A pesar de su juventud, Charlie USG lo tiene todo para triunfar: talento, muchas historias que contar y un proyecto musical que, poco a poco, está comenzando a despuntar. Tanto, que el pasado 19 de abril, debutó con su primer trabajo discográfico, «Contacto Cero». Un álbum que, a ritmo de pop-rock, se adentra en una de las experiencas más personales del artista, la última ruptura que experimentó, precisamente tras ese contacto nulo que le pidieron. El germen de no sólo el tema que da título al disco, si no de todos los demás. Y es que, prácticamente sin darse cuenta, comenzó a cantarle al desamor en todos y cada uno de los himnos que conforman este disco. Siempre poniendo el foco en su interior, en todas aquellas vivencias que había experimentado, «porque me dejaron muchas veces», reconoció hace muy poco en una entrevista.
Sin ningún tipo de duda, esta ha sido la mejor manera de debutar y poner la primera piedra en la escena musical. Una escena, con la que lleva soñando desde la pandemia. Y es que bastó que levantaran las restricciones para, con apenas 15 años, echarse a las calles para tocar sus canciones. Gran Vía se convirtió, poco a poco, en su casa, en su refugio, en su mejor escenario. Aunque dentro de poco, sí que arrancará con la gira de presentación de «Contacto Cero». Un tour que sí que hará que se suba a los mejores escenarios de nuestro país. Comienza en la Sala Cientocero de Valladolid (3 de mayo), la Santana 27 Blue de Bilbao (4 de mayo), la Sala del WizInk de Madrid (10 de mayo), la Sala Wolf de Barcelona (11 de mayo), La 2 de Sevilla (25 de mayo), la Cochera Cabaret de Málaga (26 de mayo) y la Sala Jerusalem de València (31 de mayo). Las entradas están disponibles en charlieusg.es.
Contra todo pronóstico, nosotras estamos ansiosas porque llegue ya el 10 de mayo, porque no nos perderemos por nada del mundo el concierto en La Sala del WizInk. Un imprescindible, pase lo que pase. Una experiencia, que sabemos que no olvidaremos jamás.
La última de sus irrupciones ha sido con la canción «Ahí estás tú», junto al vocalista de La Pegatina, Adrià Salas. Y precisamente con este nuevo single, Paul Alone ha dado un paso más al frente. Toda una declaración de intenciones en la que ambos artistas han creado un tándem increíble, para contarnos una historia de lo más cotidiana: ¿quién no se habrá sentido identificado en alguna ocasión? Ese momento en el que ves a alguien que te gusta, pero no te atreves a dar el paso. Una colaboración de lo más fortuita, que ha terminado siendo verdaderamente increíble, teniendo como resultado un tema que arranca sincero y tímido, pero va creciendo a ritmo del ya característico sonido de la guitarra rumbera de Paul.
Sin embargo, el talento y la carrera de Paul Alone vienen de lejos. En apenas un año, nos ha sorprendido con sus diversos singles: «Bailao yo voy», «No me rayes» y «Vuela»; y, por supuesto, con su mini EP, que vio la luz en 2019, y que lleva por título «Loca Locura». Además, durante esta cuarentena, lo hemos visto participar en la canción «Quiero abrazarte, cuando todo acabe», enmarcada en el proyecto «Yo me corono», impulsado por su buen amigo, el artista Lucas Colman. Sin duda alguna, Paul Alone es un artista completo, incapaz de reprimir su creatividad ni de esconder sus miedos y curiosidades. Un enamorado de la vida, un cóctel humano atado a la belleza en toda su expresión.
Hace algunos días, tuvimos la oportunidad de charlar un ratito con Paul Alone a través de videollamada. Lo cierto es que fue un auténtico placer, ya que pudimos conocer un poco más al artista. Precisamente, la charla ya la tenemos subida en nuestro canal de YouTube. Así que si quieres saber lo que nos contó, solo tienes que darle al botón de reproducir.
Ha sido un poco nuestra entrevista maldita, parecía que el universo estaba en nuestra contra y que no quisiera hacernos coincidir. Pero, al fin lo conseguimos. Y lo cierto es que hablar con Jorge Román fue un auténtico regalo. Y un descubrimiento, porque el artista tarraconense tiene un talento innato, capaz de absorberte y hacerte gravitar alrededor de él. De hecho, su último gran lanzamiento ha sido el single «Conmigo».
Carrera ascendente y sin frenos
Si algo tenemos completamente claro es que Jorge Román tendrá una carrera brillante dentro de la música, por esa pasión y por esa capacidad de hacernos sentir que tiene. Ya lo demostró hace poco más de un año con el primer tema que publicó, «Tú no lo sabes»; y lo ha vuelto a hacer con «Conmigo». Aunque por el camino nos ha dejado otras perlas como «Queda en tu mano«, «Hasta que volvamos a vernos» y «Te pido perdón». Pequeñas píldoras que han aparecido en nuestras vidas en el momento adecuado y que nos han enamorado por completo desde el minuto 0 en el que las hemos escuchado.
Ahora, aunque la situación que estamos viviendo nos ha frenado en seco a todos, Jorge Román permanece incansable, tratando de luchar y pisando fuerte por la senda que apenas ha iniciado. Una seguridad que asusta y que nos ha transmitido totalmente en la entrevista que hicimos con él hace apenas unos días. Además, también nos da más detalles, no solo de los temas que ha publicado hasta el momento, también sobre los planes que tiene para este futuro próximo. Siempre que el COVID dé tregua, especialmente al sector cultural y musical. Por lo pronto, nosotras lo que os podemos pedir es que le sigáis la pista muy de cerca. Y que no dudéis en darle al play al vídeo.
Es una de las grandes promesas del panorama musical actual, además de ser un gran descubrimiento. Se trata de la artista galleta Yoly Saa, que ha vuelto a irrumpir y atraparnos con su nuevo single, que lleva por título «Salvavidas». Una canción que es pura esencia y pura sensibilidad. Una canción que es más ella que nunca y que nos traslada, en apenas un segundo, a un universo completamente nuevo. Todo ello gracias a su particular y dulce voz, convertida ya en su mejor arma.
«Salvavidas» llega en un momento un tanto complicado, haciendo honor a la palabra que lleva por título. Aunque la realidad de este tema es bien distinta, ya que está especialmente dedicada al padre de la artista gallega, a quien agradece todo el apoyo, enseñanzas y cariño recibido. Como resultado, ha parido un precioso tema con sonido a bolero clásico, concebido con la inestimable ayuda de Dodo Foie y Apolo Vice, productores habituales de Yoly Saa.
