En el mes de marzo, irrumpieron como una flecha dentro del panorama musical. Se trata de los madrileños Atraco que, en ese momento, presentaban su álbum debut, llamado como ellos. Una primera carta de presentación redonda, enérgica. Un trabajo formado por once canciones, que fueron grabadas en los Estudios Chiloe. Un primer LP cargado de rock & roll, que cuenta con grandes colaboraciones de lujo. Y es que por este primer «Atraco», han pasado músicos de nivel como Ariel Rot, Alejo Stivel, Julian Kanevsky o Juanse (Ratones Paranoicos). Un disco tan real que supuso un éxito su presentación y es que el pasado 22 de marzo, la sala Cool Stage de Madrid consiguió arder totalmente.
Precisamente en este trabajo, los madrileños han demostrado que juventud y profesionalidad no están reñidos: su intenso trabajo ha hecho que viajaran a Argentina, país en el que realizaron varios conciertos. De hecho, han querido preservar todos estos recuerdos en un videoclip, que ha visto la luz recientemente. Se trata de la canción «Amigos de poca monta», tema incluido en este álbum debut. Una canción que recoge la más pura esencia de Atraco: y es que Jay, Menkes, Javi y Diego tienen la capacidad de ponernos a bailar sin descanso.
Además, las noticias frescas sobre ellos no terminan aquí. Y es que no han dejado de girar durante todo este año, presentando de este modo su «Atraco». Desde el mes de octubre, que arrancara su gira de otoño, han pasado por Madrid, Almazán, Badajoz, Orihuela, Murcia y Barcelona. Sin embargo, todavía les queda unas cuantas fechas, nuevas oportunidades para verlos disfrutar en directo. Así que, apuntadlas para que no se os escapen. Así y todo, estamos seguras de que el tour de Atraco seguirá quemando escenarios mucho tiempo más. Esto solo acaba de empezar.
Con un estilo tan personal como original, Pablo Lesuit llega directamente desde Galicia para revolucionar toda la escena musical. Y es que, a principios de 2020, verá la luz su nuevo álbum. Un trabajo que se alza como el tercero de su carrera y que desprende el aroma de un viaje. Un viaje que lo llevó hasta Sudamérica, lugar en el que lo grabó y en el que nació, a la par que se movía de un lugar a otro. Un viaje que habla de lo efímero que tiene la noche. Un viaje que nos invita al baile. Un viaje que mezcla a la perfección música electrónica, con guitarras eléctricas e instrumentos acústicos, todos ellos con raíz latinoamericana.
Sin embargo, para ir preparándonos, Pablo Lesuit nos ha presentado el que será el primer single de este inminente trabajo, «Cuerpos». Una canción muy especial, que ha llegado acompañada de su increíble videoclip, que se realizó empleando la técnica del collage digital. De esta manera, ha aumentado esta incesante sensación hipnótica y nocturna en la que ya nos sumerge la canción. Para ello, ha contado con la colaboración de la artista mexicana Yazmín Huerta y de todo su equipo en Pachuca (México). El escenario y videoclip perfectos para esta cumbia de madrugada con influencias de la psicodelia.
Pero, ¿quién es Pablo Lesuit y de dónde viene?
Corría el año 2013 cuando el músico, cantante y compositor publicaba su primer EP, «Ocho Horas». Un primer paso que fue encadenando con multitud de conciertos y, por supuesto, nuevas canciones. Así es como llegó dos años después «Tiempo», trabajo en el que colaboró con Jorge Drexler y con el que ha recorrido centenares de escenarios de España y de Latinoamérica.
Sin embargo, el año 2017 fue el que marcó un antes y un después. Y es que, entusiasmado por el movimiento de la canción latinoamericana, Pablo Lesuit comenzó su viaje iniciático por toda Sudamérica. Con muy poco equipaje y la guitarra bajo el brazo, se marchó decidido a encontrarse con las músicas de raíz, con el folclore. Allí es donde, de manera itinerante, se fraguó y se grabó este nuevo trabajo, que verá a principios de 2020. El disco del cual, «Cuerpos» es el primer adelanto. Una canción con olor a cumbia de madrugada, pero repleta de influencias psicodélicas.
El próximo 25 de noviembre, se conmemora el Día Internacional de la Violencia de Género. Y con motivo de este día, desde la Asociación Generando Igualdad, se celebrará un concierto de lo más especial en el Teatro Lara de Madrid. La misión y el objetivo son claros: contribuir, a través de la música, a la consecución de la recuperación integral de las mujeres víctimas de violencia de género. Es por eso por lo que el próximo lunes, en la mítico teatro madrileño, se reunirán artistas de la talla de Olga Román, Ricardo Marín, Sandra Carrasco y Rafa Sánchez, propulsor de este proyecto tan especial, Rozalén, El Kanka, Lamari de Chambao y María Pelaé, entre otros por confirmar.
Un proyecto especial, propulsado por Generando Igualdad
Generando Igualdad es la asociación sin ánimo de lucro que ha impulsado este proyecto, con la finalidad de ayudar a todas y cada una de las mujeres víctimas de la violencia de género, tanto psicológica como jurídicamente. De esta manera, y con la idea de apoyarse en la música como motor para la recuperación, se ha llevado a cabo un proyecto muy especial y que tendrá su mágica puesta de escena el próximo lunes 25 de noviembre.
Un proyecto que comenzó a tomar forma con un taller musical. Unas sesiones dirigidas por el cantautor Rafa Sánchez y en las cuales, las mujeres podían crear, componer y cantar sus propias canciones. Unas canciones que sirven como altavoz, como denuncia contra el maltrato y como mensaje positivo, demostrando que se puede salir de esas situaciones y animando a que otras mujeres en situaciones similares, pidan ayuda.
Un primer paso en este proyecto que continúo adelante con la selección de once de estos temas y su posterior grabación. Y es que la idea es realizar un disco con todos estos temas de superación, de lucha, de sufrimiento, pero sobre todo, de esperanza. Temas interpretados en el estudio por artistas como Rozalén, El Kanka, LaMari de Chambao, Luis Eduardo Aute, Clara Montes, Olga Román, Ricardo Marín, Amparo Sánchez, Sandra Carrasco y Rafa Sánchez.
Un primer paso que culminará el lunes día 25 de noviembre. Este es el día señalado para que se celebre uno de los conciertos más especiales de los últimos meses, ya que reunirá sobre el escenario a las creadoras de todas y cada una de estas canciones de superación, y a todos los artistas que las han interpretado en el disco recopilatorio. De esta manera, se visibilizará la realidad de la violencia de género, se concienciará a la sociedad de la necesidad de que se involucre y busque soluciones, y se trasladará a otras mujeres que atraviesan situaciones similares, que no están solas.
Un concierto que no nos podemos perder, porque esta causa nos afecta a todos, requiere de nuestro apoyo y de nuestra ayuda. Desde Verdadera Locura, os animamos a que participéis en dicho concierto. Todavía quedan entradas disponibles, que podéis conseguir a través de la página de Teatro Lara (o pinchando aquí).
Trabajo, amplio recorrido, esfuerzo y buena música. La fórmula perfecta para que un proyecto funcione, para que eche a rodar, para que crezca, para que se expanda. El caso de LAVIDA es único. Pura energía y potencia, que viaja a través de las ondas, a lo más profundo de todos y cada uno de nosotros. Con un magnetismo brutal, nos han conseguido enganchar: ya no solo con su música (y con este debut homónimo), también con esa forma que tienen de hablar y de expresarse. Y es que la entrevista que les hicimos hace algunos días, no tiene desperdicio.
¿Cómo empieza LAVIDA en el mundo de la música?
LAVIDA comienza cuando cuatro músicos deciden dar otra oportunidad a la música, esta vez sin complejos y sabiendo lo que más debíamos proteger, la libertad y poder compartirla con la gente que queremos.
