Estuvo más de una década al frente de LA, banda con la que cosechó numerosos éxitos. Pero llegó el momento en el que Luis Albert Segura comenzó a volar solo. ¡Y menuda manera de echar a volar! Era demasiado arriesgado, pero con todas las consecuencias, ahí está él: con un nuevo trabajo debajo del brazo y adentrándose en la composición de canciones en español. Pero siempre, siempre con esa sensibilidad que lo caracteriza. Y es que cuanto más escuchamos «Amenaza Tormenta», más nos gusta. Un verdadero «discazo», que vio la luz el pasado 5 de abril y no ha dejado de darnos sorpresas desde que llegó a nuestras vidas.
La última de ellas fue el pasado lunes 10 de junio en las oficinas de Hook Management. Luis Albert sorprendió a los medios invitados con un mini showcase en el que tocó tres de los temas de este nuevo trabajo y que sirvió como pequeño adelanto del que será su primera presentación. La cita será este mismo miércoles 19 de junio, a las 21.00 horas, en la mítica Sala El Sol de Madrid, dentro del circuito de programación «San Miguel On Air». Un concierto al que tan solo se puede acceder mediante invitación, que puedes conseguir a través de las propias redes sociales del artista. Tras este primer concierto en la capital, el artista mallorquín pasará por el Sonorama Ribera, donde igualmente presentará los temas de su debut en solitario, «Amenaza Tormenta».
En este trabajo, con el que ha dado un gran salto y ha roto con la barrera del idioma, Luis Albert Segura nos transporta por diferentes estados y emociones. Se ha abierto en canal expresando sus emociones más internas y consigue hacernos viajar por diferentes escenarios. En esta travesía emocional, el cantante y compositor ha estado acompañado por músicos de gran nivel. Ahí encontramos a Miguel de Lucas, miembro de Rufus T Firefly; o al arreglista orquestal Sergio Llopis.
Driive han vuelto a hacerlo, han vuelto a sorprendernos. Después de lanzar su primer EP («Strange is Good») y su álbum debut en noviembre, «Hideaway», en el mes de noviembre, lo han conseguido de nuevo. Tras lanzar «The Show» como primer single, llega el turno de «Icarus», segundo adelanto y primer videoclip de este reciente trabajo.
Un acierto total el haber escogido esta canción, «Icarus». Y es que es una de las más especiales y más arriesgadas del disco. Sus casi 7 minutos de duración lo demuestran. 7 minutos que se salen de la típica canción de radio-fórmula y en la que la banda madrileña se explaya, explora, experimenta con diferentes sonidos, que van del rock y post rock, a la música dance. Una escucha pausada, que merece calma y que muestra los pequeños detalles de una producción de este tipo. Una canción perfecta para abrir este primer álbum y que choca directamente con el que fuera el primer single de «Hideaway». Y es que «The Show» sí que era un tema más al uso, mientras que en «Icarus» sí que se muestra más la madurez de la banda.
Una apuesta que ha salido bien y que Driive han sabido ejecutar de manera maravillosa. Y es que gracias a «Icarus», podemos atravesar por diferentes estados y emociones. Una apuesta que se escapa de cualquier estándar establecido por la industria y que, por ello, nos encanta.
El videoclip, que vio la luz el pasado lunes día 10 de junio, ha sido dirigido y grabado por Alejandro de Vega y Álvaro Moriano. Una idea sencilla, pero bien ejecutada, es la clave para este clip. Y es que al final, está rodado como si se tratara de un ensayo: tras la llegada de la banda al local, la calidez de las imágenes se entremezcla con la propia música, con la propia canción.
Si no habéis visto todavía el videoclip, aprovechad y dadle al «play». Estamos ante una de las grandes promesas del panorama indie-rock nacional.
Si algo nos ha regalado Madrid es el haber puesto en nuestro camino a los chicos de Muñeco Vudú. Es curioso, porque ni ellos ni nosotros somos madrileños. Pero esa es parte de la magia de la música. Y de las ciudades grandes. Así y todo, lo único claro es que desde que los conocimos, supimos que eran especiales. Esa pasión por lo que hacen, el brillo en los ojos, esa manera de tratar con nosotros y, por supuesto, esos directos espectaculares.
Meses después, hemos tenido la oportunidad de volver a hablar con ellos. En este caso, hablamos con Ivo Pérez (voz y guitarra), a raíz de las sesiones en acústico que han iniciado («One Audio Take Sessions»), tras la salida de «Gravemente Ilesos».