La llegada de «Salvavidas» ha llegado, además, muy poco tiempo después de que la gallega debutara con su trabajo discográfico «Magma» y de que lanzara alguno de sus vídeos grabados durante su pasado concierto en la Sala El Sol (en el que consiguió colgar el cartel de entradas agotadas). Y en directo nos habría encantado seguir viéndola, pero la crisis sanitaria que paralizó el mundo lo impidió, dando un poco de tregua después del confinamiento. Al menos, con esta incierta nueva normalidad, pudimos disfrutar del directo de la compositora en Madrid (en el mes de junio) y en Alicante (en agosto), ambas fechas junto a Ainoa Buitrago. Tan solo esperamos que muy pronto podamos seguir disfrutando de la música en vivo y, por ende, de ella.
De cualquiera de las maneras, lo que parece claro es que a pesar de la juventud, Yoly Saa tiene un talento innato, que ya la ha llevado a compartir escenario con artistas como Andrés Suárez, Marta Soto o Dani Fernández. Un talento innato que no debe pasar desapercibido. Así que, ¿a qué estás esperando para tener a la artista en tus listas de reproducción?
Septiembre siempre ha significado volver al cole, volver a la rutina. Y precisamente con este regreso, también podemos escuchar nuevas novedades musicales, aunque en esta ocasión, estemos viviendo uno de los años más extraños. Por fortuna, artistas como Fuel Fandango nos han venido a salvar con temas como el último que han publicado: «Nuevo Mundo» ya está aquí, con la colaboración especial de Juancho Marqués. Una canción hecha especialmente para que soñemos, para que fluyamos, para que soñemos despiertos y para que miremos al cielo esperanzados, precisamente en un momento como el que estamos viviendo actualmente. Un cántico a todo lo que está por llegar: un mundo nuevo, mucho mejor que el que conocemos ahora.
«Nuevo Mundo» sirve de inciso en esta vida caótica e incierta, a la par que nos traslada a un lugar remoto alejado de todo tipo de caminos y senderos. Una canción que nos permite conocer y adentrarnos en el espectacular combo que forman Fuel Fandango y Juancho Marqués, recreando un mundo onírico y, esperamos que real dentro de poco. Una canción que en unos días ha supuesto una revolución: y es que su videoclip, grabado en la ciudad de Viveiro (Lugo) por Instinto Films, acumula ya más de 70.000 visitas. Y solo ha necesitado tres días. ¿Alguien más dudaba del talento innato de estos artistas?
«Nuevo Mundo» también es especial porque llega después de que Fuel Fandango irrumpieran con su último trabajo «Origen», con el que rápidamente alcanzaron el número 1 en las listas de ventas. No es para menos, ya que este álbum enamora por completo desde la primera escucha, mostrando nuevamente la esencia más pura de la banda y cantando al mundo, al inicio de todo, de lo que somos y de todo aquello en lo que nos convertiremos. Y tal fue el éxito que, del mismo modo, agotaron entradas en numerosas ciudades: Sevilla, Almería, Granada o Madrid.
Ahora, es momento de recomponerse, de adaptarse a la nueva normalidad, de retomar todo lo que dejaron en stand by, de recolectar con nuestro propio origen y de descubrir un nuevo mundo.
Acaba de publicar un disco que es un verdadero lujo, una joya en bruto que está empezando a relucir. Y la verdad es que nosotras no podemos estar más contentas de que este «Bailando en la Batalla» de Nil Moliner, haya llegado a nuestras vidas. Aunque para felicidad, la de poder haber hablado con el artista catalán: un auténtico regalo. Mucha atención a todo lo que nos contó.
¿Cómo surge el concepto de «Bailando en la Batalla»?
Pues «Bailando en la Batalla» viene un poquito de lejos y es que llevo cerca de dos años trabajando en este disco, aunque algunas de las historias que cuento tienen mucho más tiempo. Pero yendo un poco lo que es al concepto, para mí la batalla es la vida y me parecía interesante el bailar con ella, el bailar con tus miedos, con tus inseguridades, el marearlos hasta que se caigan o desaparezcan, el tomártelo todo con positivismo. En definitiva, no tomarte la vida como una lucha, sino como un baile.
¿De ahí que tenga como ese carácter tan positivo?
Sí, a lo mejor es que yo también me imagino la batalla como algo de color y no como algo repleto de armas y de luchas. Para mí es al contrario, creo que la vida es como un baile en el que nos caemos y nos volvemos a levantar y, al final, solo tenemos que aprender a bailar.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de este disco?
Es cierto que llevo mucho tiempo escribiendo este disco, aunque en plan más serio dos años. Y fue muy interesante, porque hubo temas que los lancé al momento, sin necesidad de tocarlos nunca más. Sin embargo, hubo temas que necesitaron como un proceso más largo de maduración: de escucharlas una y otra vez, de ponerlas en el coche, de bailarlas, de cambiar cosas. Fue un proceso muy bonito, en el que mi banda estuvo presente en todo momento y en el que las figuras de Manu Guix y Roger Rodes, los productores, fue también clave. Y es que gracias a ellos, tocamos todas las teclas, llegamos a los acordes perfectos, a las notas justas. Hemos cuidado mucho los detalles, para que las canciones transmitan lo que quería que transmitieran.
Precisamente, antes de que viera la luz el disco, hemos podido escuchar muchos de los temas y ver diversos vídeos en plataformas digitales. En este sentido, ¿qué importancia han tenido las redes?
Pues las redes y las plataformas digitales han sido la clave para mi proyecto, porque eran mi canal de comunicación directo. En ellas, colgaba mis versiones, ahora cuelgo mis canciones, puedo hablar con mis fans y puedo compartir mis días. Son una herramienta que me han permitido hablar con mis seguidores y darme a conocer. Si no hubiera sido por ellas, no sé cómo lo habría hecho. Creo que las he aprovechado.
En este «Bailando en la Batalla» también hemos podido escuchar a dos artistas como Rayden y Dani Fernández. ¿Cómo surgen las colaboraciones con ellos?