¿Cómo surge el concepto de «LAVIDA», el álbum?
Pues básicamente, al ser el primer álbum, nace de la idea central de la respuesta a la anterior. Es el resultado de ser lo más honestos posible con nosotros mismos, humildes a la hora de trabajar y sobre todo, de hacerlo mucho trabajo y mucha verdad.
Este trabajo lleva unos meses en la calle, convirtiéndose en una auténtica revolución. ¿Cómo habéis vivido esta buena aceptación?
Estamos realmente contentos y también sorprendidos. Era una apuesta muy alta tirarse a la piscina con un álbum tan sincero y personal, y cuando hemos visto la gran aceptación que ha tenido, la verdad, ha sido una buena inyección de combustible para seguir adelante con el proyecto.
¿Cómo fue grabar en Sandman Studios junto a Carlos Santos?
Para algunos de nosotros era ya la cuarta vez. Estar en Sadman Studios es casi como estar en casa, aunque suene a tópico. Con Carlos y Alex todo fue sobre ruedas, les conocemos y les entendemos como ingenieros y ellos a nosotros como músicos, así es que fue todo rodado, en cinco sesiones, disco completo.
¿Cómo surgen las colaboraciones con Sean Marholm y Gabriel de la Rosa?
Llevamos muchos años en la música y hemos conocido a muchísimos músicos, y cuando escuchamos esas dos canciones, pensamos en ellos porque sabíamos que les iban a ir como anillo al dedo, les invitamos y no se lo pensaron dos veces. Fue de lo más natural, lo más complicado fue cuadrar agendas, pero había predisposición e ilusión máximas, y eso creemos que ha quedado perfectamente reflejado en el resultado final.
«Funambulista» y «Modo Zen» fueron los adelantos de este trabajo, que vinieron acompañados de sus respectivos videoclips. ¿Por qué estas canciones y cómo surgen las ideas de los videoclips?
«Modo Zen» supuso cierre de un ciclo y la apertura de otro, es el último tema que compusimos y con el que encontramos el equilibrio perfecto, y quisimos mostrarnos con él, para invitar a los oyentes a escuchar y entender todo el periplo hasta llegar a ese estado escuchando también el resto de canciones.
Sobre «Funambulista», tuvimos la suerte de que Sean volviera a colaborar con nosotros en el directo de la presentación del disco en la Sala El Sol y nos encantó como quedó, pues además grabamos el concierto completo en vídeo, y con las imágenes decidimos hacer el videoclip. Creemos además que con ese vídeo la gente podrá ver como nos las gastamos y cómo funcionamos en directo.
Al hilo de esto, ¿qué importancia tiene la imagen para LAVIDA?
LAVIDA es un todo, empezando por la música claro está, pero no dejando ningún detalle sin cubrir. Hemos tenido la suerte de tener una serie de artistas cerca (cada uno en su disciplina: ilustración, vídeo, foto…), que se han enamorado del proyecto y han querido aportar con su arte, formando un equipo perfecto, lo cual creemos trasciende en la sintonía alcanzada entre música, el artwork, las fotos, el vídeo e incluso en la manera de expresarnos a la hora de hablar del proyecto.
¿Y qué relevancia tiene para vosotros el mensaje en sí de las canciones?
Muchísima, al fin y al cabo es sacar afuera lo que llevamos dentro. Pensamos que la musicalidad y la composición es muy importante, pero cuando va acompañada de una letra bien trabajada e interpretada con personalidad propia elevas la canción a un nivel mucho más alto. Tratamos de conseguir siempre en la composición de cada canción una armonía, un sentido y un equilibrio entre música, voces y letras.
¿De qué manera busca ese sonido tan propio LAVIDA?
Dejamos que nuestras propias canciones nos hablen y guíen en dirección a su su propia sonoridad, intentando huir de modas pero sin dejar de atender a las nuevas producciones que nos llegan. Buscamos la sonoridad que nos pide cada canción para dotarlas de alma y personalidad propias, y eso se hace con paciencia, trabajo y un buen par de orejas «limpias».
¿Cómo es todo el proceso creativo y compositivo de la banda?
Igual partimos de un riff de guitarra y lo desarrollamos en nuestro estudio, o de una melodía de voz que nos pueda sugerir un cadencia de guitarras o unos acordes y empezamos a trabajarlo. No hay una metodología clara ni cerrada, cualquier idea, provenga de quien provenga, merece una oportunidad, aunque la mayoría de las veces acaba en la carpeta de «Ideas Desechadas», somos muy autoexigentes en la composición.
Tenéis más de 15 años de experiencia en la música, pasando por otras formaciones. ¿Cómo habéis evolucionado desde entonces?
Algunos incluso 25 [risas]. Pues la evolución ha sido natural. Somos gente que nos gusta la música en general, cualquier estilo, siempre y cuando tenga algo interesante que mostrar. Nuestra evolución ha ido en paralelo como músicos y como personas, madurando y perfeccionando a la vez que nos quedábamos con la esencia de cada experiencia, haciéndolo fácil aunque en algunos casos no lo sea.
¿Y cómo creéis que ha cambiado la industria musical?
Música y sociedad cambian a la par. Vivimos en la era de las redes sociales, el impacto ha sido brutal a todos los niveles, en la forma comunicarse, de relacionarse, e incluso de consumir o comprar. No se le pueden poner puertas al campo, y te adaptas o caducas, y la industria no ha tenido más remedio que hacerlo, para bien y para mal. Con sus virtudes y sus defectos, solo hay que entender esa evolución y utilizarla a tu favor, pero al final, para el músico, que es lo que somos nosotros, lo importante debe ser la materia prima de la que se nutre esa industria, la música, componer y hacer buenas canciones, disfrutar haciéndolas, compartiéndolas e interpretándolas en directo.
¿Consideráis que se ha perdido el poder del disco como discurso, tras todos los cambios que se han experimentado a la hora de consumir música?
La forma de consumir música ha cambiado, ahora se acude a YouTube o a las playlist de Spotify. Está claro que el concepto «disco», atendiendo a esta forma de consumir música, puede que tenga menos sentido. Sin embargo seguimos apreciando el conjunto de una obra: el disco, pues creemos que contextualiza una canción, aunque solo sea a nivel conceptual, y cobra todo su sentido dentro de esa obra, aunque vayas lanzando, como estrategia comercial, canción a canción. Llámanos románticos, pero nos encanta el renacer del vinilo, aunque sea una moda. Larga vida, spin the black circle.
¿Cómo veis la nueva escena musical emergente?
La escena con mayor calidad de la historia de este país, así de sencillo. Ni los 60, ni los 70, ni la Movida Madrileña, ni nada. Ahora hay muchísimos músicos con unos niveles de conocimiento, tanto del instrumento como a nivel técnico, muy, muy altos. Y ya si hablamos de producción, ni te cuento. Están apareciendo verdaderas joyas, incluso algunas probablemente ni saldrán del ordenador en la habitación del artista. La tecnología también tiene cosas buenas.
Próximos pasos de LAVIDA.
Ahora mismo estamos cerrando la gira 2020 y empezaremos en enero con ella. De ahí en adelante, bastantes conciertos, algunos de ellos en festivales, pero no podemos anunciar fechas hasta que las promotoras lo hagan aunque nos muramos de ganas, pero en breve tendréis noticias y las anunciaremos todas en nuestros perfiles de redes (@lavidasomos).
Por otro lado, en breve publicaremos un nuevo tema junto a su videoclip. Estad atentos, porque creemos que va a sorprender mucho.
¿Cuál es la verdadera locura que habéis cometido por la música?