A raíz de la publicación de «Gravemente Ilesos», ¿cómo surge la idea de grabar las sesiones en acústico?
La idea viene por varios frentes. El principal es que queremos tocar y queremos que se nos vea tocando, más allá de que entendemos que la industria te lleva directamente a grabar material para seguir estando en esta rueda. Pero para nosotros, la mejor manera era hacerlo de la forma más directa y arriesgada posible, más allá de hacer vídeos que no fueran estrictamente musicales.
Así que un día, hablando los cinco, se nos ocurrió hacer estas sesiones con una sola toma de audio, con un micro solo de ambiente. Y lo quisimos enfocar hacia lo acústico: queríamos hacer una versión más curva de las canciones, tanto de «Gravemente Ilesos», que fue por donde empezamos; como de nuestros trabajos anteriores. De todo ello, nos ocupamos nosotros: grabación, realización, producción del material.
Es una manera de darle otra perspectiva a las canciones.
Sí, eso nos gusta, porque somos una banda de música popular. No somos ni comediantes, ni ingenieros, ni médicos. Así que al final, creemos que la mejor promo es tocar y que nos vean hacerlo. Y si le damos ese giro autoproducido, de coste cero, es un punto de creatividad extra. Y nos ha parecido una buena idea el hacer esta serie de vídeos, que dan otro giro a las canciones.
Además cada sesión irá acompañada de su respectivo videoclip. Entiendo que en ese sentido, la parte gráfica y visual también es importante para vosotros.
Claro y más en estos momentos en los que redes sociales como Instagram tienen tanto peso. Al final en todas ellas prima o pesa la imagen, también porque vivimos en una sociedad muy visual. Y aunque la música no dejará de ser audio, también hay que adaptarse un poco a ello. Aunque nosotros no abandonamos la idea de seguir grabando estas sesiones acústicas en una toma, para que se pueda apreciar todo: lo que sale bien, las pequeñas imperfecciones, los pequeños fallos en notas, todo. Porque eso también ha sido parte de la música. Hay discos de los 70 en los que se aprecia eso: me viene a la cabeza «Hurricane» de Bob Dylan, que incluso el tempo se acelera en un momento de la canción y después lo recupera. Pero quizás las grabaciones eran mucho más orgánicas y sin determinados efectos.
Al final eso es algo que también pasa en los directos, donde no hay momento para parar o repetir si algo sale mal o hay equivocaciones.
A ese punto quería llegar yo, porque la idea parte un poco de ahí. Si la vida es imperfecta, si un humano es imperfecto, si un árbol es imperfecto, al final, es más real que la música también lo sea. En vez de dar solo una cara de ella, la cara buena y perfecta en la que todo sale bien. La música la vemos relacionada con las cosas buenas, pero también con las imperfecciones. Todo ello, da alma a una grabación.
El primer «One Audio Take Sessions Vol.I» lo hicisteis con «La calle de en medio». ¿Por qué precisamente esta canción?
Pues nos llamaba la atención porque todo este disco, «Gravemente Ilesos», está grabado con guitarras y batería muy potentes. Así queríamos un poco ponernos a prueba y comprobar si las canciones en acústico tenían el mismo empaque y la misma versatilidad. Hemos sustituido batería por cajón, las guitarras por acústicas e incluso una melódica, hemos introducido un banjo. Esa era una primera prueba. Además, nos gusto mucho tocar esa canción y tiene un significado importante. Eso nos ha dado alas para tocar otras canciones e incluso llamar a algún invitado, para darle una nueva perspectiva a los temas.
¿Y cómo está siendo la acogida?
En general muy buena. La verdad es que este disco nos está dando muchas alegrías y nos está dando alas. De hecho, seleccionaron «Antídotos (Para Andar Por Casa)» como Mejor Canción en los Premios A La Música Asturiana (Premios AMAS). Y también han optado por «Canción Para Mi Hermano» para la banda sonora de una serie, de «Allí Abajo». Son cosas que, en un tren tan complicado, estimulan y nos hacen seguir arriesgando.
¿Cómo estáis viviendo todos estos acontecimientos?