A Dani lo conocía desde hacía muchos años, de cuando él estaba con su banda y yo con la mía. Pero nos perdimos un poco la vista y, al cabo de un tiempo, nos reencontramos y nos volvimos a presentar, pero dijimos: «tú y yo ya nos conocíamos». La verdad es que con él fue muy fácil, conectamos desde el inicio porque tenemos unas energías muy parecidas: nos hemos echado juntos muchas cervezas, hemos hablado de prácticamente cualquier cosa, somos como hermanos. Para mí es un lujo tener dentro de la industria de la música un hermano como Dani, con el que puedo contar de manera incondicional para todo. Además, el poder colaborar con él en una canción como «Soldadito de Hierro», que significa tanto para mí, es un honor. Y lo cierto es que surgió todo de manera muy natural, en una terraza hablando, le pregunté si quería hacer esa canción conmigo y enseguida me dijo que sí.
Con Rayden surgió todo de manera diferente. Yo siempre lo he seguido mucho, desde las batallas de gallos, en las que incluso llegaba a imitarlo. Pero por casualidades de la vida, años después, coincidí con él en el Share Festival, que fue donde nos conocimos en persona (aunque ya nos conocíamos de antes). La verdad es que es un tío increíble y fue muy guay porque también tenemos como energías muy parecidas. Total, que fue a días de vernos cuando volví a hablar con él para preguntarle directamente y decirle: «Tal Vez sale la semana que viene y quiero que estés, no sé cómo lo vamos a hacer». Enseguida me dijo que sí, escribió su fragmento y me lo pasó enseguida. Y, efectivamente, la canción vio la luz cuando tocaba. Es increíble.
Precisamente con Dani Fernández y con «Soldadito de Hierro», te vimos en el plató de Operación Triunfo. ¿Cómo lo viviste?, ¿te ves en cierto modo ves el reflejo en los concursantes o crees que vuestras experiencias son completamente diferentes?
Fue una experiencia muy guay: salir en la televisión con Dani y, encima, en un programa como Operación Triunfo es una experiencia increíble. Además, conozco a mucha gente que curra allí y siempre es una alegría reencontrarte con ellos. Y respecto a los concursantes, para nada los veo diferentes. Sí que es cierto que este año no lo estoy siguiendo tanto, pero otros años sí y la verdad, hay un talento brutal, son artistazos. Es un programa de entretenimiento, pero seguro cuando salgan de ahí, si quieren hacer algo, lo harán y lo conseguirán. Porque el talento está y las ganas de hacer cosas y de seguir, es un motor increíble.
Retomando un poquito el hilo: ¿cómo estás haciendo frente a todo lo que está llegando? Porque este es el primer álbum, pero hay canciones como «Soldadito de Hierro» que se han convertido en himnos y, además, ya has colgado el cartel de entradas agotadas en Razzmatazz
Directamente, no le hago frente, dejo que pase y ya está. Creo que tratar de afrontarlo emocionalmente sería estúpido, porque no hay manera de luchar contra ello o de asumirlo. Así que yo voy haciendo, van pasando cosas así, miro y digo: «hostia, qué guapo». Y no me lo quiero creer mucho, ¿sabes? Aunque sí que es verdad que hay un poco como otro lado, especialmente cuando llenas una sala como Razzmatazz, que para mí es muy especial, y te pones a analizar. Yo hace no mucho estaba tocando en Barts Club, que es la sala pequeña de Barts, después en la Bikini, después en la grande de Barts, ahora en Razz. Lo miras con perspectiva y te das cuenta de que todo es, gracias a las canciones, pero también gracias a todo el equipo con el que trabajo: músicos, discográfica , agencia, absolutamente todos. Lo cierto es que todo es la recompensa de todo el trabajo duro que hemos hecho durante estos meses.
¿Crees que hay una clave del éxito o sencillamente, es trabajo?
Pues ojalá lo supiera, la verdad. Claro, es que el éxito es muy relativo, pero para mí es hacer las cosas con amor y rodearme de gente que también hace las cosas con amor. En ese sentido, creo que tengo éxito o tengo suerte. Por estar acompañado de gente con tanto amor y pasión, y por tener unos seguidores que son iguales: que están llenos de amor y que no dejan de apoyarme.
Empiezas con la gira en Razzmatazz el 29 de marzo, pero ¿cuáles serán los siguientes pasos de Nil Moliner?
Pues arrancamos el día 29 de marzo en Barcelona, con un espectáculo muy guay y renovado y, justo después, comenzaremos con la época de festivales. Tras el verano, me voy a Latinoamérica por primera vez y, lo cierto, es que estoy muy emocionado: por cruzar el charco y por poder llevar mi música más allá de nuestras fronteras. Es que es justo más de lo que me imaginaba que pudiera llegar a hacer. Para mí, es una locura más dentro de este cúmulo de locuras, que ya asumiré cuando esté en el avión. Yo siempre digo que me dedico a la música, precisamente por vivir estos momentos de encontrarte con la gente y seguir celebrando la vida. Es como una especie de ritual.
¿Qué canción de Nil Moliner define mejor el momento en el que estás y por qué?
Te diría dos y dejando la letra aparte. A nivel melódico, diría «Bailando» y «Por Última Vez» que, precisamente, son la primera y la última. Creo que, emocionalmente, reflejan muy bien el cómo me siento: la primera es que me hace bailar y la última, consigue emocionarme.
¿Cuál es la mayor locura que has cometido por la música?
¡Cómo me gusta que sea por la música y no por amor! Porque por amor no he hecho mucho, pero por la música lo he hecho todo. Pero la verdad es que no sé muy bien qué decir, nunca me habían preguntado eso. Iba a decir una, pero como es titular tan malo, no la voy a decir [risas]. Quizás diría que me he perdido muchas clases, que he trabajado de lo que sea para poder grabar el disco o que incluso, le he llorado a Manu para que me dejara grabar el disco. También he tocado en garitos de mala muerte y que daban miedo para poder conseguir dinero. Me has pillado ahí, la verdad. Pero es que hay tantas…que daría para escribir un libro.
Pero mira, una graciosa: antes de grabar «Hijos de la Tierra», hice una cover de Rosana y justo ella me contactó, para que fuera a su estudio. Yo pensaba que era mentira, pero era completamente real. Total, que me deja el teléfono de su manager y llamo y me dice: «el martes nos vemos en Madrid». Eso era un domingo. Y yo ahora voy a Madrid a menudo, pero en ese momento no había cogido un AVE en mi vida. Cuelgo y digo: «el martes en Madrid, de qué». Buscando trenes corriendo y, bueno, al final allí me planté.
