenganchar al que era mi trabajo. Pero en ese momento lo dejé, porque estaba también enfermando, por la exigencia que conllevaba llevarlo todo: familia, trabajo, rock and roll. Sentía que en ese momento, tenía que prescindir de algo para no ponerme malo.

    Has estado girando con tu trabajo «Caballero». ¿Qué balance haces de esa gira?

    Pues ha sido todo positivo. Desde que publico «Caballero» y considero que esto puede comenzar a ser un oficio como tal, todo me ha ido a bien. He tocado más y he vivido más. He disfrutado más de la familia y de la música. Así que estoy feliz y sano.

    Estás ya trabajando en tu próximo disco, ¿qué puedes avanzar sobre él?

    Va a molar mucho [risas]. El mismo día que llamé para dejar el trabajo, hablé con Alejandro Pelayo, que se ofreció a producir este nuevo trabajo. Hemos hecho juntos un repertorio y estamos grabando en Estudios Uno, aquí en Colmenar Viejo. Y en enero de 2019, saldrá el primer single. De hecho, cada mes iremos lanzando un nuevo tema.

    ¿Por qué apostar por el formato single?

    Es cierto que la vida de la canción es muy corta. Así que es una manera de mantenerte vivo y fresco, y de atraer gente. Una vez hecho el ruido, quizás sí que sea momento de publicar el disco. Lo cierto es que es una manera muy funcional de trabajar.

    ¿Crees que de esa manera se está perdiendo el poder del disco como discurso?

    Sí, en realidad sí. Hay que tener un disco, un hilo conductor, algo que aglutine las canciones. Independientemente de cómo las lances, aunque sea single a single. Al final, el trasfondo tiene que estar, ¿qué sentido tienen en conjunto? O aunque después las canciones no tengan un sentido entre sí. Sea como sea, que tú lo decidas.

    ¿Cómo ves el panorama musical?

    Veo que como todos los trabajos, tiene sus resortes y sus trucos, y requiere inversión. Que es algo que los músicos no logramos entender. Hay que invertir dinero, tiempo y muchas veces, salud. Es raro que alguien venga a ti.

    Veo que la industria tiene muchas teclas y si quieres estar en ella, tienes que saber cuáles son. Y tienes que trabajar, eso es imprescindible.

    Siguientes pasos de Carletti Porta.

    Pues el 14 de diciembre, estoy invitado a una gala benéfica para Cruz Roja en Albacete. Y luego ya pararé en Navidad y ya vuelvo en enero, el día 26, que me engancharé con Marlango en Pamplona.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    La más grande, fue irme a Irlanda a trabajar con una beca y quedarme más tiempo de lo habitual, para terminar mi disco. En realidad, dedicarse a la música es una completa locura.

  • La noche en la que Madrid se enamoró de Larkin Poe

    La noche en la que Madrid se enamoró de Larkin Poe

    Hace unas semanas se estrenaron, junto al mes de diciembre, el grupo liderado por el dúo de las hermanas Lovell en nuestro país con su gira presentación de su nuevo disco «Venom & Faith».

    No sólo se estrenaron en España sino que también dieron inicio a su primer tour fuera de los Estados Unidos recorriendo Inglaterra, Alemania, Austria e Italia.

    Pudimos disfrutar de ellas el día 2 en la sala Cool Stage de Madrid acompañadas de Joan Queralt & The Seasicks, una banda catalana que llegaron fuerte abriendo boca con un pequeño aperitivo de lo que llegaría después. Estos chicos nos demostraron que viven su música y que no están atados a tiempos tocando a su ritmo y sin estrés. Pudimos escuchar sonidos de raíces de rock americano y arrebatos de guitarra que cerraron una primera parte fluida y despreocupada, a pesar de algún parón para reafinar.

    Larkin Poe subió al escenario lleno de energía que contagiaron inmediatamente a un público que se entregó totalmente desde el inicio del concierto y no dejó de bombardearnos con temas, tanto propios como grandes versiones de clásicos, que no dejaron indiferente en ningún momento.