Pues con mucha ilusión, pero también con un poco de escepticismo o madurez. De hecho, con el primer disco nos dieron tres de esos premios, pero nos pilló también en un momento completamente diferente. Después de eso, han pasado varios años en los que no hemos dejado de trabajar y hemos tenido tanto frustraciones como alegrías. Vamos teniendo nuestras inseguridades y las vamos superando. Pero también hemos crecido. Así que estos hechos los recibimos con mucha alegría, pero también con prudencia y madurez. Nos lo tomamos muy bien, pero hay que comer.
Siguientes pasos de Muñeco Vudú.
Pues la verdad es que nosotros tenemos un poco la «filosofía Simeone», que es la de ir partido a partido, poco a poco. Estamos buscando cosas, cerrando, avanzando. Este verano, tenemos un par de fechas en Asturias. El 5 de julio, estamos en el Recinto Ferial de Llanera, y el día 6 actuamos en la Semana Negra 2019 de Gijón. Pero después del verano, no sabemos todavía mucho. Solo que queremos volver a Madrid. Además de que nos encantaría visitar el norte, desde Galicia, Navarra, la zona de Castilla y León.
En cuanto a material musical, aunque estamos pensando en cosas nuevas, nos gustaría seguir rodando con «Gavemente Ilesos», porque creemos que aún le queda vida. Así que seguiremos con él y continuaremos con las sesiones en acústico.
Hay conciertos por los que merece la pena esperar. Hay veces que los años no pasan en vano. Dos, cuatro o incluso siete años. Siete años en los que hemos esperado a que Exceso publicara su nuevo trabajo: y al fin ya está aquí. Es el momento de «Rimas y Rock» y, sobre todo, es el momento de presentarlo en directo. De ahí que el 23 de mayo fuera una fecha bien marcada en el calendario: y es que era el día que la banda de Arenys de Munt presentaba su reciente trabajo en la mítica Sala Apolo de Barcelona.
Con el tiempo justo y temblando por no ver el concierto ya empezado, llegamos corriendo. Pero por azar o por destino, no fue así. La sala cada vez se llenaba más y en el preciso momento en el que las luces se fueron apagando y la banda comenzó a salir al escenario, ya lo supimos. Ferrán era el último en aparecer, con los primeros acordes de «Que sonrías para mí». Entonces todo explosionó y, «Otra canción desesperada» llegó. No lo sabíamos en ese momento, porque ya desde el principio nos estábamos encargando de darlo todo. Euforia y mucho rock, la combinación perfecta, porque así todo «Saldrá mejor». Y es que «Como el veneno», las canciones se nos estaban metiendo dentro.
Esas ganas y esa euforia llegaban de manera bidireccional. Se notaba que Exceso también tenían ganas infinitas de estar allí y darlo todo, de echar los restos. Fue como un «Un soplo más» de aire el verlos así, porque eso nos dio alas a nosotros, el público. Alas para salir «Corriendo entre las balas» y llegar al preciso momento, para cantar al unísono canciones como «No me basta», «Fronteras de agua» o «Último alimento del recuerdo». En estas cosas se basa la verdadera «Pureza» de los conciertos. Un cúmulo de emociones que salen a relucir como las mismas «Lluvias de abril».
Aunque para emociones, las que vivimos cuando El Niño de la Hipoteca salió sobre el escenario, para cantar junto a Ferrán. Una relación y una amistad que se ha ido forjando con los años y de la que pudimos ser mínimamente testigos el pasado 23 de mayo en Barcelona.
«Vuelve ya» llegó inmediatamente, así sin más, «Mientras el mundo viene y va». Uno de los puntos álgidos del concierto, porque las canciones antiguas combinaban a la perfección con las del nuevo trabajo, con las de «Rimas y Rock». Sí, fue la combinación perfecta de «Cenizas y aciertos», lo que dio pie directamente a los «Delirios» generales del público. Y es que nos encontrábamos «Cara a cara» con los artistas.
No lo sabíamos pero intuíamos que quedaba poco y que estaba llegando a su fin. Al grito de «otra» y ensimismados en multitud de «pogos», volvieron a aparecer en un arranque de emoción. Quedaban pocas y la primera en llegar fue «Rojo arte», la canción perfecta para hacer aparecer por arte de magia, «Versos desterrados». Pero quedaba una que todavía no habíamos podido tocar: no podía ser de otra forma, porque entre «Niebla y Hollín», Exceso se despedían del escenario de la Apolo. Y de todos nosotros. Eso sí, dejando la puerta abierta para poder vernos de nuevo. Pronto.
