Verdadera Locura

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«El Exorcista» regresa a la gran pantalla el próximo 6 de octubre

«El Exorcista» regresa a la gran pantalla de los Cines Palafox de Madrid (Calle de Luchana, 15). El próximo jueves 6 de octubre a las 22.00 horas, se proyectará en VOSE, el film de William Friedkin más terrorífico de todos los tiempos, que además cumple 43 años. Aunque a partir de las 21.00 horas, habrá pre-party con JAMESON Irish Whiskey en los mismos cines. Las entradas están todavía a la venta en Entradium.

Regan es una niña de 12 años normal y corriente… hasta que su cama empieza a levitar. ¿Adolescencia rebelde? ¿Un truco para llamar la atención? ¿Una enfermedad mental? O… ¿el mismísimo Señor de las Tinieblas se ha colado en el hogar dulce hogar?
La joven sufre extraños síntomas, incluyendo la levitación y una fuerza sobrehumana, lo que aterroriza a su madre quien, tras someter a su hija a múltiples análisis médicos sin resultado, acude a un sacerdote con estudios de psiquiatría. Éste se muestra convencido de que el mal ha rebasado lo físico y afecta a lo espiritual. Una vez seguros de que la niña está poseída, junto a otro sacerdote decidirá practicar un exorcismo… El exorcismo más brutal e intenso visto en la pantalla grande.

La película, adaptación de la novela de William Peter Blatty, se hizo con 10 nominaciones a los Oscar y obtuvo la estatuilla al Mejor Guión Adaptado y al Mejor Sonido.

Una historia maldita que incluso envuelve la BSO de la película. Lalo Schifrin era el encargado de poner la música del tráiler del aclamado film. Sin embargo, los espectadores no reaccionaron como se esperaba. «Las personas que vieron el trailer reaccionaron negativamente hacia el film, porque las escenas eran muy poderosas y terroríficas, y la mayoría del público que las estaba mirando corrió a los sanitarios a vomitar. El trailer era excelente, pero la mezcla de las escenas terroríficas más la música, que también era muy densa, auyentaron a la audiencia», reconoció el propio Schifrin. Finalmente, Mike Oldfield fue quien realizó la pieza, Tubular Bells.

¿Preparados para pasar una noche terrorífica, de la mano de Linda Blair, como la poseída Regan, Ellen Burstyn, como la sufrida madre de la protagonista, Max von Sydow, como el padre Merrin y de Jason Miller, el padre Karras?

28 septiembre 2016
Supersubmarina arrasa con «El Mañana»

Antes de que pudiera llegar El mañana, Supersubmarina salió al escenario del Barclaycard Center de Madrid. Nada podía evitar que ellos cantaran por ese nuevo día que estaba por llegar. Y por si algún alma, todavía Hermética, se negaba a rendirse a los pies de los andaluces tras este primer tema, llegó Ana para echarles una mano. Necesitaban Algo que sirva como luz y allí estaba ella.

«Buenas noches, Madrid. Somos Supersubmarina y venimos de Baeza (Jaén). Y eso es mucho decir para una noche como esta». Y lo cierto es que, ¿por qué hacer presentaciones largas? El concierto tenía que empezar. Apenas eran las diez de la noche y De doce a doce y cuarto, en el Palacio de los Deportes ya no debía quedar nadie, muy a nuestro pesar.

Y es que claro, ¿cómo querer marcharse de allí después de semejante concierto? Completar el aforo de Barclaycard Center es tarea complicada, aunque Jose Chino, Pope, Jaime y Juancha pueden quedarse satisfechos. Tanto en la pista como en las gradas, tan solo se veían cuerpos que, inundados por la música, no podían dejar de saltar. Comprensible esa sensación de querer vivir estas dos horas de concierto en bucle. Pero tranquilos, porque antes de decirnos adiós, Supersubmarina nos dio unas cuantas claves Para dormir cuando no estés.

Ese ambiente guerrero, generado por temas como Enemigo y yo, Hasta que sangren o Canción de guerra, se calmó con Pequeña de las dudas infinitas. Fue empezar a sonar y aparecer en el escenario «la pequeña Zahara» con su dulce voz.

«Sé que tendré el cielo entre mis manos», cantan en Supersubmarina. El cielo no sé, pero al público sí. Un público que entonó cada una de sus canciones, que aplaudió y que bailó, dejando de lado la Puta vida que cada uno pueda o no tener. Y es que siempre, siempre habrá un motivo para bailar. Aunque ese motivo se llame Hogueras. Sobre todo si se llama así. Nunca es tarde para aprender a hacer un molinillo con las manos, dar tres pasos hacia un lado y aplaudir.

Tras anunciar la ausencia de Rayden, una de las colaboraciones de la noche, a causa de su reciente paternidad, José Chino quiso homenajear al suyo. Un «muchísimas gracias, papá» dio paso a Con el viento de cara.

«La siguiente colaboración no me hace nada de ilusión. De hecho, me llevo muy mal con ellos. El único puto grupo que tiene un cantante más alto que yo: Izal». Mikel, Alejandro y Alberto aparecieron entre aplausos y ovaciones. Unos pequeños problemas de sonido, acompañado por un «Es que no se os puede dejar entrar en ningún sitio», dicho por Chino, dieron paso a LN Granada.