Condicionar TOTALMENTE nuestras vidas en TODOS sus aspectos. Maravillosa y verdadera locura. De ahí nuestra bandera, nuestro lema, nuestro hashtag, incluso nuestra web: LAVIDAESMUSICA #lavidaesmusica www.lavidaesmusica.es
Todo buen disco, esconde tras de sí un «behind the scene». Una parte que, de una manera u otra, no se ve, no se siente. Pero cuando, de repente, una banda como Jenny & The Mexicat nos enseña qué se esconde detrás de la sesión de fotos de su álbum «Fiesta Ancestral», tenemos como resultado el videoclip de «El sonido de tu voz». Un clip grabado durante el verano de 2019 en Madrid y grabado por el cámara Antonio Martínez Seco. Por su parte, la animación del mismo ha corrido a cargo del propio Pantera Mexicat.
Un vídeo perfecto para poder echar la mirada atrás y comprobar cómo se fraguó este cuarto disco y todas las fotografías del mismo. Un increíble trabajo que vio la luz el pasado 11 de octubre, convirtiéndose en toda una revolución, especialmente en su posterior presentación en La Riviera de Madrid. Una sala que estuvo abarrotada hasta un límite insospechados, síntoma del éxito de la banda, cuya riqueza musical reside en la mezcla de culturas. Curtidos en interminables tours por cuatro continentes, y siempre influenciados por las cálidas sonoridades latinas.
¿Qué encontramos en este «Fiesta Ancestral»?
«Fiesta Ancestral» se alza como el cuarto álbum de Jenny & The Mexicats. Un álbum en el que han estado trabajando durante más de un año y que vio la luz el pasado mes de octubre, como una buena dosis de buen rollo y con el único objetivo de hacérnoslo pasar bien. Desde siempre y para siempre.
Los Cabos y los míticos Estudios Valenzo de Ciudad de México fueron los dos lugares que fueron testigos de cómo se fraguó esta «Fiesta Ancestral». Un viaje que se inició en 2018 y que, por el camino, ha contado con grandes compañeros. Y es que Vetusta Morla o El Kanka se han sumado a este proyecto, interpretando canciones como «El Telón» o «Bailando con las farolas», respectivamente.
Fruto de «Fiesta Ancestral», tenemos a unos Jenny & The Mexicat que se han dejado llevar, que han explorado con su propia voz, que no han cerrado puertas, que han evolucionado y que, por supuesto, han sido capaces de salir de su zona de confort, pero sin perder ese sello tan particular y característico. De ahí, que apreciemos desde el tributo a Selena, la reina del tex-mex, hasta un increíble recorrido por diferentes ritmos latinos e idiomas.
Lo que queda claro es que lo han vuelto a hacer. Han vuelto a conseguir ser sinónimo de fiesta, dentro y fuera de los escenarios. Imposible no bailar con ellos.
Al más puro estilo rock y directamente desde Colombia, hemos conocido a Tr3sdecorazón. Con cerca de dos décadas de recorrido y siete trabajos de estudio, hace apenas unas semanas, la mítica banda visitó nuestro país, recorriendo de este modo diferentes escenarios y ciudades. Barcelona, Madrid y Valencia fueron testigos de la descarga de energía, watios y potencia que los colombianos gastan en todos y cada uno de sus directos.
Precisamente, tras tres de sus fechas realizadas con éxito y antes de la cuarta en Valencia, pudimos hablar por teléfono con Sebastián Mejía, voz y guitarra de la banda. Y nos contó todo esto, no pierdas detalle.
Esta es la primera vez que estáis en España, ¿cómo os sentís?
Primero de todo, queríamos enviar un saludo a todos los lectores: nosotros somos Tr3sdecorazón.
Sí, esta es nuestra primera vez en Europa, nuestra primera vez en España. En 17 años que llevamos de carrera, apenas tuvimos la oportunidad de «cruzar el charco», como decimos nosotros. Y la verdad es que estamos muy contentos de habernos encontrado todo lo que nos hemos encontrado. Tuvimos unas fechas en Barcelona, Madrid y Valencia y estamos muy felices de haber venido, porque este es un país con mucha tradición rockera, con mucha historia. Ha sido un placer tocar en estos pequeños sitios en los que hay, obviamente, muchos colombianos, pero también muchos españoles dispuestos a escuchar tu música. Es algo que nos alegra mucho.
Ya habéis realizado los conciertos que teníais previstos en España, ¿cómo los habéis vivido y cómo veis al público español?
Estos conciertos han tenido una característica importante y es que, principalmente, ha sido público colombiano el que ha venido a vernos. Y ha sido muy emotivo, la verdad. Porque es gente que, en cierta manera, extraña lo que hay allá en Colombia, en la cotidianidad. Así que fueron conciertos emotivos y la gente estaba muy entusiasmada con el repertorio que hicimos, que básicamente estuvo basado en los clásicos de la banda. Aunque también se nos ha arrimado público español, en Barcelona especialmente. Y en Madrid, pudimos conocer a diferentes artistas y bandas locales, con quienes pudimos compartir experiencias e historias, especialmente sobre el punk radical vasco o la Movida Madrileña, movimientos de los que el rock vasco y nosotros mismos, hemos bebido mucho.
A pesar de estas influencias, vuestra música es un rock con mucho sabor a Medellín. ¿Cómo influye la propia cultura colombiana en ella?
El ser de allá, tener nuestra vida. Todo eso influye, desde el primer momento en el que decidimos dar el salto y hacer música. Pero todo ello, se reinterpreta y se adapta al propio lenguaje y sonido de cada uno. Y Tr3sdecorazón, durante estos 17 años, ha logrado consolidar un sonido propio, que es muy sencillo, pero que tiene también mucho contenido cotidiano y nos gusta darle valor a esas pequeñas cosas de la vida que, muchas veces, tendemos a minusvaloraras. Así y todo, para nosotros estos detalles son muy importantes. Al final, no podemos olvidar que nosotros venimos de una ciudad compleja, con mucha historia y muy marcada por episodios violentos por culpa del narcotráfico, especialmente en los años 80 y 90. Por eso, queremos dar relevancia a las historias cotidianas y bellas de la gente. La manera en la que lo cantas, en la que lo cuentas, le da mucho color a todas ellas.
7 discos de estudio y 17 años de carrera, ¿de qué manera ha evolucionado Tr3sdecorazón?
Yo creo que, sobre todo, hemos afianzado un sonido. No somos una banda muy experimental, somos lo más orgánicos y espontáneos posibles. Pero hemos logrado pulir la manera que tenemos de tocar las canciones. Eso es algo que hemos procurado mantener durante estos 17 años, disco tras disco. Y, afortunadamente, después de tantos años, creo que eso es algo que hemos sabido mantener y lograr. Creo que cuando escuchas Tr3sdecorazón, sabes que es Tr3sdecorazón. No somos una banda que haya mutado mucho, en lo que a sonido se refiere. Que no es que no nos guste o que no lo hagamos, pero simplemente consideramos que debemos seguir por esta línea y que está bien lo que hacemos, tal y como lo hacemos.
Además, durante todos estos años, habéis compartido escenario con bandas como Good Charlotte, Green Day, Molotov o Juanes, entre otros. ¿Cómo habéis vivido estas experiencias?
Sí, lo cierto es que durante nuestra carrera, hemos tenido el privilegio de compartir escenario con todas esas bandas grandes que mencionas. Y nosotros lo que hemos hecho, ha sido aprender de todos ellos y de todas estas experiencias que hemos vivido. Al final, nosotros somos una banda independiente y, de repente, no tenemos las oportunidades que tienen estas bandas en el mercado, porque al final son bandas impecables, con historia. Nosotros somos una banda que estamos en otro nivel, más underground. Así que lo mejor que podemos hacer en estas situaciones es aprender mucho y admirarlos. Pero sobre todo, observar y ver qué podríamos implementar o qué podríamos hacer por mejorar.
¿Cómo veis el panorama musical en Colombia y cómo de complicado es acceder a la industria allí?