Directamente desde Barcelona, llegan Sirla. El pop y el rock adquieren una nueva dimensión con esta familia de artistas: y es que Sirla está formada por los hermanos David Carbajal (voz) y Xavi Carbajal (guitarra), además de por el batería «Blade», primo de ambos.
Los tres miembros del grupo tienen amplio recorrido en el mundo de la música: además de venir de otras formaciones, han tenido la oportunidad de tocar en diferentes escenarios de todo el territorio nacional. Sin embargo, ahora con Sirla, se plantean volver para quedarse. Y es que su álbum debut está a «puntito» de ver la luz: la fecha establecida es justo después del verano. Aunque antes, podremos empezar a escuchar cómo suenan.
«La Última Vez», el primer adelanto de Sirla
«Siento un frío en mi nuca que es aterrador, y se me clavan las agujas de un reloj otra vez. Esta angustia duele pero siempre quiero más. ¿Que es lo que esperas? ya no vale, yo no aguantaré. Como si fuera esta noche la última vez, que nunca olvides mi nombre, no sé, quiero ser, el fuego de tu recuerdo que arda en tu piel, yo ya no pido más. Yo ya no pido más».
Así reza esta nueva canción. Y es que «La Última Vez» se alza como primer adelanto de lo que será el gran debut de Sirla. Un tema impactante, que va directo a nuestra cabeza. Imposible no ponerlo en bucle y escucharlo hasta la saciedad.
La canción va acompañada de su respectivo videoclip, grabado en el Freda Studio de Barcelona (estudio de la propia banda). Mientras que los arreglos del tema han corrido a cargo de los Maintrack Studio de Madrid; y el mastering en los Estudios Reno también de la capital.
Por lo pronto, no tenemos más detalles de este disco debut. Pero podéis calmar las ganas con el primer single. ¡Dadle al play!
Almería tiene nombre de mujer: Rozalén, Amparanoia, Morgan y Bely Basarte vestirán las calles de la ciudad andaluza el próximo 23 de agosto. Un concierto muy especial, que tendrá lugar en el Recinto Ferial, y que será 100% femenino. El objetivo será luchar y reivindicar al derecho a la libertad e igualdad de la mujer.
Año 2019. Un movimiento imparable recorre el mundo sin detenerse por fronteras, idiomas, razas o credos religiosos. Un movimiento que reclama y reivindica un principio básico y necesario en la humanidad: la igualdad entre géneros. Bajo esta importante premisa, nace «Almería 100 Por Ciento Mujer», un proyecto cuya finalidad es dar una mayor visibilidad a este movimiento progresista y feminista, tan necesario aún a día de hoy.
A lo largo de la jornada del 23 de agosto, se podrá disfrutar de buena música, a cargo de artistas femeninas, y de un evento totalmente participativo, en todos los aspectos. El nexo en común entre todos los nombres del cartel es esa misión de reivindicación, de lucha, de consecución de una igualdad real entre hombres y mujeres.
¿Quién es quién en este «Almería 100 Por Ciento Mujer»?
Probablemente, Rozalén sea una de las artistas con mayor proyección a día de hoy. Es el ejemplo de lucha clara y su último trabajo, «Cuando el río suena». Raíces, memoria histórica, violencia y empoderamiento de la mujer. Si pudiéramos definir este álbum de manera breve, sería así. Un disco al que le siguió inmediatamente su recopilatorio, «Cerrando Puntos Suspensivos».
Una de las pioneras de la música fusión en España. Ella es Amparanoia. No se merece menos. Después de bastantes años de silencio, la banda regresaba a los escenarios, allá por el año 2017. Y lo hizo rememorando el cancionero más emblemático del grupo y en compañía de grandes artistas con los que poder colaborar. «El Coro de Mi Gente» se estaba fraguando. Y «El Coro de Mi Gente» lo escucharemos en directo el próximo 23 de agosto.
La imparable Bely Basarte será otro de los nombres de este cartel tan especial. Reventó hace unos años la burbuja de YouTube, haciendo covers de todos los artistas a los que amaba y saltó. Lógico y normal, cuando se trata de Bely Basarte y de esa voz tan dulce que la caracteriza. Aunque nos costó poder escuchar una canción propia, «Desde Mi Otro Cuarto» llegó en 2018 para quedarse. Y desde ese momento, no hemos podido dejar de escucharla.