Aunque ésta fue la última gran sorpresa de la noche, todavía quedaba por poner el broche final. En esta recta final, Supersubmarina demostró que la Niebla y la Arena y sal corren En sus venas.Y todo, para acabar con un apoteósico Cientocero

21 mayo 2016
Jennifer Gómez presenta en Madrid su poemario, «Vértigo»

En agosto de 2015, veía la luz «Vértigo», el primer poemario de Jennifer Gómez. Unos meses después, llega a la madrileña Librería Gaztambide. El viernes 29 de abril, a las 19.00 horas, amantes de la poesía que viváis en Madrid: tenéis una cita, en la calle Meléndez Valdés, 52 (Argüelles). La autora presentará su libro y recitará algunos de sus poemas, en un ambiente lleno de música. Y que por supuesto, culminará con la venta y firma de ejemplares.

«Vértigo» nace de la necesidad de gritar sin hacer ruido, de la propia experiencia, de la cara B del amor y el desamor. «Vértigo» nació tras solo 20 días de que se iniciara la campaña de crowdfunding. Más de cincuenta mecenas apostaron por el proyecto, por el sueño de esta periodista albaceteña de tan solo 22 años y que cabalga «a medio camino entre la comunicación audiovisual y la lietaratura».

Alrededor de siete años han pasado desde que Jennifer comenzara a escribir. La poesía llegó después, eso sí. Por no hablar de la aventura de publicar un libro con los poemas que había escrito a lo largo de todos estos años. Aunque más que aventura, podría decirse que fue una locura: «Yo siempre he sido muy reservada. Hay mucha gente que sabía que escribía poesía, pero nadie, a excepción de una amiga, me ha leído nunca. Y una noche de insomnio, me puse a transcribir todo lo que tenía y empecé a buscar editoriales», explicaba hace unos meses Jennifer Gómez.

Este siguiente escalón está también casi superado. ¿Cuál será el siguiente paso? No se sabe, forma parte de los tantos misterios de la vida. Aunque por el momento, quedémonos con la presentación y con esa sensación de «vértigo», tan real como innegable.

La RAE define al «vértigo»
como:
sensación de inseguridad y miedo a precipitarse desde una altura
o a que pueda precipitarse otra persona.

Dime cómo les explico
a todos esos académicos
que el verdadero vértigo
es el que siento yo al verte;

y que la única inseguridad que existe
es la de no saber
cómo decirte que te quiero.

[…]
Y por favor que no hablen de precipicios
si no saben lo que es correr
para no llegar nunca tarde
y que, sin embargo,
todavía no te haya alcanzado a tiempo.
[…]

27 abril 2016
Versos Rotos quema Madrid

Fotos de Alicia Delicado

Llegaron a Madrid desde Alicante, con la intención de «quemar» Costello Club y lo consiguieron. Puede que la sala no estuviera a rebosar, pero que hicieron bailar al público es un hecho. Vinieron a jugársela y no salió mal. Una hora de concierto que se esfumó casi como un suspiro y que dejó a más de uno con ganas de más. Y es que Versos Rotos supo cerrar con «energía» un buen concierto, que sus compañeros de la banda «Naranja» abrieron con acierto.

Pregunta. El año pasado publicasteis «Vacío Cuántico», ¿cómo lo definiríais?

Versos Rotos. «Vacío Cuántico» ha sido un gran salto en nuestra carrera, ya que lo grabamos con José Caballero, que es un productor de renombre. Además, justo este año, tras grabar el EP, le han dado el Premio al Mejor Productor Independiente. Y lo cierto es que ha sido un lujo trabajar con él, porque es un profesional que ya sabe cómo funcionan las cosas en este ámbito, lo que además te motiva a seguir en este mundo.

P. Precisamente, la siguiente pregunta era que cómo fue la experiencia de grabar junto a José Caballero en los Estudios Neo.

VR. José, además de ser un gran profesional, es una gran persona. Es un hombre muy llano y sencillo, lo que nos ha ayudado mucho. Y la manera que tiene de trabajar es muy metódica e intensa.

P. ¿Qué significa el tema «Energías» para vosotros?

VR. «Energías» engloba en un solo tema, el ideal y la historia de «Versos Rotos». Es lo que sentimos, lo que necesitamos. Nosotros seguimos peleando por nuestro sueño. Y es que «Energías» es precisamente eso: la lucha constante por los sueños. Así lo hemos querido reflejar en el videoclip, mediante la historia del protagonista, interpretado por Raúl D’Alessandro, quien pelea día a día por ayudar a su madre enferma. Poco a poco, gracias al esfuerzo, su vida va mejorando. Es una metáfora de nuestra propia vida. En nuestro caso, nuestra lucha es en el mundo de la música, que es muy duro.

P. ¿Cómo fue la experiencia de grabar el videoclip y trabajar junto al cineasta David Valero y al boxeador Raúl D’Alessandro?