Colombia es un país netamente tropical, donde su mainstream o su gran mercado está en los sonidos más tropicales, mezclados con los alternativos. Se ha convertido en una Meca de la música y la cultura en Latinoamérica, porque hay gran apetencia en el mundo por este sonido colombiano, de la cumbia, de la música andina. Es un país multicultural, en el que podemos encontrar diferentes sonidos. Eso en cuanto a la música colombiana. En cuanto al rock, también es un país que tiene gran público, que tiene muchos rockeros y por el que pasando también muchos artistas históricos del género. Así que hay, en ese sentido, contamos con un gran mercado underground. A lo que nos hemos tenido que adaptar todos, sin excepción, es a las nuevas tendencias y modo de consumir música: a las plataformas digitales, ya que ya no se venden tantos discos físicos; y a las redes sociales, a través de las cuales conectamos con nuestro público. Eso creo que ha facilitado que mercados más pequeños puedan darse aún más a conocer.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Tr3sdecorazón?
Pues tras la gira por España y al regreso a Colombia, publicaremos un nuevo sencillo a finales de mes, que será como el abre-bocas de lo que será nuestro próximo disco, que llegará previsiblemente en febrero. Y nada, inmersos en todo lo que es la producción. Así que estamos con mucho trabajo por delante.
¿Os volveremos a ver en España con disco nuevo?
Qué más quisiera ya [risas]. Ojalá que sí.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Es difícil [risas]. La mayor locura que he cometido yo por la música es haberlo dejado todo y comenzar con esta banda. Pero ha sido una locura fascinante, la verdad
Es su cuarto trabajo y, como una flecha, ha entrado en nuestras vidas inundando absolutamente todo. Un trabajo particular que, con sus luces y sombras, es capaz de conquistar a todas y cada una de las personas que lo escuchen. Se trata del «Electroconfort» de El Capitán Elefante. Al hilo de este lanzamiento, pudimos hablar con Javier Marcos, voz y guitarra de la banda de Bilbao. Mucha atención a lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Electroconfort»?
Pues lo cierto es que surge un poco de la necesidad de seguir componiendo. Al final, somos músicos y no de tener esa mente inquieta. Aunque sí que es cierto que en este trabajo, que es ya nuestro cuarto trabajo, teníamos canciones escritas y creadas desde hacía años, pero que nunca habíamos llegado a publicar. Así que llegados a este punto, era el momento perfecto de darles cabida en este «Electroconfort».
Este trabajo vio la luz el pasado mes de septiembre, ¿cómo ha sido la acogida?
Pues la verdad es que estamos muy sorprendidos. De hecho, el realizar el primer concierto de presentación en Madrid, llegar a Costello y comprobar que el público se sabía las canciones, para nosotros fue algo increíble. Fue una auténtica pasada. Empezar una gira así fue genial. Por su parte, el resto de conciertos que hemos hecho hasta el momento, han ido muy en la línea, lo cual también ha sido una sorpresa. Estamos flipando. Ojalá sean así el resto de conciertos de la gira.
¿Cómo fue el trabajo de producción junto a Pedro J. Monge?
Pues la verdad es que, como músico es increíble. Tiene su propia banda, completamente diferente a nosotros, ya que es el de rock. También está bastante asentado y establecido en países como Japón, por ejemplo. Y eso era algo que queríamos: trabajar con alguien diferente, ajeno a nosotros y que nos pudiera dar una visión completamente diferente, una visión desde fuera.
¿Por qué «Nubes» y «El pie izquierdo de Elvis» como primeros adelantos de este trabajo?
La canción de «Nubes» fue porque fue la última que teníamos hecha y era como la novedad. Además, creo que es la que más redonda nos quedó. En cuanto a «El pie izquierdo de Elvis», creemos que muestra un poco el otro lado de la moneda: como el lado más oscuro. Ambas canciones se complementan muy bien.
¿Cómo ha evolucionado El Capitán Elefante desde aquel primer «Nuevas Coordenadas»?
En «Nuevas Coordenadas» seguíamos con la misma formación de nuestro anterior proyecto, en el que llevábamos más sección de metales, un órgano Hammond…éramos una banda más clásica. Poco a poco, fuimos evolucionando e introduciendo secuencias y sintes, actualizándonos más. Al final, esa es la idea; poder aprovechar todas las facilidades y ventajas de las nuevas tecnologías e ir creciendo. Así que, el resumen perfecto, creo que sería decir que El Capitán Elefante ha evolucionado de unos sonidos más clásicos a otros más actuales, los que tenemos en estos momentos. Pero siempre tomando esa base rítmica rockera, con su bajo, sus guitarras y su batería.
Cuarto trabajo y un amplio recorrido en el mundo de la música. ¿Cómo veis el panorama musical desde vuestra perspectiva y cómo de complicado consideráis que es hacerse hueco dentro de él?
Pues nos da la sensación de que, a día de hoy, está todo demasiado enfocado al circuito de festivales. Y la verdad, es que también hay un circuito de salas muy potente e igualmente importante, con bandas y artistas de gran calidad que, por un motivo u otro, no tocan en festivales.
En cuanto a lo de hacerse hueco, yo llevo en la desde que tengo 14 años. Y, lo cierto, es que si estuviera en esto por triunfar, lo hubiera dejado hace mucho tiempo. Pero, en definitiva, nuestra idea como banda es trabajar, trabajar y trabajar. De esta manera, poder presentar nuestro nuevo trabajo en el mayor número de salas y de ciudades posibles. Si después, como nos ha pasado a nosotros, sale algún festival como el Sonorama, bienvenidos sean. Pero tampoco nos trae muchos quebraderos de cabeza. Mientras podamos seguir llevando nuestra música a salas pequeñas, nosotros felices.
Otro de los aspectos que ha cambiado mucho es el modo de consumir música. En este sentido, ¿crees que se ha perdido el poder del disco como discurso?
Pues, a ver, yo he crecido con los cassettes y con los vinilos. Una situación que cambió un poco con la llegada de los CDs. Pero ahora, es que tampoco se compran tantos discos como hace unos años, porque han llegado las plataformas digitales y parece que se lo han comido todo, ya no es como antes. Con los discos sí que escuchabas de principio a fin, ahora parece que se escuchan las dos canciones famosas y ya está. Es como que todo va más rápido y la gente va corriendo. Y como que ya no hay espacio para seguir el pequeño ritual que se seguía con los discos: el de sentarte, escucharlo completo, disfrutarlo. Ahora es todo más acelerado. Además, hay muchos más grupos, muchos más artistas, muchas más opciones. Así que, en ese sentido, es como que tenemos una de cal y una de arena.
Ya habéis iniciado la gira, ¿cómo la habéis vivido?
Con las primeras fechas lo estamos alucinando, porque irte a Madrid y ver la Costello casi a rebosar y llena de gente cantando tus canciones…fue impactante y emocionante. Nos dio un chute de energía brutal, la verdad. Luego en Toledo y en Bilbao, exactamente igual. En Bilbao fue extraño, porque estábamos en casa: fue fácil y difícil a la vez. Estamos muy contentos y muy satisfechos de cómo hemos empezado.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Pues la verdad es que he cometido demasiadas locuras por la música, no sabría muy bien qué decir [risas]. Pues recuerdo una…un día en el trabajo, me tuve que marchar a mitad, porque tenía que ir a tocar a Barcelona. Y la verdad, es que la escena fue un poco dramática. Avisé tarde de que me había marchado y lo típico: «pues si te vas, no vuelvas» [risas]. Al final, todo eso por mantener el espíritu de tocar y de actuar.
Con «Supremacy» ya en la calle, Juan Saurín está inmerso en la gira de presentación de este nuevo trabajo. Un álbum conceptual que contiene toda una historia detrás. Y trabajo, sobre todo trabajo. Todo ello, queda patente cuando escuchas el disco. De principio a fin.
A raíz de este lanzamiento tan especial, pudimos hablar con el propio Saurín, para descubrir qué se esconde tras este «Supremacy». Y ojo, que hay mucha miga detrás.
