Hace casi dos años, vio la luz el nuevo trabajo de Naranja. Llegaba el momento de «Extraños Equilibrios». Era el gran debut de los madrileños, quienes poco a poco, se han ido hacer hueco dentro del panorama musical actual. Y es que no es para menos. Desde que ganaran el concurso de Vodafone Yu Music Talent, han ido ascendiendo de manera imparable. De ahí, saltaron directamente a escenarios más grandes, de la mano de una de las bandas más importantes de España: Lori Meyers. Además de recorrer festivales de la talla de BBK, Low Festival, FIB, Les Arts o Arenal Sound.
Después de estos dos años, es momento de despedirse de «Extraños Equilibrios». Naranja lo hará este mismo sábado 9 de marzo, en la Moby Dick Club, mítica sala madrileña que está celebrando su 27 aniversario. Llega el momento del fin de gira.
Los orígenes de Naranja
Con esas ganas infinitas de comerse el mundo y la energía tan «power» que los caracteriza, Naranja llegaron a la escena musical de la ciudad con su primer EP. «Toronto» estaba en la calle y ellos apenas empezaban a rodar. La legión de fans de Naranja comenzaba a forjarse alrededor de la banda. Aunque, sin duda alguna, el disco que los ha llevado a recorrer un número mayor de escenarios y festivales, ha sido «Extraños Equilibrios».
Pablo López (voz y guitarra), Aníbal Yanguas (guitarra y coros), Alejandro de Las Heras (batería y coros) y Pablo García (bajo y coros) son las caras visibles de esta prometedora banda. Juntos, flirtean en sus estribillos multivocales llenos de luz con la energía del amor o el desamor.
Ahora, se plantean abordar el escenario de la Moby Dick. Eso sí, con la seguridad de quien lleva toda una vida actuando, pero con la juventud que les da su edad. Los madrileños, que han puesto banda sonora de la serie «Bajo la Red», despedirán como se merece a su trabajo debut. «Extraños Equilibrios» tendrá una gran fiesta. ¡Y todavía puedes conseguir tu entrada!
Dora Salvatore se estrena en el mundo de la música, con el lanzamiento de su primer single, «Saving Star». Una canción que está a medio camino entre el pop, el R&B, el soul y la electrónica indie. La canción, producida por Pional y mezclada por el ingeniero Maddox MADDMIX Chhim, será uno de los cortes que conformen el álbum debut de la joven artista.
Y es que, los tintes autobiográficos quedan patentes en este primer temas. Una estrella que sirve a Dora como guía y que hace de la música su motor, su refugio ante los momentos tan duros que ha tenido que vivir. Además, en el videoclip de este «Saving Star», dirigido por su padre Diego Postigo, Dora nos habla de su vida en una cronología dividida en tres fases. En la primera, aparece una joven Dora de 12 años escribiendo sus primeros temas en su habitación. Una imagen a la que sucede la actual Dora de 14 años, proyectando la canción en el entorno del instituto. Finalmente, acaba con una Dora del futuro próximo. Una Dora que, con 16 años, se aproxima a su primer escenario con gran seguridad y siempre guiada por su «Estrella Salvadora».
La música, parte del ADN de Dora Salvatore
A pesar de su corta edad y de su juventud, Dora procede de una familia de artistas. Hija de Bimba Bosé y Diego Postigo, ambos miembros de The Cabriolets, pronto comienza a tomar interés por la música. Arte en la que se empieza a desarrollar y en la que se dio a conocer, sobre todo, gracias al alcance de las redes sociales, en las que subía regularmente determinadas «covers» de otros artistas.
A los 5 años da sus primeras clases de piano, y a los 9 años empieza a versionar a muchos de los artistas que ha escuchado en casa. Con 11 años ya muestra una gran sensibilidad musical poco común para su edad. Con 12 años entra como cantante principal en la Creativa Junior Big Band, encandilando al público con versiones de Nina Simone, Ella Fitzgerald o Chaka Khan.
A los 13 años, se aventuró a crear sus propios temas. Ahora es el gran momento de Dora. Y de su música. Una música que ya ha comenzado a ver la luz. Una música que el pasado viernes 1 de marzo, dio su primer pistoletazo de salida. Y ya no hay vuelta atrás: la estela de Dora Salvatore es imparable, solo puede ir hacia arriba.
Una de las bandas más prometedoras y con mayor talento. Una demostración más de la revolución que está suponiendo el Levante a nivel musical. Se trata de los alicantinos Gimástica, quienes se encuentran presentando las canciones de su nuevo trabajo, «Líquido».
De hecho, el próximo 28 de marzo pasarán por la reconocida Costello Club de Madrid. Un evento que no nos pensamos perder y para el que deberías sacar ya entrada (pinchando aquí).
¿Cómo surge el concepto de «Líquido»?
Juanma: «Líquido» gira en torno al concepto de «vida líquida» de Bauman, que habla del paso del estado de solidez al estado líquido entendido como fluidez, cambio, flexibilidad o adaptación. Los temas tratan sobre ese movimiento, que va desde un estado negativo y evoluciona hacia lo positivo, haciendo que nos desprendamos de los residuos que no nos dejan avanzar. Además buscábamos un nombre que cerrase el ciclo aire con «Paracaidismo» y tierra con «Montaña» y ya cerrar la trilogía.
¿Cómo fue trabajar con Víctor Cabezuelo, Manuel Cabezalí y Dany Richter?
