Continuamos con nuestra imperiosa e imparable necesidad de hablar de bandas que, por diferentes motivos, podemos no conocer o pueden quedar más silenciadas en medio de este mar que supone el panorama musical. Y hemos descubierto recientemente cuatro bombazos que, estamos seguros, no pasarán desapercibidos en los próximos meses. ¡Mucha atención a Sealskin, María Laín, Astrogirl y Plágaros!
Una grata sorpresa llamada Sealskin
Hace algunas semanas incluímos su videoclip de «She Horse» entre nuestros videoclips destacados, pero es que Sealskin es una de esas artistas de las que hay que hablar en más de una ocasión sí o sí. Porque tiene un talento desmesurado y porque no deja de sorprender. Y es que con cada canción que presenta, nos acerca aún más a su nuevo trabajo: el último asalto es «Tell Me Why», cuyo videoclip verá la luz a lo largo del día de hoy. Canción especial que lanza al mundo como pregunta retórica lanzada al espacio, al universo o al propio subconsciente. Una canción que nos transporta a los sentimientos más dramáticos y místicos, debido a esa melodía tan particular que la acompaña. ¡No os la perdáis!
Prueba la potencia de María Laín
Tiene una garra y una fuerza sobrecogedoras. Y su último trabajo «B-Side», que vio la luz el pasado 31 de enero, es la demostración perfecta de ello. Aún así ha seguido sorprendiendo con su música, en esta ocasión con la publicación de su tema (incluido en el álbum) «Corazón Destroyer». Tema especial donde los haya, interpretado junto a Luis Basilio y el primero de la artista en español. Con carrera ascendente, especialmente tras la evolución experimentada tras sus primeros «Asymmetry» (2016) y «More Or Less» (2017), la artista española con ascendencia sueca emprende su viaje, que la llevará de escenario en escenario con este tercer álbum. Por lo pronto, pudimos disfrutar de ella y de su proyecto de vida en Madrid: fue el pasado 12 de febrero en la Sala Siroco, donde estuvo acompañada por Juan Espiga de Club del Río. Pero tranquilas, porque no será la única ocasión en la que podamos verla.
La increíble Astrogirl aúna fuerzas con Nacho Vegas
Puede que sea por su dulzura o por ese carácter que impregna en todas y cada una de sus canciones: Astrogirl es una de esas artistas que tiene estrella, que engancha, que enamora. Y lo ha demostrado, una vez más, con la publicación de su nuevo tema «Salve Serpiente», en el que ha aunado fuerzas con el compositor asturiano Nacho Vegas. El resultado está claro: una canción que, como un cuchillo, va directa a nuestro corazón. Imposible salir ileso de ella, una vez la escuchas. Y es que los giros que da este «Salve Serpiente» son impresionantes: un pasaje que comienza de manera aparentemente acústica, pero va creciendo según se suceden las diferentes estaciones de la composición y termina en una auténtica explosión rock cargada de emoción y contundencia. Una auténtica joya que la artista estará presentando en directo, junto al resto de sus composiciones: Ferrol, Ponferrada, Madrid o Gijón serán algunas de las ciudades en las que podremos ver a Astrogirl.
Los hermanos Plágaros llegan para hipnotizarnos con «Young Hopes»
«Young Hopes» es el nuevo single de los hermanos Plágaros, con el que están comenzando a marcar una nueva etapa. Nueva etapa que terminará de tomar forma con el lanzamiento de su inminente álbum «A Day, A Family and the Night». Y es que en este primer disco, la banda nos adentra en este espectacular viaje que nos hará recorrer su amplio espectro de influencias: de David Bowie a Perfume Genius, pasando por Rush, Prince, The Beatles, T-Rex, Tomita o Arcade Fire. Pero todo ello, pasado por el particular filtro de los propios Plágaros. No los perdáis de vista porque el 28 de febrero tienen su gran estreno. Y seguidamente, comenzarán a rodar: Bilbao, Madrid, Zaragoza, Madrid o Barcelona son algunas de las ciudades que visitarán.
Sue nuevo disco llegó hace algunas semanas para salvarnos la vida, para curarnos las heridas cuando más lo necesitábamos. Se trata de «Tiempos de Impacto», el segundo larga duración de Sienna, que nos ha enamorado desde la primera escucha. Escucha que muy pronto se trasladará al directo y es que este mismo viernes 21 de febrero, podremos disfrutar de él en la Sala Continental de Barcelona. Aunque mientras llega el día, os traemos la entrevista que le pudimos hacer hace algunos días. Atención, porque tiene mucha miga.
¿Cómo surge el concepto de «Tiempos de Impacto»?
Pues lo cierto es que «Tiempos de Impacto» es un poco una consecuencia de «Trágico y Fugaz». Tras este primer disco, experimenté una época de evolución, como de muchos cambios, de una intensa búsqueda del camino correcto y, sobre todo, de trabajar mucho con el equipo. Todos esos cambios y todo ese cúmulo de emociones, fueron para mí como pequeños impactos. Fueron como las consecuencias de «Trágico y Fugaz», pero desde una perspectiva de enfado y de resignación por todos esos impactos. Así que estas diez canciones son diez impactos que han quedado congelados durante el proceso.
Hablando de impactos y de consecuencias, ¿cómo ha cambiado Sienna desde aquel «Trágico y Fugaz»?
Pues al final, durante todo este proceso han ido llegando varios palos, pero no queda otra que ir aprendiendo y superando. Y, poco a poco, vas componiendo nueva música y vas sabiendo lo que quieres. Lo cierto es que la evolución es algo natural, forma parte de todo este proceso: lo raro sería no cambiar. Si no lo haces. algo no está funcionando. Así que, en definitiva, no soy el mismo y eso se ve reflejado en este nuevo disco.
¿Y qué queda? Porque al final siempre permanece nuestra esencia, aunque evolucionemos.
Pues yo lo que creo es que lo que he intentado es seguir siendo fiel a mí mismo y tener presentes a los que han sido siempre mis referentes, como Editors, The Smiths o The Arctic Monkeys. Aunque realmente, lo que he querido es hacer un ejercicio de copiarme a mí mismo, pero cambiando el discurso y cambiando las letras. Y, evidentemente, contando otras historias. Pero siempre intentando ser fiel a mi manera de articular la música.
¿Cómo ha sido la acogida del álbum?
Pues lo cierto es que me ha sorprendido muchísimo. Llevábamos mucho tiempo sin publicar nada y no esperaba tal acogida. Pero la verdad es que la gente ha sabido esperar muy bien y ha dado mucho espacio para poder crear y componer. Además, se nota que no solo se han quedado con los singles, sino que se ha escuchado todo el álbum, tiene su canción favorita y conecta, la hace suya. Esa bidireccionalidad entre artista y público me gusta mucho.
Nos ha llamado mucho la atención lo bien que está hilado todo: desde el título del álbum hasta el propio diseño. ¿Cómo surge todo el concepto de la imagen?