Morgan ha sido el gran descubrimiento de este último año. Ese carácter de Nina, esa voz, esa dulzura y ese poder, ha hecho que la banda esté donde está en estos momentos. Tienen algo que atrapa: y la mayor demostración de ello es su álbum, «Air», con el que han arrasado en numerosos escenarios (y en certámenes como los Premios MIN).
¿Te vas a quedar sin tu entrada? Hazte con ella en Ticketmaster, Almería Cultura y en la Taquilla Municipal del Teatro Apolo (Almería). ¡Rápido, que vuelan!
Los incansables Tu Otra Bonita regresan a escena con su nuevo single, «Alitas de mar». Un tema especial que han grabado junto a Juanito Makandé. De esta manera, esta canción se convierte en la nueva colaboración que la banda ha ido lanzando en plataformas, tras el videoclip oficial de «Voy» y el tema que se marcaron junto al incombustible Muerdo («Guapa»).
Nuevamente estas canciones y estas colaboraciones, corroboran lo que en su momento «¿Verdad o Atrevimiento?» ya demostró: que Tu Otra Bonita se sale de cualquier tipo de canon y que no hacen ningún género concreto. Ellos hacen todo y nada, ellos saben hacer lo que les apasiona, pero siempre manteniendo su propio sello identificativo. Eso sí, abanderados de la de la rumba psicodélica, Tu Otra Bonita es una de las grandes promesas de la música a nivel nacional.
A todo esto, y tras el lanzamiento de este tema hace apenas una semana, la banda sevillana afincada en Madrid, continúa con la gira de presentación de su último trabajo «¿Verdad o Atrevimiento?». Aunque tras el tour por salas, ahora llega el turno de los festivales. De esta manera, visitarán en el mes de junio ciudades como Salamanca (8 de junio en el Mahou Street Food), Valencia (13 de junio), Sevilla (22 de junio en Live The Roof), Barbastro (28 de junio en el Polifonik Sound), Almería (17 de agosto en el Cooltural Fest) y volverán a cerrar en Salamanca, el 14 de septiembre, en el Gira en Kasas.
Mención especial se merece la gira que harán en julio por Estados Unidos y México. Y es que Tu Otra Bonita están empezando a «petarlo» fuera de España, no es para menos: hace apenas unos meses visitaban Argentina, donde presentaron las canciones de este nuevo trabajo. En esta ocasión, viajarán hasta Nueva York el 10 de julio, donde participarán en la Latin Alternative Music Conference (LAMC). El 13 de julio ya estarán en Ciudad de México, donde actuarán en el Foro Tejedor. Justo una semana después, el día 20, cerrarán en Guadalajara (México), concretamente en la Casa Musa.
Hace un año veía la luz «Singularity», debut de los asturianos Staytons. Un primer trabajo que dio alas a la banda y ahora es cuando, justo cuando celebran esa primera vuelta al sol, lanzan su segundo EP: «Kid Stuff». Sí, cosas de niños que suenan muy a Fantastic Negrito, Alabama Shakes o Sam Cooke y en el que, además, se han atrevido a publicar su primera canción en español. Poca broma con ellos.
Hace algunos días, pudimos hablar con ellos y esto es lo que nos contaron, tanto de su disco nuevo, como de su proyecto. ¡No os la perdáis!
¿Cómo surge el concepto de este EP, de «Kid Stuff»?
«Kid Stuff» como EP surge como un adelanto de lo que estaba siendo la maduración de la banda, hablando de cosas pequeñas. Aunque después, irónicamente, se convirtieron en «cosas de mayores», no tanto de niños. Fue un avance del año que cumple nuestro anterior trabajo, «Singularity» y lo hicimos con la intención de mostrar un poco lo que estábamos haciendo en ese momento, y la exploración y madurez que estábamos experimentando. De ahí que lanzáramos estos cuatro temas, cada uno distinto y de «una madre». Además, nos decidimos a publicar nuestra primera canción en español.
¿Por qué atreverse con el español ahora?
Pues la canción la hicimos de una manera muy natural, igual que hacemos las canciones en inglés. Sí que es verdad que en nuestro background hay mucha música anglosajona, por eso tenemos la naturalidad de escribir las canciones en inglés. Y ahora estamos incorporando más influencias en español, así que nos vimos en el momento perfecto para que, de manera natural, surgiera esta canción, «Ciudad Habitual». Lo vimos como un movimiento lógico.
¿Será este el primer paso para sacar más temas en español?