VR. Fue una experiencia muy positiva y muy bonita, porque no habíamos grabado nunca un videoclip de la forma en la que hemos hecho este. El videoclip anterior se hizo realizando varias tomas mientras nosotros tocábamos en directo. Sin embargo, el vídeo de «Energías» exigía una tarea previa de pre-producción, que duró varios meses. Se grabó en octubre, pero en junio ya sabíamos cómo sería: teníamos los guiones con las respectivas escenas. A todo este trabajo no nos habíamos enfrentado nunca, pero la verdad es que David Valero lo hizo todo muy fácil. Nosotros éramos cuatro niños disfrutando de tres días de grabación.

Y en cuanto a Raúl, hizo un enorme trabajo. Sin ser actor, ya que él se dedica al boxeo, hizo un «papelón», con expresiones que realmente reflejaban el dolor de ver a su madre mal y tener que ayudarla.

Fue un lujo trabajar con todo el equipo. Desde David y Raúl, hasta Miguel con el tema de la fotografía y Sandra con el atrezzo, pasando también por las chicas de maquillaje. Todos se portaron de maravilla y hubo un buen rollo increíble.

P. El hecho de que San Vicente del Raspeig también se volcara con el proyecto, supondría un subidón…

VR. La verdad es que sí. Hubo mucha gente que se prestó como figurante. Y a nivel de comercios, también se volcaron muchísimo. Ninguno nos cerró las puertas, más bien al contrario: todo el mundo fue muy servicial, querían que hiciéramos este trabajo y nos apoyaron mucho. Fueron tres días intensos, de no sé cuántas horas de trabajo, pero muy bonitas. ¡Y la verdad es que ya tenemos ganas de que David piense en el siguiente videoclip! [Risas].

P. ¿Qué ha supuesto para vosotros actuar en Madrid, en Costello Club?

VR. Es la primera vez que actuábamos nosotros por nuestra cuenta, sin ser teloneros de ninguna otra banda, aunque sí que compartimos escenario con «Naranja». Nosotros organizamos el concierto y vinimos a jugárnosla [risas]. Era motivador porque era la primera vez que veníamos, sin saber realmente qué pasaría. Además, Costello Club era una sala en la que teníamos que tocar sí o sí. Lo teníamos claro desde que nació la banda o al menos desde que cambió de rumbo el proyecto. Y en casi nuestro décimo aniversario, venir a Madrid era obligatorio. Además era un reto para nosotros, porque estamos acostumbrados a hacer bolos en Alicante y allí más o menos, podemos saber cómo pueden funcionar, pero en Madrid no.

P. Casi 10 años como banda. ¿Tenéis pensada alguna manera de celebrarlo?

VR. Precisamente, en la furgoneta lo estuvimos discutiendo. La idea es hacer algo, pero el qué y el cómo todavía no se saben [risas]. Hay que hacer algo porque es obligatorio. En el quinto aniversario lo hicimos y en el décimo también. Hay que celebrarlo porque parece que si no se hace, no pasan las cosas.

6 marzo 2016
El fin de gira de Dorian tiene fecha

La celebración de los 10 años en activo de Dorian ha arrasado en todos los escenarios por los que la banda ha pasado, desde que esta comenzara en 2015. Pero como todo, tiene su fin. Y este tour de los catalanes no es una excepción. Ya están confirmadas las dos fechas con las que el grupo pondrá el broche final a «Diez años y un día».

Madrid será el penúltimo lugar por el que Dorian pasará. La sala La Riviera se covertirá en el escenario perfecto para despedirse del público madrileño, el próximo 4 de noviembre. Por su parte, Barcelona, ciudad de origen de la banda, cerrará con la gira «Diez años y un día». El 18 de noviembre, la Sala Apolo pondrá punto y final a este año de celebración, que ha estado lleno de sorpresas.

Sorpresas como la publicación del disco «Diez años y un día», en el que Marc, Belly, Lisandro, Bart y Víctor rescataron grandes temas de su discografía, como «A cualquier otra parte», «La tormenta de arena» o «Los amigos que perdí» (intepretada en este trabajo junto al vocalista de Love of lesbian, Santi Balmes). Además, introdujeron nuevas canciones como «Arrecife», una de las más coreadas en este último año. Un disco con el que han conseguido reinventar algunos de sus temas más emblemáticos, en clave de unplugged.

En cualquier caso, todavía quedan muchas fechas por delante y varios meses hasta que el tour finalice. De cualquier forma, ambos conciertos, tanto el de Madrid como el de Barcelona, son dos citas ineludibles. Durante las más de dos horas que dure cada espectáculo, no faltarán las sorpresas. Y es que el aniversario se merece una buena celebración, y más cuando ésta está ya finalizando. ¿Qué mejor manera de cerrar esta gira, que actuar junto a otros artistas invitados?

AGENDA

Madrid, 5 de marzo. Wegow Day. Sala But

Córdoba, 11 de marzo. Sala Hangar.

Málaga, 12 de marzo. Sala Eventual Music.

Gandía, 25 de marzo. San San Festival.

Elche (Alicante), 9 de abril. Elche Live Festival.