Yo tenía claro que no había ninguna canción de relleno: quería que todas ellas tuvieran el mismo peso y que fueran igual de sólidas todas. Por eso, quería que cada una de ellas tuviera un icono determinada. De ahí, que la portada del disco sea un corazón simbólico, un corazón con forma de cerebro, que a su vez, está rodeado de un hilo. Un hilo que, si escuchas el disco, tiene un significado: y es que representa toda esta maraña emocional de la que hablábamos, representa todos estos impactos. Todo eso es lo que me interesaba representar: esa maraña a nivel emocional en la que cerebro y corazón están sumamente unidos. Y es que, todo lo que afecta a uno, también afecta al otro.
De todo lo que leímos, una frase nos llamó la atención: «En este tiempo, hubo 14 impactos, pero solo 10 de ellos, los más profundos, se materializaron en este disco». ¿Qué te hizo descartar los otros 4?
En la portada sí que se ven reflejados todos, porque hay 14 números. Pero sí que es verdad que las canciones que consideraba las más sólidas y contundentes, eran las que se han quedado. Quizás los otros 4 impactos, tienen que evolucionar en el tiempo y solidificar su discurso. Pero estas 10, como digo, son las que más peso tenían a la hora de componerlas y posteriormente, vestirlas.
¿Cómo ha sido trabajar con Raúl Nacher en todo lo que es la producción del disco?
Ha sido muy guay, la verdad. Llevo trabajando con Raúl desde 2014 y creo que este es el momento que más he disfrutado de este proceso. Son muchos años conociéndonos, pero en esta ocasión, no ha habido ningún tipo de expectativa ni de querer hacer más: simplemente, nos hemos puesto al servicio de las canciones. Sí que es cierto que ha habido cierta presión, por mi parte al ser el segundo disco. Pero aún así, han sido dos o tres meses súper intensos en los que, con calma, he estado escuchando los temas una y otra vez, buscando una aproximación a lo que está sonando en mi cabeza, sobre todo.
Como adelantos escuchamos «Solo Te Noto a Ti», «Una Presa que Atacar» y «La Cabeza y el Juicio». ¿Por qué estas canciones?
Además, son justo las tres canciones que abren el disco. «Solo Te Noto a Ti» fue la primera casi que grabamos y la primera en salir: vio la luz en el mes de marzo, poco antes de lo que teníamos previsto que saliera «Tiempos de Impacto», pero por diferentes motivos, se terminó retrasando todo. «Una Presa que Atacar» fue la siguiente, porque pensamos que era la que mejor reunía el sentido del álbum: un discurso sólido y con esa parte hiptónica del principio. En cuanto a «La Cabeza y el Juicio» fue un pálpito: todos querían que el single fuera otro, pero yo sentía que tenía que ser esa y es que es una de las más especiales, tiene gran sentido para mí. Y ha funcionado muy bien, porque creo que cuando algo tienen mucha verdad, todo vale. De hecho, el mismo día que vio la luz este último single, vi que la compartió Alberto de Miss Caffeina, lo cual me hizo muchísima ilusión.
«Tiempos de Impacto» muestra la evolución y el cambio de sonido de Sienna, aunque «El Simulacro» fue la primera prueba de ello. ¿Cómo surge esta canción?
Pues al final, «El Simulacro» se ha quedado un poco como un tema de transición entre un disco y otro. Se ha quedado, como bien dice el título, como una especie de simulacro, a ver qué pasaba. Se ha quedado en la búsqueda de sonido, en el cambio que terminó desembocando en «Solo Te Noto a Ti». Lo seguimos llevando a los directos, porque nos parece un tema guay y a la gente le gusta. Pero creo que se tenía que quedar donde está, justo en el limbo entre ambos álbumes.
¿Cómo es todo el proceso creativo de Sienna?, ¿cómo construye su sonido?
Creo que todavía le queda mucho por avanzar. Sí que es cierto que con el primer EP que publicamos, «Épico y Mortal», comenzamos a abrir un camino en la forma de crear la música, de componer la melodía. Y aunque hubo errores y diferencias, de todo ello terminas haciendo una virtud. Así que en base a eso, traté de empezar a construir todo el universo Sienna: desde las letras hasta la melodía, pasando también por esa simbiosis entre ambas. Y creo que conseguimos el equilibrio perfecto, entre el sonido de banda y la letra de cantautor.
¿Qué canción de Sienna definiría mejor el momento en el que estás y por qué?
Pues quizás me quedaría con «Multitudes», porque es toda una declaración de intenciones y porque para mí tiene una de las mejores letras de este disco. Es súper directa y honesta, y es uno de los discursos más importantes para mí. Además, fue de las primeras que escribí. Eso, canción de este disco. Evidentemente, en la carrera de Sienna hay otras canciones como «Épico y Mortal», «Como Dos Cometas» o «Una Presa Que Atacar». Todos ellos son como temas bandera de la banda.
Ahora llega el momento de los directos y ya tuvisteis primera toma de contacto en Madrid: ¿cómo vivisteis en concierto y el sold out allí?
La verdad es que me está empezando a dar un poco de miedo todo lo que está pasando, porque ahora estamos empezando a ser conscientes de la magnitud que está congiendo el proyecto, a base de todo el trabajo que hemos hecho, claro. Y sí que es verdad que estoy empezando a notar cómo crece la burbuja y cómo se hace también más sólida toda esa base de seguidores que íbamos teniendo. Y lo cierto es que es todo muy gratificante. Precisamente, en ese inicio de gira en Madrid yo estaba tan nervioso, pero al final fue tan bonito, que se me olvidó absolutamente todo. Fue muy guay empezarlo allí, la verdad.
¿Cuáles son ahora los próximos pasos de Sienna?
Pues estaremos recorriendo diferentes ciudades, como Barcelona este viernes y luego seguiremos por Alicante, sevilla, Granada o Murcia. Tenemos una gira de salas bastante extensa, que se unirá después a la de festivales (que quedan bastantes por confirmar). Y, bueno, algún que otro as en la manga tenemos. Estamos muy contentos con todo, la verdad.
Para cerrar la entrevista, ¿alguna locura reciente que se pueda contar?
Bueno, locura, a mí es que me pasan mil, pero porque soy muy despistado en ciertas cosas [risas]. Resulta que en uno de los conciertos, alquilamos una furgoneta para poder movernos de un sitio a otro. Y resulta que la empresa de alquileres siempre nos cedía la misma, pero en esa ocasión nos la cambiaron y ni nos fijamos. Así que yendo ya dirección al concierto, paramos y, sin querer, le puse diesel en vez de gasolina. ¿Qué pasó? Pues que claro, el coche se paró en medio de la carretera, tuvimos que llamar a la grúa, no llegamos a tiempo, se nos hizo una hora tarde. Ahora lo pienso y me río, pero en su momento lo pasé mal [risas]. Pero son cosas que pasan cuando vas con la inercia. Bueno y seguro que muchas más me pasarían, pero ya no me acuerdo [risas].
Cuando el descubrimiento de bandas no tiene límites, llega, así de repente a nuestras vidas, Destino 48. Desde el mismísimo corazón de Gijón, llegan este mismo sábado 22 de febrero a la Sala New Fizz de Barcelona. El motivo no es menor, si mucho menos: y es que están de lleno sumergidos en la presentación de su nuevo trabajo, llamado «Caleidoscopios». Un trabajo muy especial que vio la luz el pasado 15 de noviembre. Un trabajo con el que han dado un paso más en su carrera, en su camino hacia la madurez y que, además, supone ya el tercero para la banda. Pero, ¿qué más sabemos de ellos y de este nuevo álbum?