    Nos brindaron su energía con su estilo tan propio y personal demostrando que es imposible encasillarlas en ningún lado, pasando por temas como «Freedom», donde nos abren todo su ser, a versiones llenas de gancho como «Black Betty». Con una cover inigualable de «C’mon in my Kitchen» de la leyenda Robert Johnson dieron por finalizado el concierto que, desde principio a fin, se mantuvo en lo más alto donde la sala no pudo más que cantar a coro el tan famoso «OE OE OE» tan escuchado en encuentros deportivos pero que seguro nunca podríamos habernos imaginado en esta situación.

    Pero las hermanas Megan y Rebecca no se enfrentaron solas a este reto sino que estaban muy bien acompañadas por Tarka Layman, al bajo eléctrico, y Kevin McGowan, a la batería, dejando ver el espíritu del rock en cada acorde.

    Para ser la primera vez que dejaban Atlanta para introducirse en los círculos españoles, en Madrid, el público no llego a ser tan numeroso como se esperaba pero gracias a ello pudimos disfrutar de un concierto casi íntimo en el que pudimos estar cara a cara con estas grandes artistas que de seguro será mucho más concurrido en los años próximos, pues nos demostraron que después de todo lo que vimos todavía tienen mucho que enseñar.

    En nuestro país tenemos grandes primeras llegadas de grupos emblemáticos y ya clásicos que aun siguen en la memoria colectiva de todos los fans, incluidos los que no llegamos a vivirlas, pero aunque esta vez no saliera en portadas y en telediarios, Larkin Poe, no tiene nada que envidiar a súper bandas con un estreno español de lo mejor que se ha visto en mucho tiempo.

     

  • El festival Cultura Inquieta anuncia nuevas confirmaciones en su X edición

    El festival Cultura Inquieta anuncia nuevas confirmaciones en su X edición

    Probablemente, sea uno de los festivales estrellas de este país. Tras tantas ediciones, el Cultura Inquieta ha logrado consolidarse dentro de este amplio panorama musical. El próximo año 2019, se celebrará la décima edición del mismo en la ciudad de Getafe.

    Por el momento, la organización ha desvelado los nombres de los artistas que actuarán, tanto el 28 de junio, como el 29. Macaco, Iseo&Dodosound with The Mousehunters y Green Valley son las apuestas para la primera de las noches. Mientras que Juanito Makandé, Depedro y Pájaro lo harán el segundo.

    Precisamente el cartel del día 28 ha sido el último, hasta el momento, en desvelarse. Y precisamente, son tres bandas que tienen en común el mestizaje y un gran compromiso social. Y precisamente, son tres bandas que suman una diversidad infinita de fuentes e influencias.

    Las tres últimas confirmaciones del festival Cultura Inquieta

    Macaco ha sido y es uno de los rostros y voces más reconocibles de este país. Creador de grandes himnos como «Moving» o «Hijos de un mismo Dios». En 2019, lanzará su nuevo trabajo «Back To The Jungle». Álbum que presentará en directo en el escenario del Cultura Inquieta.

    Iseo&Dodosound with The Mousehunters. Lo mejor de los sonidos jamaicanos y del dub que traspasa fronteras. La mejor unión entre el dub de Dodosound, la enorme y arrebatadora voz de Iseo y los vientos de The Mousehunters. La alianza eterna que llevarán a Getafe, una de las propuestas más originales e innovadoras de nuestro panorama musical.

    Lo de Green Valley es otro nivel. Con su reconocible marca y estilo personal, consiguen reunir reivindicación y positivismo a partes iguales. Pasarán por el escenario del Cultura Inquieta, para presentar los temas de su último trabajo, «Ahora» (2016). Aunque también aprovecharán para recordar otras mchas canciones emblemáticas.

    Tres bandas de élite, que se unirán a otras tres, de la talla de Depedro, que se encuentra presentando su trabajo «Todo Va A Salir Bien»; Juanito Makandé que también está de estreno, con «El habitante de la Tarde Roja»; y la banda sevillana, Pájaro. Estos tres últimos artistas actúan el día 29.

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  • Garbayo: «Sonido Forestal es rock and roll sin artificios y pop robusto»

    Garbayo: «Sonido Forestal es rock and roll sin artificios y pop robusto»

    Tras un largo periodo al frente de bandas como Zodiacs, llega Garbayo para presentar su primer trabajo en solitario, «Sonido Forestal». Esta es su gran apuesta, su salto al vacío. Y hace algunos días, pudimos hablar con el propio Ignacio Garbayo sobre su nuevo proyecto y sobre su recién estrenado álbum.