Juanma: Para «Líquido» queríamos probar sonidos nuevos que no estuvieran en los trabajos anteriores de Gimnástica. No queríamos cerrarnos puertas creativas. En el local y en nuestro home studio -también llamado «La habitación de la ilusión» – nos fuimos acercando indirectamente a una mezcla de sonidos orgánicos y añejos -por una parte-, y elementos de electrónica.
Desde un principio sabíamos que Vic era el productor adecuado para proyectar esta mezcla de ideas. Siempre hemos seguido muy de cerca sus producciones y sabíamos que era la persona idónea.
Después él nos propuso trabajar con Manuel Cabezalí y Dany Richter en el estudio El Lado Izquierdo. Fue un lujo trabajar con los tres, estuvimos muy cómodos. Pasar tanto tiempo dentro de un estudio de grabación con tres personas tan creativas es un lujo.
Un titular que defina el disco.
G. Somos una ola que desemboca en las flores. «Líquido» se compuso pensando que podría ser el último disco de Gimnástica.
Una canción del álbum.
Juanma: Para mí «El Viaje del Caracol». Fue un tema que estuvo a punto de quedarse fuera del disco. En pleno proceso de grabación decidimos bajar a Aranjuez junto a Vic, a los locales de los Rufus T. Firefly, para darle una oportunidad -puesto que era un tema que tenía únicamente a guitarra y voz, y no se había maquetado-. Tras unas cuantas horas, terminamos de darle forma y finalizamos la composición junto a Víctor. Salió algo muy mágico de ahí.
¿Cómo han sido las reacciones al disco?
Frank: La verdad es que han sido buenas. Nuestro público ha crecido y evolucionado junto a nosotros, y desde la primera escucha, ha entendido lo que queríamos contar con este disco.
«Líquido» se compuso con cierta incertidumbre con respecto a nuestro futuro como banda. Estábamos solos y con muchas dudas. Es por esto por lo que se yergue con sinceridad y amor por la música como premisas. Como si fuese nuestro último disco; nuestras últimas canciones. Luego llegó el apoyo discográfico de Oso Polita, y cambió todo esto, dándonos la energía para seguir empujando, con más ganas que nunca. Aún así, ese sentimiento inicial sigue ahí, y ha llegado al público. Es muy bonito.
«Caléndula» fue el primer adelanto, que vio la luz además, con su respectivo videoclip. ¿Por qué escoger este tema como avance y cómo surgió la idea del vídeo?
Juanma: «Caléndula» es un tema muy potente y afilado, con mucha energía en las guitarras y un tempo que camina hacia adelante. Pensamos que sería una buena carta de presentación visual de la banda. Un «hemos vuelto» en toda regla. Por estas mismas razones, «Caléndula» es la primera canción del disco.
Luis: «Caléndula» es una canción enérgica que a la vez posee un aura mística concentrando muy bien las cualidades que se presentan en el resto del álbum.
¿Cómo fue trabajar en el videoclip, bajo la dirección de Jaime Massieu?
Frank: Queríamos que el primer videoclip de «Líquido» mostrase a toda la banda tocando y su energía en el escenario. En este aspecto, Jaime es el mejor capturando esa fuerza. Incansable artista del vídeo y la fotografía en directo, supo entender a la perfección las atmósferas y ritmos de la canción. Estamos muy contentos con el resultado.
Y dicho quede, Jaime es un tipo con un gran humor. Grabamos los exteriores del vídeo a las 3 de la mañana en un polígono de las afueras de Madrid, de empalme tras tocar en Granada con Simple Minds. La borrachera de sueño dio mucho juego a la comedia.
Saltasteis a escena en 2012 con «Paracaidismo». ¿Qué queda de los Gimnástica de entonces y en qué ha cambiado la banda?
Juanma: Más que cambios ha habido una evolución tanto en la mentalidad como en lo musical de la banda. Desde 2012 varios componentes han abandonado la banda y otros nuevos han entrado y eso hace que la banda tenga otro enfoque, pero la esencia Gimnástica sigue estando ahí.
Luis: Al ser el último músico que se incorporó al proyecto, he visto y sentido muy de cerca toda la evolución de la banda desde una perspectiva privilegiada, antes como seguidor y ahora como miembro del proyecto. La Gimnástica de hoy es el resultado de muchos años de esfuerzo y amor por la música. La joven intuición e inocencia han pasado a transformarse en precisión y pasión. Líquido es un salto evolutivo que canaliza el crecimiento de la banda durante todos estos años.
Sois de Alicante, zona en la que hay mucho movimiento musical y mucho talento emergente, junto a Murcia. ¿Qué está pasando?, ¿cómo estáis viviendo toda esta situación?
Lucas: La verdad es que nos gusta mucho lo que está ocurriendo con esta zona. Cuando nosotros empezamos con los primeros proyectos que teníamos éramos «cuatro gatos», pero ahora hay mucho movimiento. Antes era muy difícil salir desde aquí, porque generalmente los grupos salían de ciudades como Granada, Madrid, Barcelona, Bilbao. Pero hoy en día ya hay una escena potente en el Levante español, con claras influencias del indie patrio pero con una personalidad distintiva.
Con el auge de tanta banda emergente, ¿cuál creéis que es la clave del éxito?, ¿qué hacer para diferenciarse del resto y destacar?
Lucas: Nosotros creemos que la única forma de destacar, en esta jungla de competitividad, es ser uno mismo. Porque nadie tiene la clave del éxito, y para estar sufriendo por competir, mejor disfrutar siendo quién eres, luchar por ser tu mismo y si llega el éxito, será fácil mantenerlo.