«Dicen que el disco es un formato acabado. Que la gente ya no los escucha, no los compra, no los regala, no los busca. Que ya nadie lee las letras de las canciones. Que cada vez hay menos bandas. Que ya no se venden guitarras. Pero aquí hay, otra vez, un disco. Nuestro tercer disco».
De esta manera particular y con toda una declaración de intenciones, presentaba Destino 48 su nuevo «Caleidoscopios». Un álbum fraguado en las entrañas de Audiomatic Estudios (Madrid), bajo los mandos de Chapo González y con las colaboraciones especiales de César Pop (letras) y Sergio Valdehita (teclados). Un trabajo que es sinónimo de viaje, viaje a través de diez canciones redondas y luminosas. Diez canciones que suenan y que nos transportan a diferentes estilos musicales y emociones, desde el rock sin concesiones de «Match Point», hasta el soul y el funk de «La Gran Ciudad», pasando también por el particular intimismo de «En Medio del Amor». Un disco que nos obligan a mirar a la realidad cara a cara y que suena más a Destino 48 que nunca.
Ahora, llega el momento de iniciar el viaje en la carretera. Un viaje que comenzó hace ya algunas semanas, pero que este mismo sábado 22 de febrero llegan a Barcelona: ¿estáis preparados para asaltar la Sala New Fizz y recibir una buena descarga de energía por parte de los gijoneses? ¡Compra tu entrada antes de que vuelen todas!
El pasado 7 de febrero nos sorprendía con el lanzamiento de su primer álbum ‘Donde Nace el Infarto’. Se trata de Ciudad Jara, proyecto personal de Pablo Sánchez, quien acaba de emprender un nuevo viaje. Viaje en el que, nuestros compañeros María Ibáñez y Makeda, han acompañado al autor durante unos instantes. No os perdáis la entrevista que le hicieron hace apenas unos días.
«Hoy nace, dura como la piedra, una ciudad nueva. Un nuevo lugar. En ella se levanta el vaso y el puño. En ella cabe la locura de remate. Todo tenía un porqué.
Un viaje a un lugar nuevo. Un destino del que tú también formas parte. Bienvenidos a Ciudad Jara».
Así presentaste en octubre el nuevo proyecto, como una especie de nuevo mundo, al que además la intro del disco invita a que nos adentremos de una forma, para mi gusto, muy romántica: la luna, la noche, la locura. ¿Tenías claro desde el primer momento que querías que este halo de misterio envolviese el disco?
Sí. A mí me gustaba pensar que toda la idea de ese algo nuevo que íbamos a generar, no solo musicalmente sino también como concepto, como Ciudad Jara, tuviera una llamada, una introducción que sí que tuviera este misterio. Y fíjate que era arriesgado porque al soltar una intro así tan épica podía parecer que todo el disco iba a ser así, en plan Juego de Tronos. Pero sí, me gustaba que la primera toma de contacto fuese así. No sé, es como cuando ves el trailer de una peli y te genera ese: “Hostia, ¿qué es esto? ¿qué va a pasar aquí?”. Porque realmente en cuatro frases se está diciendo que se viene un mundo muy grande, y eso es lo que yo quería expresar.
Me había ido de “viaje”, entre comillas; había estado un año y medio fuera de todo, componiendo, y ahora estaba volviendo a tocar tierra y me imaginaba a mí mismo así, rodeado de una fragata de gente que abandera la locura, que hace las cosas de corazón y como salen del alma, y me sugirió esta escena de los barcos llegando a tierra.
¿En un principio pensaste en el disco como concepto global o querías que cada canción tuviera su propio universo?
Yo creo que más como varios universos diferentes porque es muy, muy complicado pensar en un disco como si estuvieses pensando en un libro, por ejemplo. Yo no sé si hay algún artista que lo haga… Bueno, sí, creo que el disco que tiene Rosalía tiene como una línea narrativa en todos los temas, pero para mí, aunque me gusta la literatura, eso es algo complejísimo. Además creo que en la música tienes que expresar cosas que te salen muy fugazmente o esporádicamente y no puedes ceñirte a un guion de todo un disco. Me gustaba más plasmar la idea de plasmar doce historias diferentes.
Entonces en el disco no hay, por así decirlo, un mensaje principal.
Ninguno, no hay ningún mensaje. Sí que es verdad que cada disco lo compones en una época de tu vida y son los momentos y la vida los que te van marcando el estilo. Yo por ejemplo he vivido una época muy bonita, que es la de ser padre, simultánea a una época muy difícil a nivel emocional porque he dejado un proyecto que estaba muy consolidado, con mucha gente que formaba parte de él. He decidido irme y hacer un viaje en solitario y todo eso pues te supone un montón de conflictos a nivel personal y emocional, y por eso no creo que haya ninguna idea clave.
Prácticamente una semana después del lanzamiento, ¿cómo valoras el recibimiento por parte del público? ¿Ha cumplido con tus expectativas y con las suyas? Porque recordemos que antes de que saliese el disco ya habías hecho dos sold out para los conciertos de presentación.
Joder, el recibimiento ha sido muy guay. Hay una cosa que valoro mucho y es que noto en el feedback que la gente más que centrarse y pensar o expresar que les gusta más una canción o que les gustaba más el Pablo de La Raíz, ha entendido un cambio. Más allá de si les gusta o no han entendido que esto es una deriva artística, que yo quiero expresar otras cosas, que quiero expresarme y vestir mi música de otra manera. Y esto es lo que más me gusta fuera de números, que también son importantes, ¿no? Porque como decías hemos hecho sold-outs con dos canciones apenas, cosa que por un lado da mucho miedo porque realmente vuelves a estar en la escena o en el mismo lugar del que huiste. Pero bueno, también pienso que aunque todo ha sido muy vertiginoso hemos currado mucho este año con el equipo de Ciudad Jara que somos muchos, no solamente Pablo Sánchez y los músicos. Hay un montón de gente alrededor de las redes sociales, la logística y todo eso. Y hemos currado al detalle cada cosita para que todo saliera bien, y creo que también es recoger el fruto de lo que hemos sembrado.
Dentro de las doce canciones que completan tu trabajo hay un poco de todo: hay poesía, hay crítica, sensibilidad del cantautor. ¿Sigues alguna fórmula para desarrollar la temática de las canciones?
Fórmula como tal no. Yo saco muchos estribillos. A lo mejor saco veinte o veinticinco estribillos de canciones con la guitarra, muy épicos, me los imagino muy cantables y cada uno con una temática. Luego cojo los que más me gustan, me los quedo y desde ahí empiezo a hacer las once o doce canciones que quiero. Por eso al final es tan dispar el disco en temáticas y en estilos, porque un día me salió un estribillo un poco murguero, otro día las nanas. Pero no, pienso que no hay ninguna fórmula.
Y dentro de esta variedad de estilos, ¿piensas que hay alguna innovación importante?