¿Cómo surge todo el concepto de «Supremacy»?
Siempre me ha gustado darle un aire conceptual a todos los discos, es algo que personalmente me encanta, para hacer de los discos un «todo», entre música, el diseño gráfico del disco o el orden de las canciones, entre otras cosas. Y en este caso, la inspiración vino al ver, día tras día, la decadencia del ser humano, hasta qué punto se cree un dios para hacer lo que quiera sin tener en cuenta ni su entorno ni sus iguales. «Supremacy» trata sobre esa decadencia que finaliza inevitablemente en la autodestrucción.
¿Por qué darle esta visión conceptual y estructurarlo en dos parte y un epílogo final?
A medida que iban surgiendo los temas, que en el caso de este disco ha sido más natural que nunca, me iban sugiriendo esta estructura. Entre las partes hay sonoridades comunes que te sugieren ser una misma parte de un tema más global pero con diferencias obvias. Fue básicamente lo que me pedía en el momento en el que empecé a trabajar el orden de las canciones, y creo que ha quedado muy bien, con mucha lógica.
Precisamente, «Supremacy» nos hace viajar por diferentes estados, emociones y actitudes del ser humano, como ese afán de superioridad o esa propia autodestrucción. ¿Por qué hablar de estos temas?
Es lo que me inspiró sin duda a hacer este nuevo disco, y dado el momento que estamos pasando, creo que refleja a la perfección hasta qué punto el ser humano vive una decadencia de valores y de respeto por la naturaleza e incluso sus iguales. Son momentos muy tristes la verdad. A pesar de todo este cariz apocalíptico, espero de verdad que «Supremacy» sea más bien una advertencia y no una profecía.
Este trabajo vio la luz el pasado 18 de octubre, ¿cómo ha sido la acogida?
Muy buena, la verdad. El disco se está vendiendo muy bien, y en muchos casos ya lo catalogan como mi mejor trabajo. La respuesta del público y de los medios está siendo genial, tenemos más actos y promo que nunca, y nos han llegado una gran cantidad de mensajes de felicitación. Estamos muy contentos con el camino que está siguiendo este nuevo disco.
Un titular que defina este álbum.
SESENTA MINUTOS DE INTENSIDAD Y EMOCIÓN SIN DESCANSO.
¿Cómo entiende Juan Saurín el metal instrumental melódico?
Pues básicamente sería la fusión de rítmicas propias del metal con sonidos solistas dándole protagonismo a ambas por igual. Lo importante es hacer canciones. No soy muy partidario de hacer temas que parezcan que olvidan la base rítmica, para mí todo debe tener su protagonismo y siempre hay que busca ese equilibrio que haga del tema algo grande y contundente.
¿Cómo se refleja la madurez de Juan Saurín en este trabajo?
Quizás en la naturalidad. «Supremacy» no ha sido un álbum muy difícil en lo compositivo, ha salido todo de forma muy natural. Cuando escucho los temas y veo las estructuras, riffs y solos, y recuerdo la naturalidad con la que salieron, me siento muy orgulloso de haber llegado a un punto donde tanto la composición como más tarde la interpretación, se disfruta tanto. Es una sensación fantástica.
¿Cómo surge toda la idea del artwork junto a Ángel Polo?
Ángel Polo es un grande sin duda de la ilustración. La idea que te comentaba anteriormente, Ángel ha sabido plasmarla en este Digipack Especial de manera sobresaliente. Ha propuesto muchas ideas y básicamente ha dado en el clavo. La ambientación de «Supremacy» le debe mucho a Ángel Polo.
¿Cómo fue trabajar con todo el equipo de profesionales y músicos, como Matt de Vallejo, Andy C, Anti Horrillo y Pepe Herrero?
Como siempre un lujo enorme. Ya son varios discos trabajando con ellos, y el resultado es siempre de diez. No es que tan solo sean unos músicos y técnicos de un nivel impresionante, es que además son unas personas increíbles. Poder contar con ellos es lo que hace que todo vaya tan rodado y que suene de esta forma. Son gente maravillosa en todos los sentidos.
¿Qué importancia tiene la imagen en el proyecto de Juan Saurín?
Siempre intentamos que cada disco tenga su imagen, su historia, su sonido, y evidentemente, para este hemos optado por el sonido más oscuro que nunca hemos sacado y la imagen va directamente en esa dirección. En la imagen tiene mucho que ver nuevamente Ángel Polo, y lo ha vuelto a clavar.
¿Cómo fue todo ese proceso de creación, composición y posterior autoproducción?
La composición fue relativamente sencilla e intensa, quizás ha sido el disco más “fácil” de crear a priori, luego la mezcla siempre es un punto crítico y complicado hasta que conseguimos darle el sonido que queremos. En cualquier caso no ha sido excesivamente difícil, poder contar con Andy C en la Grabación y Anti Horrillo en la mezcla y master hace mucho, son enormes profesionales que ayudan muchísimo a la hora de sacar el sonido que buscábamos.
Cuarto lanzamiento de Juan Saurín, ¿cómo has evolucionado?
Creo que la evolución más evidente es haber dejado ya muy perfilado el sonido y el estilo compositivo que empezamos con Génesis y que de alguna manera en «Supremacy» se ve ya muy claro y con más fuerza que nunca
¿Cómo crees que ha cambiado la industria musical, desde que te iniciaras en el mundo de la música?
Bueno, sigue más o menos igual, ya cuando empecé hace cuatro años todo estaba en internet y sigue estando ahí. Creo que lo más importante es siempre ofrecer algo más, no pensar únicamente en la música. El disco tiene que tener un extra que en nuestro caso lo aportamos con lo bien trabajado que esta el digipack para que aun siendo un disco instrumental, tenga su mensaje claro en los textos e ilustraciones que componen este digipack, y además en este caso, incluimos de regalo el EP «Human Sinfónico» que publicamos el año pasado. Todo tiene la intención de ofrecer algo de mucha calidad para que los que compren la edición física, que además es especial y numerada, tenga un plus que lo haga muy atractivo y que vean su inversión muy justificada.
¿Consideras que se ha perdido el poder del disco como discurso, tras todos los cambios que se han experimentado a la hora de consumir música?
Como te comentaba antes, en los tiempos que corren toca darle muchas vueltas a la cabeza y ofrecer algo más, algo de calidad que lo haga más atractivo. Todo tiene que estar muy bien pensado y muy trabajado. Que el público note que es un producto de calidad, no algo hecho deprisa y corriendo.
¿Cómo ves la nueva escena musical emergente?
Es tremenda, hay mucho nivel actualmente. La lástima son la falta de oportunidades y el apoyo de los grandes medios que aún siguen despreciando el rock y el metal sin conocimiento ninguno. Tenemos que seguir peleando y sobre todo darlo todo para nuestro público, que sin duda es el más fiel y apasionado que hay.
Próximos pasos de Juan Saurín.
Ahora mismo preparar los directos, que ya te puedo adelantar que suenan brutales en los ensayos. Tengo la enorme suerte de poder contar con la enorme banda INFERNALE, para los directos, y es algo sencillamente brutal. Hay muchas ganas de empezar a rodar ya. Durante estos meses estaremos de promo y preparando la agenda ya para 2020, que tiene muy buena pinta.
¿Cuál es la verdadera locura que has cometido por la música?
Sacar discos de Metal Melódico Instrumental (risas). Hay que estar muy «chalao» para sacar discos de este rollo hoy en día, pero es una necesidad «biológica», y en mi caso particular no puedo quejarme ni un poco. Hemos conseguido muchísimo en estos cuatro años, y en ese camino seguiremos.
Muchísimas gracias por esta fantástica entrevista y por todo el apoyo a la escena del Rock y el Metal. Sois parte importantísima para poder llegar al máximo de público posible. ¡¡¡Muchísimas gracias!!!