Luis: El éxito no se encuentra, es él el que te encuentra a ti. No tiene sentido ir en busca de una fórmula que realmente no existe. Día tras día nos sorprendemos de los artefactos exitosos y de todos aquellos proyectos que caen en el olvido incomprensiblemente. Ante este panorama, sólo nos queda trabajar para mejorar día tras día, transmitir nuestro proyecto y enamorar al mayor número de personas mientras disfrutamos del camino.
Centrándonos de nuevo en Gimnástica: ¿cuáles son vuestros siguientes pasos?
Lucas: Estamos produciendo el directo con mucho trabajo y mucha investigación para que el público que venga a nuestros conciertos de la gira que hay programada para 2019, disfrute de un show de calidad. Nuestra m
úsica en su puro estado. A principios de año, salió el segundo videoclip de «Líquido» y ya empezamos con la promoción antes de la gira. Y para el verano, nuestros Oso Polita y Last Tour están trabajando para que os acompañemos en muchos de los grandes festivales.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música, siendo Gimnástica?
Lucas: La mayor locura ha sido crear nuestras vidas alrededor de Gimnástica, que ha pasado desde buscar y encontrar un trabajo que nos permita siempre seguir con la banda al 100%, hasta la última anécdota, que fue cambiar la fecha de mi propia boda para poder sacar adelante el último disco.
La gira de Gimnástica (Todas las entradas en Wegow)
La Otra llega a la mismísima Almería el próximo 16 de marzo. Un concierto, enmarcado dentro del IV aniversario de Bella Ciao, y que tendrá lugar en la mítica sala Madchester de la ciudad. La cantautora madrileña aprovechará para presentar los temas de su «Creciendo», LP lanzado en 2018. Además de recordar otros de sus trabajos previos, «Pa’ Fuera y Pa’ Dentro» y «Amanecer Luchando» y recorrer algunas de las versiones más míticas, como «Se Quemó» o «Te Recuerdo Amanda».
Pero, ¿quién se esconde tras La Otra? Puede parecer una gran desconocida. Pero en redes sociales acumula multitud de seguidores y «likes». Y es que se dio a conocer allá por 2011, con aquel primer trabajo. Era el momento de «Amanecer Luchando». Desde ese momento, no ha dejado de crecer, a base de esfuerzo. Y no ha dejado de trabajar de manera auto-gestionada: desde los propios discos hasta las propias actuaciones.
¿Cómo comenzó su andadura La Otra?
Tal y como asegura la propia artista, «empecé a escribir por necesidad hace unos cuantos años, con ocasión de alguna crisis de soledad. Me dí cuenta de que me servía para sanarme, y desde entonces fui cogiendo la costumbre de limpiar las heridas con música».
Así se presentaba La Otra cuando tras esa primera maqueta que llegó en 2011, se dio a conocer tres años después. ¿El motivo? El lanzamiento de su campaña de crowdfunding, para publicar su nuevo trabajo. Llegaba así «Pa’ Fuera y Pa’ Dentro».
Su música y ella son especiales. Con mucha pasión y con unas letras que van de lo irónico a lo crítico, de lo intimista a lo personal. La Otra llega pisando fuerte el género conocido como la canción de autor. Viene para dejar su propio sello, su propia marca personal. Y es que su sensibilidad es diferente. Su sensibilidad la ha llevado a recorrer multitud de escenarios, a la par que dispares. Ha pasado por festivales como Barnasants, Bioritme, Rabolagartija, Juergas. También se ha recorrido otros países como México. Y ha colgado el cartel de «sold out» en distintas ciudades: Madrid, Valencia, Zaragoza, Murcia, Málaga, Granada, Sevilla, Córdoba y Donosti entre otras.
Ahora es el momento de presentar las canciones de su segundo álbum, grabado en 2018 en El Tercero Studios (Barcelona). Es el momento de que «Creciendo» inunde todos los rincones de la Madchester de Almería. Y todavía quedan entradas para este gran evento. No te pierdas la oportunidad de ver en vivo a La Otra. Consigue tu ticket, pinchando en el siguiente banner.
Cuarenta años de carrera, momentos de descanso y bastantes discos a las espaldas. Se trata de Leize, quienes han sorprendido nuevamente con su reciente trabajo, «Deriva». Un disco con el que empezarán a girar la próxima semana en Barcelona. Un disco con el que llegarán a la Sala Changó de Madrid el próximo 30 de marzo.
Hace unos días, pudimos hablar cara a cara con Félix Lasa, guitarrista y fundador de Leize. Esto es lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Deriva»?, ¿es alguna especie de guiño?
En realidad, lo de «Deriva» es un concepto un poco de hacia dónde vamos nosotros como sociedad. Pero no mirado desde el punto de vista de: «la sociedad me aplasta, el sistema es una mierda». Más bien, desde el lado personal, desde la perspectiva de qué vas a hacer tú para cambiarlo. Y sobre todo, a qué le das importancia tú en tu día a día: si es al querer, si es al poder, si es al parecer. Así que el concepto está enfocado a eso: a la deriva personal que cada uno tiene.
¿Qué crees que nos ha llevado a esa deriva?
Creo que nos han involucrado en una historia de consumo brutal. Antes había más consumo material, ahora es más mental. Con lo cual, te tienen más «agarrado». Tú no puedes descargar absolutamente todo y el talento no es algo que se consuma a golpe de click, al final es algo que te tienes que trabajar.
En definitiva, creo que nos han enredado en una maraña en la que parece fácil hacerlo todo, pero en realidad, no sabes hacer nada. Nos tienen totalmente controlados. Así que la deriva va un poco en ese sentido.