    Etapa en solitario, tras un largo periodo liderando Zodiacs. ¿En qué momento decide Garbayo emprender un nuevo camino?

    El año pasado, después de un tiempo compaginando dos grupos, pedí consejo musical a un amigo de la industria y me dijo que me enfocara y sacara lo más auténtico y visceral que pudiera, y que me dejara de nombres de bandas tras los que escondo mi personalidad. Así llegó Garbayo. La decisión fue una inyección de energía y motivación y me salieron canciones nuevas. Me daba un poco de corte que pudiera parecer egocéntrico y aunque me sigue sonando raro, me voy acostumbrando.

    ¿Cómo surge el concepto de «Sonido Forestal»?, ¿hasta qué punto influye en ello el vivir en las montañas de Gredos?

    Influye todo. Vivo en medio de un bosque de robles, mi casa casi no se ve porque está completamente rodeada de árboles y es allí donde he compuesto todas las canciones y donde he grabado todas las maquetas. Antes de que se interesara Oso Polita, esas maquetas iban a ser el disco definitivo, con la misma portada que en el disco actual. «Sonido forestal» me parece que transmite con sinceridad todo ese periodo de composición y grabación.

    ¿Cómo han sido las primeras reacciones al disco, que lleva apenas un mes en la calle?

    De momento estoy leyendo buenas críticas de medios bastante dispares que coinciden en puntuarlo con notable. Además, el primer single está teniendo muchas reproducciones. Yo estoy contentísimo. El hecho de haberlo grabado y publicarlo de esta manera, ya es todo un éxito en los tiempos que corren.

    ¿Cómo fue grabar en los Garate Studios, junto a Kaki Arkarazo?

    Una experiencia inolvidable. Kaki ha sabido llevar el sonido al punto exacto a donde lo quería porque es un tío que escucha y se fija en las personas. Es impresionante su habilidad manejando los amplis, la cinta y el editor. Pero hay algo que no se nos olvidará nunca y es cuánto se volcaron, él y Mikel Txopeitia, su socio, para conseguirnos instrumentos para grabar. Y es que la noche anterior a entrar en Garate nos robaron todas las guitarras, platos, cajas y un ampli de bajo. Javi no tenía ni baquetas; y yo no tenía más que una púa. La gente de Rukula, Bap, Anari. Les estamos eternamente agradecidos

    Un titular que defina «Sonido Forestal».

    Rock and roll sin artificios y pop robusto como un roble.

    Una canción del disco.

    Para tocar en directo «Te dejaré atrás», la antepenúltima; si te sientes sucio, «Soy un Cerdo». Para mí es muy difícil elegir una.

    «Nitroglicerina» fue uno de los adelantos, lanzado con su respectivo videoclip. ¿Por qué este tema y cómo nace la idea del vídeo?

    Coincidimos con Oso Polita que es una canción que se pega mucho y además es representativa del disco. La idea del vídeo surgió de manera casi improvisada, gracias a Samantha López. Ella veía a Garbayo en el campo caminando y veía a la chica munición de la canción. Además, quiso mezclarme con Javi en diferentes planos. Pero al final, contra todo pronóstico, conseguimos un plano secuencia que funciona estupendamente. La verdad es que Samantha ha conseguido que no me muera del asco viéndome actuar. Eso es de ser muy grande.

    Próximos pasos de Garbayo.

    Salir de gira a principios del año que entra, lanzar algún single más de «Sonido Forestal» y grabar las maquetas del próximo disco.

    Tienes muchos años de experiencia en la música, ¿cómo ves el panorama musical actual?

    En cuanto a bandas, lo veo mejor que nunca. La gente toca con un «nivelazo» impresionante. Hay bandas de todos los estilos sonando increíble. Además, hay mucho más conocimiento de la industria y de los medios. También la industria se ha reciclado y está volviendo a controlar todo aquello que se les escapaba en internet. Los puestos de trabajo han cambiado, la gente sabe de big data y marketing online. Pero creo que no hay que olvidar mantener a gente que sepa mucho de música. Siguen siendo responsables de lo que llega al público masivo.