Como a nivel estilístico es muy variado, yo creo que a lo mejor la innovación está más en que la gente que conocía cómo componía yo, ha descubierto una parte más íntima o más personal, una manera de expresarme un poco más profunda alejada del bullicio de lo explícito, más cercana a la poesía y la metáfora. A lo mejor están encontrando un poco más de, como has dicho tú, sensibilidad de autor. Quizá eso sea lo más novedoso.
En la primera escucha me llamó la atención especialmente los versos de Alfonsina Storni al comienzo de “Ultramar”. También has hablado del protagonismo de la estatua del pensador de Rodin. ¿Qué otras influencias artísticas has querido dejar plasmadas?
¡Buah, un montón! En casi todas las canciones las hay. Musicalmente hay muchísimas: canción de autor, que van desde Sabina, Violeta Parra, o Jorge Drexler, que me encanta; grupos extranjeros que me han gustado mucho y que parece que no tienen nada que ver a priori pero que están de alguna manera como Biffy Clyro o Coldplay. Y luego aparte otras fuentes artísticas como las que has dicho: he leído mucho a Alfonsina Storni, a Ángel González, y a Miguel Hernández sigo leyéndolo. “El último pasillo” lo inspiró un poema italiano que se llama “Ali d’ella” y habla del poder igualitario de la muerte. También escucho mucha música latinoamericana, de Uruguay, Argentina… No sé, muchas.
Lo que hablábamos antes de la sensibilidad de autor es algo que donde más queda reflejado es en las letras, que en el disco tienen especial protagonismo. ¿Cómo piensas adaptar esto al directo? ¿Habrá una puesta en escena más bien íntima?
No lo sé. Estamos empezando a ensayar las canciones, pero no el directo. Tenemos pensado empezar a ensayar el directo ahora cuando acabemos con esta promoción. Yo todo lo que hago en la música lo intento cuidar al máximo y el directo también. Obviamente será un concierto muy diferente a los que hacía con La Raíz. Ahí éramos once personas dando botes, muchísima energía, había mucho desenfado, un lenguaje muy explícito. La comunión con el público era enorme, cantaban ellos más que nosotros. No había a priori tanta exigencia a nivel técnico como puede tener esto. Intentaré que sea un concierto en el que pueda demostrar estas cosas íntimas que he plasmado en las letras de manera más cercana, pero que también sea intenso.
Ahora que comentas esto de la cercanía, llama la atención que las confirmaciones que de momento tenéis, salvo los tres conciertos de presentación, son en varios festivales. ¿Valoráis o tenéis previsto hacer una gira de salas ya de cara al otoño, quizá?
La gira de salas depende un poco de los conciertos que vayamos cerrando. El hecho de que empecemos en festivales tiene que ver un poco con el calendario porque si tú sacas un disco en marzo, no te da tiempo a hacer una gira de salas porque están todos los festivales ya en funcionamiento. Y nosotros nos vamos directos a los festivales por eso, porque hemos sacado el disco un poco “tarde” y también porque nos abre la puerta a que nos vea un abanico de público un poco más amplio.
Fotografía: A.Makeda
Texto: María Ibáñez
Fotografía: A.MakedaTexto: María Ibáñez
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PRIMERAS FECHAS CIUDAD JARA
06/02. 18:30H. FNAC Triangle (Barcelona)
10/02. 19:00H. FNAC Sant Agustí (València)
13/02. 19:00H. FNAC Callao (Madrid)
19/03. Joy Eslava (Madrid). SOLD OUT.
20/03. Joy Eslava (Madrid). SOLD OUT.
21/03. IruñaRock 2020 (Iruña)
27/03. Auditorio Murcia Parque (Murcia)
28/03. Telecogresca 2020 (Barcelona)
11/04. Ítaca (L’Escala)
05/06 – 06/06. Festival de les Arts 2020 (València)
19/06 – 20/06. Festival VinToro 2020 (Toro)
02/07 – 04/07. Festival Río Babel (Madrid)
04/07. Canet Rock 2020 (Canet de Mar)
10/07 – 12/07. Festiuet 2020 (Coma-ruga)
12/08 – 16/08. Sonorama Ribera (Aranda de Duero)
13/08 – 15/08. Rabolagartija Festival (Villena)
20/08 – 23/08. Cooltural Fest (Almería)
El WARM UP continúa anunciando nombres de su cartel y los últimos en incorporarse a esta edición 2020, ha sido la banda canario-barcelonesa Cupido. Una auténtica bandaza de la que podremos disfrutar los próximos 1 y 2 de mayo en el mismísimo Recinto Ferial de La Fica de Murcia. Nombre que se suma a muchos otros, como Modeselektor, Mando Diao, Johnny Marr, Hotchip, Kraftwerk, Carlos Sadness, Dorian, León Benavente o Viva Suecia, entre muchos otros.
El esperado regreso de Cupido es más real que nunca
Los más ansiosos queríamos que llegara este momento, pero es que ya es más real que nunca. Cupido anunciaban su regreso a los escenarios en un día de lo más especial: el mismo día del amor, el mismo 14 de febrero, disparaban sus flechas a su público. Porque sí, porque ya tenemos fecha para verlos, será el próximo mes de mayo en Murcia. Así que la emoción es más que real, más cuando han estado generando expectativas durante meses y meses, principalmente desde que se anunciara su creación. Creación surgida de la mano del cantante de trap Pimp Flaco y del grupo Solo Astra (Al García, Toni D, Dannel y Luichi Boy). Y es que tras esa primera aparición, casi por sorpresa, en el escenario del Primavera Club, no han dejado de ganar seguidores.
Sí, amigos, «tu nueva boy band favorita» está aquí para poner del revés a todo el mundo. El regreso de Cupido es más real que nunca y prueba de ello es el nuevo tema con el que nos sorprendieron el pasado jueves 13 de febrero, llamado «La Pared». Una canción que está llamada a convertirse en himno, igual que ya lo han hecho «Autoestima», «No Sabes Mentir» o «U Know».
¿Estáis preparados para darlo todo el 1 y el 2 de mayo en Murcia? Porque la fiesta está más que servida, especialmente con esta gran nueva confirmación: Cupido arrasarán en La Fica, donde dispararán sus increíbles flechas del amor.
Ya conocemos la fecha en la que Victoria Ford presentará su nuevo trabajo. «Grandes éxitos, mejores remixes» llegará a nuestras vidas el próximo 20 de marzo. Un trabajo de lo más especial que es producto de poner en mano de diferentes DJs y productores los temas de su primer disco «Grandes éxitos, mejores descartes». Un nuevo trabajo del que ya nos mostraron una pequeña píldora, llamada «Bien es Poco». Canción que en palabras de Eme DJ y David Van Bylen: «Tiene potencial de himno. Tal vez tocado con formato estricto de banda de rock no sea fácil verlo, pero al combinarlo con una base electrónica que realce sus fortalezas y le otorgue la pegada y la grandilocuencia necesarias, entonces ya no hay duda. Éste ha sido el objetivo de este remix».
¿Qué encontraremos en este nuevo disco?