Monterrey (México), 15 de abril. Festival Pa’l Norte.

Guadalajara (México), 16 de abril. Guadalajara.

Ciudad de México, 23 de abril. Festival Vive Latino.

Bogotá (Colombia), 28 de abril. Sala Armando Club.

Vilalba (Lugo), 30 de abril. Festival FIV de Vilalba.

Granada, 21 de mayo. Órbita Festival.

Palencia, 11 de junio. Festival Palencia Sonora.

Arnedo, 1 de julio. Fárdelej Music & Vida Festival

Vinaròs, 8 de julio. Festival ElectroSplash

Madrid, 4 de noviembre. Sala La Riviera.

Barcelona, 18 de noviembre. Sala Apolo.

3 marzo 2016
Conchita: «La tristeza de la Vía Láctea es lo más bonito que he escuchado en años»

Aunque nació en Buenos Aires, Andrés Lewin pasó la mayor parte de su vida en Madrid. Desde el minuto uno y hasta su último aliento, la música lo ha acompañado y ha formado parte de él. Sus canciones, que empezaron sonando en pequeñas salas, eran el mejor reflejo de su persona. Este 2016, estaba preparado para presentar su nuevo disco, «La tristeza de la Vía Láctea», pero de manera inesperada, el joven cantautor bonaerense fallecía, dejando su trabajo a un paso de ser publicado. Por ese motivo, sus amigos se han comprometido a mostrar el 16 de marzo en la Sala Galileo, la ópera prima del argentino, justo como el propio Lewin tenía programado.

Junto a artistas como Luis Ramiro, Marwan, Pablo Cebrián o María Valverde, entre otros, la cantante Conchita interpretará los temas que componen «La tristeza de la Vía Láctea». De hecho, en esta ocasión, ha sido ella quien ha querido recordar a Lewin.

Pregunta. ¿Cómo y dónde conociste a Lewin, qué te unió a él?

Conchita. Conocí a Lewin hace más de diez años. Tocábamos en Libertad 8, en el búho real. Creo que me lo presentó Luis Ramiro en un concierto. En esa época pasaba mucho tiempo junto a Marwan, Luis Ramiro o Lewin. Todos hemos seguido nuestro camino, pero siempre hemos seguido viéndonos y compartiendo nuestra música.

P. ¿Cómo era, qué lo definía, como persona y como artista?

C. Lewin era una persona completamente imprevisible, es imposible recordarle sin reírte, le pasaban cosas increíbles todo el rato. Era divertido, muy divertido, porque no reaccionaba nunca como cualquier otra persona reaccionaría. Cada mensaje, cada llamada suya, cada mail era especial. Y así son sus canciones también, que cuentan historias increíbles pero las cuenta tan bien, que parece que estuviste allí con él. Recuerdo que me convenció hace muchos años para que le fuera a ver a Libertad 8, me dijo que fuera sola, que disfrutara de ver un concierto yo sola. La verdad es que nunca lo había hecho y fui. Recuerdo que me reí muchísimo, y también lloré. Cuenta las cosas de una manera muy especial, eso me encanta de él, cada vez que me cantaba un tema me transportaba a otro universo, donde sólo llego con él. Y la verdad es que es increíble.

P. La tristeza de la Vía Láctea, considerada la ópera prima de Lewin. Pero, ¿tú cómo la describirías?, ¿en sus temas hay «tristeza» o algo que nos evoque al título del disco?

C. «La tristeza de la Vía Láctea» es lo más bonito que he escuchado sin duda en muchos, muchos años, no porque se haya ido Lewin, ni mucho menos. Se lo dije una y otra vez, los temas son buenísimos, las letras van más allá de lo que es escribir bien. Consigue que te metas dentro de la canción, dentro de la historia. Consigue que estés ahí con él, en una fiesta loca de animales, enamorándote en Tel Aviv, haciendo con él el camino de Santiago. En cuanto al nombre del disco, viene por la canción de Halley, en cuanto la escuches, lo entenderás.

P. ¿Cómo se deja ver la personalidad de Lewin en este trabajo?

C. En todo. El disco es Lewin, lo hizo de la mano de Pablo Cebrián. Discutían cada parte, cada acorde, cada todo. No hay nada donde no esté Lewin en este disco, y es lo que lo hace especial. Pablo ha sabido expresar perfectamente lo que es Lewin, pasaron muchas horas juntos los dos encerrados en el estudio. Lewin estaba feliz con el resultado, le dieron mil vueltas, era justo como él quería que fuera.

P. Recordabas que cuando empezasteis en el mundo de la música, pegabais carteles en los buses, y él se preguntaba hasta dónde llegarían vuestras caras. ¿Hasta dónde llegaron?

C. Eso nunca lo sabremos.

P. ¿Cómo ha sido sacar adelante este proyecto póstumo y evitar que quedara escondido en un cajón?

C. Que se quedara en un cajón nunca fue una opción. Cuando Lewin se fue, el disco estaba terminado a falta de mezclar. Nunca se nos habría ocurrido dejarlo en un cajón. Es un disco precioso, y lo que hemos hecho, entre todos, es sacarlo tal y como él quería. Intentaremos que su música llegue lo más lejos posible, estoy segura de que a la gente le va a encantar.