NILMOLINER «BAILANDO EN LA BATALLA TOUR»
29/3 BARCELONA RAZZMATAZZ ENTRADAS AGOTADAS 2/4 MADRID LA RIVIERA
3/4 GIJÓN ALBÉNIZ
4/4 VALLADOLID LAVA
17/4 ALICANTE THE ONE
18/4 VALENCIA MOON
24/4 ZARAGOZA OASIS
25/4 BILBAO SANTANA 27
30/4 TENERIFE AGUERE CULTURAL
1/5 GRAN CANARIA THE PAPER CLUB
8/5 GIRONA LA MIRONA
9/5 LLEIDA LANUIT
22/5 SANTIAGO DE COMPOSTELA CAPITOL
23/5 VITORIA KUBIK
29/5 MÁLAGA PARIS 15
30/5 SEVILLA CUSTOM
3/10 PALMA ES GREMI
21/11 BARCELONA SANT JORDI CLUB
Después de haber sorprendido el pasado año con su «Nunatak y el tiempo de los valientes», con el que nos dieron una lección en toda regla, desde Cartagena regresan de nuevo Nunatak. En este caso, con una aventura nueva: «Nunatak y las flores salvajes». Un cuarto disco en el que evolucionan, se hacen mayores y su personaje da un paso más. Como ellos.
Aprovechando este recién lanzamiento, hace unos días nos sentamos con Adri, vocalista de la banda, y esto es lo que nos contó sobre Nunatak. Mucha atención.
¿Cómo surge el concepto de este «Nunatak y las flores salvajes»?
Pues estuvimos mucho tiempo dándole vueltas, sobre todo a la idea de si hacíamos un disco conceptual o si preferíamos seguir con la trayectoria de los anteriores discos; de si seguíamos un poco con la estela o si nos liberábamos un poco y hacíamos canciones, cada una de una temática. Y al final, hemos hecho un híbrido. Entonces sí que hay un concepto que está presente en el disco, en el nombre y en algunas canciones. Pero el grueso de ellas. no siguen un único hilo conductor. Lo que hemos querido representar con «las flores salvajes» es la idea de buscar la belleza en lo auténtico y en lo imperfecto, sin centrarte tanto en detalles como la foto perfecta de Instagram o el «sold out» en determinada sala. Este disco aboga por la belleza de la mediocridad y de la imperfección.
El amor, la familia o la situación política son algunos de los temas que aparecen en el disco, ¿crees que la música debería rescatar aún más este tipo de temáticas más cotidianas?
Yo siempre lo he visto así, aunque creo que la música no parece demandar eso. De hecho, la música que más se consume habla de cosas muy superfluas y muy banales. Y a nosotros, nos gusta consumir un tipo de arte un poco más trascendental, que tengan más poso, que te hagan reflexionar o que te emocionen. Sí que creemos que la música debería dejar un poco más de hueco y debería invitar más a pensar cómo van las cosas y reflexionar.
El álbum vio la luz en octubre, ¿cómo está siendo la acogida?
La verdad es que está siendo muy buena. De momento, no hemos tenido demasiadas ocasiones de presentarlo en directo, pero por redes sociales, la gente nos está diciendo cosas muy guays, los medios de comunicación nos están diciendo cosas buenas y nuestros colegas también, que eso es muy importante [risas]. Ahora a ver qué tal va funcionando en directo, aunque creemos que la gente reaccionará de manera positiva, porque las sensaciones son muy buenas.
Fotografía: Lourdes Martínez
Hablando un poco del concepto de este disco, observamos mucho la presencia del «Nunatak y…» en los títulos, como si se tratara de una saga muy cinematográfica o literaria. ¿Por qué apostar por esta fórmula?
Nosotros somos muy cinéfilos y seriéfilos, aunque sí que es cierto que somos malos lectores. Pero al final, todo esto viene muy del rollo sagas, que nos encantan. Así que nos imaginamos a Nunatak como un personaje que vive aventuras y, por decirlo de alguna manera, en cada disco pasa por unas diez pruebas, que le hacen cambiar, evolucionar, crecer. Aunque en este disco ya se ha hecho mayor y, como nosotros, se enfrenta a la paternidad [risas], porque en Nunatak han nacido tres niños en el último año.Y, bueno, es un poco el reflejo de nosotros mismos plasmado en Nunatak y una aventura.
¿Cómo fue todo el proceso creativo y compositivo de «Nunatak y las flores salvajes»?
Pues fue todo muy rápido, porque sacamos en marzo de 2018 «Nunatak y el tiempo de los valientes». Después del verano, vio la luz el primer single de las «Sesiones Valientes» y ya en 2019, salió el último de estos singles. Además, coincidieron en el tiempo la grabación de la última colaboración con Carlos Sadness y la de «Creéme», primer single de este nuevo disco. Así que ha sido todo una locura de solapamientos, de ir con la lengua fuera, de correr. Pero estamos muy contentos con el resultado. Aunque pensaba que no llegábamos [risas]. Ahora cuando pase un poco de tiempo, podremos analizar más fríamente.
En este trabajo, habéis vuelto a trabajar con Raúl de Lara. ¿Cómo ha sido la experiencia?
Pues muy bien, la verdad. Con él tenemos ya un vínculo muy especial creado, ya nos conocemos y sabemos por dónde quiere ir cada uno. Así que ha sido muy fácil y muy agradable. Además, trabajar con Raúl es un placer porque es un máquina y siempre tiene soluciones para todo. Se ha sumado al carro y ha estado dándolo todo con nosotros, a pesar de los tiempos tan ajustados que teníamos.
Además, Jorge Guirao de Second también ha colaborado en este disco. ¿De qué manera lo ha hecho y cómo surge?
Pues precisamente hablando con Raúl, le comentamos que queríamos darle más peso a las guitarras. Entonces él nos propuso contar con Jorge, que es el mayor friki del universo en lo que se refiere a guitarras y también de teclados. Pero principalmente de guitarras. De hecho, tiene un arsenal increíble y se lo trajo al estudio. Meterlo todo nos llevó un buen rato [risas]. Así que, bueno, entre él, nuestro guitarrista Gonzalo y Raúl han ido canción a canción, mirando qué efectos se les puede meter. Ha sido un trabajo muy chulo de orfebrería, que creo que se nota y se va a notar.
De hecho, si bien es cierto que seguís teniendo ese sello folk tan Nunatak, pero empieza a observarse un cambio en cuanto a potencia de sonido. ¿A qué se debe eso y cómo surge?