Yo creo que sí. Vista la naturalidad con la que nos surgió este primer tema, no descartamos. Aunque no creo que ocurra el cambio total de la banda, desde el inglés al español. Porque es un poco el sello, la marca: ese sonido tan americano. Pero para nada nos importaría ser una banda bilingüe.
Un titular que defina «Kid Stuff»
Aunque se titule «cosas de niños», este disco es «cosa de mayores».
¿Cómo ha sido volver a trabajar con Igor Paskual en el tema de producción?
Ha ido muy bien: él ya nos conocía y nosotros a él también. Una vez conoces el modus operandi de la otra persona, trabajas de manera aún más fluida si cabe. Siempre ha sido una relación muy cooperativa, basada mucho en la conversación. Entendemos que también debe ser un trabajo complicado el estar con cinco personas completamente distintas y que piensan diferente. Pero Igor es un gustazo de persona.
«Old Fame» fue el primer adelanto de este nuevo trabajo. ¿Por qué precisamente este tema?
Fue muy difícil escoger, porque son cuatro canciones muy distintas entre ellas. Al final, nos decantamos por ella, por la continuidad que seguía con el trabajo anterior. Además, es una canción muy inmediata: empieza con la voz, la guitarra. Y tiene muchísima energía: este tema es el que más refleja el alma del single.
Hablas de lo distintas que son las canciones de este EP, que es algo que también pasaba en «Singularity». ¿Es ese precisamente el sello Staytons?
Yo creo que sí. O al menos me gustaría que lo fuese. «Singularity» fue nuestro primer trabajo, más tipo carta de presentación. Aún así sí que es verdad que es muy distinto: la primera y la última canción no se parecen en nada. Pero aún así, sigue como un proceso, un hilo que te lleva de una canción a otra. Al final, es inevitable que sean tan distintas, son el reflejo de cinco personas completamente diferentes, aunque tengamos rasgos o gustos comunes. Al final, en «Kid Stuff» creo que vuelve a quedar reflejado ese carácter polifacético de la banda. Nos gusta explorar en nuestros trabajos.
¿Cómo afrontáis ahora los nuevos directos de «Kid Stuff»?
Pues siguiendo un poco con nuestra obsesión por transmitir energía. Queremos ofrecer unos directos con muchos colores, pero enfatizando el ritmo y todos los elementos que den energía. Al final, se trata de mantener una conversación con el público: que lo pasen bien y que disfruten. Es importante tener ese contacto, ese feeling con ellos, es importante ponerse en su lugar.
¿Cuál es la mayor locura que habéis cometido por la música?
La mayor locura por la música, creo que es el decidir ponerse y sacar los trabajos adelante. El vivir de la música. Al final, este proyecto es una apuesta. Y nuestra máxima también es demostrar que en R&R es cosa de jóvenes.
El 21 de junio es la fecha marcada en el calendario de Lino Suricato (y de todos sus fans). Y es que es el día en el que verá la luz «Tengo que olvidarte», single del que será el segundo trabajo del artista. Un trabajo que promete ser especial, ya que además del inmenso trabajo que ha supuesto para el extremeño, tiene colaboraciones muy especiales con El Canijo de Jerez y Cris Méndez. Un trabajo que llevará como título «Todo me arde, todo me hiela» y que se publicará en plataformas digitales, el próximo mes de septiembre.
El amplio recorrido de Lino Suricato
Dos largos años girando con el que ha sido su álbum debut, con su «No sé qué pasará mañana». Ha tenido la oportunidad de hacer amigos y compartir escenario con otros artistas a los que admiramos, como Isma Romero, Poncho K, El Canijo de Jerez, Duende Josele, Luis Pastor o Juanito Makandé, entre muchos otros. Pero ahora llega el momento de poner miras en el futuro, de pensar en el nuevo trabajo, de dar un paso al frente.
Por este motivo, el próximo 21 de junio, justo el día en el que dará comienzo oficialmente el verano, Lino Suricato publicará el primer single de su nuevo trabajo: «Tengo que olvidarte». Esta canción servirá como puente entre el primer disco del artista y el siguiente. Una canción dulce y amarga a la vez, una canción que emociona desde el primer instante, una canción que simboliza el nuevo camino que se emprende y el viejo que se queda atrás. Una canción que avanza todo lo que está por llegar, todas las sorpresas que nos regalará en septiembre «Todo me arde, todo me hiela».
¿Qué esconderá realmente este «Todo me arde, todo me hiela»?