P. ¿Qué supone para ti, como artista y como amiga de Lewin, interpretar sus canciones en Galileo?

C. Me da muchísima pena no poder verlo ese día desde el otro lado. No poder estar sentada y verle cantar. Lo haremos lo mejor que podamos e intentaremos que sea un día de celebración, celebraremos la salida de su disco como él hubiese querido e intentaremos que la gente se quede feliz, que conozcan su música para que hablen de ella y la compartan. Todos los que vamos a estar sobre el escenario ese día somos amigos suyos, gente que ha compartido con él muchas cosas, y sobre todo gente que le quería y le quiere mucho. Así que haremos todo lo posible para que sea una noche increíble y sentirle con nosotros.

25 febrero 2016
Lolo Moldes: «Cráteres son heridas cicatrizadas, que han dejado su huella»

Es músico, compositor, productor musical e ingeniero de sonido. Aunque la relación de Lolo Moldes con el mundo de la música viene de mucho más atrás, de cuando tenía ocho años y empezó a tocar la guitarra. O de cuando comenzó a dar clases en el conservatorio. De hecho, él mismo ha reconocido que ya nació con una guitarra debajo del brazo. Ahora está en pleno proceso de promoción de «Cráteres», su primer audio-libro recién presentado a los medios, y que llevará al leonés el próximo sábado 12 de marzo a la Sala Barco de Madrid. Un trabajo que va más allá de la música, ya que también aúna poesía e ilustración. Esta última, a cargo de los artistas bercianos Cristina Montero, Ana Gaztelumendi, C. C. Sulé, Jorge Solana, El Abrelatas, Javier Carpintero, Roque Castedo, Raquel Palacio, JuanMa Salví y Roberto Canedo.

Pregunta. ¿Qué te llevó a lanzar tu carrera como artista?

Respuesta. Lo cierto es que la inercia me llevó hasta este punto. En ningún momento me planteé lanzar mi carrera musical. Simplemente, llega un día en el que pintas un cuadro que te gusta y decides mostrarlo en público.

P. ¿Cómo nace «Cráteres»?

R. En principio, tan solo eran unos textos y unas melodías que tenía guardados y que poco a poco fueron cogiendo forma. Hasta que se convirtieron en canciones. Pero como además, tenían cierto colorido y carácter desde mi punto de vista, consideré que tenían que complementarse con imágenes. Por eso contacté con unos amigos de El Bierzo, para proponerles que dibujaran las canciones. A ellos les gustó la idea y se volcaron enseguida.

P. ¿Cómo está estructurado este trabajo?

R. Tiene dos partes. En la primera de ellas aparecen las canciones, con las letras de las mismas y su respectiva ilustración. La segunda está dedicada a la poesía y reflexión. Son resquicios que quedaron anotados durante el proceso compositivo y no quise que se perdieran, porque forman parte de toda la creación de «Cráteres».

P. ¿Por qué llamarlo así, «Cráteres»?

R. «Cráteres» es claramente una metáfora. Si tuviera que definirlo con una frase, diría que son heridas cicatrizadas, pero que han dejado su huella. En definitiva, es un mapa del alma. Engloba muchas cosas en cuanto a la temática. principalmente, hacen referencia a cuatro pilares fundamentales: los sentimientos familiares, temas políticos que de alguna manera te mueven, la tierra y el amor.

P. ¿Qué hace especial este trabajo?

R. Es honesto y sincero, ha salido del alma sin ningún tipo de pretensión, más que ser un proyecto terapéutico. Ocurre que después de mucho tiempo viviendo en Madrid, me siento desilusionado con el entorno y decido poner tierra por medio. Me marcho para poner mis ideas en orden y descansar. A partir de ahí, nace y se consolida «Cráteres». Por eso pienso que es honesto y sincero.

P. ¿Cómo ha sido la experiencia de grabar este audio-libro?, ¿repetirías?

R. El formato quizás no lo repetiría, pero el estilo, y los puntos personales y musicales a los que he llegado gracias a «Cráteres», sí que me gustaría conservarlos, porque me han hecho evolucionar y crecer en una dirección que me gustaría seguir investigando.

P. ¿Cómo ha sido el proceso de producción de «Cráteres»?

R. Para conseguir que la esencia de «Cráteres» se mantuviera intacta, todo lo que es el proceso creativo de los temas y las melodías, es una carrera de fondo en la que yo me encerré completamente solo con mis instrumentos. Secuencio los instrumentos que yo no puedo tocar, para luego pasárselos a instrumentistas que sí que pueden hacerlo y que además, aportan su toque personal.

P. ¿Cómo diste con las personas que te iban a ayudar en este proceso?

R. En el tema musical, ya tenía claro con anterioridad a las personas que quería que formaran parte del plantel, porque llevo mucho tiempo trabajando en el mundo de los directos y he coincidido con mucha gente. Y poco a poco vas asociando a las personas que pueden encajar, tanto a nivel profesional como humano. Este último aspecto es muy importante para que el proyecto creciera.