Pues teníamos muchas ganas, la verdad. Sí que es cierto que en el anterior disco ya empezamos a meter un poco más de empaque de guitarras. Y ha sido así porque hemos tenido una evolución muy progresiva: comenzamos de manera muy acústica y, poco a poco, hemos ido derivando a la electrónica. Y en este disco, sí que hemos eliminado un poco lo que son los vientos y las cuerdas, que solo están en un tema, para introducir elementos más eléctricos, para darle más fuerza y más contundencia. Y es algo que se notará en los directos. De hecho, yo que siempre estoy acostumbrado a tocar la guitarra acústica, voy a dejarla más y voy a empezar a coger la eléctrica. En definitiva, estamos muy contentos con este cambio, porque queremos empezar a mostrar una cara nueva de Nunatak.
¿Cómo afrontáis el momento directo?
Pues con muchísimo trabajo, hemos currado como cabrones para llegar. De hecho, los conciertos de Valencia y de Barcelona fueron los primeros de esta gira y aunque estaba la cosa súper ensayada, los nervios se notaban, estaban ahí.
Una canción que defina el momento en el que estáis.
«Ya he ganado», de Nunatak.
¿Por qué?
Porque estamos en un momento en el que hemos trabajado duro, hemos remado muchísimo y aún no ves la luz del camino y te sientes un poco frustrado, porque piensas que no llegas. Sin embargo, últimamente me han pasado cosas en la vida que me han hecho darme cuenta de lo que es verdaderamente importante.Y como esa parte de mi vida está cubierta, me siento tranquilo.
Un escenario en el que tocar por primera vez.
En el de MadCool estaría muy guay.
Un escenario al que volver.
A la Plaza del Trigo del Sonorama. O al BBK, que también es la hostia.
Un artista o banda con el que compartir escenario.
Con Bon Iver o con Foo Fighters.
Próximos pasos de Nunatak.
Pues ahora estamos inmersos con esta nueva gira de salas, con la que paramos en Navidad peri que retomaremos a partir de 2020 con muchísima fuerza y energía.
La mayor locura que hayas cometido por la música.
Pues haber tenido un hijo y estar de promoción [risas].
«Espejos y Espejismos» es de nuevo una realidad. Desde que terminara la gira de «El Poeta Halley», los incansables Love of lesbian no han dejado de girar. Y, por supuesto, no han dejado de crear: nuevamente, un espectáculo tan especial como este, pero incorporando nuevas canciones y un show totalmente renovado. Show que, por otro lado, no deja de ser un éxito. Esta semana, la banda visita Madrid: cinco fechas diferentes en el Teatro Español (14, 15, 17, 18 y 19 de mayo), con todos los tickets vendidos desde hace tiempo. Y es que salieron a la venta el pasado 1 de enero y se agotaron todas en menos de un mes.
Así son ellos. Así es la magia de Love of lesbian. Una magia que durante dos horas, nos sumergirá en el repertorio más especial y emotivo de la banda. Una magia que nos hará viajar a los lugares más misteriosos de la noche, donde las pasiones, los miedos y las sombras son las protagonistas.
No es para menos. Se abre el telón, los perfiles de Love of Lesbian aparecen entre la oscuridad de una ciudad cualquiera. Los primeros compases de la canción «Nada» nos envuelven para sumergirnos en el mundo mágico y misterioso de la noche, donde las pasiones, los miedos y las sombras serán protagonistas durante los siguientes 120 minutos. Personajes singulares irán cobrando vida entre las melodías más emotivas de Love of Lesbian, otras vidas que se debaten entre sueños y realidades, «Espejos y Espejismos» de un mismo mundo, de una misma noche, de una misma emoción.
Pero, ¿qué es exactamente «Espejos y Espejismos»?
No es una obra de teatro, pero tampoco es un musical. Más bien podría decirse que es un concierto teatralizado, en el que las canciones más mágicas y ensoñadoras de Love of lesbian adquieren otra dimensión, un protagonismo especial. Una puesta en escena que cuenta con la participación en la dirección y escenografía de Guillem Albà: sombras chinas, títeres y otras disciplinas inundan todos y cada uno de los teatros por los que la banda ha pasado con este maravilloso espectáculo.
Desde finales de 2018, se ha podido disfrutar del tour de teatros de «Espejos y Espejismos». Más de 30 teatros y auditorios de toda la península. Lugares en los que, mayormente, se han agotado todas las entradas al poco tiempo de salir a la venta.
Así y todo, esta gira tan especial llegará muy pronto a su fin. En Barcelona pondrán el broche de oro, con diez funciones que tendrán lugar del 28 de mayo al 9 de junio en el Onyric – Teatre Condal, donde ya se han agotado todas las localidades para el día 31. Además, las del día 1 de junio están a punto de hacerlo.
¡Bienvenidos al mágico mundo de «Espejos y Espejismos»!, ¡bienvenidos al universo Love of lesbian!
Incansables. Insaciables. Nunatak regresa y se desnuda con su nuevo EP, «Sesiones Valientes». Algunos de los temas de su último trabajo, «Nunatak y el tiempo de los valientes» en completo acústico y con colaboraciones de lujo, como Rafa Val (Viva Suecia) o Iván Ferreiro. Además, han empezado a anunciar de su nueva gira de salas. En Madrid toca el próximo 17 de noviembre. ¿El lugar exacto? La Sala El Sol.
Hace algunos días hablamos con Adrián Gutiérrez, vocalista de Nunatak. Y esto es lo que nos contó sobre el nuevo trabajo y la nueva gira de salas.
Ahora que «Nunatak y el Tiempo de los Valientes» lleva una temporada en la calle, ¿cómo ha sido la acogida?
Muy buena, la verdad. Antes de que saliera el disco, yo decía que estábamos ante el mejor trabajo de Nunatak y el mejor puñado de canciones. Y por lo que he podido ver en los conciertos y escuchar por parte de la gente, por ahí van un poco las cosas. Estoy muy contento con la acogida, la verdad.
Este disco, saca a relucir historias de personas desconocidas que, de una manera u otra, tienen cierta valentía. ¿Habéis descubierto nuevos valientes por el camino?
La verdad es que se quedaron muchas historias en el tintero, porque esto da para siete discos por lo menos. No te sé decir una en concreto. Pero al final, lo que recoge un poco una de las canciones, la de «Nadie nos va a venir a salvar», es que el hecho en sí de aceptar tus limitaciones, tus días malos, tus flaquezas y tus inseguridades; y seguir con tu vida, porque nada está en tus manos, es un acto de valentía. Es el tema que recoge el lema global del disco y que se desgrana en el resto de canciones.