¿Consideras que en medio de toda esa deriva, se está perdiendo el poder del disco como discurso?
Totalmente. Al final, volvemos un poco a lo mismo. Nos están obligando en cierto modo a consumir música de manera rápida y de esta manera, nos estamos perdiendo toda la historia que cuentan los discos. En el caso de «Deriva», está estructurado de tal manera que tenga sentido si lo escuchas en orden, de principio a fin. Y el final, luego te vuelve a llevar al principio.
Así pasa también con muchos otros discos. Al final, es como quien empieza a leer un libro. Empiezas a leer por la primera página, no por la número cien, ¿no?
Un titular que defina este disco.
No hay nada mejor que el título, «Deriva». Anda que no le he dado yo vueltas. Y al final, no he encontrado un titular mejor que ese.
¿Cuál es la clave del éxito para Leize?
No sabría decirte, aunque creo que la clave es hacer las canciones con el corazón y mostrarte tal cual eres. Yo no le doy más vueltas tampoco. El punto, al final, es hacer las canciones, pero no hacerlas para algo o para alguien en concreto.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Leize?
Pues la próxima semana empezamos ya a tocar. El 9 de marzo estaremos en Barcelona y luego pasaremos por ciudades como Zaragoza, Bilbao, Logroño, Madrid el 30 de marzo. Además, tenemos como objetivo llegar con este disco a Andalucía y Galicia.
¿Por qué Andalucía y Galicia?
Porque están lejos y porque allí no hay nadie que organice nada, salvo cuatro festivales, en los que además, siempre tocan las mismas bandas. Así que, nos encantaría poder entrar ahí, aunque es un poco complicado.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Pues la verdad es que me gusta pensar algo, porque nosotros no somos una banda de excesos o de decisiones locas.
Muchas bandas me han comentado que su mayor locura fue dejarlo todo por la música.
Mira, nosotros eso no lo hicimos. Y tuvimos la oportunidad, la verdad. Es la primera que me ha venido a la cabeza, pero no lo veo una locura, en nuestro caso fue un acierto. Nosotros hemos podido hacer lo que más nos gusta y lo hemos conseguido llevar a cabo, teniendo también una familia maravillosa. Si hubiéramos tomado esa decisión y hubiéramos renunciado a lo que tenemos, habría sido una gran locura. Las decisiones hay que tomarlas con cabeza, aunque luego te equivoques. Pero no se pueden tomar con el efecto gaseosa.
Lo conocimos hace poco más de un año y, desde ese momento, no hemos dejado de verlo crecer. El caso de Dan Millson es especial. Es uno de esos artistas con estrella y por los que, al final, es inevitable no alegrarse cuando las cosas le marchan bien. Talento, trabajo, suerte. La combinación perfecta para que, sí, las cosas le marchen bien.
Hace algunos días, hablamos con él, a propósito del lanzamiento de sus dos últimos singles: «Lost Track Of Time» y «Queen Without a Crown». De hecho, el videoclip de esta última canción, vio la luz el pasado viernes y es el ejemplo perfecto de que menos es más. Y de que se pueden contar grandes historias, con pequeños detalles.
¡No os perdáis lo que nos contó! Y tampoco os lo perdáis en directo: el próximo 10 de abril, inundará el escenario de la Sala El Sol.
En las últimas semanas, nos has sorprendido con el lanzamiento de «Lost Track Of Time» y «Queen Without a Crown». ¿Cómo surge el concepto de ambos temas?
Bueno, como sabes, yo venía de publicar mi EP «Little Box Of Treasure» y luego llegó «Shine a Light». Todas estos temas estaban bastante producidos y eran rollo más canción «hit». Entonces quería sacar algo completamente diferente. A una parte de mí, le encantan las baladas, la crudeza de la música antigua y, sobre todo, cómo se grababa: con micrófonos, con piano, con un cuarteto de verdad. Y quería probarlo.
La verdad es que las dos canciones son como las dos caras de la moneda. En una está el lado negativo, la del pasado oscuro, que en cierto modo, aún está. Es como cuando te pasa algo y no sabes cómo afrontarlo. Hay gente que llora, hay gente que se queda en casa y no sale. Yo tuve cierta agresividad, que la saqué por ese camino. Intenté afrontar mis miedos y así es como los supe gestionar. «Lost Track Of Time» habla un poco de eso, de olvidar de quererte a ti mismo.
Sin embargo, «Queen Without A Crown» es una canción de amor. Pero no es una canción de amor al uso. Lo que quiero transmitir con ella es que para querer a una persona, te tienes que querer a ti mismo. Entonces son como las dos caras.
¿Será la sala de un nuevo trabajo de Dan Millson?
La intención es publicar nuevo trabajo. Me encantaría que fuera a final de año, pero no sé si será posible, porque tengo que pensar muy bien cómo hacerlo y cómo prepararlo. Me gustaría que fuera un disco un poco conceptual, que todos los temas estuvieran unidos de alguna manera. Pero antes, hay que ver qué sucede con estas dos canciones y dónde nos llevan. Además, ahora estamos muy centrados en el concierto del próximo 10 de abril en la Sala El Sol. Después, voy a Inglaterra a girar y en septiembre vuelvo a Suecia. Están pasando muchas cosas, así que quiero ver si me da tiempo a componer.
¿Cómo has vivido la acogida de ambos singles? Porque en plataformas digitales han sido una verdadera revolución.