A nivel artístico, el diseño de los dibujos fue previo al proceso de producción. Con anterioridad, pasé a unos amigos unos bocetos de los temas al desnudo, tan solo con la guitarra y la voz, para que no se vieran influenciados por otros artificios. Y sobre eso, construyeron sus obras. No hubo ningún tipo de restricción en este sentido, cosa que ha hecho que «Cráteres» tenga mucha más fuerza.

P. ¿Qué supone para ti presentar tu disco en la Sala Barco de Madrid?

R. Pues imagínate. La Sala Barco es una de las más emblemáticas de la ciudad. Llegar de fuera y poder actuar allí es todo un lujo.

P. ¿Alguna sorpresa para el concierto del 12 de marzo?

R. Bueno, algo hay pensado [risas]

24 febrero 2016
El festival Wegow Day agota las entradas

El próximo sábado 5 de marzo, Ochoymedio Club (Sala But) se convertirá en el escenario del festival indoor Wegow Day, por el que pasarán tres bandas de las grandes bandas del panorama indie español. Los catalanes Dorian, que se alzan como cabeza de cartel, Varry Brava y Mirémonos son los grupos elegidos para participar en este espectáculo.

Wegow es quien organiza este evento musical. Esta página web, la pionera y primera red social que conecta a personas amantes de la música en directo y con gustos musicales similares, ha aprovechado la celebración de su segundo aniversario para reunir a Dorian, Varry Brava y Mirémonos en un mismo escenario. Por el momento, el éxito de Wegow Day ha sido tal, que a poco más de dos semanas del espectáculo, se han agotado todas las entradas.

Un festival que dará comienzo el 5 de marzo a las 20.00 horas y que durará hasta la medianoche. Tras la actuación de estas tres bandas referentes en España, diversos DJs residentes harán disfrutar con sus sesiones el resto de la noche. Por lo que, desde la finalización del concierto de estos grupos y hasta las 2 de la madrugada, los asistentes podrán acceder a la sala de manera gratuita.

La apertura de puertas será a las 19.30 horas, aunque hasta las 20.00 horas no dará comienzo este mini-festival. La primera banda en actuar será Mirémonos, a la que seguirá Varry Brava, alrededor de las 21.00 horas. Dorian, primer grupo en confirmar y cabeza de cartel, saldrá al escenario sobre las 22.00 horas y se encargará de cerrar el Wegow Day.

Dorian

Este grupo procedente de la ciudad de Barcelona, se ha convertido a lo largo de sus 10 años de vida en un referente de la música indie, no solo en España, también en bastantes países de Latinoamércia como México, donde han actuado en multitud de ocasiones. Con su último trabajo, «Diez años y un día», han celebrado su décimo aniversario como banda. De hecho, durante 2015 recorrieron numerosos escenarios de todo el mundo. Entre las sorpresas de este disco, ha habido colaboraciones con otros artistas, como Santi Balmes (Love of lesbian). Además, en su gira de presentación contaron con nuevos instrumentos, como violín, viola y violonchelo .

Varry Brava

Esta banda murciana creada en el año 2009, saltó al panorama musical con la que fue su primera maqueta «Ídolo» en 2010. Poco a poco, fueron adquiriendo mayor repercusión tras aparecer en los «Conciertos» de Radio 3. Además, con este trabajo recorrieron algunos de los escenarios y festivales más importantes a nivel nacional. En 2012, llegó su primer álbum «Demasié» y dos años después, su último trabajo, «Arriva: 16 Horas de Juego y 4 Litros de Bebida energética», con el que consiguieron «colarse» en la lista de discos más vendidos.

Mirémonos

Un graffiti en una pared de Malasaña les dio el nombre del grupo en el año 2009. Y a continuación, llegó su primer EP «Kaizen», con el que ganaron el concurso Creación Joven del Ministerio de Cultura. 2011 se planteó como año productivo para los madrileños, que publicaron su single «Jägermeister», considerado por la revista Mondosonoro como uno de los cinco mejores demos del año. «Porno» surgió en 2012, mientras que en 2014 nació su último EP, «Triángulo de las Bermudas». A finales de 2015, realizaron y subieron a Bandcamp, el single «Parece carnaval».

17 febrero 2016
La revolución «Copacabana»

Tres días de concierto. Tres días con el cartel de «sold out» colgado en las puertas del Teatro Circo Price de Madrid. Izal lo ha conseguido, gracias a su obra maestra «Copacabana». Durante las noches del 21, el 22 y el 23 de enero, los madrileños presentaron su nuevo trabajo al público, que insaciable, lo dio todo ante el escenario. Al menos, durante la primera de las citas e imagino sin miedo a equivocarme, que también durante las otras dos.

El pasado jueves 21 de enero, Izal saltaba al escenario y abría su espectáculo con el tema que da título a este nuevo trabajo, «Copacabana». Incluso antes de que sonara alguna nota, el público, enloquecido, se levantó de sus asientos para empezar a darlo todo. Y efectivamente, nadie se sentó hasta que el mismo concierto finalizara.