Septiembre de 2019 es la fecha fijada para que vea la luz este «Todo me arde, todo me hiela» y, probablemente, esta sea la pregunta que más incógnitas nos genera. Por lo pronto, sabemos que este segundo trabajo se postula más cañero y directo que el anterior. Además, el artista ha aprovechado para desnudarse por completo en él, un trabajo que requiere mucho más esfuerzo, que nos permite conocerlo mucho mejor.
Sabemos que en «Todo me arde, todo me hiela», Lino Suricato ha sabido acercarse aún más al rock, pero sin llegar a encasillarse. Y es que no debemos olvidar que su música se encuentra a medio camino entre el pop, el rock y la rumba. Una fusión de estilos que da, aún más si cabe, personalidad a este particular proyecto.
Además, en este nuevo trabajo ha vuelto a trabajar junto a Candy Caramelo, quien se ha encargado de la producción. Por su parte, la masterización ha corrido a cargo de Santi Quizphe.
Proyecto y disco nuevo que se presentarán en directo, también en septiembre. En este caso, aprovechad para guardad esta fecha: 18 de octubre. Este día, Lino Suricato presentará en directo «Todo me arde, todo me hiela», ante el público de Madrid, siendo la Costello Club la sala elegida.
Dora Salvatore, la polifacética hija de Bimba Bosé y Diego Postigo, vuelve a sorprender al mundo con su música. En marzo llegaba el turno del primera adelanto de su álbum debut. Llegaba el turno de «Saving Star», una canción de pop electrónico con tintes de R&B y electrónica indie. Un tema que sirvió de carta de presentación y que sorprendió al público. Sin embargo, todavía había más sorpresas pendientes de desvelar: y es que así es como ha llegado a nuestras vidas el segundo single de la joven artista, «Call me back». Sin olvidarnos del siguiente avance, «Home». Y es que sí, Dora lo ha vuelto hacer. Es inevitable. Se llama magia.
Cómo surgen «Call me back» y «Home», de DORA
Tras mostrarnos ese primer single, Dora nos muestra una cara diferente con «Call me back». Una canción que nos remite al anhelo de un amor de verano, que llegado su final, tratamos de retener desde una melancolía adolescente. Un mensaje que se complementa y se expande, gracias al videoclip, realizado nuevamente por Diego Postigo. Un vídeo que nos sumerge en un viaje de recuerdos a través de los dos personajes, que tienen clavado en el pecho y en la retina una aventura de verano. Es un viaje a través de luces cegadoras de la costa, atardeceres bucólicos de postal y entornos mediterráneos, en contraste con la vida en la ciudad.
E inmediatamente, también tenemos que «Home», el tercer single lanzado por Dora. En esta ocasión, con motivo del nuevo anuncio publicitario de KIA España. Banda sonora de poco más de 2 minutos, que ha corrido a cargo de la talentosa artista, en el que muestra sin complejos su fuerza y su versatilidad. Porque sí, porque «Home» rompe: cambia de tercio, para transportarnos directamente a los ritmos más urbanos, más directos y extremadamente rítmicos.
Con estos dos nuevos temas, Dora vuelve a trabajar con Pional en el área de producción. Y, por supuesto, nos demuestra que es una artista polifacética, capaz de no seguir una misma línea, capaz de mostrarnos la versatilidad en todas sus variantes.
Ayer y sin previo aviso, veía la luz «Primavera», el segundo EP de los gallegos Presumido. Un trabajo formado por tres canciones («Lágrimas de belladona», «A la guillotina el miedo» y «Más duro que tu cara»), y con el que llegan al ecuador de «Cuatro Estaciones», el álbum conceptual en el que están englobados estos cuatro EPs.
Con «Primavera», Presumido se reafirman y vuelven a demostrar por qué son una de las grandes promesas del pop electrónico. Ya lo hicieron con «Invierno», cuyas canciones se han convertido en verdaderos himnos del género, a nivel nacional. Presumido crece de forma exponencial, dejando a su paso profundas huellas en eventos tan prestigiosos como la World Pride o El Día de Los Museos de Radio 3. Y seguro que también lo harán este verano en festivales como el Sonorama Ribera o el Portamérica.
De momento, la prensa especializada no deja de hacer buenas críticas de su trabajo: desde que escucharlos es sinónimo de magia hasta decir que tienen un carácter tan propio, que está a medio camino entre la electrónica del pasado y el presente. Y lo cierto es que la banda tiene algo que, desde el minuto uno, engancha. Eso es lo bonito de la música: que hay cosas inexplicables.