Yo estoy muy emocionado, la verdad. Si analizamos los datos de mis otras canciones, «Shine a Light» tiene 18k reproducciones ahora, pero «Queen Without A Crown» tiene 20k y salió hace poco más de una semana. Es una diferencia muy grande. También hemos trabajado con otro equipo y creo que las canciones han salido en buena época, además de que ahora tengo más seguimiento que antes.
Así que feliz. Si todo va así y con esos pasos tan agigantados, quién sabe lo que pasará en 2020.
¿Y cómo afrontas ante el concierto de abril en la Sala El Sol?
Lo afronto con nervios, la verdad. Porque es un paso muy grande para mí. Siempre he tocado en salas más pequeñas y, de hecho, lo más grande que he hecho en los últimos meses ha sido la Sala Siroco. Estuve con la banda y la verdad es que funcionó muy bien, la gente me habló genial.
Después de eso, he decidido dar un paso al frente e ir a por El Sol. He pensado en un formato diferente. Además de ir con la banda, también quiero llevar un cuarteto de cuerda. Así que estoy con muchas ganas, a pesar de los nervios.
¿Cómo ha evolucionado Dan Millson desde «Little Box Of Treasure»?
Pues en realidad sigo siendo el mismo. Llevo mucho tiempo dedicándome a la música y siempre he tenido claro lo que quería. Lo único es que ahora creo que me encuentro en otro capítulo diferente, en el que creo que aún estoy más seguro de lo que quiero. Al final, vas viendo las reacciones del público y cómo reciben lo que haces. Quizás queda un poco feo decirlo, porque a la gente no le gusta verlo así. Evidentemente, todo lo que haga va a salir del corazón y lo voy a hacer convencido. Pero lo que es la imagen, el concepto, la marca, en qué salas tocar, con quién hacer entrevistas…todo eso ayuda a ver un camino más claro.
¿Cómo has vivido este último año? Porque además de lanzar temas, también has girado por dentro de España y por fuera. Y este año vas a repetir.
La verdad es que ha sido un año de locura y muy intenso. En 2017 salió «Little Box Of Treasure», en 2018 comencé a girar y publiqué «Shine a Light», estuve en Reino Unido, Italia y Suecia. Ahora ven la luz estos dos nuevos temas y volvemos.
Es curioso, porque al final creo que el mayor público está fuera de España. Precisamente por eso, no voy a dejar de salir y girar por fuera si se me plantea la oportunidad. Aunque España y Madrid me encantan y aquí me quedo. Pero sé que fuera hay más mercado.
Ahora que se apuesta por el formato single y que vivimos en la cultura de lo efímero, ¿crees que se ha perdido el poder del disco como discurso?
Lo de los singles es algo que ya pasaba en los años 50, con los singles de dos caras. Los lanzaban a la radio y si funcionaba, te daban la oportunidad de grabar un EP. Aunque sí que es cierto que hay cosas que han cambiado. Antes costaba mucho más grabar. Lo del CD fue una manera de darle salida a más canciones y vender más.
Lo que me molesta un poco más es que haya gente que no se molesta en escuchar la canción completa y se quede en los 10 primeros segundos, porque estamos tan saturados de información. Pero no lo mezclaría con el tema de los discos. Al final, si te gusta un artista, te paras, te sientas y lo escuchas.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Dedicarme a ella. Dejar todo por ella.
Es una de las respuestas más comunes. Pero lo cierto es que es arriesgado.
Sí, es que es verdad. Lo he dejado todo por ella. De hecho, yo no vivo donde nací, en ocasiones me puede generar conflictos con familia, es una preocupación continua para mí. Pero me va bien, porque no he dejado de trabajar y porque también estos dos últimos años he tenido suerte. Cuando yo me vine a Madrid, no teníamos ni piso, los primeros días dormíamos en el coche o en casa de algún amigo. Tuvimos antes local de ensayo que casa. Subimos, dejamos todo en el local y esa noche dormimos en el coche, mientras buscábamos piso.
Con la emoción de quien sabe que va a pegarse el viaje de su vida, sin ni siquiera moverse del sitio, nos acercamos todos el pasado sábado 23 de febrero al WizInk Center de Madrid. Era el gran concierto de Carlos Sadness. Ese que nos trasladaría directamente hasta la mismísima «Isla Morenita». Preparados con nuestras mejores galas – tropicales, eso sí – y dispuestos a cantar desde el inicio. Así estábamos.
Pasaban las 21.00 horas. Momento del inicio del concierto. Parecía que el momento en el que saliera Carlos Sadness no llegaba. Pasaban los minutos hasta que, al fin, a las 21.20 horas se apagaron las luces y una voz en off anunciaba que estábamos a punto de despegar y que ese viaje transoceánico hasta «Isla Morenita» duraría algo más de 2 horas y 10 minutos. Y justo después apareció él. Y comenzaron a resonar los primeros acordes de «Perseide». Sí, nada más despegar y ya estábamos vislumbrando las primeras estrellas fugaces. Estrellas fugaces que tan solo fueron eclipsadas por la llegada de «Hale Bopp».
Primera parada, apeados en las ventanillas del avión. Desde arriba distinguimos todos aquellos «Volcanes Dormidos» que ansiaban reactivarse y entrar en erupción. Aunque a quien reactivamos y revivimos sin apenas dudar un momento fue a «Bach», quien se atrevió a cantar con nosotros aquello de «Te quiero un poco».
Ahora sí que sí. Llegada a «Isla Morenita», donde nos recibió con todo su encanto «Miss Honolulu». Un viaje que se nos hizo especialmente corto, ya que cuando nos quisimos dar cuenta, se estaba despidiendo de nosotros al grito de «Au Revoir». Entonces todo se volvió «Semitransparente», como si de un sueño se tratara. Pero no. Ese concierto estaba siendo más real que nunca y sí, todo el público lo estaba viviendo y sintiendo en sus propias carnes.