Un gran disco de remezclas en el que han participado artistas de la talla de Eme DJ, David Van Bylen, We Are Not DJ’s, Andrés López (Niños Mutantes), Los Pilotos, David Kano, Guille Mostaza, MudaPiel, Tobogán y Nacho Canut. Así se avecina este «Grandes éxitos, mejores remixes», del que ya hemos podido probar el primer adelanto: «Bien es Poco».
Canción potente esta de «Bien es Poco», que ha llegado acompañada de un increíble videoclip en el que un grupo de tres simpáticos fantasmas andaban pasándoselo de miedo en su encantador chalet embrujado con piscina, cuando: «Bam!». Un operario del servicio de limpiezas espectrales irrumpe dispuesto a cazarlos. Sin embargo, ellos no están dispuestos a ponérselo fácil y es que lo impedirán haciendo todo tipo de travesuras. ¿Conseguirá el intruso fumigarlos? Un vídeo magistral dirigido por Joaquín Rueda y producido por Mudapiel que, sin duda alguna, es de vista obligatoria. Una canción que se convertirá en himno, en oda a las historias de terror pop. Un homenaje en forma de videoclip a las falsas apariencias, la amistad y la sensación de estar cómodamente perdido.
No os perdáis las primeras fechas de conciertos, porque no van a parar de rodar.
En medio de tanta confirmación de artistas y de tanta presentación de festivales, nos llega una que dará mucho juego. Y es que el próximo 28 de marzo, Low Festival presenta en Alicante a dos auténticos grupazos que, además, estarán acompañadas por el espectáculo de los Flash Show DJ. Se trata de los imparables Carolina Durante, uno de los grupos revelación de aquel 2018 en el que comenzaron a hacer ruido; y de las talentosas Cariño. La tan ansiada cita será en la Sala The One de Sant Vicent del Raspeig. Ahora bien, ¿qué más sabemos de las bandas que van a actuar?
Tras la imparable estela de Carolina Durante y de Cariño
Corría 2017 cuando unos jovencísimos (más aún) Carolina Durante presentaban su primer y novedoso tema, «La Noche de los Muertos Vivientes». Desde entonces, no han dejado de crecer y de conseguir hitos: banda revelación de 2018, escenarios recorridos de todo el mundo, entradas agotadas e himnos que han marcado a toda esta nueva generación de jóvenes, como «Cayetano», «Perdona (Ahora Sí que Sí)», «Joder, No Sé» o «Las Canciones de Juanita». Así y todo, su gran último lanzamiento ha sido la canción «No Tan Jóvenes»: un single que llegó a nuestras vidas a finales de 2019 y que estamos seguros que dará mucho de lo que hablar. La revolución tiene nombre propio: se llama Carolina Durante.
Aunque si hablamos de revolución, mejor hablar en femenino, mejor hablar de Cariño. Directamente desde el corazón de Madrid, llega este potente trío de pop electrónico con toques shoegaze. Otro gran descubrimiento de los últimos años que también está arrasando allá por dónde va y es que han recorrido ya gran parte de los festivales de la geografía española, consiguiendo cada vez más adeptos. Como para no serlo: incapaz de no caer rendido ante los temazos que nos dejan María, Alicia y Paola. Desde aquel inicial «Pop Para La Bajona» hasta «Movidas», pasando por «Canción de Pop de Amor», «Bisexual» o su particular versión de «Llorando en la Limo», de C.Tangana. Bienvenidxs al particular universo de Cariño.
Una fiesta más que asegurada, en la cual pondrá su toque de color Flash Show DJ, quienes sean residentes en la conocida Sala Stereo de Alicante. Ellos, que son sinónimo de gran verbena del S.XXI. Ellos, que saben cómo cerrar cualquier bar con sus hits atemporales y actuales. ¿De verdad te los vas a perder a todos? ¡Consigue tu entrada ya! Y hazlo antes de que vuelen.
Descubrirlos ha sido un auténtico regalo: y es que desde las inmensidades Ibiza, llegan Morning Drivers para rozarnos el alma con todas y cada una de sus canciones. Canciones que han adquirido una nueva dimensión en su nuevo álbum. Preparaos para una revolución, llamada «Nuevas Intenciones». Y mucha atención también a la entrevista que hicimos hace algunos días a Luis Iglesias (bajista de la banda).
¿Cómo surge el concepto de «Nuevas Intenciones»?
Pues lo cierto es que ha ido cambiando, el concepto inicial ha ido mutando durante dos años, que es el tiempo que hemos estado trabajando en él. La idea era un poco madurar un poco la música y el estilo que quedaron reflejados en el primer disco, en «Perspectiva». Al final, los primeros discos no suelen ser trabajos donde se refleje la madurez del grupo. Así que tras nuestro debut, nos quedamos un poco con la mosca detrás de la oreja y con la sensación de que teníamos que estrujarnos más la cabeza, darle una vuelta a lo que habíamos hecho, escribir las canciones de una manera diferente. Ahora, este «Nuevas Intenciones» sí que refleja mejor lo que teníamos en mente. Aunque seguramente, dentro de un año, nosotros mismos hayamos evolucionado y cambiado. En definitiva, queríamos darle una vuelta al concepto musical y creemos que lo hemos conseguido.
Ya nos has dado las primeras pistas, pero precisamente, nos gustaría saber cómo ha evolucionado Morning Drivers.
Ha sido un proceso natural, el proceso natural de cinco amigos. Aunque la verdad es que ha sido muy importante que los cinco hayamos tenido los mismos objetivos, porque nos hemos dejado llevar todos hacia una misma dirección. Era lo que necesitábamos, lo que buscábamos y lo que nos ha pedido el cuerpo, en este caso.
¿Cómo ha sido todo el proceso creativo y compositivo de este disco?
Pues ha sido bastante largo, porque las canciones han tenido millones de versiones: no sabemos la cantidad de veces que las hemos cambiado. Sí que es verdad que tenemos una manera de componer bastante peculiar, porque nace primero la música y luego encima, va la voz. Entonces durante este proceso cambiaron muchas cosas, igual que en el estudio. No queremos decir que ha sido un proceso durillo, pero sí que ha sido sacrificado: de estar a diario durante años y no conformarse con lo primero que llega y te gusta, siempre con la idea de que se puede mejorar e ir a más. Y es difícil, porque hace mucho tiempo, nosotros dejamos de ser objetivos con nuestras canciones, entonces cuando ya estás tan viciado con tus temas, te entran dudas. ¿Estará ya bien?, ¿lo estaré haciendo bien? Por eso ha sido complicado. No ha sido un proceso de crear y grabar al día siguiente. Cada canción ha estado macerando durante mucho tiempo y hemos cambiado cosas por el camino, pero al final, siempre hay que encontrar el punto y parar.
En ese sentido, el trabajo conJoan Barbé y Omar Gisbert habrá sido clave. ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con ellos?
La verdad es que la figura de ambos ha sido importante, ha sido como aire fresco: ellos han tenido la mente clara y fresca para guiarnos y ayudarnos, cuando nosotros ya estábamos muy viciados y no sabíamos qué cambiar y cómo hacerlo. Además, Joan Barbé y Omar Gisbert son dos personas con mucho peso en la escena musical de Ibiza y saben muchísimo. Así que para nosotros han sido una ayuda y un empujón increíbles: gracias a ellos, no somos cinco en la banda, somos siete.