¿Cómo surge «Sesiones Valientes» y por qué darle esta nueva perspectiva al disco?
Teníamos muchas ganas de centrarnos en la esencia de la melodía pura, con muy pocas capas. Porque al final cuando te metes en el disco, te lías a meter capas y sí que es cierto que las canciones lo agradecen. Pero también mola verlas tal cual se compusieron. Es como ir hacia atrás, es como volver al estado inicial de maqueta. Así que ese va a ser un poco el rollo que tendrán las canciones del EP. Y eso sumado a voces de artistas que admiramos.
¿Será también el inicio de un nuevo directo?, ¿será el momento de llevar los temas a otro nivel en vivo?
En principio, están pensados para un formato eléctrico. Pero nunca se sabe. Quizás, dentro de un tiempo sí que le damos un estilo más acústico. Pero de momento, no.
Tres palabras que definan «Sesiones Valientes».
Melodía, esencia e intimidad.
«Nadie nos va a venir a salvar» ha sido la primera canción enmarcada dentro de las «Sesiones Valientes», con Rafa Val de Viva Suecia. ¿Cómo surge esta colaboración?
Tanto Viva Suecia como nosotros somos de Murcia, nos conocemos desde hace tiempo, hemos colaborado en directo y estamos en los mismos locales ensayando. En definitiva, hay una buena relación entre nosotros. Así que cuando empezamos a darle vueltas al tema de las colaboraciones, salió el nombre de Rafa y encima asociado a esta canción, ya que le va muy bien a su voz, así grave. Además a él le encantaba el tema. En realidad, surgió de manera muy natural y espontánea. Nos flipa cómo lo ha hecho.
¿Se puede avanzar algo de las siguientes «sesiones»?
Todavía no, pero pronto saldrá la segunda colaboración, que se trata de una voz masculina también. Para el tercer tema, sí que contaremos con una voz femenina. Y hasta ahí puedo leer, si no me matan.
[La segunda colaboración ha visto la luz justo hoy, viernes 2 de noviembre. Es la canción «Bestias Sedientas», interpretada junto a Iván Ferreiro].
A propósito de la primera colaboración con Rafa, ¿qué pasa en Murcia con la música? Porque hay muchísimo talento musical (Second, Kuve, Viva Sueca).
Yo creo que se han juntado un poco dos generaciones. Una que ha abierto un poco la veda y que ha hecho que el foco se centro en Murcia; y justo los nuevos grupos emergentes. Pero siempre ha habido un buen fermento creativo, tanto en la ciudad, como en la Región en general. Bandas como M-Clan o Second, han hecho que la gente se fije en el potencial que había y que sigue habiendo.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Nunatak?
Estamos en pleno lanzamiento de gira de salas. Empezamos en Sevilla el día 3; Almería y Granada el 9 y el 10; luego venimos a Madrid el 17; y el 23 y 24, Valencia y Barcelona.
¿Qué es lo más loco que os ha pasado siendo Nunatak?
Hay una experiencia muy guay. Hace poco estuvimos en Nueva York y la única hora que teníamos libre para descansar, queríamos descansar un poco. Estábamos en uno de los parques más míticos de la ciudad, creo que era el Washington Square Park, con una guitarra, que la habíamos llevado a alguna entrevista. De repente, un chico se nos unió y nos preguntó si se podía unir. Al final, terminamos haciendo una macro jam con él, con unos raperos que se unieron y con muchísima gente más. Fue una experiencia brutal.
«Capadocia» ya está en la calle desde el pasado viernes 19 de octubre. Y con él, Full han lanzado su disparo más certero y más maduro. Desde ya, la banda sevillana está preparada para llevarlo al directo, primero en acústico y, luego, en eléctrico. La gran fecha en Madrid será el próximo 16 de febrero en la Sala Ochoymedio.
Hace unos días, pudimos hablar con Javi Valencia, vocalista de Full. Y esto es lo que nos contó sobre su nuevo álbum de estudio.
¿Cómo surge el concepto de «Capadocia»?
Cuando estás componiendo un disco, siempre hay un punto en el que te planteas: «¿y qué nombre le pongo a esto?». Pero me di cuenta de que en el momento en que cree las canciones, cada una de ellas era como una especie de capas internas. Eran como un sitio al que bajar y en el que analizar la situación: el por qué estaban las canciones en ese punto y cómo habían llegado hasta allí. Todos los temas tenían ese punto en común y quería buscar un nombre que recogiera todo ese concepto. Y siempre me ha gustado la arqueología y la historia, sabía del desierto de la Capadocia, conocido por sus ciudades subterráneas y, al final, me vino a la mente. Al final, era como una analogía de todas esas capas internas mías.
¿Digamos que ese es el hilo conductor del disco?
Sí. El disco, en realidad, tiene canciones muy diferentes entre sí, ya que hablan sobre un momento diferente, sobre una cultura diferente, tienen un estilo diferente. Son viajes de profundidades.
Vuestros temas tienen profundidad en las letras y transmiten sensaciones. Pero, ¿piensas que la música en general, ha perdido esos valores?
Sí, por supuesto. De hecho, la música que lleva mucho tiempo teniendo éxito es el reaggeton. Y de profundidad, para mí, tiene poco. Respeto mucho los gustos, pero mi opinión la tendré.
¿Y cómo competir contra eso?
No creo que se trate de competir. Al final, el consumo de la música, es lo que te da el indicativo de cómo funciona todo. Entonces, el problema en sí no es el reaggeton. El problema es la sociedad. ¿Y cómo se arregla eso? [risas]. Es lo que interesaría arreglar. Y tampoco creo que se trate de eso. El punto está en que, para determinados sectores, es mucho más fácil el tenerte controlado, si piensas menos.
Volviendo un poco al disco: un titular que defina «Capadocia».
Es un conjunto de canciones que guardan la misma cantidad de misterio, de amor y de rabia.
«Alfombra Roja», «Historia Perdida» y «Zombies» fueron los primeros adelantos. ¿Por qué?
Creo que muestran mucho la esencia de Full, además de avanzar ese plus que buscábamos, en cuanto a perfeccionamiento en la composición, armonías, sonidos, arreglos. En fin, muchísimas cosas. Además, cada canción es diferente. Son como tres vértices distintos de la banda. Era lo más representativo.