Y de repente, ¡boom! Primera sorpresa de la noche. En el preciso instante en el que comenzara a sonar «Amor Papaya», apareció sobre el escenario la misma Natalia Lacunza, concursante de Operación Triunfo 2018 y una de las favoritas del «talent show». Ese fue «El Gran Momento». Aunque pasó tan rápido como si de una «Longitud de Onda» se tratara.
Comenzaba un viaje sin retorno en el que los «Días Impares» como aquel 23 de febrero cobrarían sentido. Sentido porque nos servirían para recordar lo que estábamos viviendo. Recuerdos que da igual que nos trasladaran a la isla más remota o la misma «Pompeia», ciudad en la ni los «Diferentes Tipos de Luz» nos harían entender la «Física Moderna». Estaba siendo maravilloso. Podría dar fe de ello incluso el propio «Kandinski», si levantara cabeza. Pero todavía quedaba tiempo para disfrutar.
Entre playa y playa, nos pusimos el «Bikini» y esperamos a Alfred García, finalista de Operación Triunfo 2017, para cantar con él su tema «No cuentes conmigo». Una canción especial que el joven artista publicó en colaboración con Carlos Sadness. De ahí su amistad. Pasado el momento especial junto al «triunfito», llegó el gran momento de «Chihuaha», al que siguió a continuación, «Volviste».
Con «Houndini», quien plantó la «Semilla Negra», nos acercábamos a la recta final. Momento más íntimo a la par que épico, de la mano de «Isla Morenita» en formato más acústico. Intimidad que chocó brutalmente con la energía que desprendió Carlos Sadness, al interpretar su particular versión de «To My Love», con la que nos vinimos arriba. Sí, cantamos hasta quedarnos sin voz. Y bailamos hasta destrozar nuestros pies. Pero esa era precisamente la idea.
Aunque sabíamos que estábamos cerca de nuestro destino y que quedaba nada para aterrizar, quedaban algunos «temazos» por cantar. «Pocholoco» fue el primero en aparecer, para demostrar que «Hoy es el día» para viajar desde Madrid hasta «Groenlandia» si fuera necesario. Y es que, ¡joder!, «Qué electricidad» nos estaba dando ese concierto.
Ahora sí que llegábamos al final. Antes de aterrizar en Madrid, teníamos que hacer parada obligatoria en «Monteperdido». El viaje de más de dos horas había llegado a su fin. Y lo habíamos disfrutado desde el principio hasta el final. Ojalá poder repetirlo en bucle.
Cooltural Fest cierra el cartel de su segunda edición con confirmaciones de lujo. Es una apuesta sobre seguro. Y es que estos son los nombres que cierran el cartel, así que juzgad por vosotros mismos. Ángel Stanich y Alice Wonder para el acústico playa; Los Vinagres, para la ciudad; y Dorian, Delaporte, Valira, Gimnástica y Vuelo Fidji, para el escenario principal. Ya desde la primera edición, celebrada el pasado año, guardamos un cariño especial a este festival celebrado en Almería. Y es que del 15 al 18 de agosto, la música en vivo volverá a las calles de la ciudad andaluza.
¿Quién es quién en la última tanda de confirmaciones?
Los nombres de los últimos confirmados de Cooltural Fest, se dieron a conocer la pasada semana, en el local Patio de Vecinas de Almería, tras haber disfrutado del showcase que Club del Río ofrecieron en la ciudad. Banda madrileña a la que podremos ver en unos meses en el escenario ciudad del festival.
Uno de los grupos más importantes y de los últimos confirmados fue Dorian. ¡Cómo iban a faltar! Desde que lanzaran «Justicia Universal», los catalanes se encuentran imparables, girando por multitud de escenarios. El del Cooltural Fest no será una excepción. Un festival al que también se unen Ángel Stanich con su particular y lisérgica música; y la imparable Alice Wonder, quien se encuentra presentando su álbum debut, «Firekid».
El contrapunto, viene de la mano de artistas como los electrónicos y bailables Delaporte, que también están de enhorabuena, por el inminente lanzamiento de su nuevo trabajo «Como Anoche». O de los incombustibles y enérgicos Los Vinagres.
Aunque la gran sorpresa, al menos para nosotras, ha sido la confirmación de Valira, la nueva banda formada por dos de los antiguos miembros de La Raíz. Por el momento, nos han sorprendido con el primer single de su álbum debut. Una canción llamada «Guerra Fría» y que servirá de antesala de lo que está por llegar.
Y como demostración de que lo desconocido tiene la misma calidad, no nos perderemos los conciertos de los alicantinos Gimnástica, que continúan presentando los temas de su álbum «Líquido», que vio la luz el pasad año 2018. Y, por supuesto, la de nuestro gran descubrimiento: Vuelo Fidji, que presentará su trabajo más reciente.
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Después de varios años de silencio, Marea regresan a los escenarios y lo hacen con nuevo disco. El próximo 12 de abril, «se acabó la tontería», llega «El Azogue». Y lo hará de la mano de Warner Music. Aunque todo lo que rodea a la salida de este álbum es todavía un misterio. Lo único que sabemos de los de Berriozar es la fecha del lanzamiento y la portada del que será este nuevo disco. Un anuncio que pusieron en sus redes sociales, en las que llevaban más de un año sin publicar. Redes que, por supuesto, han terminado incendiadas por los comentarios de numerosos fans.