Promover el talento musical, visibilizarlo, abrir una ventana al mundo, exponerlo y hacer que el público se interese y permanezca expectante. Bajo todas estas premisas, nace el «Ciclo Berlanga Debuts», un circuito musical organizado por la misma Fundación SGAE, y que tendrá lugar en Madrid del 14 al 16 de noviembre. Apuntad bien el sitio, porque los conciertos se celebrarán en la misma Sala Berlanga.
Pero, ¿quiénes son los artistas que actuarán?
Los encargados de abrir esta sesión serán los hermanos sevillanos afincados en Madrid, Gentleman Clef. Tras haberse alzado con el Premio Fundación SGAE de la IX edición del festival OJEANDO Nuevos Talentos, el dúo presentará en la Berlanga de Madrid, su primer y aclamado álbum, «It’s all about balance». La cita con ellos será el jueves 14 a las 20:30H y, lo cierto, es que el acústico promete ser todo un espectáculo de folk y buena música.
El viernes 15 de noviembre, a la misma hora (20:30H), será el turno de Lux Naturans y su indie al más puro estilo electrónico. El trío de Zaragoza forma parte de este ciclo, ya que consiguieron alzarse con el galardón del Concurso Talento Ribera del Festival Sonorama Ribera 2019. Precisamente este día, Lux Naturans no estarán solos. Y es que el dúo Volver (ganadores del Concurso BDCODER 2018), se subirán al escenario a continuación de ellos. Un momento muy especial en el cual, aprovecharán para presentar su primer y nuevo EP, «Abril».
Por su parte, poniendo punto y final, el sábado 16 de noviembre a las 20:30H, será el turno de la artista Sandra Bautista, quien fuera ganadora del Concurso Sona9 2018 organizado por la revista Enderrock. Momento ideal para que la joven presente todos y cada uno de los temas de su trabajo, «Trapezista».
Sin duda alguna, el «Ciclo Berlanga Debuts» se plantea más que especial: no solo nos presentará y nos dará a conocer nuevas propuestas musicales, totalmente emergentes. Es que todas ellas, tienen una calidad exquisita. Así que nosotros no nos lo perderemos por nada del mundo. Si quieres acudir y todavía no tienes tu entrada, puedes conseguirla en la página web de Entradas.com. ¿Todavía te lo estás pensando?
Con apenas unos días de vida, «Tras los impactos», el segundo álbum de los murcianos Funicular, ya es nuestro. Un disco fresco, con fuerza, que nos muestra quiénes son y cómo viven la música Toni Bastida, Lolo Paredes, Álvaro Sánchez y Adrián Llor. Además, al hilo de esta inminente presentación (que no nos puede hacer más felices), pudimos hablar con la banda. Y esto es lo que nos contó. no tiene desperdicio.
¿Cómo surge todo el concepto de «Tras los impactos»?
Por ser una frase de una de nuestras canciones («Nexo») y por lo que ella significa para nosotros, quisimos reflejar en el desarrollo de este EP cinco impactos que nos han llevado a la composición del mismo, entendiendo como impacto aquella situación o experiencia creadora de identidad y personalidad. Al final nos gustó y nos quedamos con él
¿Cómo ha nacido este trabajo y cómo ha sido todo el proceso creativo?
Realmente en el devenir de un grupo van surgiendo acontecimientos, tanto buenos como no tan buenos. Eso influye mucho en la composición. Nosotros hemos afrontado este segundo EP como evolución o como «colchón» de la aceptación que ha tenido el primero. Los sentimientos que hemos tenido con el primero se han reflejado en el segundo. Creemos que ha sido muy bonito poder hacerlo así.
Este trabajo verá la luz el próximo mes de noviembre, ¿cómo lo definiríais en un titular? Para que la gente se pueda hacer una idea.
Toni Bastida: Funicular vuelve con 5 nuevos impactos para presentar su segundo EP.
Álvaro Sánchez: Funicular completa este 2019 con un «Año de Impactos».
Lolo Paredes: Funicular madura «Tras los impactos».
Adrián Llor: Lo nuevo de Funicular: «Impactante».
¿Cómo ha sido grabar junto a José Caballero en los Estudios Neo Music?
Una gozada. Nos gusta que nos digan las cosas y que nos ayuden a funcionar. Aprendimos mucho acerca de este mundo a parte que es la música, de la esencia de las canciones y pistas para encontrar la fórmula de la canción perfecta. La realidad es que siempre decimos que lo importante, además de la música que hagas, es estar cómodo y aprender. Fue un tiempo invertido muy intenso y productivo.
«Ya no me importan» ha sido el primer single, ¿por qué escoger este tema?
Realmente teníamos un par de canciones en el tintero para hacerlas single, pero lo que quizá determinó que la quisiésemos como single fue el hecho de que es más directa, envolvente y marchosa. Las demás también lo son, conste en acta, pero había que elegir una y creemos que no nos hemos equivocado demasiado. No obstante, el single de un disco no lo es todo. Cuando lo escuchas en profundidad y le das un par de vueltas, siempre hay una canción al margen de dicho single que te dice algo, que te da más de la cuenta… y eso también es importante: que cada oyente descubra su trocito de canción favorita.
Este verano, entre otros muchos escenarios, habéis actuado en el del Sonorama Ribera. ¿Cómo vivisteis la experiencia?
Fue flipante. Nos trataron súper bien, tocamos por primera vez en un escenario de esa magnitud, hubo miles de personas escuchándonos (incluido Sean Frutos de Second, que se quedó un rato a vernos), algunos nervios, hacía buenísimo tiempo, sacamos un dinosaurio al escenario, nos lo pasamos genial, y luego por la noche estuvimos por primera vez en un backstage con gente a la que adoramos. Es que no hay pegas. Deseando poder volver a vivir algo igual.
Funicular nace a principios de 2018, ¿cómo habéis vivido todo este crecimiento meteórico?
Realmente no tenemos tanta percepción de que sea algo tan meteórico. Lógicamente empezar no es tan fácil. Nos juntamos en Enero/Febrero del 18 para empezar a tocar y con el firme proyecto de grabar y empezar a hacer cosas a un nivel un poco superior a las pretensiones de «Amigos que se juntan y tocan». Sin casi darnos cuenta estábamos grabando un single y un EP y no es hasta el ’19 cuando empezamos a rodar más en serio, ya con disco, un poco más de imagen y directos que a nivel de asistencia de público estaban funcionando bien. Casi sin darnos cuenta estábamos temblando en las escaleras del escenario de la Plaza de la Sal en Sonorama este verano a punto de subirnos para estrenarnos en un festi grande. Como ya decimos, más que meteórico vemos que está siendo progresivo y que nos seguimos divirtiendo viviendo estas pequeñas cosillas, que es lo que más nos interesa por el momento.
¿Cómo ha evolucionado Funicular en estos casi dos años y, en especial, desde su primer EP?
Antes nos limitábamos a la música, ahora sabemos que siempre hay algo más detrás. Se podría decir que esa industria tiene muchos recovecos y estamos en cierto modo en periodo de aprendizaje al respecto. No obstante tampoco nos hemos desviado demasiado del principal propósito que tenemos, que no es otro que seguir con los conciertos y sacando canciones. Aunque aparentemente estemos más consolidados, el seguir sacando música te genera la pseudo presión de que lo siguiente que saques tiene que ser mejor que lo anterior y al final es la gente la que lo tiene que escuchar y valorar. De momento, siempre decimos que estamos teniendo la suerte de que la mayoría de los que vienen se están quedando, y eso mola bastante.
Y siguiendo esta línea, ¿cuáles son los principales problemas que os habéis podido encontrar vosotros al empezar en este mundo?
Problemas siempre hay de todos los colores en todos los ámbitos pero nosotros los pintamos del color que más nos guste. Quizá lo más problemático es tratar de encontrar conciertos fuera de nuestra Región ya que no hay ninguna agencia ni ningún representante detrás de nosotros. No obstante, por ponerle el adjetivo de problemático lo llamaremos así, ya que moviéndonos por nuestra cuenta estamos sacando bastantes cosas y se nos están abriendo muchas puertas. De momento lo vemos como algo que todo grupo emergente debe sortear.