En este disco, ¿qué peso tiene el mensaje, las letras?
Creemos que estas once canciones recogen historias y sensaciones que nos han pasado o que hemos sentido la mayoría. Aún así, hemos tenido como base en este disco, enviar un mensaje de optimismo a la gente. Es como ver el vaso medio lleno o medio vacío: en nuestro caso, lo hemos querido ver medio lleno y transmitirlo de esta manera al público. Al fin y al cabo, «Nuevas Intenciones» es un disco que habla de sacrificios y de heridas que aunque duelan, siempre se terminan curando.
En cuanto al sonido, ¿cómo construye Morning Drivers todo ese universo sonoro?
Siempre empezamos en el local y todo probando. Sabemos lo que nos gusta y lo que no, y en base a eso, funcionamos a base de prueba y error, dándole también una vueltecita al sonido que llevamos usando toda la vida.
«Sabe a Poco» y «Salto Cuántico» fueron los primeros adelantos, ¿por qué escoger estos dos temas?
«Sabe a Poco» la escogimos porque consideramos que era lo más fresco, lo más alternativo que hay en el disco. Nosotros, en ningún momento, nos hubiéramos imagino que saliera un tema como este. Es muy diferente, son prácticamente todo arreglos y no hay ningún tipo de relleno. La canción salió así, tal cual. Y nos sorprendió tanto a nosotros mismos, que enseguida entendimos que tenía que ser uno de los adelantos. En cuanto a «Salto Cuántico», decidimos que fuera esa, porque era un poco lo contrario a la primera: es un tema más movido y que invita más a bailar y a pasárselo bien. Creíamos que era una buena opción demostrar que éramos capaces de una cosa y de la otra.
Otra de las cosas que nos han llamado la atención ha sido el diseño del disco. ¿Cómo surge?
El diseño de lo que es el disco está hecho por nosotros, junto a un compañero diseñador en el que hemos confiado. Al final, refleja de manera metafórica y a través de sus ojos, el camino o la propia trayectoria de la banda. Y, en cierto modo, creemos que también cierto pie a la ilusión, nuestra ilusión. Por eso nos gustó tanto.
¿Os imaginasteis en este punto cuando empezásteis?
Cuando empezamos no, también porque comenzamos haciendo algo completamente diferente, inicialmente y antes de crear nuestras canciones propias, nos dedicábamos a versionar temas de Two Doors Cinema Club, Foo Fighters. No recordamos qué pensábamos hace seis años cuando nos metimos de lleno en esto, pero seguro que no era esto. Aunque más adelante, sí que nos planteamos qué hacer y hacia dónde dirigirnos. Fue ahí cuando empezamos a buscar lo nuestro y cuando decidimos que una de nuestras bases sería pasárnoslo bien y disfrutar. Ahí ya sí que nos lo imaginamos, porque ya íbamos decididos a por ello.
Ahora llega de presentar el disco en directo, ¿cómo lo afrontáis y cómo os preparáis para ello?
Lo afrontamos con ilusión y con muchas ganas, porque poder salir de gira es un auténtico lujo. Hay gente que no puede hacerlo, así que el hecho de poder hacerlo nosotros es un regalo. Así que estamos totalmente agradecidos de poder salir, aunque después vengan solo 50 personas. El punto es ir llegando, poco a poco, a más gente. En cuanto a cómo nos preparamos los directos, vamos al dedillo en cada sitio. Y es que cada bolo en cada ciudad, es único y exclusivo del lugar al que vamos. La idea es que la gente vea algo diferente en cada ciudad. Es un trabajo que nos gusta y que nos mantiene en forma.
¿Qué canción de Morning Drivers define mejor el momento en el que estáis y por qué?
Quedarnos con una es complicado, pero diríamos «Fronteras» y eso que no es de este disco. Pero creemos que es la canción que más necesitamos ahora mismo, porque habla un poco de expandirse, de celebrar todo lo que estamos consiguiendo, de romper cualquier tipo de barreras. Barreras que todavía seguimos teniendo y es que aún nos queda mucho camino por recorrer y mucha gente a la que llegar. Por eso, «Fronteras» es la canción con la que nos quedaríamos a día de hoy.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
Sin duda alguna, la mayor locura que hemos cometido es compartir hotel. Es horrible.
No sé si preguntar por qué o no…
Eso ya es secreto de estado, pero es horrible [risas].
PRÓXIMAS FECHAS
14 de Febrero – Sala Azza + L’home brut – Valencia.
15 de Febrero – Sala Musik + Joven Dolores – Murcia.
28 de Febrero – Sala La Trinchera – Málaga.
29 de Febrero – Sala X + Joven Dolores – Sevilla.
16 de Abril – Sala Boogaclub – Granada.
30 de Abril – Sala Sidecar – Barcelona.
01 de Mayo – Sala El Perro – Madrid.
Pararse, descubrir, escuchar nueva música y encontrar talento en cualquier rincón. Bandas que se esconden en medio de la inmensidad, que necesitan un altavoz para ser visibilizadas. En medio de este mar llamado música, hoy os descubriremos a cuatro nuevas formaciones que, por una cosa o por otra, han conseguido enamorarnos. ¿Preparados para descubrirlas a todas?
Murcia, qué bonita eres: y qué bueno que tengas a ATIENTAS
Nunca dejará de sorprendernos el inmenso talento que hay en la Región de Murcia. Ya hemos hablado de varias bandas de allí, la última de ellas: ATIENTAS. Con sus ritmos indie rock, acaban de sorprender con su nuevo lanzamiento: se trata de «Tú», primer adelanto de su inminente trabajo. Una canción que supone un antes y un después: y es que desde que en 2018 viera la luz su debut «Hoy», no han dejado de evolucionar, de crecer, de rodar y de actuar. La primera piedra en el camino hacia la madurez. ¡No los perdáis de vista, porque estarán girando por múltiples salas de todo el país!
MOJØ, al más puro estilo sureño
Desde la misma ciudad de Granada llegan MOJØ, banda liderada por mujeres, que están revolucionando el panorama al más puro estilo soul, funk y pop. Y es que ahora están de enhorabuena, ya que acaban de publicar su nuevo trabajo, titulado «The Law of Attraction». ¿Lo habéis escuchado ya? Es una auténtica perla en la que han colaborado grandes artistas como Julián Maeso (ex-The Sunday Drivers), Alfonso Alcalá (Loquillo) y Zeke Olmo (Arco, Eskorzo o Los 300). Un trabajo muy especial con el que darán que hablar y con el que girarán por diferentes escenarios.
La revolución se llama Ocata
«Mis 30» ha llegado como un verdadero rayo de luz, como avance de su nuevo trabajo, «Nueve historias y una mentira» (grabado en la primavera de 2019 en Blind Records, bajo los mandos de Santos&Fluren). Se trata de los barceloneses Ocata, quienes hacen en esta canción, una magistral reflexión sobre todas las cosas que la banda pensaba que cambiarían al crecer, al hacerse mayores. Una idea que se ve potenciada por el especial videoclip que lo acompaña, realizado por La Bemba Studio Visual (Barcelona). Preparaos para esta revolución llamada Ocata.