No faltó la música, del mismo modo que tampoco faltaron palabras, no solo de agradecimiento a los asistentes. También las hubo para las salas de conciertos, que no dejan de ser centros culturales en los que, día tras día, nace y crece la música. De esta manera, Mikel Izal aportó su pequeño grano de arena: «Las salas pequeñas son muy importantes. Sin salas pequeñas, no hay salas grandes. Nadie empieza tocando en un Circo Price. Id a ver conciertos en salas pequeñas, os llevaréis grandes sorpresas».

Durante alrededor dos horas, la banda madrileña no sólo presentó su nuevo trabajo, sino que también realizó un repaso de algunos de los temas más destacados de su discografía. De esta manera, sonaron canciones como «Oro y humo», «Tambores de guerra», «La mujer de verde», «Tu continente» o «Magia y efectos especiales», entre muchas otras. Y por supuesto, el mítico «Pánico práctico». Quizás, uno de los momentos más emblemáticos fue cuando sonó «Pequeña gran revolución», tema que habla de la pequeña sobrina del vocalista, quien aprovechó para avanzar que al día siguiente se la dedicaría a sus padres, que asistirían a verle.

«El baile» fue el tema que cerró el concierto, junto a una lluvia de confeti de colores. ¿Hay alguna manera mejor de finalizar un espectáculo que bailando? Aunque Mikel Izal supo poner la «puntillita». «Posiblemente este sea el concierto más increíble de nuestras vidas. Seguramente haya más, pero éste ha sido genial». Y muy posiblemente, el público coincida con el vocalista del grupo madrileño. Incluyo yo, una iniciada en el mundo revolucionario de Izal, llegó a pensarlo. Sin duda, un grandísimo concierto. No hay palabras suficientes para definirlo.

24 enero 2016
Rincones de Madrid: «La Neomudéjar»

Escondido en la estación de Atocha de Madrid, se encuentra el Museo de Arte Contemporáneo y de Vanguardia, La Neomudéjar. A pesar de no ser demasiado reconocido, medios como TVE se han hecho eco en diversas ocasiones de las exposiciones de este pintoresco lugar, al que ADIF alquila el terreno. Y es que, entre los tantos artistas que han pasado por La Neomudéjar, Ze Carrión se alza como uno de los más conocidos.

Creado en el año 2013 por Néstor Prieto y Francisco Brives, este museo se alza como el único museo de arte urbano y de vanguardia de la capital española. La crisis, en todos los ámbitos, que existía en esas fechas, no impidió que ambos artistas gallegos abrieran las puertas de La Neomudéjar. Brives no duda en afirmar que era necesario un lugar así en Madrid, por eso lo crearon. «Queríamos crear un espacio dedicado a las artes de vanguardia, que no están habitualmente en los museos. Además de dar cobijo a artes proscritas como el arte urbano o street art y darle una identidad museística. Todo este proceso siempre ha tenido que estar vinculado a una crítica social dentro de un espacio de resistencia», explica uno de los co-fundadores.

El museo se gestiona de manera autónoma, a través de una Asociación Cultural, formada por artistas y gestores culturales. «Disponemos de nuestros propios medios, generados por la actividad que realizamos en La Neomudéjar. No estamos acompañados institucionalmente, ni tenemos ningún recurso externo o subvención. Así y todo, el proyecto nunca se ha endeudado más allá de la capacidad económica que podía ir gestando». Y así es como sobrevive el centro, en su especial rincón de Atocha. Lejos de ver la ubicación como un «handi-cap», Francisco Brives cree que es una ventaja. «La primera vez que accedes no es sencillo, pero forma parte del encanto del lugar, el Madrid escondido».

Diferenciación de otros museos

Inspirado en el tipo de museos existentes en Latinoamérica, La Neomudéjar recoge todo tipo de artes de vanguardia, que en los clásicos museos españoles no se suelen encontrar. Además, como dice su fundador, «queríamos dar cobijo a artes proscritas como el arte urbano». Un tipo de arte muy unido a la crítica social, tal y como el propio Brives reconoce. Con ese espíritu y con el del 15M, al que estuvieron muy pegados los fundadores, nació La Neomudéjar en plena crisis económica.

Por sus particulares salas, han pasado todo tipo de artistas urbanos y vanguardistas, desde Ze Carrión, del que TVE realizó un documental, hasta Marta Azparren, pasando por Luisa Álvarez o Jacqueline Bonacic-Doric, entre muchos otros. Pero no solo ellos, también han expuesto en el museo artistas extranjeros, cuyas obras han sido cedidas por sus países de origen a La Neomudéjar. De esta forma, Néstor Prieto y Francisco Brives, trajeron desde México, una de las últimas exposiciones de la sala madrileña.

Pero sin duda alguna, todos los artistas, cada uno con sus propio estilo personal, tienen algo en común: la contemporaneidad. Y es que el centro se caracteriza por exponer obras de artistas contemporáneos. «Defendemos que los museos recojan al artista vivo, al artista contemporáneo. Creemos que es una pérdida de valor cultural no apostar por ellos», cuenta uno de los fundadores de este museo madrileño. Éste, es uno de los tantos aspectos que diferencia a La Neomudéjar del resto de museos clásicos de la capital.