El nacimiento de «Primavera»
Haciendo gala a la estación que le da título, «Primavera» ha sido grabado en diferentes refugios de montaña, a los que se puede acceder tan solo cuando ha remitido el invierno y, al fin, llega la primavera. Así es como continúan las estaciones de Presumido: avanzan inexorablemente con el mismo paso del tiempo y, siguiendo dicho transcurso natural, los gallegos van lanzando sus EPs que, posteriormente, englobarán en un álbum más largo: «Cuatro Estaciones».
En esta «Primavera», podemos ver claras influencias de otros artistas que, indudablemente, han marcado a nuestros gallegos favoritos: desde Foster The People hasta St. Vincent, pasando por Junior Boy e incluso Apparat. Aunque si tuviéramos que colocar alguna banda nacional dentro del espectro en el que se mueven Presumido, serían sin duda, La Casa Azul o los mismísimos Dorian.
«Lágrimas de belladona» y «Soy más duro que tu cara» son los temas que han salido el formato video-lyric, al hilo del lanzamiento de este trabajo de corta duración. Sin embargo, hace dos meses optaron por «Guillotina al miedo» como primer single de «Primavera»: y en esta ocasión, sí que sí, tenemos un espectacular videoclip de este tema.
El pasado 16 de mayo, León Benavente sorprendían al mundo entero con su nuevo single, el primero de su inminente trabajo. «Como la piedra que flota» se convertía, por fin, en una realidad. Sobre la elección del tema, la banda parece tenerlo claro: «Elegimos esta canción como adelanto no por ser inmediata, sino especialmente seductora. No por seguir una estructura clásica, sino una forma que desorienta primero y va dando pistas del camino después. Por hacer bailar sin ser música de baile. Por ser atemporal y poética y a la vez contemporánea. Por ser orgánica y eléctrica». Además, este «bombazo» no fue la única sorpresa. Y es que «Como la piedra que flota» tiene la mejor colaboración posible: la de María Arnal. Respecto a la participación de la artista catalana en la canción, León Benavente también se pronunciaron: «Nunca olvidaremos el día que María Arnal cantó y consiguió abrir las ventanas y echar abajo las puertas».
El tema ha sido producido por la propia banda, en el estudio El Cariño de Mozota. Trabajo que han complementado Jordi Mora con la realización y Víctor García (Ultramarinos Mastering) con la masterización. Y para darle una vuelta de tuerca más, ¿por qué no hablar del videoclip? Parte primordial en todo este proceso y del que se ha encargado Sara Condado, directora habitual en las piezas audiovisuales de León Benavente. Trabajo al que se ha sumado la productora The Royal Family Films.
No han podido elegir mejor. «Como la piedra que flota» se alza como el primer adelanto del nuevo trabajo de León Benavente, que saldrá a la luz el próximo 13 de septiembre y que tiene como título: «Vamos a volvernos locos». Este será el tercer trabajo publicado por la banda.
León Benavente anuncia las primeras fechas de la presentación de «Vamos a volvernos locos»
Tras el inminente lanzamiento de «Vamos a volvernos locos», el próximo 13 de septiembre, arrancará enseguida y casi sin parpadear, la gira de presentación de León Benavente. Un primer concierto que tendrá lugar el 25 de septiembre en Ciudad Real y que continuará, imparable, por ciudades como Albacete, Murcia, Santander, Donostia, Valencia, Toledo, Almería, Córdoba, Pamplona, Vitoria-Gasteiz, Alicante e incluso Oporto y Guadalajara (México). Además, por supuesto, de los dos grandes focos: Madrid, el 15 de noviembre en La Riviera; y Barcelona, en la Sala Apolo el 21 de noviembre.
Las entradas todavía no han salido a la venta, pero lo harán el próximo martes 4 de junio a las 12.00 horas. Sin embargo, los más impacientes podrán comprarlas ese mismo día a partir de las 10.00 horas si previamente se ha pre-registrado en la web de León Benavente.
Morgan ha sido el gran descubrimiento de este último año. Ese carácter de Nina, esa voz, esa dulzura y ese poder, ha hecho que la banda esté donde está en estos momentos. Tienen algo que atrapa: y la mayor demostración de ello es su álbum, «Air», con el que han arrasado en numerosos escenarios (y en certámenes como los Premios MIN).