    En referencia también a la situación de la industria, ¿crees que se ha perdido la esencia del disco como discurso?

    Pues sí creo que se ha perdido el discurso en los discos y se han convertido en una excusa para salir de gira, pero no creo que sea toda la culpa de la industria. Supongo que es normal por dar prioridad a los directos pero bueno, no estoy de acuerdo en publicar discos sin tener nada que contar. La mayor parte de responsabilidad es de las bandas.

    ¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?

    He dejado dos trabajos y me he cambiado de ciudad. También di una jam de 12 horas en un local de ensayo con los Hash.

  • El gran salto al vacío de Uniforms, con su «Polara»

    El gran salto al vacío de Uniforms, con su «Polara»

    Directas desde Jaén, la historia de Uniforms comienza allá por 2016. Idas y venidas, trabajo duro y mucha carretera a las espaldas. Y el apoyo de quienes han apostado por ellas. Así es como llegan a este 2018, Annie, Natalia y Pan. Además, están de enhorabuena porque con su «Polara» han conseguido hacerse un hueco en la industria.

    Sobre todo ello, estuvimos hablando hace algunos días, aprovechando su visita a Madrid, a propósito del Madrid es Ruido.

    ¿Cómo surge el concepto de «Polara»?

    «Polara» es el nombre de una pedal de reverb que llevamos y que, además, es muy característico del disco. El nombre también nos gustó porque nos parece muy evocador, sugiere un poco todo lo que es la luz polar. En sí, no es un trabajo conceptual. Había que ponerle un nombre y le pusimos ese, que sonaba muy bien [risas].

    ¿Cómo fue todo el proceso de grabación?

    Fue todo con bastante prisa, la verdad. Porque grabamos el EP y al poco, nos ficharon desde Oso Polita. Justo después, llegaba el momento de grabar el largo. Y aunque al principio, no teníamos mucha prisa, tuvimos que acelerar y entrar a estudio. Ya teníamos las cuatro del EP, pero además incluimos seis más.

    Un titular que defina «Polara».

    ¡Qué difícil! [risas]. Podríamos decir que este disco nos define, aunque todavía estamos buscando nuestra propia identidad.

    Una canción.

    Va por días, la verdad. Y cada día va cambiando. Al final, nos identificamos con todos los temas del disco.

    ¿Cómo han sido las primeras reacciones?

    Nuestras sensaciones han sido muy buenas. Mejor de lo que esperábamos. De hecho, está teniendo buenas críticas y la verdad es que estamos muy contentas. Aunque creemos que todavía es pronto para analizar todo ese feedback que está generando el disco.

    ¿Cómo estáis viviendo el panorama musical actual?

    Nuestra generación muy bien. Las venideras, no sabemos [risas]. En realidad, cada una de nosotras es de una generación. Pero con la generación actual, con los millenials, nos damos cuenta de que todo es muy sistemático, que va todo por modas. Es muy complicado destacar dentro de ese panorama, porque se lleva un determinado estilo y todo lo que se haga fuera de él, parece que no existe.

    Lo que nos está pasando a nosotras ahora mismo es genial. Porque tenemos un conglomerado de géneros que, actualmente, no están en auge y que la gente cultive su oído, lo aprecie y lo escuche, para nosotras es maravilloso.

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Uniforms?

    Prácticamente, hemos terminados con los conciertos de este año. Y hace poco, grabamos nuestros segundo videoclip, que tenemos muchas ganas de verlo. La idea es seguir girando y promocionando «Polara». La verdad, es que poco más.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?

    Meternos en la música es una gran locura [risas].

  • Tras «Cuentos de Roble y Sal», Olivia prepara su próximo asalto

    Tras «Cuentos de Roble y Sal», Olivia prepara su próximo asalto

    Con «Cuentos de Roble y Sal» han conseguido hacerse hueco y que su nombre comience a resonar dentro del circuito musical. Desde Elda, desde lo más profundo de «la terreta», llegan Olivia. Y muy pronto, resonarán con su nuevo trabajo. Un trabajo que comenzarán a grabar en breves y que los llevará de nuevo a los Estudios Neo, a Aranda, al Sonorama Ribera.