Sin duda, estas semanas han sido demasiado emocionantes. Y es que Marea no han sido los únicos que han medio anunciado que regresan. Otra de las bandas más míticas a nivel nacional, como es La Polla Récords también ha lanzado la bomba de que vuelven y de que, muy probablemente, estén preparando nuevo material. Eso sí, sin llegar a dar mucha más información.
«El Azogue» será el séptimo trabajo de la banda y llegará justo ocho años después del anterior, ya que en 2011 veía la luz «En mi hambre mando yo», con con Kutxi Romero (voz), David Díaz «Kolibrí»y César Ramallo (ambos a las guitarras), Edu Beaumont «Piñas» (bajo) y Alén Ayerdi (batería). Un disco con el que giraron todo ese año y parte del siguiente, hasta que hicieron un parón, que nunca llegaron a confirmar. Aunque si bien es cierto que, de manera paralela, varios de los miembros de Marea, giraban en solitario.
Por eso, este nuevo disco es tan importante y especial. Tal y como detallaban en el comunicado de prensa inicial, «El Azogue, séptimo trabajo de estudio de Marea, verá la luz tras permanecer la banda en barbecho desde finales de 2012». Un secretismo y misterio, que hace que queramos saber aún más. Y es que todavía queda que la banda navarra confirme las fechas de la gira o si lanzará algún single de manera previa, pero nosotros estaremos atentos a todas las novedades que vayan desvelando.
Han pasado tres años desde que Green Valley lanzara su último disco. En aquel entonces era 2016, año en el que «Ahora» daba comienzo. Por eso, las ganas de escuchar nuevo material de la banda más importante de reggae a nivel nacional, eran más que evidentes. Y justo para calmar esa ansiedad que nos comía un poco por dentro, los catalanes van y nos sorprenden con su nuevo single, «Dónde Irán». Una canción que servirá como antesala de su próximo álbum, que se llamará «Bajo la piel» y verá la luz a finales del mes de abril.
Los detalles de «Dónde Irán», nuevo single de Green Valley
«Dónde Irán» llega tres años después de la última producción de Green Valley. Una canción muy especial, que habla sobre los propios sueños, las ilusiones, nuestros ideales de vida y sobre una realidad cotidiana, que en ocasiones, se presenta contradictoria.
Además, el tema refleja el crecimiento y la evolución de la banda, que comenzó su andadura allá por 2004, para publicar su primer trabajo poco después. Así es como inicialmente llegaba la maqueta «Inmigrantes» en 2007. Pero desde ese momento ha pasado ya más de una década. Ahora es cuando Green Valley muestra su gran salto, tanto a nivel lírico, como a nivel de producción.
La canción de «Dónde Irán» ha estado acompañada de su respectivo videoclip. Ha sido grabado entre Barcelona, Sevilla y Senegal, y contiene una narrativa muy comprometida.
Las primeras fechas confirmadas de Green Valley
Un tema que es antesala del disco que está por llegar y que responderá al nombre de «Bajo la piel». Aunque si bien es cierto que hasta finales de abril, no podremos descubrir todos y cada uno de los nuevos temas. Lo que sí que sabemos ya son las primeras fechas de presentación de Green Valley.
Los catalanes presentarán este «Bajo la piel», el próximo 25 de abril en Madrid. Mientras tanto, por Barcelona no pasarán hasta el 15 de mayo. A partir de ese momento, Green Valley dará el «pistoletazo» de salida a su extensa gira, que muy probablemente los lleve por multitud de escenarios, tanto de España como de Latinoamérica.
Vienen desde Valladolid y están ya preparados para el lanzamiento de su nuevo trabajo. Además, son una de las bandas más prometedoras: los descubrimos el pasado año en Basik Sessions y consiguieron enamorarnos. Eso sí, ahora acaban de publicar su tercer single, «Siempre serás». Una canción a la que ha acompañado su respectivo videoclip, en enero de 2018 en El Salón de Godot (Valladolid) y producido por Fan Fatal Studio.
Esta canción, sí que sí, sirve de antesala del que será el nuevo disco de Octubre Polar. Es el momento de «La Tormenta Perfecta», que verá la luz el próximo 8 de marzo. Un trabajo muy especial, que se alza como el primero con la actual formación de la banda, compuesta por Muci (Voz y guitarra acústica), Rubén (Bajo), Pablo Pelanas (Guitarra), Martín (Batería) y Palomo (Teclados y sintetizadores). Además, ha sido grabado, editado y masterizado en Neo Music Box (Aranda de Duero) por José Caballero y producido por Fermín Bouza(Correos).
Pero no solo eso, porque «La Tormenta Perfecta» es mucho más, esconde mucho más. Y es que los vallisoletanos Octubre Polar, han contado con grandes colaboraciones en este disco. Así es como participan artistas de la talla de Sean Marholm (Dinero) o el mismo Fermín Bouza (Correos), que canta en la canción «El Primer Latido».
Octubre Polar también anuncia sus primeras fechas
Al hilo del lanzamiento de «La Tormenta Perfecta», Octubre Polar también ha anunciado las primeras fechas de presentación del mismo. Tras presentar su directo en festivales de la talla de Arena Sound o el concurso de bandas de Al Tran Tran Festival, llega el turno de los conciertos en salas.
Aunque por el momento, solo han confirmado dos conciertos de presentación, no os los perdáis de vista. Octubre Polar pasarán por Valladolid (Sala Black Pearl) y Madrid (Sala Costello Club), los próximos 23 y 30 de marzo, respectivamente.