Néstor y Francisco aseguran que nunca han expuesto ni expondrán en el museo, pues lo consideran contraproducente. «Nos hemos marcado desde el primer momento que a pesar de que somos artistas, no nos parecía ético ni moral tener nuestra obra programada dentro del propio centro. Cuando hay una intencionalidad museística para nosotros no tiene ningún sentido poner nuestro propio nombre», explica Francisco.

A pesar de las dificultades con las que se encontraron al abrir y todos los problemas con los que se han ido encontrando durante el camino, los fundadores de La Neomudéjar siguen luchando por hacerle un hueco a su museo en las guías turísticas. El objetivo, es que el Ayuntamiento llegue a escucharlos. Lo cierto, es que tienen a grandes museos con los que competir. El Reina Sofía está relativamente cerca. Poco parece que pueden hacer, si comparamos las visitas de uno y otro. ¿Por qué la gente elige visitar un museo u otro? Brives responde que depende de un factor educacional principalmente. «No estamos tan acostumbrados al hecho de la vanguardia. Hay una desigualdad, un desequilibrio muy grande de la promoción turística y promoción de los espacios, si nosotros tuviéramos una capacidad de inversión económica para una comunicación mayor, probablemente el espacio estaría lleno de visitantes».

30 diciembre 2015
Llega «Lavapiés Diverso»

Jazz, blues, rap y música africana inundarán las calles del barrio de Lavapiés, desde el próximo viernes 13 de noviembre hasta el 29 del mismo mes. E incluso poesía, cine, una feria del libro o actividades para los más pequeños. Un año más y por segunda vez, «Lavapiés Diverso» llega a Madrid. Las calles y plazas de este barrio, además del Mercado de San Fernando y el Teatro Price, se llenarán de cultura.

Entre los invitados a este festival, destaca Sekou Kouyate (Guinea Konakri), conocido como «el Jimmi Hendrix de África Occidental», que el 17 de noviembre ofrecerá su primer y único concierto en España, enmarcado dentro de «Lavapiés Diverso». Además, en el festival también actuarán otros artistas como Romina Blanco, cantante argentina, intérprete de tangos; SBS Blues Band, con su innovador blues; el senegalés Kulumbá y sus melodías africanas; la canaria Alicia Ramos; los raperos Emi Rap y Soloh Mateo; o el músico Imulé de Cuba, entre muchos otros más.

La figura de Gloria Fuertes tendrá también un gran peso en esta edición de «Lavapiés Diverso», ya que se le realizará un homenaje muy especial. Y es que la escritora de literatura infantil y juvenil, nació en este emblemático barrio de Madrid.

11 noviembre 2015
Traficantes de sueños , Premio Librería Cultural 2015

Foto: Santiago Ochoa

La librería madrileña Traficantes de Sueños se alza con el Premio Librería Cultural 2015, en esta decimoséptima edición del certamen, que premia «la figura del librero como agitador cultural y que, teniendo como herramienta principal al libro, fomenta la mirada crítica hacia la realidad y la cooperación ciudadana». Dicho premio, concedido por la Confederación Española de Gremios y Asociaciones de Libreros (CEGAL), está dotado de una cantidad de 9.000€.

Además, el jurado – formado por Javier López (director de CEGAL); Javier Cámara (Librería Cámara, ganadora de la anterior edición); Irene Antón (editora de Errata Naturae); Ana Mendoza (premio Periodismo Cultural 2015); Mónica Díaz (distribuidora UDL); José C. Vales (premio Nadal 2015); Pedro Valverde (Unidad de Apoyo al Libro de la CAM), y Lourdes García (jefa de la Secretaría de CEGAL) -, realizó una mención especial a los proyectos presentados por la Librería Hipérbole (Ibiza) «por su trabajo integral», y a la Librería El bosque de la maga (Gijón) «por su acercamiento riguroso y lúdico la lectura».

Foto: Santiago Ochoa

Recorrido de «Traficantes de Sueños»

Traficantes de Sueños nació en el año 1996, con la intención de aportar contenidos y animar debates útiles para la acción transformadora, a través de los movimientos sociales y vecinales. Blas Garzón, respresentante de esta librería, explica cómo surgió esta librería. «Nació como un lugar estable y abierto donde poder encontrarse, discutir y tener al alcance materiales para la formación del tejido social. Con un fondo editorial pequeño y gracias a la complicidad de muchas editoriales y distribuidoras, la librería se puso en marcha con un formato asociativo, es decir, con el compromiso de decenas de personas de adelantar sus compras a través de cuotas. Una herramienta humilde de economía alternativa que permite dotar de cierta estabilidad al proyecto en sus primeros momentos».

19 años después, esta librería madrileña continúa en pie de guerra, llevando la literatura y la cultura a todos los rincones posibles. De hecho, en los últimos años, Traficantes de Sueños ha empezado a editar y distribuir sus propios libros.

Ubicación: Calle Duque de Alba, 13 (cerca de la Plaza de Tirso de Molina).

4 noviembre 2015