    ¿Cómo surge el concepto de «Cuentos de Roble y Sal»?

    Era por hacer referencia un poco al momento que estábamos viviendo, como entrar al Sonorama, entrar a Aranda, entrar a lugares en los que no habíamos estado antes. El roble era un poco por el tema del vino, al que tanto nos tienen acostumbrados allí; y la sal, por la plaza en la que tocamos en Sonorama 2017.

    ¿Cómo fue ese momento Sonorama?

    ¿Qué parte del Sonorama, el momento de tocar? [risas].

    La experiencia en sí del festival.

    Tocamos domingo y fue un momento muy breve, para todo lo que dura el Sonorama. Además, que algunos de nosotros llevábamos allí desde el miércoles por la noche. La fiesta que tienen montada es muy grande y se pasa demasiado rápido. Y tocar en la Plaza de la Sal, para nosotros fue todo un hito.

    De hecho, la experiencia del Sonorama ha tenido continuidad, ya que tocasteis este año en la fiesta de presentación.

    La idea es que se cansen de nosotros, que nos tengan que echar o tirar de alguna manera [risas]. La verdad, es que es una sensación brutal tener a gente que nos apoya y confía en nosotros. Es lo mejor que nos puede pasar en este país, es el mayor reconocimiento que podríamos tener.

    Volviendo un poco al tema del disco, ¿cómo fue la acogida?

    Al principio, no sabíamos muy bien. Porque cuando lanzamos el single, «Azul Eléctrico», era el tema que más apuntaba a adelanto, pero quizás era el que menos tenía que ver con el resto de disco. La verdad es que ha estado guay, pero no ha sido un hit, porque la gente sigue descubriéndolo. Y en ese sentido está bien. Aunque estamos ya pensando en el siguiente trabajo. De hecho, será disco, disco, no EP.

    ¿Se puede avanzar algo más sobre eso?

    De momento, no hay mucho más que decir [risas]. Simplemente, que grabaremos en el mismo lugar, en los Estudio Neo de Aranda; y con la misma persona, con José Caballero.

    Lo cierto es que nosotros estamos ya casi en otro mundo, porque estamos ya concentrados en el nuevo trabajo. Parece que hayan pasado diez años desde «Cuentos de Roble y Sal» y tiene nada de tiempo. Pero es que estamos ya metidos de lleno en el nuevo.

    ¿Cómo es trabajar en nuevo disco, en mitad de la gira?

    Eso es, quizás, lo más estresante. Y eso que para nosotros es todavía «fácil», ya que no tenemos tantas fechas, en comparación a otras bandas más grandes. Aún así, nos ha costado.

    Sí que es cierto que, este año con José, hemos cambiado un poco el método de trabajo. Y es que, a pesar de haber lanzado EP, no hemos dejado de componer. Es una dinámica en la que él nos ha insistido mucho. Al final, es algo que luego, a la hora de la grabación, ahorra mucho trabajo.

    ¿Cómo ha cambiado Olivia desde «Cuentos de Roble y Sal»?

    Creemos que se va a ver el cambio y la evolución, porque con este nuevo trabajo hemos tenido más tiempo a la hora de componer. Y el proyecto se ha pensado mucho más. Ahora también tenemos más ayuda. En esto último, nuestro manager Kike del Toro ha sido clave.

    Siguientes pasos de Olivia.

    Principalmente, grabar. Sí que tenemos un par de fechas a principios de 2019, pero todo el esfuerzo lo vamos a invertir en el estudio. Queríamos ver si nos daba tiempo a grabar casi todo antes de Navidad. Después, ya es esperar y ver cuándo sale. Aunque no tenemos mucha prisa.

    ¿Cuál es la mayor locura que habéis hecho por la música?

    Trabajar por y para la música es una locura muy grande, es lo que más caro nos sale [risas]. Lo cierto es que lo es. Y cuanto más subes, más caro sale este hobby. Eso sí, es una locura genial.