Un canción.
«X».
¿Por qué?
Es una canción, cuyo estilo de música me llama mucho la atención. Además, tiene un color con el que nos gustaría seguir trabajando, que nos gustaría seguir explorando. Tiene su punto de rock, su punto de pop, su punto de soul. Tiene muchos grooves y muchos cambios armónicos. Pasan muchísimas cosas en esa canción. Además, la letra te lleva por lugares muy concretos. Aunque no sepas exactamente el miedo del que se habla, es un tema que te deja entrever esa problemática.
Alguien con quien colaborar.
Como puedo decir a cualquiera, diría a Silvia Pérez Cruz. Creo que es de las voces más increíbles.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Full?
Pues empezaremos con la gira por distintas FNAC de España, presentando algunos temas en acústico y firmando disco. Además, hemos anunciado que el 16 de febrero, arrancamos gira oficial en la Sala Ochoymedio de Madrid. Tenemos más cosas preparadas, pero ya iremos anunciando poco a poco.
¿Qué es lo más loco que os ha pasado, siendo Full?
Cada día hay una. Al final, hay tantas que se te van olvidando otras. Pero creo que la locura más grande, viajar con la primera furgoneta que teníamos. En realidad, nos jugábamos la vida de manera constante. Al final, preferíamos ni pensar en eso y, por eso, creo que no nos llegó a pasar nada. Bueno, una vez nos quedamos tirados, pero finalmente, llegamos a tiempo. De hecho, en el último concierto que tuvimos en Crevillente, la furgoneta llegó en grúa. Y eso que era más nueva.
La carretera es algo con lo que hay que llevar mucho cuidado. Se pasan más horas ahí que en los escenarios. Hay que ser muy conscientes de cómo y en qué condiciones hacer los viajes.
«Nunatak y el tiempo de los valientes» no es un disco apto para cualquier persona. Para poder escucharlo e interiorizarlo, hay que dejar la cobardía de lado. Los de Cartagena han arriesgado mucho, pero sabiendo que iban a ganar. Y así ha sido. Ahora, Nunatak se lanza de lleno a la carretera. Es hora de que los valientes demuestren, en directo, lo que son.
¿Cómo surge «Nunatak y el tiempo de los valientes»?
Nosotros, a la hora de componer hacemos primero la música. Y cuando empieza a coger forma, nos centramos en la temática o concepto. Nos gustan mucho los discos conceptuales. Y en este caso, la idea era reunir distintas historias de valentía, en la vida cotidiana. Valentía para acabar con los complejos, valentía a la hora de tirar para adelante con tu vida y con la de tu familia. También hay historias frikis de valentía, como «Tocar el cielo», que es una historia de ficción. En definitiva, es valentía de andar por casa.
¿Y por qué precisamente la valentía?
Porque estamos en un momento complicado, en el que no es típico ser valiente y enfrentarse a las adversidades. Está la cosa cruda. Y porque ya que escribes canciones, haces música y la gente te escuche, aprovechas para hablar de cosas que consideras importantes.
¿Quiénes son vuestros valientes?
Pues esa gente, precisamente. Gente de a pie, que lucha constantemente. Al escribir las canciones, siempre hay una vertiente personal, pero también hay mucha observación del entorno. En cualquier caso, la idea es transmitir que nadie te va a salvar de que te pase algo malo. Pero siempre, siempre hay que luchar.
Comentáis que os gustan los discos conceptuales. ¿De ahí que los títulos de vuestros discos también guarden cierto simbolismo?
Esto viene un poco más por el rollo cinéfilo. Nos gustaba la idea de que Nunatak, aparte del nombre del grupo, fuera un personaje común en todos los discos. Al principio, surgió porque nos apetecía, pero luego acabamos siendo esclavos de nuestro propio frikismo.
Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el disco en dos o tres palabras?
Directo. Enérgico. Sincero. Libre.
«Romper el cielo» fue el primer adelanto. ¿Por qué?
Tenemos que decir que este disco lo hemos grabado de otra manera, por falta de medios, por falta de recursos y por el punto en el que estábamos. Con este disco, elegimos un productor que nos gustaba y dedicamos el tiempo que teníamos que dedicar. Hicimos la producción, como si tuviéramos diez discos. Ha sido todo muy espaciado en el tiempo y dedicamos a cada tema, el cariño y la atención que se merecía.
«Romper el cielo» salió mucho antes de que saliera el disco. Y de las canciones que teníamos, era la más avanzada y la más directa. Además, nuestro productor Raúl, cuando la escuchó, dijo que era un temazo. La primera maqueta, de hecho, la grabamos en casa y nos la íbamos pasando por e-mail.
¿Y cómo llega «Aún Respira»?
Gracias a Carlos Madrid, que fue quien la escribió. Es muy buen amigo nuestro y un letrista genial. Siempre acabamos teniendo alguna letra suya.
En cuanto a la melodía, en ella, jugamos mucho. La canción mantiene las raíces folk, pero también tiene mucho de experimentación, de guitarras eléctricas, de teclados. Este tema es un poco el resumen de los Nunatak de la actualidad, que mezclan lo antiguo y lo nuevo.
¿Cómo definiríais el sonido Nunatak?
La verdad es que ha ido evolucionando, porque en el primer disco se trabajó mucho la parte acústica; en el segundo, se le intentó dar una vuelta, metiendo mucha más caña; y en este tercero, hemos mezclado todos estos elementos, pero de manera más madura.
¿Cuáles son los siguientes pasos de Nunatak?
De momento, estamos centrados en la promo y los showcases. Luego, empezaremos con los festivales en primavera y verano. Y la gira de salas, ya comenzará en otoño.
La banda sevillana Full se subía ayer al escenario de la Sala El Sol de Madrid para presentar el que es sus segundo álbum, «Tercera Guerra Mundial». Tres años después de su primer trabajo, Javi Valencia, Bubby Sanchís, Jesús Gutiérrez y Jaime Gutiérrez, regresan a escena con un trabajo mucho más maduro, y de la mano de Warner Music. Un año muy cargado para los andaluces, que se recorrerán la geografía española, entre conciertos y grandes festivales. Entre ellos, el Neox Rock Festival.
Pregunta. ¿En qué momento surge Full?, ¿por qué ese nombre?