Los Acordes Rotos aterrizan en Madrid
Desde el corazón de Cuenca, aterrizarán en Madrid, Los Acordes Rotos. Y es que este 15 de febrero llegan a la Sala Nazca, para revolucionar a todo el público madrileño. No es para menos, teniendo en cuenta que recientemente ha visto la luz su nuevo trabajo «Un Nuevo Destino», del que ya estuvimos hablando hace apenas unos meses. Apuesta arriesgada la de actuar en esta sala, pero la vida está hecha para los valientes. Para los valientes como ellos que ya revolucionaron el Auditorio de Tarancón el pasado 1 de febrero. Para los valientes que no tienen miedo a hablar sobre el sentido de la vida y todo lo que esta tiene que ofrecernos. Mucha atención a una de las bandas más especiales que nos hemos cruzado.
Es una de las artistas a las que más tiempo le hemos seguido la pista y no es para menos: desde la primera vez que la escuchamos, algo de nosotras se quedó con ella. Se trata de Penny Necklace, quien recientemente ha estrenado su nuevo EP, «Líquidos». Precisamente, al hilo de este lanzamiento, pudimos hablar con ella: conocimos mejor su proyecto y nos adentramos en su particular y especial universo.
«Líquidos» acaba de ver la luz, un EP especial que forma parte de todo un trabajo muy bien conceptualizado. ¿Cómo ha evolucionado el proyecto desde su inicio?
Creo que está siendo un proceso creativo del cual está siendo la gente partícipe. Sí que es verdad que tengo un esquema en la mente y que en base a eso, voy generando unas piezas dentro de un concepto, pero lo voy reformulando constantemente. Creo que eso también forma parte del proceso, el no ponerte límites y no cerrarte puertas, el dejar que determinadas situaciones o personas te vayan inspirando durante el tiempo que pasa de un EP a otro. Hay que dejarse llevar y eso es lo que estoy haciendo. Cuando es época de grabación, me meto mucha caña para generar las piezas, que después pasan por una fase importante de postproducción. Hay cosas que se quedan en barbecho para después rescatarlas y trabajar en ellas. Voy sacando las cosas periódicamente, para tener como esa continuación, pero no dejo de abrirme y de hacer en unos meses lo que, a lo mejor, otros artistas hacen en dos años.
Al ser tan pausado, ¿cómo está siendo todo el proceso creativo y compositivo de este proyecto?
¡Bien! La realidad es que lo estoy compaginando con la vida más cotidiana. Al final, voy avanzando cuando consigo cuadrar todos los ratos libres o de vacaciones con los de la banda y con los del productor. A veces incluso es cuando consigo todos los medios para poder seguir avanzando. Creo que es un ritmo en el que estoy sumida y que se ve reflejado en lo que puedo hacer.
Hace unos meses en una entrevista previa, hablamos del tema de la sinestesia, que es un poco el hilo conductor de estos EPs. ¿Por qué hablar precisamente de ella?
Sencillamente, es un tema que me interesó muchísimo. Tuve la casualidad de coincidir con alguien que era sinestésico y me producía mucha curiosidad. Considero que la sinestesia es un súper poder. Justo a raíz de ahí, comencé a leer sobre ello y creo que es un tema como un tanto onírico, como que la gente no termina de aterrizarlo o entender del todo en qué consiste. No es algo como demasiado científico y, además, cada sinestésico tiene como sus propias asociaciones. Es un súper poder. Y es algo que se presupone que tienen los niños al nacer, pero luego se separa. Imagínate seguir teniendo esa frescura y esa conexión en su cerebro. Me parece maravilloso tener todos tus sentidos conectados y tener la capacidad de desarrollar más de cinco. Yo no soy sinestésica pero sí que intento buscar esas conexiones raras con mi música y que, después, la gente interprete y sienta de diferente manera cuando la escucha.
Volviendo un poco a «Líquidos»: ¿cómo ha sido la acogida del EP?
Pues la verdad es que ha sido muy buena. Vio la luz el primer tema como single, ahora ha visto la luz «Aceite» como videoclip y ahora estamos trabajando para crear un nuevo vídeo. Mi intención es seguir rodando aún más este EP, tocar dentro y fuera de Madrid, y seguir trabajando. A su vez, estoy terminando de producir «Gaseosos», a ver si para después de verano puede ver la luz el disco.
Foto: Joe Sámano
Nos ha llamado la atención los temas que forman parte de este «Líquidos». ¿Por qué «Agua», «Sangre» y «Aceite»?
Cuando yo me lo planteé, pensé un poco lo mismo. En primera instancia, quise ir al mínimo común múltiplo, a lo básico. Por eso, escogí el «Agua» como primer tema, porque es el alimento básico, el primer rasgo de vida y es que todo está compuesto de agua. Luego, a raíz de eso, había un tema del que quería hablar: recientemente he debutado como diabética de tipo 1, así que, el hecho de medirme el azúcar en la sangre se ha convertido en mi día a día. De ahí que introdujera «Sangre» dentro de «Líquidos». En cuanto a «Aceite», creo que es la amalgama que une estos dos líquidos, uno denso y otro más cristalino. Además, quería utilizarlo para hablar de un rasgo que me gusta mucho, que es el de fluir, el de engrasar una máquina. Finalmente, por su propio peso, fueron las tres ideas que más me convencieron.
En todo este proceso, Víctor Cabezuelo ha sido una pieza importante, especialmente en lo que respecta a la producción. ¿Cómo ha sido trabajar de nuevo con él?
En realidad, cada vez que planifico mis tiempos para componer y grabar, al primero al que le pregunto es a Víctor. Y a raíz de sus fechas, empiezo a planificar yo las mías. Ahora mismo, no concibo hacer nada sin él. Aunque, bueno, también entiendo que cada uno tiene su propio camino y en cualquier momento, podré trabajar con otra persona. Pero ahora mismo, forma parte de Penny Necklace.
Junto a Víctor, tú has estado co-produciendo. ¿Volverías a repetir la experiencia de formar parte tan activa?
Sí, en realidad, no sé muy bien dónde está la barrera. Porque estoy aprendiendo mucho, me estoy metiendo mucho en la preproducción de los temas y el tiempo que puede invertir Víctor es para estar en el estudio grabando y avanzando. Entonces creo que hay muchas cosas que vienen ya bastante machacadas de casa, también porque el género, la electrónica es un poco así: tiene muchas capitas y muchas texturas. También creo que es un poco por mi manera de componer: paso tiempo en casa, con el ordenador y en solitario, trabajando en las nuevas canciones. Tal y como está compuesto el proyecto a día de hoy, es la única manera que se me ocurre y seguirá siendo así.
«Aceite» ha sido el último tema en salir junto a su videoclip. ¿Cómo surge la idea del mismo?
Surge un poco por la idea que te comentaba de fluir, de dejarse llevar, de buscar una solución a los problemas. Resulta que nos fuimos de viaje a Ámsterdam y Rotterdam y con el móvil grabamos otra ciudad, otro ambiente, otro entorno urbano. Una idea que me gustó bastante y que me apeteció contar. Además, yo estudio arquitectura y estuvimos viendo muchos edificios interesantes de ambos lugares. Con todo eso, me volví un poco loca con el neón, que brotó sin más y se ha convertido ahora un poco en el sello de identidad de «Aceite» y de «Líquidos», incluso. En definitiva, tenía claro que quería dejar fluir y mostrar algo bonito, con los medios que tenía. Y creo que quedó bastante auténtico.