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Lo bueno de la música es que te hace descubrir, no solo bandas, también personas. El caso de Eladio y los Seres Queridos ha sido uno de esos grandes descubrimientos que forman parte de nuestro 2018. Los conocíamos pero nunca los habíamos visto en directo y lo cierto es que acabamos en bucle con ellos. Una banda gallega que engancha y cuya experiencia traspasa fronteras. Seguramente, nos volvamos a encontrar con ellos, porque continúan girando con su «Historias de caza», aunque ya están preparando canciones nuevas.
Por eso y de manera previa a la celebración del aniversario de Cocktail Musical, pudimos sentarnos con Eladio Santos. Hablamos sobre la banda, su proyecto y sobre música. Y esto es lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Historias de Caza»?
Realmente, lo que pasaba es que no encontraba relación entre las canciones, voy a ser sincero [risas]. Nunca he hecho discos conceptuales. Yo soy más de hacer canciones que, evidentemente, tienen cierta relación, porque hablan de momentos de tu vida concretos. Y al final, el concepto lo encuentros tres o cuatro años después de haber lanzado el álbum. Pero había una cosa especial, que es que no todas las canciones eran mías. Así que el único concepto que se me ocurrió, fue el de ver las canciones como historias de caza como de la Prehistoria, pero muy desarrolladas. Y pensar en los temas como historias que comienzan a nacer alrededor de una hoguera. De hecho, hice una canción para explicar el concepto [risas].
¿Cómo ha sido toda la acogida del disco?
Fíjate, por el formato y por las características del disco, había quien pensaba que era un trabajo poco ambicioso. Y, sin embargo, ha funcionado bastante bien, se vende y se ha llevado varios premios. Además, con él hemos alcanzado la independencia total: no tenemos editorial, no tenemos manager y lo hacemos todos nosotros. Incluso grabamos los discos nosotros.
Un titular que defina «Historias de caza».
Es una especie de fuego de campamento, un encuentro entre amigos. De hecho, hay una canción que no es nuestra, que es «Ella», que me gustaba mucho y optamos por grabarla. Igual más o menos que «La leyenda del tiempo», que la hicimos a medias. Entonces es como una «Rue 13 del Percebe», hay varias «casitas». Al final, es una colección de canciones, no diría nada más que eso.
Alguien con quien compartir escenario.
Soy muy ambicioso [risas]. Desde siempre, he sido muy fan de Bob Dylan y de The Beatles. Aunque si tuviera que hacer una lista más realista, quizás me decantaría por Quique González. También hemos compartido escenario con artistas como Vetusta Morla o Xoel López, con quien tenemos una relación bastante estrecha.
Además, suelo escuchar mucha música latinoamericana. Uno de los sueños que me hubiera gustado cumplir, hubiera sido cantar con Mercedes Sosa, fíjate. Pero ya es imposible.
Me gustan las voces con mucha raíz, con mucha tierra.
Siguientes pasos de Eladio y los Seres Queridos.
Pues tenemos algunas canciones en mente. Lo que nos pasó es que con nuestro anterior disco «Cantares», tocamos mucho en Galicia. Pero fuera de allí, como que últimamente nos ha costado un poco salir. Al final, lo que pasa es que allí, nos hemos convertido un poco en «grupo pureta», de señores [risas]. Hemos pasado de tocar en bares a tocar en teatros.
Entonces, aprovechando que tenemos algunas canciones, quizás hagamos lo que se suele hacer mucho ahora. Apostar más por ir sacando singles, algún video-lyric o videoclip. Y probablemente en verano grabemos el disco.
Con el auge de los singles, ¿crees que se está perdiendo el poder del disco como discurso?
Bueno, sí, quizás sí. Es que es el ritmo del mercado. El, «le doy al play y escucho 20 segundos de canción, a ver si me engancha». Entonces ahora toca esforzarse un poco más por llamar la atención y demostrar que estás ahí. Pero pedirle a alguien que se escuche un disco entero, es más jodido. Antes comprabas un disco por la portada o porque ya habías escuchado a la banda. Empezaba gustándote una canción y a la semana, te enganchaba todo el disco.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por Eladio y los Seres Queridos?
Hemos hecho bastantes locuras, como la de ir a tocar a Zaragoza y volvimos el mismo día. De esas cosas te das cuenta luego. Hay que tener mucho cuidado, sobre todo cuando se sale a la carretera. Y nosotros, por temas de trabajo, hemos llegado a pasar 20 horas en coche. Porque no queríamos perdernos conciertos importantes, pero igual al día siguiente también teníamos que ir a trabajar. Por eso, quizás sea la mayor locura. Ha habido otras, evidentemente, pero quizás no tan contables [risas]. Lo bueno de esos viajes es que hablamos mucho y lo pasamos bien, al final todo eso nos sirve de terapia. Tenemos como una ley que es que «lo que se cuenta en la furgoneta, se queda en la furgoneta». Se comparte mucho y, en definitiva, es algo que echo de menos, sobre todo en los momentos en los que a lo mejor, no estamos de gira.
«El Azogue» será el séptimo trabajo de la banda y llegará justo ocho años después del anterior, ya que en 2011 veía la luz «En mi hambre mando yo», con con Kutxi Romero (voz), David Díaz «Kolibrí»y César Ramallo (ambos a las guitarras), Edu Beaumont «Piñas» (bajo) y Alén Ayerdi (batería). Un disco con el que giraron todo ese año y parte del siguiente, hasta que hicieron un parón, que nunca llegaron a confirmar. Aunque si bien es cierto que, de manera paralela, varios de los miembros de Marea, giraban en solitario.