Javi Valencia (Full). Full nace de, digamos, un tope al final de la banda que teníamos anteriormente. Éramos prácticamente los mismos integrantes, pero con otro nombre y otro estilo de música. Al final eso se cayó por su propio peso. Así que, tras llevar canciones nuevas al local, decidimos empezar de nuevo y embarcarnos. Surgieron nuevas ilusiones, que nos han traído hasta aquí. Evidentemente, cuando empezamos con los nuevos temas, le dimos vueltas al nombre que queríamos ponernos y ninguno nos valía. Solo sabíamos que queríamos uno corto, que se nos quedase rápido y que dijera algo. Salió Full y no sabemos si por cansancio, al no encontrar ninguno que nos gustase, nos decidimos por él, porque también recogía el concepto que queríamos transmitir: el de ir a por todas, de ir con el depósito lleno. No pensamos que luego iba a ser complicado para buscarnos [risas], pero ya nos valía.
¿Cómo nace «Tercera Guerra Mundial»?
J. Nace porque tenía que nacer. Tras nuestro primer disco, las ganas de continuar y el hecho de seguir tocando para la gente, aumentaron. Así que las ganas de sacar un nuevo trabajo, vienen solas. Y si has aprendido algo, eso después se revierte y se nota en el disco. Creo que al final es cuestión de matemáticas el hecho de que saliera.
¿Podrías definirlo en pocas palabras?
J. Es una clara evolución hacia la línea o una evolución en el camino de Full. Pero no sabría entrar en matices de: «esto es una épica». Y más yo, que soy el compositor. Entonces mi perspectiva es diferente. Aunque sí que he notado, sobre todo también por la respuesta de la gente, que ha habido un cambio, una mejora y evolución hacia la madurez.
¿De qué manera ha evolucionado Full desde «Mi primer atraco»?
J. Ha habido cambios, sobre todo en la madurez del sonido. Las letras, además, abarcan otros temas y se ha intentado crear una narrativa diferente, pero sin perder esa profundidad que ya teníamos con anterioridad.
¿Qué ha supuesto para vosotros publicar vuestro segundo disco con Warner Music?
J. El disco lo hicimos antes de firmar con Warner. Una vez producido el álbum, nos sentamos con ellos, escuchamos lo que nos ofrecían y evidentemente, lo que nosotros les podíamos dar también a ellos. Desde luego, hasta el día de hoy, hemos notado una respuesta mucho mayor en lo referente a medios, de los cuales no disponíamos anteriormente. Al final, son todo respuestas y conexiones. Al llevar tantos años y tantos artistas, podemos usar herramientas que antes estaban mucho más lejos para nosotros.
¿Por qué elegisteis «Aullando» como primer adelanto?
J. Quizás porque era la canción que más a la primera podía entrar, de todas las del disco. También porque era un tema que ya habíamos tocado antes de sacar el álbum, y sabíamos que tenía muy buena acogida. Aunque la gente no la conociera, como conocían las del primer disco. Entre una cosa y otra, pensamos que podría ser la mejor carta de presentación. No es una canción que resume el disco, pero sí que es una muestra de lo que va a venir.
¿Cuál dirías que es la canción que resume el disco?
J. «Tercera Guerra Mundial» por el nombre [risas]. Y porque de todas las canciones, es la que habla un poco sobre lo que es para nosotros la Tercera Guerra Mundial. O más bien, cómo se ha llegado a ella. Es básicamente, una guerra de conciencia. Y de una manera u otra, las canciones del disco hablan sobre ello: la conciencia, la actitud, las situaciones y cómo nos desenvolvemos en ellas.
Poco antes de que el álbum viera la luz, presentasteis en acústico el tema «Gravedad», en Malditos Domingos. ¿Qué significó para vosotros esta presentación?
J. La verdad es que teníamos que interpretar un tema en acústico, uno que te pudieras poner un domingo por la mañana en tu casa. Y vimos que el que más encajaba era «Gravedad», porque es la canción lenta que mejor se puede tocar en acústico. Pero no fue a nivel de presentación, aunque es cierto que después nos gustó el resultado. Fue una especie de guiño al disco, donde aparece el tema, pero no exactamente de la misma manera en la que lo tocamos en Malditos Domingos. El peso de la letra daba indicativos de la línea por la que queríamos ir.
Habéis debutado con grandes artistas en festivales como el SanSan, el Spring Festival; y lo haréis en otros como el Festival de los Sentidos o el Festival de les Arts. ¿Qué supone para vosotros actuar en todos ellos?
J. Es una alegría y honor que todos los años te sigan llamando. En el Arenal Sound, por ejemplo, tocamos por primera vez ya hace unos cuatro años. Y cuando me lo dijeron, salí a la calle corriendo de la felicidad [risas]. Es un orgullo ver cómo tu música llega cada vez a más gente y sitios, y que además, luego recibes una respuesta de ahí. Todas estas buenas sensaciones se incrementan cuando incluso antes de salir al escenario, escuchas al público cantar tus canciones. Es muy bonito y hace que todo esto tenga sentido.
También formáis parte del cartel del Neox Rock Festival. ¿Cómo se os plantea esta oportunidad?
J. Muy bien, como todos los festivales realmente. De hecho, estamos con bandas con las que coincidimos en muchos otros festivales. Al final, se parecen a las quedadas que haces los fines de semana con los amigos [risas]. Y que Neox haya querido contar con nosotros es una alegría.
¿Full es más de festivales o de conciertos pequeños?
J. Cada cosa tiene su momento. Es como decir, ¿tú que prefieres: ir de fiesta o quedarte en tu casa? Según qué día [risas]. En los festivales está claro que te lo pasas muy bien, pero igual que en las salas. Sí que es cierto que en los festivales tienes mucho menos tiempo para actuar. Igual pasa con el repertorio: en los primeros, tiene que ser mucho más dinámico. En una sala puedes jugar mucho más con él.
Con Rayden surgió todo de manera diferente. Yo siempre lo he seguido mucho, desde las batallas de gallos, en las que incluso llegaba a imitarlo. Pero por casualidades de la vida, años después, coincidí con él en el Share Festival, que fue donde nos conocimos en persona (aunque ya nos conocíamos de antes). La verdad es que es un tío increíble y fue muy guay porque también tenemos como energías muy parecidas. Total, que fue a días de vernos cuando volví a hablar con él para preguntarle directamente y decirle: «Tal Vez sale la semana que viene y quiero que estés, no sé cómo lo vamos a hacer». Enseguida me dijo que sí, escribió su fragmento y me lo pasó enseguida. Y, efectivamente, la canción vio la luz cuando tocaba. Es increíble.