¿Cómo construye Penny Necklace ese sonido tan particular que tiene?
Pues tengo muchas referencias, la verdad. Y cuando algo me sorprende, intento desmigarlo al máximo y ver qué tiene esa persona para que haya realizado dicha obra. Luego también, muchas veces comienzo composiciones con las que experimento y que terminan mutando en otras. Además, tengo muchas referencias visuales que se entremezclan: trabajos de los 90′ que se juntan con temas más actuales. De ahí el mix. No considero que haga un género en concreto, aunque sí que es verdad que me interesa la electrónica y la psicodelia, y que he escuchado mucho pop. Así que intento tenerlo todo presente, porque todo ello determina un poco quién soy.
¿Cuáles son los próximos pasos de Penny Necklace?
Mi intención era tocar todo lo que pudiera, aprovechando el verano y la época festivalera. Aunque sí que es verdad que, en determinados puntos, es complicado que el proyecto de Penny Necklace encaje en determinados lugares. Entonces quiero continuar, pero ya con vistas al año que viene, de seguir bookeando sitios y propuestas diferentes. También quiero invertir esfuerzos en componer, en grabar, en crear nuevos y mejores videoclips, mejorar mis conciertos y poder ofrecer directos en lugares en los que la gente disfrute. Al fin y al cabo, me gusta ir a sitios donde quieran escucharme.
Un escenario en el que tocar.
En el Festival Sinsal, que se celebra en Galicia. La gente se sube a un barco sin saber qué artistas van a actuar.
Un escenario al que volver.
Me apetece mucho volver al Sonorama, en el que ya estuve hace cuatro años, y al fin vuelvo este 2020,
Un artista o banda con quien compartir escenario.
Es un poco idea loca, pero hace algunos días alguien lo comentó y me pareció genial: el hacer un festival con todas las bandas amigas. Con Rufus T Firefly, con Lázaro, con Ambre.
Qué canción de Penny Necklace identifica mejor el momento en que estás y por qué.
Yo creo que sería «Sangre», porque es mi favorita ahora mismo y estoy preparando el set ahora mismo, con interludios, para que las canciones fluyan de unas a otras como un viaje continúo. En eso creo que está muy involucrada la electrónica y esta es la canción más electrónica que tengo ahora mismo.
La llegada de la primavera es algo que nos vuelve locas, porque eso solo puede significar buen tiempo y, por supuesto, buena música. Ya sabéis: comienza una de las épocas que más nos gustan del año, la de los festivales. Festivales como el Red Pier Fest 2020, que aterrizará un año más en el Grao de Castelló. Apuntad bien las fechas: del 22 al 24 de mayo. Y, por supuesto, no os perdáis ni un solo detalle del cartel: os lo detallamos a continuación.
¿Quiénes actuarán en esta nueva edición del Red Pier Fest?
Lo cierto es que esta nueva edición del Red Pier Fest pinta de lujo. No es para menos, teniendo en cuenta que podremos disfrutar de los conciertos de bandas ya míticas de nuestro panorama musical, como lo son los divertidos Los Toreros Muertos, los increíbles Danza Invisible, el rockero Johnny Burning, los amados La Guardia o los incendiarios Sex Museum. Claro, todo ello sin olvidarnos de otros artistas o grupos que, poco a poco y de una manera muy merecida, se están haciendo un esplendoroso hueco en este mundo. Efectivamente, nos referimos a nombres como los caribeños Los Vinagres, a los que acompañarán los salvajes Los Bengala. Así como otras grandes promesas como Desvariados o Ñekü. Todo ello, acompañado por grandes sesiones de música que nos harán más ligera nuestra estancia y que nos harán no dejar de bailar. Sesiones a cargo de rostros conocidos de la música, como Miqui Puig DJ o Ley DJ, entre muchísimos otros.
Concurso de bandas en este festival castellonense
Como novedad, en esta cuarta edición del Red Pier Fest se ha incorporado un concurso de bandas, llamado «Toca al Red Pier». Una iniciativa que ha tenido muy buena acogida entre el público: y es que se han inscrito cerca de una treintena de grupos. No conocemos todavía a los ganadores, lo que sí que sabemos es que el próximo 22 de febrero tendremos una gran batalla en el SOHO Pub de Castellón. Batiéndose en duelo estarán los finalistas: Back To The Hills, Yo Vivo Navegando, Plum, Red Smoke, Viridian Band y Les Cactus. Será una noche que seguro no olvidaremos fácilmente.
¿Preparados para descargar toda vuestra dosis de energía en uno de los festivales más ochenteros que tenemos a día de hoy? Pues consigue tu abono ya antes de que desaparezcan todos. No podréis decir que no os avisamos.
El talento y el saber hacer siempre, siempre se deben sacar a relucir. De ahí que sintamos la imperiosa necesidad de hablar de Messura, a quienes entrevistamos hace algunos días y a quienes pudimos ver en directo el pasado viernes 7 de febrero. Fue en la Cadillac Solitario de Madrid, donde colgaron el cartel de entradas agotadas, consiguiendo que la sala se quedara demasiado pequeña para ellos. Además, no estuvieron solos, pues la banda Múltiplex estuvieron con ellos. Una cita de lo más especial y es que los de Logroño venían dispuestos a echar los restos, venían dispuestos a presentar las canciones de su último trabajo, llamado «Animal». Y vaya si lo hicieron. Y vaya si subieron la temperatura en la pequeña y recogida sala madrileña. La noche se tornó día con cada nota que sonaba. Porque el talento no se puede silenciar, hay que dejarlo fluir.
Los jóvenes y enérgicos Multiplex fueron los primeros en saltar al escenario y caldear el ambiente, en medio de una noche que auguraba especial. Era la gran presentación en la capital de lo nuevo de Messura. «Animal» está aquí para marcar territorio, muy especialmente en los directos, su medio natural. Y es que con una potencia increíblemente contagiosa, los riojanos no perdieron la oportunidad de ponernos a todos a cantar y a bailar al ritmo de sus canciones, que han supuesto un auténtico descubrimiento para nosotros. Descubrimientos que llegan acompañados de enorme éxito. Y es que sí, amigos, tras el «sold out» en la Cadillac Solitario, Messura volverán el próximo 18 de abril, pero en esta ocasión, será la Sala Costello el lugar que visiten.Ya lo han hecho una vez, así que estamos seguros de que lo volverán a hacer otra vez: conseguid vuestras entradas antes de que vuelvan a volar todas (ya podéis conseguirlas pinchando aquí).
Nos ha llamado mucho la atención lo bien que está hilado todo: desde el título del álbum hasta el propio diseño. ¿Cómo surge todo el concepto de la imagen?
En ese sentido, el trabajo con Joan Barbé y Omar Gisbert habrá sido clave. ¿Cómo ha sido la experiencia de trabajar con ellos?