  • El momento en el que Artabe materializó su «Soñé con Bicicletas»

    El momento en el que Artabe materializó su «Soñé con Bicicletas»

    A finales de junio, Artabe se despedía de «Punto Cero», el álbum que lo ha acompañado estos dos últimos años. Pronto, comenzará a trabajar en su siguiente trabajo de larga duración. Sin embargo, su mente inquieta y sus ganas de seguir haciendo cosas, no le han permitido parar. De ahí, que saliera adelanto su proyecto «Soñé con Bicicletas». Sobre él y sobre sus siguientes pasos, estuvimos hablando con el artista.

    ¿Cómo surge el concepto o la idea de «Soñé con Bicicletas»?

    La idea surgió de un viaje que hice a Francia y Berlín, en julio del 2017. Allí nacieron nuevas canciones. En Berlín me estuve moviendo todo el tiempo en bicicleta, de un lado a otro, me recorrí la ciudad, literalmente en movimiento. Y, como en otras ciudades europeas, hay bicis por todas las calles, cientos, miles. El título surgió después, ya en Madrid, grabando las demos de estas canciones. Recordé aquella sensación y lo que me gustan las bicis y así, sin querer, salió «Soñé con Bicicletas». Y me pareció muy acertado.

    ¿Por qué, precisamente, esa alusión a las bicicletas?, ¿qué simbología tienen para ti?

    Además de la relación emocional con lo vivido en ese viaje, simbolizan el acto de viajar, de cambiar de lugar, de moverse, de no estancarse.

    Cuéntanos un poco sobre este proyecto.

    En realidad, hace más de un año que venía queriendo grabarlo pero no se dieron las circunstancias y tuve que esperar. Llevaba tiempo pensando en grabar estos nuevos temas en directo, en lugar de grabar un EP, en un local bonito de Madrid y que entonara con el aire de las canciones. Lo que ocurrió es que, en verano conocí a Omar de OmcEstudios y me enteré de su iniciativa en «Live in los Carmenes». Y me pareció que podría hacerlo allí perfectamente. Además es en el propio estudio donde se graba, con lo que se consiguió un sonido muy bueno. Quedé muy contento. Y en cuanto a los músicos y colaboraciones lo tenía fácil. Junto a Juan Barrios, Manu Clavijo y Marta Mansilla estuve dando algunos conciertos, y ya habíamos tocado algunos de estos nuevos temas, con lo que ya tenía una banda algo rodada de atrás. Tuve muy claras también las colaboraciones, todo personas amigas y allegadas, tanto Luise, porque me encanta su voz, Aitor Flamingos por su guitarra, Manu Míguez para «Grillos», porque empastamos de la «hostia» y Kamala para «Hojas» porque la clava, está hecha para ella.

    ¿Por qué darle una nueva dimensión a los temas y decidir grabarlos en directo y con público?

    Un poco por lo que contaba antes. Junté dos cosas, uno, las ganas de dejar grabado lo que estuve haciendo con Juan, Manu y Marta, que fue darle un nuevo aire, con piano, violín y flauta, a algunos temas de mi primer disco, Canciones de Pan. Y otro, grabar esas nuevas canciones del viaje, aprovechando ese formato. Todo encajó. Podía haberlas grabado de otra manera, con otra instrumentación, pero me gusta que haya sido así.

    ¿Cómo fue el evento? 

    Los días anteriores fueron de mucho ajetreo para mí. Y los momentos previos también, así que llegué un poco estresado al evento. Pero, al llegar, me empecé a sentir cada vez mejor. Son muy profesionales, tanto Omar como su equipo de sonido y de vídeo. Y juntarme allí con «musicazos» y amigos, fue muy emocionante. Todos salimos contentos, nos quedamos con muy buen sabor de boca. Fue un público muy atento y caluroso. Se hizo todo muy fluido. Además, Omar colocó una rueda de bicicleta con unas luces y una flor que le quedó genial al escenario y la música. Hubo tiempo a compartir antes y después del concierto.

    ¿Repetirías experiencia?

    Sí, la repetiría una y mil veces, cambiando de vez en cuando de canciones, claro [risas].

    ¿Cuáles son los siguientes pasos de Artabe?

    Justo ahora, estoy enfrascado en muchas colaboraciones con amigos que admiro y comenzando la distribución de «Soñé con Bicicletas», en redes y a los mecenas que vinieron a vivirlo. Y, además, preparando un EP que saldrá a principios de año, del que pronto hablaré.

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