¿Cómo ves la nueva escena musical emergente?
Con una calidad media/alta. El nivel de imagen, producción, composición, audiovisuales, puesta en escena y backline de los grupos está muy muy alto. Cada vez nos damos cuenta que incluso en los concursos de emergentes el nivel es altísimo y los grupos que participan ya han sonado en mayor o menor medida. La competición entre colegas es dura, pero bonita. Siempre decimos que este momento que estamos viviendo con este nivel de grupos emergentes es muy importante y que en unos años, cosas como la movida indie, la escena murciana, o el rollete de festivales medianos/grandes dará de qué hablar. Nos mola muchísimo participar de esto.
¿Y qué está pasando en la Región de Murcia que está apareciendo tanto talento?, ¿cómo veis el panorama allí?
Creemos que es responsabilidad de todos: Surgen medios de comunicación que a pesar de ser pequeños/medianos y con pocos recursos, están cubriendo todo lo que ocurre los fines de semana en Murcia (siempre hay algo y todo funciona); la gente está interesada y se mete en esa dinámica consumiendo información y queriendo cada vez más; los locales y salas se animan cada vez más a abrir sus puertas a la música en directo porque se dan cuenta que con grupos emergentes que suenan bien y lo hacen bien las cuentas les salen porque la gente acude; las instituciones públicas apoyan con concursos, mini festivales, otros festis medianos/grandes, certámenes… y todo ese apoyo tanto visual como económico hace que los grupos emerjan.
Al final, como ya decimos, en Murcia siempre hay algo. Ya sea en la capital, en pedanías o municipios. Se ha generado una dinámica importante ya difícil de desarraigar y eso al final se traduce en que se apuesta por la cultura, su gente lo sabe y quiere ser partícipe. Es muy beneficioso para nuestra Región que esté ocurriendo todo esto.
Próximos pasos de Funicular.
Molaría decir que nos encantaría ir a la confitería de nuestro pueblo y que nos conozca alguien más que nuestras tías y nuestros primos que van a tomar café después de comer. Pero vamos a ser más realistas.
Los pasos que tenemos claros son que queremos que pasen un par de años haciendo un par de festivales con nuestro nombre en pequeñito (o medianito) en los carteles; nos queremos sentar a pensar en un LP, siendo conscientes de que primero hay que rodar con los 2 EPs que tenemos (que al final son 11 temas para girar); y por supuesto darle una vuelta a España ya que nos encanta ver sitios nuevos, descubrir pueblecitos y pasearnos por la mañana viendo sus gentes y ambientes.
Tenemos videoclip a la vuelta de la esquina, además de otros tantos recursos audiovisuales que querremos ir sacando a lo largo del desarrollo de la gira y cosas que, sin más, nos van surgiendo. No podemos quejarnos de nuestros sueños, la verdad.
¿Cuál es la verdadera locura que has cometido por la música?
Toni: Una tarde de enero de 2018, tenía mi guitarra acústica colgada. Acababa de tocar una canción que había compuesto. Era malísima. «Molaría tener un grupo, pensé». Hoy tengo 3 hermanos, unos 100 amigos más, he vestido de gala 11 canciones que comenzaron siendo un silbido en la grabadora de mi iPhone, me he subido a unos 15 escenarios distintos, he tocado para cientos de personas, soy mucho más pobre económicamente pero mucho más rico personalmente y estoy cumpliendo un sueño precioso. Un poco de locos si que es, ¿no?
Álvaro: Para ser la pregunta 13 no está nada mal [risas]. No sé si es la mayor locura, pero sí de las que más recuerdo. En primero de carrera hice un examen de Bioquímica (incluidas las preguntas de metabolismo) en 20 minutos porque me tenía que ir pronto a otra ciudad a hacer cola para estar en primera fila encaramado a la valla de un concierto. Ese 0,6 que saqué y la vergüenza al ver la peor nota de la clase en las actas mereció la pena, creo. En septiembre saqué un 6,1. Mis padres no se enteraron. ¡¡MAMÁ TE QUIERO!!
Lolo: Con 17 años pillé mi primer trabajo en los meses de verano, necesitaba dinero para echar una mano en casa. Un día vi la guitarra de mi ídolo en una página alemana, y no me lo pensé dos veces, me gasté todos mis ahorros en ella, y a la semana siguiente se me acabó el contrato de trabajo. Era pobre pero tenía la Red Special de Brian May colgada en mi habitación.
Adrián: Más que por la música, CON la música he hecho mis mayores locuras, como atreverme a cantar y tocar en público. Y no la batería, que es mi instrumento. Y no cualquier día, lo hice en mi boda (no sé como la gente me dejó cantar. Habría entendido que mis invitados se fuesen en ese momento). Pero la música es parte de mi ser y a veces no puedo contenerla dentro.
Vicente Navarro es sinónimo de tradición y de folclore. Pero también lo es de música moderna y sonidos urbanos. Y es que con esa increíble sensibilidad que tiene, ha conseguido rozarnos el corazón con su primer trabajo, «Casi Tierra». Un debut que estamos seguros, que será un éxito. Porque sí, porque escucharlo cantar es un regalo, igual que lo es escucharlo hablar y responder nuestras preguntas. ¡No os perdáis todo lo que nos contó!
¿Cómo surge el concepto de este «Casi Tierra»?
Yo llevaba mucho tiempo componiendo y me encontraba en un momento en el que también necesitaba saber cómo producir las canciones, para poder presentarlas. Y lo cierto es que estuve mucho tiempo dándole vueltas a este asunto, porque era muy importante para mí qué transmitir y cómo. Quería que esa fuera la manera y no otra. Así que poco a poco, fui conectando con el folclore, tanto de España como de Latinoamérica. Y me di cuenta de que, para que fuera fiel a mí mismo, el disco tenía que mostrar las dos caras: una que tiene que ver con la tradición y el folclore del mundo, aunque con especial hincapié en el español; y otra más relacionada con las músicas urbanas, la electrónica o el rap, que también han formado parte de mi vida.
Precisamente, el título del álbum es también muy revelador.
Sí, de hecho, estuve pensando mucho en el título y sabía que, al final, surgiría algo que aunara todo. En realidad, hace mucha referencia al momento en el que me encontraba yo, «Casi Tierra». Un momento de intentar conectar de una manera muy personal y profunda con la gente, de hacerlo con mis letras y con mis canciones. Y, bueno, al final el título apareció cuando estuve leyendo uno de los textos de Francisco Ayala.
Álbum debut que vio la luz el pasado mes de junio. ¿Cómo ha sido la acogida estos meses?
La verdad es que ha sido bastante buena. Sí que es verdad que un primer disco tiene que entrar despacito y que hay que ir poco a poco. Pero lo cierto es que los medios de comunicación se han interesado mucho, a la crítica también le ha gustado y, además, algunas de las canciones consiguieron explotar en plataformas digitales, consiguiendo bastantes reproducciones. Así que estamos muy contentos y en camino, tanto con el videoclip como el nuevo vídeo.
Observamos que este «Casi Tierra» es un trabajo muy cuidado, de principio a fin. Entiendo que para Vicente Navarro es muy importante el conjunto: desde la parte más visual, hasta la parte más compositiva.
Sí, totalmente. Lo que creo que pasa muchas veces es que vamos muy rápido y no nos paramos a pensar. Entonces yo intenté hacerlo justo al contrario. De hecho, el disco tardó mucho tiempo en ver la luz, porque quería que todo estuviera perfecto y que fuera honesto conmigo en todos los sentidos. Y es que, al final, han sido cuatro años desde que empecé a componer, hasta que todo ha ido tomando forma. Todo ello, porque yo necesitaba pararme y ver qué quería hacer. Vivimos en un mundo en el que la música ya es sonido e imagen. Así que, al final, conseguí encontrar mi camino, ese en el que me siento cómodo y me siento yo, tanto sobre el escenario como con las propias canciones. Y creo que este punto es muy importante, considero que todos los artistas deberían encontrar la vía con la que se sientan bien y ser fieles a sí mismos.
Cuatro años comentas que has estado trabajando en este trabajo, ¿cómo ha sido todo este proceso creativo?
Pues ha sido duro, la verdad. Sobre todo, ese momento de plantearme cómo quiero contar las cosas. Fue un proceso largo de trabajo: hubo canciones que compuse tanto en inglés como en español y estuve trabajando el lenguaje de esa manera. Luego hubo una criba de temas y, más adelante, me reuní con Eduardo Figueroa, el productor del álbum, e incluso con los directores de los videoclips para ver las líneas que íbamos a trazar. No es fácil, porque trabajas con mucha gente y tienes que respetar su visión, a la par que intentas hacer entender la tuya.
Hablando un poquito de los videoclips: hace unos meses vio la luz «Esternón», que ha sido un revolución; y hace apenas unos días lo hizo «Un llanto». ¿Cómo te sientes y cómo lo has afrontado, especialmente con este último?
Pues la verdad es que estamos muy contentos, especialmente con el lanzamiento de «Un llanto», porque ha sido el más reciente. Todo el equipo estamos muy contentos con el trabajo y con todo lo que traslada y transmite este videoclip. Además, tiene una carga muy especial, porque «Esta tierra» lo grabamos en la tierra de mi familia, en Ciudad Real. Entonces estábamos con muchas ganas de que la gente lo viera. Aunque, por otro lado, no quería estar muy pendiente de la respuesta de la gente. Quería lanzarlo y dar un paso más como todo en este proceso. Y así fue.
¿Por qué precisamente estas dos canciones para acompañarlas de su videoclip?
Creo que ya cuando estás grabando, te vas dando cuenta de las canciones que tienen potencial, las que son más personales o las que tienen el sonido más representativo del disco. «Esternón» era una canción clásica, lenta, que tenía un punto de equilibrio entre lo nuevo y lo tradicional. En cuanto a «Un llanto», era un tema que nos gustaba a todo el equipo. Tenía mucha fuerza y nos gustaba esa relación que guardaba con la tradición, cultura y música latinoamericanas.
Además, teníamos claro que con este trabajo no iba a haber singles, si no que presentaríamos todos y cada uno de los temas poco a poco.
La canción que mejor defina el momento en el que estás.
Siempre que me preguntan, digo que es «Toro», porque creo que está muy equilibrada, entre lo urbano y la electrónica, y el folclore y lo tradicional. Entonces creo que es la que más me representa a mí y la que mejor refleja el camino por el que quiero seguir.
Siendo este tu debut, ¿cómo de complicado ves acceder y hacerse hueco dentro del panorama musical?
Es un camino complicado, la verdad. Conlleva mucho trabajo, mucho esfuerzo, tener las cosas muy claras y trabajar y rodearte de mucha gente. Además, creo que también hay un componente de suerte. Yo creo mucho en el trabajo, en la perseverancia y en la suerte. No es una industria fácil, tienes que estar ahí, trabajar, conocer gente.
¿Cuáles son los próximos pasos de Vicente Navarro?
Pues en estos momentos, estamos preparando el videoclip del que será el tercer single, que todavía no podemos decir cuál es [risas]. Además, el 26 de noviembre actúo en la presentación de mi sello discográfico, «El Tragaluz». Y a partir de finales de año y principios del próximo, esperamos poder comenzar con una gira de primavera, que enlace con verano. Que, bueno, este punto dependerá un poco también de cómo vaya reaccionando la gente. Mientras tanto, yo me encuentro inmerso en los ensayos, ya de cara a los conciertos.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
Buf, es que no lo sé, creo que he hecho mogollón de cosas [risas]. Es complicado, porque pueden haber muchas cosas que se consideren locura, pero al final todo ello, me ha traído al punto en el que estoy. Quizás, y depende desde dónde se mire, puede ser una locura el haber invertido tanto dinero en el proyecto. Que yo estoy contento y lo volvería a hacer. Pero claro, es lo que también corresponde cuando empiezas con tu música, con tu proyecto: debes invertir mucho esfuerzo y también dinero.
El pasado 30 de diciembre, Travellin’ Brothers actuaban en el Teatro Arriaga Antzokia de Bilbao. Un concierto mágico a la par que especial, en el que además contaron con la colaboración especial del gran Earl Thomas. Motivos por los cuales, la banda de Bilbao grabó en directo su nuevo disco, «1001 Nights». A una sola toma, sin trampa ni cartón y con un teatro a rebosar de gente, este trabajo recoge un arsenal de canciones que han marcado a la banda. Un repertorio que va de las canciones más aclamadas de su último disco; hasta los temas más históricos de Travellin’ Brothers pero con una vuelta de tuerca (con nuevos arreglos y revisiones de las interpretaciones); pasando por otros completamente inéditos y preparados para la ocasión. Un disco increíble que, como colofón, vio la luz el pasado 27 de septiembre.
«1001 Nights», el broche perfecto
Después de 15 años en escena, 8 discos, 1000 conciertos a las espaldas, giras nacionales e internacionales, grandes festivales y colaboraciones de lujo, Travellin’ Brothers ponen el broche de oro perfecto a su carrera. Y lo hacen con este «1001 Nights», que ha supuesto una verdadera revolución desde que se publicó el pasado mes de septiembre.
Una revolución que llegará a los escenarios este mismo mes de noviembre. Y arrancará con d fechas en dos grandes ciudades. El 15 de noviembre, la Sala Copérnico de Madrid será testigo de este concierto tan especial. Mientras que al día siguiente, el día 16 lo será la Sala Rocksound de Barcelona. Dos conciertos a los que seguirán muchos más, que podréis encontrar a continuación.
Y es que, amigos, es buen momento para el blues. Travellin’ Brothers son el mejor ejemplo de ello. Sus años de experiencia y su trabajo son la mejor prueba de ello: y es que entre los innumerables méritos de la banda (tanto por parte del público como por parte de la crítica), está el de haber recibido el Premio a Mejor Banda de Blues del Mundo en 2015.
PRIMERAS FECHAS DE LA GIRA
08 nov FARO (PORTUGAL) Clube Farense
09 nov BAIXA DA BANHEIRA MOITA (PORTUGAL) Blues Nights
Un proyecto que comenzó a tomar forma con un taller musical. Unas sesiones dirigidas por el cantautor Rafa Sánchez y en las cuales, las mujeres podían crear, componer y cantar sus propias canciones. Unas canciones que sirven como altavoz, como denuncia contra el maltrato y como mensaje positivo, demostrando que se puede salir de esas situaciones y animando a que otras mujeres en situaciones similares, pidan ayuda.
Sobre «Funambulista», tuvimos la suerte de que Sean volviera a colaborar con nosotros en el directo de la presentación del disco en la Sala El Sol y nos encantó como quedó, pues además grabamos el concierto completo en vídeo, y con las imágenes decidimos hacer el videoclip. Creemos además que con ese vídeo la gente podrá ver como nos las gastamos y cómo funcionamos en directo.
7 discos de estudio y 17 años de carrera, ¿de qué manera ha evolucionado Tr3sdecorazón?
Por su parte, poniendo punto y final, el sábado 16 de noviembre a las 20:30H, será el turno de la artista Sandra Bautista, quien fuera ganadora del Concurso Sona9 2018 organizado por la revista Enderrock. Momento ideal para que la joven presente todos y cada uno de los temas de su trabajo, «Trapezista».
Funicular nace a principios de 2018, ¿cómo habéis vivido todo este crecimiento meteórico?
